martes, 30 de junio de 2015

Violet (Bas Devos)

Título original: Violet
Año: 2013
Duración: 82 min.
País: Bélgica

Director: Bas Devos
Guión: Bas Devos
Música: Deafheaven
Fotografía: Nicolas Karakatsanis
Reparto: César De Sutter, Raf Walschaerts, Koen De Sutter, Mira Helmer

En Violet conoceremos a Jesse, un adolescente que sufre la pérdida de uno de sus amigos de forma violenta. Este hecho, esta muerte tan cercana y vívida, creará un punto de inflexión en su existencia, y seremos testigos de ello, de sus emociones, del rechazo en los que le rodean y de cómo la tragedia tiene numerosas perspectivas y formas de vivirla.

Bas Devos escribe y dirige esta arriesgada propuesta Belga que nos acerca al pequeño microcosmos de un grupo de amigos cuya vida gira en torno a las bicicletas y sus reuniones, al impacto que en ellos tiene la muerte de un adolescente. El guión escapa absolutamente de los convencionalismos de este tipo de argumentos. Donde habitualmente encontraríamos la violencia, el sexo...etc como elementos recurrentes en la destrucción adolescente frente a la desesperanza, el dolor o la ira, en "Violet" brilla con acierto el silencio, el dolor contenido y su forma de dibujar la confusión, la desorientación... su protagonista agoniza, se destruye ahogado por su dolor, pero por unas vías tan reales como en extrañas ocasiones hemos visto en pantalla.

Para ello, además de la inclusión de hipnóticas y alucinógenas imágenes, ora plenas de quietud y misterio, ora frenéticas, el recurso más utilizado serán largos planos fijos donde acompañaremos a Jesse en su viaje interior a la par que en su rutina, momentos familiares...etc. Este factor, y la sabia perspectiva de la cámara, hará que el espectador viaje de la tercera a la primera persona y empatice con facilidad con las emociones. Por contra, hay tramos del film donde estos recursos, a mi entender, pasan del uso al abuso, extendiéndose demasiado en el tiempo y logrando el efecto inverso, aburrir y distender la atención de la audiencia.

En conclusión, nos encontramos ante un buen trabajo interpretativo de su elenco, un buen  fondo, una buena idea y unas potentes maneras narrativas lastradas por un ritmo agonizante a tramos y una reiteración de en exceso dilatados planos secuencia.

Enoch
Valoración:5/10
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Dos Disparos (Martín Rejtman)

Título original: Dos disparos
Año: 2014
Duración: 105 min.
País: Argentina
Director: Martín Rejtman
Guión: Martín Rejtman
Música: Diego Vainer
Fotografía: Lucio Bonelli
Reparto
Susana: Pampín, Rafael Federman, Benjamín Coelho, Manuela Martelli, Walter Jakob, Camila Fabbri, María Inés Sancerni, Fabián Arenillas, Claudia Cantero, Daniela Pal, Laura Paredes, Mariel Fernández

"Dos Disparos" es una historia propiciada por un desafortunado incidente, por cómo un adolescente, tras hallar en su casa una pistola, decide sin razón aparente apretar por dos veces el gatillo, contra su sien y su estómago. Una de las balas apenas provocará una brecha, la otra se quedará en su interior. En esta historia viajaremos con su protagonista y su tragicomedia, pero igualmente con todos aquellos que le rodean en su existencia tras este fatídico evento. Conoceremos sus inquietudes, sus miedos, y veremos cómo se ven afectados, o no, por lo acontecido.

Esta producción argentina, de peculiares formas narrativas, ha pasado por éxito por festivales de prestigio como San Sebastián, Locarno o el Atlántida Film Fest provocando dispares reacciones en el público en función de su conexión (o no) con el modo de dar forma a una extraña historia y los recursos cinematográficos utilizados.

"Dos Disparos" parece quedar silenciada tras el estruendo inicial de la pistola. A partir de ahí los diálogos se difuminan, y el desarrollo de la historia y sus personajes se fundamenta mucho más en lo que hacen que en lo que dicen, factor que queda en un muy segundo plano tras los sonidos ambientales y lo parco en palabras de su guión. Las historias paralelas se concatenan, no siempre con coherencia o vínculo argumental, en ocasiones sin apenas lógica, como piezas de un gran puzzle que no encajan entre sí pero que parecen ir en algún lugar en torno al núcleo central. Entre el caos subyace la comedia, pero es tan sutil y velada que al ánimo del espectador medio le costará hallarla ocupado como se encontrará buscando sentido al conjunto.  Su falta de linealidad y concesiones deja un caleoidoscopio de momentos que o bien enganchan desde el principio, o sumen a la audiencia en el tedio absoluto. Es de ese tipo de films que se adoran o se aborrecen, en mi caso, pese a que reconozco su buen hacer cinematográfico en muchos recursos, no conseguí apreciar sus encantos. Prescindible.

Enoch
Valoración:4/10
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lunes, 29 de junio de 2015

Beyond Clueless (Charlie Lyne)

Título original: Beyond Clueless
Año: 2014
Duración: 89 min.
País: Reino Unido

Director: Charlie Lyne
Guión: Charlie Lyne
Música: Summer Camp
Reparto:: Documentary, Fairuza Balk

"Beyond Clueless" es un documental que ahonda en una de las más complejas fases del crecimiento del ser humano, la adolescencia. Para ello utiliza un vehículo cinematográfico, las películas "teen" que tanto proliferaron durante los años noventa y que tras su envoltorio de mero entretenimiento escondían un trasfondo más elaborado de lo que a primera vista pudiera parecer.

Entre los numerosos títulos elegidos hallamos muchos muy conocidos e icónicos de una época, como "Jóves y Brujas", "Sé lo que hicísteis el último verano", "Destino Final" o "Ginger Snaps" (y un largo etcétera hasta alcanzar los 200 films) igual que reconocible es la voz en off que, capítulo a capítulo es la guía en este viaje tan centrado en una época como atemporal en sus bases, ella es una estupenda Fairuza Balk, al inolvidable hechicera carismática y malvada de "Jóvenes y Brujas".

"Charlie Lyne" escribe y dirige este largometraje que lejos de quedarse en una mera selección y yuxtaposición de instantes cinematográficos, es un inteligente estudio psicológico y fílmico que nos hace asomarnos a lo que no vimos en películas mil veces vistas, y que lejos de aburrir, consigue que, tanto atendiendo al filosófico trasfondo, como disfrutando con el melancólico recuerdo de films olvidados y la visita a la adolescencia de actores y actrices ahora ya consagrados, nos entretengamos al máximo.

En conclusión, "Beyond Clueless" es una película altamente recomendable no sólo para los amantes de los documentales de calidad, sino para cualquier adepto al cine. Su simpática nostalgia engancha instantáneamente, su discurso convence e interesa, su estructura y desarrollo no agota ni decae en ritmo y contenidos, y el conjunto entretiene con su notable resultado.

Enoch
Valoración:7/10
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Mercuriales (Virgil Vernier)

Título original: Mercuriales
Año: 2014
Duración: 108 min.
País: Francia

Director: Virgil Vernier
Guión: Mariette Désert, Virgil Vernier
Fotografía: Jordane Chouzenoux

Reparto:Philippine Stindel, Ana Neborac, Annabelle Lengronne, Jad Solesme

"Mercuriales" nos sitúa en dos torres gemelas parisinas como punto de partida para contarnos una historia universal que a la par no parece de este mundo, sino del planeta "Mercurio" al que hace referencia su título, un lugar frío, nocturno y de escasa gravedad. En ese entorno entre híper realismo y trasnochada ensoñación se mueven las protagonistas de esta extraña historia de amistad, soledad y búsqueda.

Difícil resulta incluso redactar una Sinopsis para esta cinta que más que una historia con más o menos linealidad o coherencia resulta un mosaico de momentos inconexos, discordantes, de violentos colores y pálidos vacíos. Los personajes que nos muestra el film parecen no más que el cinturón de asteroides que gira en torno a las "Mercuriales", rocas que flotan, colisionan, se acercan y alejan por caprichos del destino que inclinan sus decisiones.

Con ello, la confusión en el espectador está garantizada, y lo que comienza como una hipnótica propuesta pronto consigue tanto desinterés como tedio por una historia con unas ideas tan escasamente desarrolladas como resueltas. Escenas, momentos, episodios de unas vidas que nos presentan la radiografía anímica de sus habitantes, engranajes de una historia que no parecen encajar entre sí y no arrastran el motor de la película.

En su favor apuntaremos un llamativo uso de la luz, a través de una interesante fotografía que sabe todo cubrirlo de un halo de irrealidad y ensoñación... un interesante recurso, que, sin embargo no resulta lo suficientemente potente para levantar el conjunto de una película que, para mi paladar cinéfilo, se ha quedado muy lejos de donde esperaba. Decepcionante.

Enoch
Valoración:3/10
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40 Days Of Silence (Saodat Ismailova)

Título original: Chilla
Año: 2014
Duración: 88 min.
País: Uzbekistan

Director: Saodat Ismailova
Guión: Saodat Ismailova, Ulugbek Sadikov
Música: Jacob Kirkegaard
Fotografía: Benito Strangio
Reparto: Rukhshona Sattarova, Barohat Shukurova, Saodat Rahimova, Farida Olimova

"40 Días de Silencio" hace referencia al tiempo que la protagonista de esta intimista historia habrá de pasar con sus labios sellados, sin emitir palabra alguna. Bibicha, una mujer uzbeka, pondrá en marcha esta práctica de "cuarentena" común en países de ascendencia persa, precipitándose en un profundo abismo de meditación y penitencia. Pero el silencio no será sinónimo de aislamiento, pues una de las más duras pruebas de este ritual será para Bibicha compartirlo con su familia, de la que tres generaciones, además de ella misma, coexisten bajo el mismo techo como vivas tentaciones de romper el voto de absoluto silencio.

El film llevará al espectador de la mano de la protagonista en esta silenciosa experiencia, hará estruendoso su silencio y jugará sabiamente con el uso de las atronadores ajenas conversaciones o ruidos del entorno. Privados de interacción verbal de la protagonista habremos de acceder a su rico mundo interior a través de los pequeños detalles, lo sugerido y lo expresado por la insondable mirada de la actriz que encarna a Bibicha con soltura y profundidad.

El color será otro lenguaje muy a tener en cuenta en esta producción que roza el cine experimental. La viveza de un abanico de potentes tonos (y la pureza de los absolutos blancos) serán otro ingrediente imprescindible para transmitir a la audiencia el existencial viaje mostrado en pantalla y son utilizados con sabia inteligencia.

Con todo ello, "40 Days of Silence" es una experiencia cinematográfica interesante, que si bien no resulta recomendable para todos los públicos, sí que merece la pena, aunque requerirá del espectador un esfuerzo extra para lograr disfrutarla, tanto por su aspecto formal como por ese silencio que se extiende a las incógnitas que plantea el argumento, siendo la audiencia quien deberá rellenarlo con sus propias conclusiones.

Enoch
Valoración:6/10
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sábado, 27 de junio de 2015

Blind Dates (Levan Koguashvili)

Título original: Shemtkhveviti paemnebi (Brma paemnebi)
Año: 2014
Duración: 99 min.
País: Georgia Georgia

Director: Levan Koguashvili
Guión: Levan Koguashvili, Andro Sakvarelidze, Boris Frumin
Fotografía: Tato Kotetishvili

Reparto: Andro Sakhvarelidze, Ia Sukhitashvili, Archil Kikodze, Vakho Chachanidze, Kakhi Kavsadze, Marina Kartsivadze

Sandro es un introvertido profesor de colegio cuyos padres están muy preocupados porque, tras haber pasado la barrera de los cuarenta años, continúa viviendo con ellos y no encuentra mujer con la que contraer matrimonio y comenzar una vida independiente. Por ello se empeñan en que salga y conozca candidatas para compartir la vida. Sandro, sumido en una melancólica y contemplativa calma, ajeno a tal preocupación, enfoca todas sus esperanzas en Manana, una peluquera madre de una de sus alumnas, de quien está secretamente enamorado. La aparente paz se verá rota por la salida de la cárcel del marido de su objeto de afecto, momento a partir del cual se verá arrastrado por los acontecimientos.

Desde Georgia llega esta producción, una agridulce comedia que aún en sus momentos más  aparentemente simpáticos esconde una amargura latente. Tal ánimo lo destila un correcto elenco de actores, comedidos en sus gestos y emociones que saben transmitir a la cámara el lastre vital que arrastran, sus pesares silenciosos, a la par que su ánimo por, pase lo que pase, continuar adelante.

Concatenando situaciones cotidianas, costumbristas y aparentemente intrascendentes  e hilándolas con escenas donde la acción es más vívida y turbia una vez entra en escena el expresidiario, el guión nos narra con sutileza pinceladas de unas vidas, de una sociedad y un momento, cargadas de notables ideas sugeridas que será el espectador quien deba elaborar.

Agradable es su fotografía, colorista, en contraste con unas existencias plenas de gris, que logra traer a la memoria cinéfila el cine de Kaurismäki, al que evoca sin acercarse a su calidad.

Con todo ello "Blind Dates" se constituye como una película interesante, bien realizada, un tanto lenta y obtusa a tramos, pero disfrutable. Sin demasiado genio en el cuerpo, pero de digno visionado, un ejemplo más de que el cine de Georgia está muy vivo y con mucho que decir.

Enoch
Valoración:5/10
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Videofilia (y otros síndromes virales) - (Juan Daniel F. Molero)

Título original: Videofilia (y otros síndromes virales)
Año: 2015
Duración: 112 min.
País: Perú

Director: Juan Daniel F. Molero
Guión: Juan Daniel F. Molero
Música: Carlos Gutiérrez Quiroga
Fotografía: Omar Quezada

Reparto: Muki Sabogal, Terom, Caterina Gueli Rojo, Michel Lovón, José Gabriel Alegría Sabogal, Alfredo Villar, Manuel Siles, Rafael Gutiérrez, Tilsa Otta, Liliana Albornoz

"Videofilia" se centra en la historia de dos jóvenes, una menor, Luz, y Junior, un joven en busca de la diversión extrema obsesionado por el sexo y su registro en imágenes. Ambos tendrán varios encuentros íntimos a través de las redes, pero no tardarán en encontrarse cara a cara y explorar las posibilidades de su relación. Todo esto sucede tras el no cumplimiento de la profecía del apocalípsis Maya, tras el que algo destructivo, una suerte de extraño virus cibernético, parece haber nacido de las tinieblas con dudosas intenciones...

La película, rodada con los más discretos recursos, es una amalgama de géneros que flirtea con el drama, la crítica social e incluso lo sobrenatural. "Videofilia" nos acerca a una juventud intoxicada por las viciadas relaciones y la nueva moral creada por la ausencia de intimidad que la tecnología y las redes han ido creando en los últimos tiempos. Nos aproxima a su desesperanza, a su búsqueda de experiencias, a su hedonismo y nos asoma al precipicio de un vacío existencial.

La elección del reparto, el formato, a tramos, de forzado cine amateur. la invasión de buscados píxeles y la dudosa puesta en escena a cada ocasión en que el virus entra en escena, dota al film de una estética entre realista y experimental que genera una sensación tan alucinógena como molesta. A todo ello se le suma la inclusión de material sexualmente explícito que parece buscar la controversia y el impacto en un tiempo en el que esos recursos ya no escandalizan a nadie con lo que se siente gratuíto y forzado.

Con todo ello, y pese al éxito obtenido en diversos festivales por los que ha pasado,  "Videofilia" me ha resultado un producto de cansino visionado con un muy mejorable guión y formas que rozan lo pretencioso tratando de tapar un fondo con bastante menos calidad de lo esperado. Fallida.

Enoch
Valoración:2/10
Trailer:

viernes, 26 de junio de 2015

Tonight and the People (Neil Beloufa)

Título original: Tonight and the People
Año: 2014
Duración: 81 min.
País: Francia

Director: Neil Beloufa
Música: Arnaud Ledoux
Fotografía: Guillaume le Grontec
Reparto: Joseph Bastian, Curtis Tyrone Scott, Sumiko Braun, J.T. Vancollie

La noche cae sobre una California de extraña estética, una parodia de la realidad, una maqueta de grandes dimensiones donde personajes de carne y hueso se encuentran. El apocalípsis se cierne sobre California, una amenaza se respira en el ambiente y sus habitantes son extrañamente conscientes de que algo que transformará su existencia se acerca. Personajes y ambientes distintos, pero un factor común, los pañuelos rojos simbólicos que nos acercan a subculturas varias que reflexionan sobre la vida, el sexo, el rock la muerte... temas trascendentales de una humanidad que pende de un hilo.

Neil Beloufa nos presenta con un tono cínico un mundo y una sociedad acartonadas subrayando su intención con unos decorados descaradamente poco realistas, una poco natural iluminación y unos actores que crean unos personajes sobreactuados, artificiales. Contextos y debates de profundo calado se contraponen con este envoltorio remarcando así las contradicciones de una sociedad tan anclada en lo superficial como capaz, si se lo propone, de ir más allá... antagonismos que hacen que el destino oscile entre la esperanza y la destrucción.

Con todo ello, "Tonight and The People" se constituye como una película alejada del típico formato cinematográfico, más cercana al video arte en el que su director tiene amplia experiencia. Su no disimulada crítica ausente de sutileza interesa pero arriesga menos de lo esperado y su discurso, a través de las palabras de sus personajes y las situaciones que viven, despierta la reflexión pero no consigue tanto calado como se pudiera desear. Un ejercicio creativo digno pero sin demasiada fuerza. Interesa y entretiene de forma discreta, pero el olvido de su mensaje es automático. Fallida.

Enoch
Valoración:4/10
Trailer:



miércoles, 24 de junio de 2015

Ruined Heart: Another Lovestory Between a Criminal & a Whore (Khavn)

Título original: Ruined Heart: Another Lovestory Between a Criminal & a Whore
Año: 2014
Duración: 73 min.
País: Filipinas

Director: Khavn (AKA Khavn de la Cruz)
Guión: Khavn (AKA Khavn de la Cruz)
Música: Brezel Göring
Fotografía: Christopher Doyle

Reparto: Tadanobu Asano, Nathalia Acevedo, Elena Kazan, Mico Madrid, Vim Nadera, Yumi Kris, Brenda Mage, Andrew Basco, Edgar Noble, Daizuki Laxa, Mark Anthony Robrigado

"Ruined Heart" es una peculiar propuesta que nos lleva de la mano de un inusual criminal que habrá de caer enamorado de una prostituta. Su afán por conquistarla y la historia de peligroso amor que ambos vivirán les arrastrará por todo tipo de peripecias, aventuras y desventuras, en las que sus emociones y, sobre todo, la música, serán el hilo conductor.

Nacido de un cortometraje, el proyecto "Ruined Heart", escrito y dirigido por Khavn, crece adoptando coloristas y musicales formas, destilando reminiscencias al cine de Wong kar wai y su poesía visual hasta constituirse en el inclasificable y frenético largometraje que ha conseguido colarse en la sección oficial del Atlántida Film Fest 2015.

En su favor juega una muy cuidada fotografía a cargo de un Christopher Doyle en estado de gracia, que con su paleta de colores y su creatividad, unida al sabio criterio del director tras la cámara, consigue crear un artístico efecto y vestir de gala hasta el escenario y la situación más sórdida dotando al film de un cierto halo onírico y sorprendente.

Sorprende su lenguaje, su escaso diálogo que en la mayor parte de la película es sustituido por una más que ecléctica selección musical que junto a la expresiva labor de sus actores, resulta el verdadero vehículo narrativo. Pero es en este factor donde el film se tambalea, pues lejos de adoptar la estructura de un musical al uso, gira hacia una estética y formas propias de videoclip que se siente excesivo y puede terminar resultando cansino pese a lo fresco de su comienzo.

Una propuesta extraña y peculiar, que entretiene pero termina saturando un poco.

Enoch
Valoración:4/10
Trailer:

Ela volta na quinta (André Novais Oliveira)

Título original; Ela volta na quinta
Año: 2014
Duración: 108 min.
País: Brasil

Director: André Novais Oliveira
Guión: André Novais Oliveira
Fotografía: Gabriel Martins
Reparto: Maria José Novais Oliveira, Norberto Novais Oliveira
Productora: Filmes de Plastico

André Novais Oliveira, el director y guionista del film, nos lleva con "Ela Volta Na Quinta" a la intimidad de su familia rodada en un formato híbrido entre ficción y documental.
La película se centrará en la figura de sus padres, un matrimonio que lleva unido más de 35 años y que unido ha luchado por sacar adelante a sus dos hijos. El tiempo ha pasado y la pareja, cumplidas sus metas familiares, regresa a la soledad, a la única mutua compañía. Conoceremos su día a día, su rutina, y las inquietudes que les arrastrarán a una conyugal crisis.

El film se nutre de escenas cercanas, sencillas, ora íntimas, ora intrascendentes, para acercarnos a la realidad más auténtica de unos personajes con los que es sencillo sentir empatía, así como comprender su historia y emociones. Este nivel de verdad trata de transmitirse a la audiencia no sólo mediante los momentos elegidos de la existencia de esta pareja y los que les rodean, sino en la forma de ser filmados, mediante unos más que extendidos planos-secuencia sin artificio, directos.

Este formato, dada la duración de la película, resulta un arma de doble filo, pues si bien consigue un gran realismo en lo contado, el abuso del mismo, sobre todo en momentos de escasa trascendencia narrativa, logra poner a prueba la paciencia del espectador medio y consigue que su visionado se haga duro y dilatado. Con toda la emoción subyacente en lo contado, este factor desapega de sus protagonistas y su devenir y hace que la implicación sea menor restando alma al conjunto.

Una interesante propuesta que no termina de ser redonda, una película a la que más de un tijeretazo a su metraje haría ganar muchos enteros. Fallida.

Enoch
Valoración:4/10
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Life May Be (Zendegi Shayad - Mark Cousins y Mania Akbari)

Título original: Zendegi shayad
Año: 2014
Duración: 80 min.
País: Irán

Director: Mania Akbari, Mark Cousins
Guión: Mania Akbari, Mark Cousins
Fotografía: Mania Akbari, Mark Cousins
Reparto: Mania Akbari, Mark Cousins
Productora: Hibrow Productions

"Life May Be" representa el traslado a celuloide de cinco epístolas entre dos cineastas enamorados del séptimo arte. El documental, creado por Mania Akbari, una afamada actriz iraní que se vio forzada a abandonar su país, y Mark Cousins, director y escritor. Ella se vio forzada a dejar Irán, país con el que él sueña,  y encontró un nuevo hogar en Inglaterra, el lugar de origen de su compañero de aventura epistolar.

Este artístico documental intercala sus impresiones, sus pensamientos, sus sueños, y analiza desde los más ligeros y mundanos temas hasta los más polémicos, poéticos y filosóficos. Dejar la propia tierra, la memoria, la imagen... son asuntos sobre los que ambos cineastas divagan dejando que su lenguaje creativo haga el resto.

Paisajes preciosistas en movimiento, fotos fijas, obras de arte y apariciones de los propios creadores en pantalla son la excusa, el marco, el soporte sobre el que se vuelca, en modo voz en off, su narrativa. El contenido de sus textos posee una cadencia tan lírica como acariciante es el tono de sus voces que, hilado con la melancolía de las imágenes, llevan al espectador a un hipnótico estado, lo arrastran en su soñador y realista viaje al corazón de sus inquietudes.

Interesante en sus formas y su fondo, la película puede verse perjudicada ante cierto sector del público por lo poco cercano de su planteamiento, su repetitiva estructura y por la cadencia monocorde del relato, que puede conseguir que la ensoñación sueño tedioso se torne. No obstante, atendiendo a lo artístico exclusivamente, "Life May Be" tiene la calidad suficiente para satisfacer retinas en busca de creativas formas y agradar a mentes inquietas, y despiertas, que conecten con su discurso.

Enoch
Valoración:5/10
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martes, 23 de junio de 2015

Favula (Raúl Perrone)

Título original: Favula

Año: 2014
Duración: 84 min.
País: Argentina

Director: Raúl Perrone
Guión: Raúl Perrone
Música: Dj Negro Dub
Fotografía: Raúl Perrone

Reparto: Lucia Ozan, Nix Noise, Aleli Sueldo, Sara Navarro, Sergio Boggio, Juan Rodriguez, Roberto Neira, Miguel Sirna
Productora: Las Ganas que te Deseo

Favula es un cuento hipnótico, oscuro y artístico que se desarrolla en una casa perdida, rodeada de una extraña jungla plagada de sombras. Allí encontraremos a una atípica familia, marginal, cuya existencia pondrá patas arriba la llegada de una adolescente que provocará hechos inesperados.

Raúl Perrone escribe y dirige esta inclasificable cinta que pese a homenajear grandes momentos y autores cinematográficos, se adscribe más a lo experimental y al video arte que a cualquier cosa a la que estemos acostumbrados a visionar en nuestras pantallas.

Rodada con escasos diálogos, siendo casi exclusivas narradoras las imágenes hechizadas por una alucinógena fotografía firma del propio director, viviremos las peripecias del peculiar elenco de personajes y recordaremos en sus formas momentos del celuloide perdidos en la memoria, con reminiscencias a Mélies o Fritz Lang, entre otros muchos, enlazados con recursos mucho más contemporáneos plenos de creatividad.

Otro factor omnipresente y elemento clave de su lenguaje es una estridente banda sonora, a cargo de Dj Negro Dub que resulta tan seductora como molesta subrayando no sólo los acontecimientos sino la creación de unos actores aparentemente salidos de un cine mudo perdido en el tiempo.

Muchos son los elementos artísticos que encumbran la obra como algo diferente y creativo, extraño, curioso, e interesante a tramos, pero, a mi gusto cinéfilo, "Favula" se excede en sus pretensiones, que si bien me hubieran fascinado en un corto, no tardan, en su formato largometraje, en invocar el bostezo y la pérdida de atención, el tedio que lastra el ánimo del espectador medio. Como ya hemos constatado de alguna otra obra presentada en la sección oficial del Atlántida Film Fest 2015, estamos ante un trabajo más propio de proyectarse en el silencio de la sala de un museo que en una pantalla de cine. Un film de peculiar calidad pero no apto para todos los públicos y de complicada recomendación.

Enoch
Valoración:4/10
Trailer:

lunes, 22 de junio de 2015

Pas á Genéve (Colectivo Lacasinegra)

Título original;Pas á Genéve

Año: 2014
Duración: 67 min.
País: España
Director: Colectivo Lacasinegra
Guión: Colectivo Lacasinegra
Fotografía: Colectivo Lacasinegra
Reparto: Documentary
Género: Documental. Drama | Cine experimental

En Julio de 2011 un grupo de cineastas se desplaza a Ginebra, coincidiendo con el auge del 15M en España. Separados de aquello que despierta sus inquietudes, los jóvenes tratarán de llenar su tiempo y dar rienda suelta a su creatividad registrando absolutamente todo lo que les rodea…

“Pas á Genéve” es un extraño proyecto realizando por el colectivo “Lacasinegra”, un grupo que trata de romper moldes con esta producción propia que se aleja absolutamente del cine convencional para adentrarse en el terreno de lo experimental.

Imágenes inconexas, sonidos intrascendentes observados con minucia que saturan los oídos mientras el tedio de la nada invade la retina, conversaciones triviales…etc son los ingredientes de esta propuesta que, pese a sus limitados 67 minutos de duración, resultan una prueba de paciencia para el espectador medio que ve transcurrir ante su mirada extrañada esta realidad alucinada

Presentada en la Sección Oficial del Atlántida Film Fest 2015, “Pas á Geneve” me ha parecido la propuesta más tediosa y de más dificil visionado de su oferta y, para mi gusto, un producto de nulo disfrute cinéfilo. Lo hermético de su planteamiento, lo repetitivo y extendido de escenas de contenido tan obtuso que la línea narrativa se siente inexistente me ha dejado un regusto amargo, pues ni la encuentro buen cine, ni aún tratando de verla bajo el prisma del vídeo arte, aceptable. Cine experimental, sin duda, pero a mi entender, un experimento absolutamente fallido.

Enoch
Valoración:1/10
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Insidious: Capítulo 3 (Leigh Whannell)

Título original: Insidious: Chapter 3

Año: 2015
Duración: 97 min.
País: Estados Unidos

Director: Leigh Whannell
Guión: Leigh Whannell
Música: Joseph Bishara
Fotografía: Brian Pearson
Reparto: Dermot Mulroney, Lin Shaye, Hayley Kiyoko, Stefanie Scott, Leigh Whannell, Angus Sampson, Michael Reid MacKay, Tate Berney, Anna Ross, Ashton Moio, Ele Keats, Steve Coulter, Tom Fitzpatrick

Una adolescente, tras el reciente fallecimiento de su madre, cree  que esta trata de contactar con ella desde el más allá. Confusa, y deseando abrir ese canal de comunicación sobrenatural, la joven acude a pedir ayuda a Elise Rainier quien, pese al rechazo inicial, se lanzará en su ayuda al descubrir que la presencia que ronda a la adolescente no es su madre, sino un ente de maléficas intenciones.

La secuela de Insidious cumple el tópico de ser “más de lo mismo, pero peor” en esta tercera entrega que se sitúa en el tiempo en una época anterior a lo narrado en sus predecesoras. El nexo de unión será Elise,  (Lin Shaye), una mujer de sobrenaturales dones capaz de adentrarse en ambos mundos, el de los vivos y el de los muertos, y se erige como heroína ayudando en cada entrega  a quienes son asediados por los muertos.
Es ella, Lin Shaye, y su personaje, agradable creación que evoca tanto sonrisas como escalofríos, quien destaca y resulta lo más salvable de un reparto que solventa sus interpretaciones sin excesiva gracia ni intensidad.
En cuanto al factor técnico, el film resulta también correcto aunque más discreto que sus antecesoras. Es el guión, firmado por Leigh Whannell (que también dirige la cinta) su punto más flaco, pues no termina de brillar al no conseguir lograr inquietud ni miedo alguno ni aún en los puntos más álgidos, al contrario, termina creando más de una situación inesperadamente cómica o simpática.

Con todo ello, “Insidious 3” es más pequeña, más discreta, menos terrorífica y atmosférica, pero no por ello es un mal film, pues consigue un entretenimiento bastante más agradable que la mayoría de películas de su estilo, más aún siendo una secuela. Para pasar el rato sin pedirle grandes resultados es más que aceptable.

Enoch
Valoración:5/10
Trailer:

sábado, 20 de junio de 2015

Uno Tras Otro - In Order of Disappearance (Kraftidioten - Hans Petter Moland)

Título original: Kraftidioten (In Order of Disappearance)
Año: 2014
Duración: 115 min.
País: Noruega

Director: Hans Petter Moland
Guión: Kim Fupz Aakeson
Música: Brian Batz, Kaspar Kaae, Kåre Vestrheim
Fotografía: Philip Øgaard

Reparto: Stellan Skarsgård, Bruno Ganz, Pål Sverre Hagen, Birgitte Hjort Sørensen, Jakob Oftebro, Anders Baasmo Christiansen, Peter Andersson, Tobias Santelmann, Kristofer Hivju, Jan Gunnar Røise, Kåre Conradi, Gard B. Eidsvold, David Sakurai, Hildegun Riise

Nils es un retraído trabajador que pasa sus días retirando la nieve de las carreteras. Su rutina se verá quebrada por la noticia de la muerte de su hijo, tras una sobredosis. Incrédulo ante la causa que este fallecimiento, este padre destrozado comenzará a investigar y no tardará en percatarse de que poco de cierto hay en ello y que una red de narcotráfico se oculta tras lo que no ha sido otra cosa que un asesinato. Los resultados de sus pesquisas le arrastrarán a una espiral de muerte y destrucción donde no sólo él, sino varias bandas armadas, comenzarán una personal guerra.

En "Uno tras Otro", Hans Petter Moland, ha reunido un más que notable elenco de rostros conocidos, tanto en el cine nórdico como internacional, consiguiendo que todos ellos, sobre todo su protagonista, Stellan Skarsgard, realicen un estupendo trabajo, tanto aquellos más taciturnos y oscuros como los más cómicos o caricaturescos.

Y es que "In Order of Disappearance" es una película que, pese a estar plagada de muerte, venganza y destrucción, destila humor (negro y hasta absurdo) a lo largo de su dilatado metraje, y ese es uno de sus puntos fuertes. Si bien puede traernos a la memoria un estilo de cine que nos recuerda a los hermanos Coen, su peculiar, gamberro pero elegante tono, le dota de un toque más que personal lleno de propio carisma.

A su favor apuntaremos también lo cuidado de su puesta en escena, tanto los espectaculares exteriores elegidos, como los detallados interiores, son brillantes, y se subraya su fría belleza mediante un trabajo de fotografía magnífico que bien sabe subrayar no sólo lo hermoso de las imágenes sino expresar con ellas los contrastes del fondo tono mismo del film.

En su contra quizás encuentro demasiado dilatada su duración y me hubiera resultado más agradable que, en su zona central, hubiera sustituido el repetido esquema que ofrece con los crímenes, por una mayor profundidad en el dibujo de ciertos personajes secundarios.

En conjunto, una película entretenida y agradable de ver, estupenda para los amantes del cine de frías latitudes y para aquellos cinéfilos que sepan esbozar perversa sonrisa ante el más negro y sangriento de los humores. Interesante.

Enoch
Valoración:6/10
Trailer:

Lunático (Eduard Solá)

Título original: Lunático
Año: 2014
Duración: 73 min.
País: España

Director: Eduard Solà
Guión: Eduard Solà, Mireia Ubero
Música: Adri Mena, Gerard Pastor
Fotografía: Ricard Canyellas, Clara Civit

Reparto: Eduardo Guerrero, Rosario Delgado, Carmen Flores, Adela Ayala, Eduard Solà

Los abuelos de Eduard Solá viven en la tranquilidad de un pueblecito catalán. Allí se desplazará el director para realizar un documental sobre ellos, narrará tanto su vida cotidiana como sus emociones, los recuerdos de lo que un día fue y que son cimientos de su vida actual, su relación, lo vivido y lo soñado. Entre el director y su abuelo pronto destilarán las imágenes una especial conexión, y veremos reflejado en ellas a un hombre, acostumbrado a lo largo de su longeva existencia a crear, inventar objetos de mayor o menor utilidad que no han hecho sino prepararle para su proyecto final, aquel que, en su senectud, les llevará a él y a aquella que siempre apoyó sus locuras, su amada esposa, más allá de esta vida, de esta tierra, de este planeta...

Eduard Solá plantea, a través de un formato de "cine dentro del cine" un acercamiento a la vida e intimidad de una pareja, que lejos de quedarse en la frialdad del documental, pronto atrapa al espectador sumergiéndolo en un círculo íntimo de emociones sencillas donde la empatía es automática, los personajes reales y la situaciones verosímiles pese a lo rocambolesco de las mismas. Nada de esto sería posible sin un gran trabajo, lleno de verdad y sencillez, de todos y cada uno de los actores, sobre todo por la pareja de ancianos bordando sus papeles, clave del film.

Igualmente la labor de guión y el hábil montaje del film, lo alejan de lo sensiblero y lacrimógeno sin perder un ápice de sentimiento, emoción, y, sobre todo, ternura. "Lunático" es una hermosa a la par que cercana historia, que nos habla sobre el amor, la familia, y, ante todo, el poder de la ilusión.

Particularmente me ha resultado una de las más agradables sorpresas del Atlántida Film Fest, una pequeña joya que nos recuerda cómo las pequeñas cosas pueden dar grandes películas, cómo en los personajes más cotidianos y las historias más insignificantes podemos encontrar héroes y épicas hazañas. Una película realizada no sólo con un buen hacer técnico sino con mucho corazón, tanto que sabe trascender la pantalla. Recomendable.

Enoch
Valoración:7/10
Trailer:

El Ardor (Pablo Fendrik)

Título original: El Ardor
Año: 2014
Duración: 90 min.
País: Argentina

Director: Pablo Fendrik
Guión: Pablo Fendrik
Fotografía: Julián Apezteguía

Reparto: Gael García Bernal, Alice Braga, Chico Díaz, Claudio Tolcachir, Jorge Sesán, Lautaro Vilo, Julián Tello


La acción nos sitúa en lo más profundo de la selva argentina, donde una familia humilde, dedicada al cultivo del tabaco, se verá presionada, asediada y amenazada para entregar sus terrenos a unos deforestadores que no dudarán en utilizar la máxima violencia contra ellos. El destino querrá que un joven chamán sin hogar se encuentre en el lugar cuando la muerte haga acto de presencia, y, de la mano de la única superviviente de la familia agredida, comience la venganza contra aquellos que traen destrucción y muerte a la jungla...

"El Ardor" es un film que aúna y entrelaza la selvática aventura con un estilo narrativo propio del más clásico de los westerns,  aderezando su director, Pablo Fendrik, el conjunto con toques de misterio que rozan lo sobrenatural.

Su elenco protagonista solventa sus creaciones con corrección, destacando entre ellos el papel de Gael García Bernal, encarnando al místico vagabundo, y a Alice Braga como la víctima y heroína de una historia cargada de moralina. Pero si algo brilla con luz propia en esta película es la fantástica fotografía de Julián Apezteguía, utilizando una paleta de colores, luces y sombras, que crea una estupenda atmósfera tanto estética como anímica.

En su contra, y su principal lastre, encontramos un guión, firmado por el propio director, que resta enteros al resultado final. Lo inverosímil de muchas situaciones, lo artificial de diversos diálogos y la sobredosis de moralista mensaje sumado a un ritmo irregular en su desarrollo que dota a la película de una innecesaria lentitud que choca frontalmente con su potente fondo, hacen de "El Ardor" algo que resulta mucho menos disfrutable de lo esperado. Pasable pero mejorable.

Enoch
Valoración:5/10
Trailer:

miércoles, 17 de junio de 2015

Stand by for Tape Back-up (Ross Sutherland)

Título original: Stand by for Tape Back-up
Año: 2015
Duración: 63 min.
País: Reino Unido

Director: Ross Sutherland
Guión: Ross Sutherland
Género: Documental | Cine experimental


Ross Sutherland nos propone con esta película un viaje a sus recuerdos, a lo más profundo de sus pensamientos, que parte de sí mismo para expandirse a relatarnos sus ideas sobre las eternas preguntas y el absoluto.

La excusa narrativa y punto de inflexión es la pérdida del abuelo del narrador ligada al hallazgo de una cinta de vídeo sobre la que, en sus encuentros familiares, grababan una y otra vez, habiendo quedado, con el paso del tiempo, plagada de fragmentos de cine y televisión, pedazos de una vida.

Sólo el contenido inconexo, incompleto y degradado de esta cinta será lo que el director nos muestre en pantalla y le sirva de partida para diferenciados pero concatenados discursos que van de lo más banal a lo más intrincadamente filosófico y poético, desde el lenguaje más coloquial, pasando por el rap y llegando a la lírica. En pantalla, reconocibles fragmentos del pasado, "El Mago de Oz", "Cazafantasmas", "Thriller", "El Principe de Bel Air" serán telón de fondo del discurso del hacedor de esta inclasificable cinta experimental, un telón que se rebobinará y reproducirá una y otra vez, una y otra vez...

Es indiscutible que la calidad artística del texto sobre el que se asienta esta película es más que notable, pero lo escaso de su trabajo de imagen hace que se descompense el proyecto completamente. Opulencia de palabras para apenas un puñado de abusados fotogramas. Es por ello, que a mi entender, el formato cinematográfico se le queda más que grande y la fórmula que utiliza, con mi paladar cinéfilo, no casa. Fallida.

Enoch
Valoración:3/10
Trailer:

martes, 16 de junio de 2015

Taller Capuchoc (Carlo Padial)

Título original:Taller Capuchoc
Año:2014
Duración:84 min.
País: España

Director: Carlo Padial
Guión: Carlo Padial
Música: Esteban Navarro
Fotografía: Nestor F.

Reparto: Miguel Noguera, Xavi Daura, Raquel Salvador, Josep Seguí, Jonathan Kovacs, Clara Rigby Reed, Víctor Parkas, Carla Berrocal, Vince Canalla, Angie Om, Joan Moreno, Jaume Martí

Un autor, tras el éxito de su primer libro, trata de establecer su modus vivendi como escritor y tratar de vivir una vida digna ligada a su arte.
No tardarán en ofrecerle posibilidad de dirigir un taller literario, que despertará todos sus recelos, pese a recomendárselo todos aquellos que le rodean, a caer en la mediocridad. Su mente, muy activa, comenzará a ver sombras y amenazas en cuanto, inevitablemente, y atendiendo a razones económicas, se ve forzado a tomar el trabajo...

Carlo Padial escribe y dirige esta película de extraño corte que nos acerca al rico mundo interior de la figura del escritor protagonista. Lejos de compleja retórica y metafórico lenguaje, "Taller Capuchoc" lleva al espectador por el camino del humor, la comedia y la sátira desde el punto de vista más subjetivo.

La continua voz del autor, bien a través de sus conversaciones con compañeros de profesión, con su psicoanalista, consigo mismo o con cualquiera de la variopinta galería de personajes con los que interacciona a lo largo del film, nos dibuja un intrincado entramado pensamientos que reflejan a la perfección los distintos estados anímicos y creativos del escritor de hoy en día, sus dudas, sus miedos, las mieles del éxito y el pavor de la derrota. Igualmente analiza desde una mirada propia  y de una forma bastante acertada y ácida, el panorama literario actual, tanto el más elitista, como el más popular, deslizando entre las líneas de un inteligente guión más de una verdad que dejará al espectador mucho sobre lo que reflexionar.

Pese a sus muchas virtudes, el film, pese a su reducida duración puede llegar a hacerse un tanto repetitivo y no encajar con todas las audiencias por su más que peculiar forma de narrar los acontecimientos y reflexiones, así como por su tratamiento visual, por lo sencillo del mismo. De cualquier forma, un proyecto interesante de un director con mucho que decir.

Enoch
Valoración:5/10
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sábado, 13 de junio de 2015

Goodnight Mommy (Ich seh, Ich seh - Veronika Franz & Severin Fiala)

Título original: Ich seh, Ich seh (Goodnight Mommy)
Año: 2014
Duración: 99 min.
País: Austria

Director: Severin Fiala, Veronika Franz
Guión: Severin Fiala, Veronika Franz
Fotografía: Martin Gschlacht

Reparto: Susanne Wuest, Elias Schwarz, Lukas Schwarz


Una madre y sus dos hijos gemelos habitan en una apartado caserón alejado del mundanal ruido. Allí los niños son felices jugando en la naturaleza y todo parece marchar bien, hasta que su querida madre regresa al hogar tras una operación de cirugía estética facial. El ambiente entre ellos comienza a tornarse más y más turbio, y la duda que tienen los niños sobre si aquella de extrañas actitudes que se esconde tras las vendas es realmente su progenitora o una extraña que ha invadido su intimidad se acrecenta peligrosamente....

Desde Austria llega este perverso y artístico thriller de marcado pulso y perturbador discurso. Ríos de tinta se han escrito sobre cómo "Goodnight Mommy" trae claras reminiscencias a "Funny Games" y en general, al cine de Haneke, y si bien la referencia es clara y razón hay en esa afirmación, pienso que los directores y guionistas de la cinta que nos ocupa, Severin Fiala y Veronika Franz, han sabido imprimirle sello y personalidad propia y triunfado en el intento.

Esta pareja de creadores ha sabido crear para esta truculenta fábula una atmósfera turbia desde el inicio mismo de un film que no se sustenta sobre las sorpresas, sino sobre la clara oscuridad de sus personajes y cómo esta se va desarrollando desde el primer al último fotograma. La virtud del film se fundamenta no en lo que nos cuenta, sino, sobre todo, en cómo lo hace, y es brillante. Desde la primera imagen, "Goodnight Mommy" destila una elegancia formal espectacular, pues la encuentro cargada de planos y escenas perfectamente elegidos y realizados, emponzoñados de una perversa belleza, que fascina, hipnotiza, atrae y repele a partes iguales. Es a su vez destacable el sumo detalle con el que está tratado el plano visual, no sólo en su estupenda fotografía, sino en el cuidado en cada encuadre, en cada selección de escenario, en cada objeto que adereza  la puesta en escena, nada es casual, y eso denota un trabajo de inusual calidad.

Nada en esta fórmula funcionaría sin un buen trabajo del trío protagonista, y todos ellos realizan una interpretación sobresaliente, sobre todo los jóvenes gemelos que tanto en sus gestos como palabras y, sobre todo,silencios regados de muda complicidad, consiguen ese halo de latente tragedia y perturbadora perversidad. Bordan una creación tan aterradora que bien parecen los actualizados alter egos masculinos de las inmortales gemelas del resplandor, brillantes.

Una historia sobre la pérdida, sobre el miedo, un descenso a los infiernos del dolor. Elegante, intensa y potente, "Goodnight Mommy" deja ese "mal cuerpo" con la catarsis conseguida como sólo el buen cine puede lograr. Notable y recomendable.

Enoch
Valoración:7/10
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The Smell of Us (Larry Clark)


Título original: The Smell of Us
Año: 2014
Duración: 88 min.
País: Francia

Director: Larry Clark
Guión: Larry Clark, Mathieu Landais
Fotografía: Hélène Louvart

Reparto: Lukas Ionesco, Niseema Theillaud, Valérie Maës, Hugo Behar-Thinières, Dominique Frot, Diane Rouxel, Philippe Rigot, Théo Cholbi, Laurence Bibot, Ben Yaiche Ryan, Jean-Christophe Quenon, Rad Hourani, Jean de Loisy, Christophe Beudet, Adrien Binh Doan, Terin Maxime, Marc Zaffuto Fechoz, Larry Clark, Michael Pitt

Larry Clark, aquel que firmara la polémica "Kids" regresa una vez más al universo adolescente más sórdido y destructivo en "The Smell of Us" para presentarnos a un grupo de adolescentes parisinos, una tribu de skaters sumidos en una espiral de hedonismo sin límites, donde las drogas, el alcohol y el sexo no tienen techo y donde la prostitución indiscriminada entra dentro de su normalidad para obtener los bienes materiales más banales y mantener un estilo de vida donde no hay un mañana.

La película tiene una de sus mayores virtudes en la sinceridad del trabajo de todos sus intérpretes, una naturalidad en su planteamiento visual que roza el incómodo voyeurismo y se extrapola de la pantalla a la butaca del espectador, sintiéndose este como uno de los personajes, que acompaña cada sórdida escena filmando, observando a través de su teléfono móvil. El director logra si bien no escandalizar (cosa ya pseudo imposible en los tiempos que corren), sí remover conciencias mostrando sin pudor alguno las situaciones más sexualmente explícitas, la mayoría de ellas en absoluto agradables de ver, realizando una contundente instantánea de una sociedad y una juventud de cuestionables filias, moral, ética y valores.

Un acierto formal del film corresponde también a la inclusión de todo tipo de dispositivos de filmación, añadiendo al ya habitual discurso de Clark, cómo en la actualidad, las nuevas tecnologías representan un elemento más en la vulnerabilidad de la intimidad y son utilizadas con poco ortodoxas intenciones.

Con todo ello, "The Smell Of Us" se erige como un proyecto crudo, de difícil e incómodo visionado, de hipnótica sordidez, un alegato hacia una actualidad donde la devaluación de los valores es cada vez mayor, un grito de atención no tanto hacia unos jóvenes descarriados, sino hacia la desestructuración de unas familias que esculpen monstruos en sus niños y condenan una moral nacida de la ausencia de educación.

Pese a todas sus virtudes, la película tiene un PERO mayúsculo, y es la sensación de "ya vista", la certeza de que Larry Clark explota la fórmula de su éxito una y otra vez con escasa evolución o novedades, cambiando los rostros, las localizaciones, pero sin lograr con ello frescura alguna... la impresión de ser "más de lo mismo" y la capacidad cada vez menor de escándalo contracultural de un film de estas características y de esta firma, le lleva, a mi entender, a perder completamente enteros.

Entretiene, incomoda, hace pensar... pero no consigue nada que no lograra ya su director en cualquiera de sus proyectos anteriores de igual corte. Prescindible.

Enoch
Valoración:4/10
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The Blue Hour (Onthakan - Anucha Boonyawatana)

Título original: Onthakan (The Blue Hour)
Año: 2015
Duración: 97 min.
País: Tailandia

Director: Anucha Boonyawatana
Guión: Anucha Boonyawatana, Waasuthep Ketpetch
Música: Chapavich Temnitikul
Fotografía: Chaiyapruek Chalermpornpanich, Kamolpan Ngiwtong

Reparto: Atthaphan Poonsawas, Oabnithi Wiwattanawarang, Djuangjai Hirunsri, Panutchai Kittisatima, Nithiroj Simkamtom, Chaowalit Teangsap

Tam es un chico taciturno, torturado por su entorno, maltratado por su familia incapaz de aceptar su homosexualidad, acosado en su colegio... Su soledad tocará a su fin cuando conoce a través de internet a Phum, otro adolescente que pronto se tornará su amigo, amante, confidente y cómplice. Tam compartirá sus inquietudes y temores con su nuevo compañero durante sus numerosos encuentros en decadentes entornos, juntos se asomarán al precipicio del miedo y los demonios interiores, y caminarán, mano en mano, hacia la anunciada tragedia.

La película se estructura en diferenciados bloques en los que el tono es radicalmente distinto. Comienza focalizada en el drama personal de su protagonista y en la inmersión en el romance adolescente para luego avanzar hacia su oscuro mundo interior, del que se verán exteriorizadas en cuidadas metáforas, sus inquietudes tornándose en una suerte de thriller extraño para, finalmente, estallar en una vorágine de violencia y sobrenatural y onírico desenlace.

Destacaremos, pese a los discreto de la producción, la calidad de su fría e inquietante fotografía, que, sumada a una sabia elección de localizaciones, sabe dar el tono perfecto para crear la atmósfera anímica deseada, tanto a los personajes, como al espectador. Esta virtud, sumada al buen trabajo de los jóvenes intérpretes, dota al film de un interesante textura entre cruda realidad y pesadilla, que he encontrado altamente interesante.

En su contra juega quizás su pausado pulso, su ritmo en exceso calmo que, a tramos puede invocar algún que otro bostezo durante su visionado, pero que pronto queda congelado y tornado en asombro tal y como el guión consigue que giren los acontecimientos. Negativo y confuso puede resultar para la audiencia también lo confuso de cómo cierta parte del mundo interior del protagonista es narrado, sobre todo en aquellos tramos en los que el espectador no sabe muy bien en qué género se está moviendo la película... una sensación que se disipa cuando son despejadas todas las incógnitas, pero que puede resultar incómoda durante el metraje.

Con sus pros y sus contras, "The Blue Hour" se constituye como un film con mucha personalidad y cosas que contar de sencillas pero estupendas maneras, un producto si no brillante, sí realmente interesante.

Enoch
Valoración:6/10
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Sueñan los Androides (Ion de Sosa)

Título original: Sueñan los androides
Año: 2014
Duración: 61 min.
País: España

Director: Ion de Sosa
Guión: Ion de Sosa, Jorge Gil Munarriz, Chema García Ibarra
Fotografía: Ion de Sosa

Reparto: Manolo Marín, Moisés Richart, Marta Bassols, Coque Sánchez

"Sueñan los Androides" nos transporta a una ciudad decadente, un "Benidorm" de otro tiempo, de quizás otra dimensión paralela, tan real como imaginario. Allí seremos testigos de un caleidoscopio de imágenes que saturarán nuestra retina de entornos y situaciones que desafían la razón, pese lo costumbrista de muchas de ellas, allí conoceremos a una galería de personajes tan variopintos como surreales en una historia tan onírica como experimental no apta para todos los paladares.

Ion de Sosa arriesga y provoca con una personalísima adaptación de "Blade Runner" en esta inclasificable cinta cuya mayor virtud es desterrar completamente la indiferencia en la audiencia, puede fascinar, puede odiarse, amarse o conseguir el shock anímico y cerebral en los espectadores, pero lo que no pasa es desapercibida.

Muchas son las lecturas que pueden hacerse de esta ocurrente narrativa de extrañas formas (o ausencia de las mismas), aunque la película es tan parca en concesiones que resulta tan arduo esfuerzo dotar de significado y concatenar con algún tipo de sentido lo mostrado, que resulta agotadora y deja el ánimo tembloroso en una cuerda floja donde el espectador no sabe si sentirse insultado por ser el film una tomadura de pelo o idiota por no saber estar a la altura de un relato para inteligencias superiores. Genialidad o ridiculez,  es una dicotomía, una duda a la que, aún horas después de haber visionado la película, no logro darle absoluta respuesta.

Particularmente no he podido o sabido comprenderla, la indefinición de personajes y el estilo visual del film no han conseguido engancharme, así como no he sabido seguir los hilos subyacentes, ocultos, que enlazaran los bloques narrativos y metáforas del film, con lo que, a mi cinéfilo entender, ha resultado un caos narrativo que particularmente, no he disfrutado en absoluto.

Excesiva pese a su visual sencillez, pretenciosa pese a lo parco de su discurso, "Sueñan los androides" es una propuesta cinematográfica que logra el mérito de la provocación y la perplejidad, quizás una obra de arte, pero de la que este humilde devorador de cine, aparta su mirada confundido y no puede recomendarla.

Enoch
Valoración:2/10
Trailer:

miércoles, 10 de junio de 2015

Love Is All: 100 Years of Love & Courtship (Kim Longinotto)

Título original: Love Is All: 100 Years of Love & Courtship
Año: 2014
Duración: 74 min.
País: Reino Unido Reino Unido
Director: Kim Longinotto
Música: Richard Hawley

"Love is All" es un documental que representa un viaje, una travesía por el amor en la gran pantalla y su historia.
Desde los primeros besos del cine, la directora Kim Longinotto nos arrastrará no sólo por el siglo XX y cómo representó el celuloide las historias de amor en los distintos contextos históricos y momentos de trascendencia, sino por las relaciones amorosas mostradas en fotogramas en todas su formas, desde el corte más clásico y pudoroso al desenfreno del amor libre, heterosexuales, homosexuales... pues como el propio título de la cinta indica, "El amor lo es todo".

La idea sobre la que se fundamenta la película, este caleidoscopio de besos, flirteos, encuentros y desencuentros para viajar por un siglo de amor en el cine, me parece notable y sumamente interesante. Sin embargo, la forma de plasmarlo en imágenes pienso que, si bien resulta preciosista y agradable, no termina de calar de forma emocional en el espectador ni termina de funcionar como entretenimiento, aunque sí como una forma de videoarte más digna de proyectarse en un museo que en una pantalla de cine.

El film concatena y yuxtapone infinitos fotogramas, retazos de románticas cintas que pese a viajar atrás y adelante en el tiempo, siguen una línea que nos arrastra desde el nacimiento del cine hasta nuestros días, tanto por las películas que muestra como por los temas que en ellas se tratan. Esta construcción se adereza con una evocadora música que trata de jugar con el ánimo del espectador (no siempre consiguiéndolo), algunas escasas frases de los films originales y sin la intervención de voz alguna que haga las labores de narradora.

Con ello el formato del documental, si bien me ha parecido agradable para disfrutar durante un rato, ha conseguido hacerse tedioso, reiterativo y falto de originalidad y riesgo. Una curiosidad cinematográfica sin demasiado genio en el cuerpo. Prescindible.

Enoch
Valoración:3/10
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Traffic Department (Drogówka - Wojciech Smarzowski)

Título original: Drogówka (Highway Patrol) (Traffic Department)
Año: 2013
Duración: 118 min.
País: Polonia

Director: Wojciech Smarzowski (AKA Wojtek Smarzowski)
Guión: Wojciech Smarzowski
Música: Mikolaj Trzaska
Fotografía: Piotr Sobocinski Jr.

Reparto: Bartlomiej Topa, Arkadiusz Jakubik, Julia Kijowska

Polonia, un grupo de policías de tráfico y las relaciones entre ellos. La corrupción y el desenfreno es el pan nuestro de cada día en su dinámica de grupo, pero la muerte de uno de ellos romperá la calma y se desatará la frenética carrera en pos de culpables. Las sospechas y traiciones están servidas...

La película fue presentada por su director y productor en el 61 Festival de Cine de San Sebastián y de nuevo regresa a la actualidad por su participación en la Sección Oficial del Atlantida Film Fest 2015.

Este thriller oscuro y sórdido destaca por su trepidante ritmo que captura la atención de la audiencia, así como por la verdad que subyace en la creación interpretativa de su elenco de actores. Digna de subrayar encontramos también la atmósfera fría, gris, sucia y feísta lograda por, sobre todo, una fotografía turbia que sabe transmitir el ánimo y ambiente de los personajes y situaciones que estos viven a lo largo del metraje.

En la narrativa de "Departamento de Tráfico" las tramas y subtramas se hilan y suceden de una manera oscura, confusa y retorcida que a tramos pierden al espectador en un laberinto argumental donde no acaba de hallar el camino hacia un desenlace satisfactorio. Las imágenes grabadas con teléfonos móviles y cámaras de seguridad se mezclan con los cinematográficos fotogramas, que si bien dotan de más verdad a la película, acaban mareando a la audiencia ya perdida… Con todo ello, a su final, no teníamos sensación de aburrimiento, pero sí de haber sido zarandeados en la oscuridad y no haber sido capaces de finalizar el puzzle ni haber disfrutado demasiado en el proceso.

Apunta buenas maneras, tiene un trabajo de sus actores y del equipo técnico dignos, entretiene pero no acaba de funcionar en su globalidad. Pasable.

Enoch
Valoración:5/10
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martes, 9 de junio de 2015

Fort Buchanan (Benjamin Crotty)

Título original:Fort Buchanan
Año:2014
Duración:65 min.
País: Francia

Director: Benjamin Crotty
Guión: Benjamin Crotty
Música: Ragnar Arni Agustsson

Reparto: Andy Gillet, David Baiot, Nancy Lane Kaplan, Iliana Zabeth

"Fort Buchanan" es un lugar, una suerte de comuna habitada por individuos unidos por un factor común, la soledad. Todos ellos son mujeres y maridos de soldados desplazados a diversas localizaciones de conflicto, personas cuya vida es la espera y la añoranza.
En ese entorno conoceremos a una interesante galería de variopintos personajes y su forma de vivir la ausencia y las necesidades a las que la misma les empuja.

Benjamin Crotty debuta con esta película que realiza, con agilidad y soltura, un híbrido entre la más fresca comedia de tintes norteamericanos que se filtran en cada uno de sus diálogos, con el más puro acento francés en su fondo.

Destaca en su discurso por cómo libera a sus personajes de barreras. En Fort Buchanan no importan las tendencias sexuales, la edad o cualquier diferente condición entre las personas. En ese lugar los pesares, los anhelos, los miedos, las carencias...  se verbalizan, se comparte sin miedo alguno, sin recibir juicio de valor alguno por aquellos que escuchan, quedando así sus personajes con el alma desnuda frente a la cámara. Esto permite a su narrativa realizar una bien interesante radiografía de las relaciones, la fidelidad, la familia y otros muchos valores a través de su metraje.

Quizás su pulso cómico, quizás la escasa duración de la cinta para tal abanico de personajes, hace que, si bien todo funcione, quede una sensación de habernos quedado muy en la superficie, de que podía haberse profundizado mucho más en las historias logrando un gran film más allá del creativo entretenimiento que esta ya nos ofrece.

No obstante, esta opera prima no está falta de interés y menos de diversión y pese a ser muy mejorable, sí que esconde varios aciertos, sobre todo en su guión y su doble mensaje, subrayando por un lado cuánto mejor es hacer el amor que la guerra y por otro cómo, pese a las notables diferencias entre las personas, en realidad, son más iguales de lo que parece teniendo en sus emociones y anhelos tanto en común.

Enoch
Valoración:5/10

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The Tribe (Plemya - Miroslav Slaboshpitsky)

Título original: Plemya (The Tribe)
Año: 2014
Duración: 130 min.
País: Ucrania

Director: Miroslav Slaboshpitsky
Guión: Miroslav Slaboshpitsky
Fotografía: Valentyn Vasyanovych

Reparto: Grigoriy Fesenko, Yana Novikova, Rosa Babiy, Alexander Dsiadevich, Yaroslav Biletskiy, Ivan Tishko, Alexander Osadchiy, Alexander Sidelnikov, Alexander Panivan

Un adolescente ingresa en un internado para sordomudos. Allí conocerá a un grupo de jóvenes que tienen en el delito su modus vivendi y hará lo que sea necesario para entrar en su selecto círculo. Esta decisión arrastrará al protagonista a través de una espiral de violencia, prostitución, robo... que hará más y más estrechos los lazos con aquellos con quien comparte aventura. Mas el amor hará acto de presencia, y dar un paso atrás tras haber dado el salto al vacío del crimen lo complicará... todo.

"The Tribe" ha resultado una de las más potentes revelaciones a nivel de festivales de la temporada, habiéndose alzado, entre otros muchos galardones y menciones, con el premio al mejor descubrimiento del año en los Premios del Cine Europeo o el de mejor película en la Semana De la Crítica de Cannes.

Sin duda su formato, su lenguaje limitado a la lengua de signos (sin subtítulo alguno), es uno de los primeros ingredientes que chocan y absorben la atención del espectador, enfocándola de forma unívoca a lo visual (hecho subrayado por el uso del silencio a lo largo de toda la película). Este hecho consigue una catarsis extraña, una voyeur implicación en la narración que hace que trascienda y transmita, donde las palabras no son necesarias para que la audiencia entienda el odio, el deseo, el amor, la ira....

Otro rasgo  a destacar de la cinta es la crudeza, incluso crueldad, de muchas de sus escenas, que sumado a la veracidad y sinceridad de sus interpretaciones hacen de su visionado algo no agradable pero sí realista e impactante, logrando el calado directo en la cinéfila memoria.

En su contra juega la, a mi entender, excesivamente dilatada duración de muchos de sus planos que perjudican su ritmo y que puede llegar a distender el interés a tramos. A ello le sumaría la no muy efectiva coreografía visual de ciertas escenas de peleas que si bien resultan explicativas y cercanas a la expresividad del cine mudo, restan verdad a lo mostrado.

Con todo ello, "The Tribe" se erige como una de las más originales, arriesgadas e impactantes cintas de la temporada, que, si bien no resulta fácil de ver, sí consigue que el espectador viva una novedosa experiencia cinematográfica, un viaje a la sordidez, donde el verdadero dolor se vive, como en la vida misma, en silencio... No apta pera todos los públicos pero sí recomendable para los amantes del buen cine.

Enoch
Valoración: 6/10

Trailer: