sábado, 31 de enero de 2015

La Señal (The Signal - William Eubank)


Título original:The Signal
Año:2014
Duración:95 min.
País:Estados Unidos

Director:William Eubank
Guión:William Eubank, Carlyle Eubank, David Frigerio
Música:Nima Fakhrara
Fotografía:David Lanzenberg

Reparto:Laurence Fishburne, Brenton Thwaites, Olivia Cooke, Beau Knapp, Lin Shaye, Robert Longstreet, Jeffrey Grover

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Valoración:5/10
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Un grupo de adolescentes amantes del mundo de la informática y las comunicaciones se embarcan en la peligrosa aventura de perseguir la señal de un hacker. Cuando sean conscientes del riesgo será demasiado tarde y se verán arrastrados a una situación inimaginable, atrapados en unas instalaciones que escapan a su entendimiento y de las que únicamente pueden soñar con escapar.

William Eubank dirige este proyecto de bajo presupuesto pero grandes resultados que le ha permitido el acceso a diversos festivales de género y reportado el galardón a los mejores efectos visuales en el de Sitges donde se premió la imaginación y creatividad pese a los escasos medios.

En el reparto destacan tres rostros conocidos, por un lado Brenton Thwaites (Oculus) en el papel protagonista acompañado por la siempre interesante Olivia Cooke (Ouija, Bates Motel) y en el otro lado de la balanza Laurence Fishburne y su intimidante presencia.  Los tres (así como el resto de secundarios) realizan un papel correcto aunque sin brillo alguno. Pienso que, pese a lo potente de la idea y la historia en general, la creación de los actores y actrices no destaca no por culpa de ellos, sino por un guión que es la mayor debilidad del film al no tener un buen dibujo de personajes y no profundizar en absoluto en ninguno de ellos. Atrae el misterio y la aventura, pero no hay implicación alguna con sus habitantes, perdiendo así emoción e intensidad dramática.

Con todo ello, pienso que “La Señal” es una película entretenida para pasar un buen rato disfrutando de cine fantástico y que apunta a su joven director como una interesante promesa del género, pero que, en esta ocasión, pese a haber brillado en lo estilístico, no lo ha conseguido con el fondo narrativo. 
Pasable aunque mejorable.  

Enoch

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Otras críticas de #LaSeñal en webs amigas:

viernes, 30 de enero de 2015

Cuando Despierta La Bestia (Jonas Alexander Arnby)




Título original:Når Dyrene Drømmer (When Animals Dream)
Año:2014
Duración:84 min.
País:Dinamarca

Director:Jonas Alexander Arnby
Guión:Rasmus Birch
Música:Mikkel Hess
Fotografía:Niels Thastum

Reparto:Lars Mikkelsen, Sonja Richter, Jakob Oftebro, Gustav Dyekjær Giese, Stig Hoffmeyer, Mads Riisom, Sonia Suhl, Benjamin Boe Rasmussen, Tina Gylling Mortensen, Esben Dalgaard

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Valoración:6/10
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Marie es una joven taciturna, un carácter solitario forzadamente forjado por el rechazo de los vecinos el pueblo donde habita y trabaja. Esta exclusión se extiende a su pequeña familia, pues los lugareños tampoco parecen apreciar a su padre ni a su madre, postrada en una silla de ruedas víctima de una extraña enfermedad. De pronto, el cuerpo de Marie comenzará a cambiar,  asustada, buscará explicación sumergiéndose en los misterios y secretos de su propia familia, y encontrará no sólo explicación para lo que le sucede, sino para cada mirada de terror y repudia que se posa sobre ella.

“Cuando Despierta la Bestia” es un ejercicio de estilo, una sosegada fábula de terror donde la licantropía se erige como excusa argumental para hablar a la audiencia de temas eternos como el miedo y rechazo a lo indiferente. En este aspecto se ubica muy en la línea del original “Déjame Entrar”, realizado en su vecina Suecia donde en lugar de adolescentes condenados por la maldición del hombre lobo, se representaba a través de una niña inmortal, víctima y verdugo del vampirismo.  Con ella comparte también el tono sosegado (y a veces frío) de su discurso, firme pero calmado, con la sangre y carnicería justa para su propósito argumental, sin recrearse en la violencia pero tampoco escapando de ella. Comparativamente,  en la que nos ocupa, “When Animals Dream”, el guión puede resultar más pobre que en “Let the right one in”, más básico, profundizando mucho menos en los personajes y realizando un retrato de los mismos más superficial, pero no por ello deja de ser un film de interesante planteamiento .

En cuanto a sus formas, la película se viste de preciosistas planos gracias a una espectacular fotografía obra de Niels Thastum, se cubre de una agradable atmósfera musical firmada por Mikkel Hess y nos presenta un trabajo actoral más que agradable con una creíble Sonia Suhl encarnando a la sufridora joven atormentada por la bestia interior y un estupendo Lars Mikkelsen en el papel de Thor, su padre, quien trata de protegerla, tanto a ella, como a su madre, de un mundo cargado de depredadores.

En conclusión, la propuesta del prometedor director Jonas Alexander Arnby es una película pequeña, melancólica a la par que fría, realizada e interpretada con gusto y estilo, que si bien no cuenta nada nuevo es de muy agradable visionado.

Enoch
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miércoles, 28 de enero de 2015

Nightcrawler (Dan Gilroy)



Título original:Nightcrawler
Año: 2014
Duración:113 min.
País:Estados Unidos

Director:Dan Gilroy
Guión:Dan Gilroy
Música:James Newton Howard
Fotografía:Robert Elswit

Reparto:Jake Gyllenhaal, Bill Paxton, Rene Russo, Riz Ahmed, Kevin Rahm, Ann Cusack, Eric Lange, Anne McDaniels, Kathleen York, Michael Hyatt

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Valoración:7/10
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Lou Bloom es un joven con mucha voluntad y capacidad de entrega, pero que no consigue un trabajo pese a sus esfuerzos. La casualidad querrá que descubra lo lucrativo que puede resultar el periodismo freelance a pie de calle, estando en el lugar exacto en el momento correcto, cueste lo que cueste. Lou volcará en ello todas sus energías, aparcará principios y moral para conseguir la noticia, el éxito y el reconocimiento,  caiga quien caiga.

Dan Gilroy, el director y guionista de “Nightcrawler”, pese a su escasa experiencia ha dado en la diana con esta producción que le coloca en el punto de mira internacional y dispara su fama y credibilidad como creador de buen cine, compitiendo en distintos premios con grandes nombres del cine de igual a igual.

Jake Gyllenhaal (Donnie Darko, Brokeback Mountain) encarna a Lou, el absoluto protagonista, y lo hace de una forma tan magistral que el carisma y personalidad que aporta a su inquietante personaje se erige como pilar y corazón de la película. Junto a él, el film recupera a la actriz Rene Russo como justa réplica al poderío del huracán Gyllenhaal, con un sorprendente buen resultado.

La nocturna y peligrosa atmósfera de “Nightcrawler” junto a la ambientación musical  de James Newton Howard terminan de aderezar esta propuesta cargada de adrenalina, un malévolo thriller que a través de un hábil e inteligente guión nos lleva con unos personajes extremos a descubrir con ácido realismo los monstruos que  crea la avidez humana no sólo por la noticia, sino por el morbo informativo. Intensa, entretenida y recomendable.

Enoch
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Otras críticas de webs amigas para #Nightcrawler:
ALEUCINE
COLECCIONISTA DE INSTANTES CINEMATOGRÁFICOS
CONSTANTCINE
CINE DE PATIO
CALLE BAKER
MOTEL PURGATORIO

martes, 27 de enero de 2015

Foxcatcher (Bennet Miller)

Título original:Foxcatcher
Año:2014
Duración:134 min.
País:Estados Unidos

Director:Bennett Miller
Guión:Dan Futterman, E. Max Frye, Kristin Gore
Música:Rob Simonsen
Fotografía:Greig Fraser

Reparto:Steve Carell, Channing Tatum, Mark Ruffalo, Sienna Miller, Anthony Michael Hall, Vanessa Redgrave, Tara Subkoff, Sherry Hudak-Weinhardt, Guy Boyd, Brett Rice, Jackson Frazer, Samara Lee, Francis J. Murphy III, Jane Mowder, David Bennett, Lee Perkins, Robert Haramia

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Valoración:5/10
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Foxcatcher nos narra la historia de Mark Schultz, un joven medallista olímpico de lucha libre, deportista de éxito pero que no consigue terminar de sentirse satisfecho de sí mismo, pues se siente eternamente a la sombra de su hermano Dave, también estrella de la misma disciplina. Mark se ve como un continuo segundón y eso habrá de cambiar con la entrada en escena de un excéntrico millonario, John du Pont, que lo contratará y pondrá todo a sus pies para conseguir un equipo de élite frente a las próximas olimpiadas. Todo parece un sueño, pero todo termina teniendo un oscuro precio.

Bennet Miller (Moneyball) regresa al mundo de los deportes en el cine tratando de repetir el éxito obtenido con su anterior película, pero tiñendo ahora toda la obra de un aspecto más académico, serio, oscuro y turbio. Pero es el elenco de actores protagonistas lo que hace sobresalir al film frente al resto de elementos, pues todos ellos realizan un magnífico trabajo interpretativo. Tanto Channing Tatum, encarnando al taciturno y negativo Mark, como Mark Ruffalo tras la piel de su hermano en la ficción, Dave, brillan, sobre todo el primero, demostrando capacidad para registros dramáticos insospechados. Pero es Steve Carell, interpretando a John du Pont, el heredero consentido y siniestro, quien borda un papel que representa un antes y un después en su carrera, transmitiendo una palpable inquietud en su creación aún escondido tras la notable caracterización que le deja prácticamente irreconocible.

Pese a lo notable de la puesta en escena, la inteligente creación de una atmósfera sórdida, gris, altamente triste, que consigue transmitir a la audiencia de forma instantánea la insatisfacción e infelicidad de unas vidas incompletas, "Foxcatcher", a mi entender, peca de ser un tanto pretenciosa. Pese a lo magnético de ciertos planos, su empeño en sugerir y susurrar  a la audiencia cómo se halla frente a una tragedia shakesperiana, no termina de cuajar a tramos, pues está lastrada por una falta de intensidad en su relato (que no en sus personajes) y un alargamiento y reiteración de ciertos planteamientos no del todo interesantes en detrimento de otros a los que apenas se acerca el ojo de la cámara.

Calidad técnica, gran atmósfera visual y anímica, y brillantez interpretativa indudables se unen a una forma de contar una historia, a priori no en exceso compleja, que no termina de cuajar pretendiendo ser más grandilocuente de lo que es, más trascendente de lo que nos puede mostrar. Irregular.

Enoch
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Otras críticas de #Foxcatcher de webs amigas:
CONSTANTCINE
COLECCIONISTA DE INSTANTES CINEMATOGRAFICOS
CINE DE PATIO
CALLE BAKER
OCIO EN POCAS PALABRAS
ALEUCINE

lunes, 26 de enero de 2015

El Francotirador (American Sniper - Clint Eastwood)



Título original: American Sniper
Año: 2014
Duración: 132 min.
País:Estados Unidos

Director: Clint Eastwood
Guión: Jason Hall (Autobiografía: Chris Kyle)
Música: Clint Eastwood, Ennio Morricone
Fotografía: Tom Stern
Reparto: Bradley Cooper, Sienna Miller, Luke Grimes, Jake McDorman, Kyle Gallner, Keir O'Donnell, Eric Close, Sam Jaeger, Owain Yeoman, Brian Hallisay, Marnette Patterson, Cory Hardrict, Joel Lambert, Eric Ladin, Madeleine McGraw

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Valoración:6/10
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 “El Francotirador (American Sniper)” nos narrará la vida real de uno de los más legendarios integrantes de los Navy Seals americanos, Chris Kyle. Este tejano, pese a su tardía unión al ejército, pronto pasará a formar parte de las tropas de élite por su máxima puntería, ejerciendo las labores de francotirador en zonas de conflicto. Varias son las misiones en las que participa en tierras Iraquíes, y cada vez será más mayúscula la leyenda que se va generando a su alrededor por lo infalible de su gatillo y el contador de muertes enemigas que acumula. Pero esta fama no tardará en comenzar a pasarle factura, pues el enemigo pondrá precio a su cabeza y añadirá a sus filas a otro francotirador que se tornará su némesis y obsesión. La vida en continuo peligro y la muerte como constante en su día a día, pondrá también a prueba la resistencia y cordura de este marine, afectando de forma directa a la relación con los suyos, su amada familia.

Clint Eastwood (Sin Perdón, Million Dollar Baby, Los Puentes de Madison…etc) se atreve a dirigir, pese a su avanzada edad, este ambicioso y polémico proyecto que adapta a la gran pantalla la autobiografía del soldado Chris Kyle (mediante un guión de Jason Hall), y solventa la prueba con éxito, una vez más, realizando un trabajo de técnica calidad.

Al frente del reparto y bajo la piel del absoluto protagonista encontramos al prolífico Bradley Cooper (“La Gran Estafa Americana”, “El Lado Bueno de las Cosas”…etc), dando un giro al estilo de papeles realizados en los últimos tiempos anulando toda bis cómica para transformarse en Chris Kyle. Este papel le ha reportado el beneplácito de la crítica y su candidatura a diversos premios, elección controvertida entre los espectadores. Particularmente opino que no hace un mal papel, aunque tampoco logra la profundidad ni registro dramático que podría haber dotado de mayor fuerza dramática al film. A esta debilidad en el aspecto interpretativo  le sumaría un escaso trabajo de los roles secundarios (quizás el único salvable sea el de la mujer del soldado, interpretada por Sienna Miller, pero sin brillar en demasía) no tanto culpa de los actores como de un guión que hace de ellos mera comparsa (y anula toda implicación de la audiencia con sus destinos) y centra toda la atención en el protagonista de la historia.

Técnicamente, “El Francotirador” es un solvente retrato bélico a la par que antibelicista, muy abierto a la interpretación, debate y controversia. Técnicamente es una producción de primera categoría, con una ambientación, efectos y fotografía más que correctos, aunque su estructura ve tambalearse su ritmo en la parte central de su metraje, puesto que, si bien comienza y mantiene la tensión e interés durante su primera hora y en el tramo final, el intermedio consigue una cierta pérdida de atención y entretenimiento sintiéndose así extendida sin necesidad.

Un film de una temática y con un planteamiento que puede seducir o repeler, pero con un innegable buen hacer cinematográfico. Bien realizada, entretenida a tramos, pero lejos de la grandeza.

Enoch

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Tangerines (Mandariinid - Zaza Urushadze)

Título original:Mandariinid
Año:2013
Duración:87 min.
País:Estonia-Georgia

Director:Zaza Urushadze
Guión:Zaza Urushadze
Música:Niaz Diasamidze
Fotografía:Rein Kotov
Reparto:Lembit Ulfsak, Giorgi Nakashidze, Misha Meskhi, Elmo Nüganen, Raivo Trass

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Valoración:7/10
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Corren tiempos de guerra, soplan vientos de conflictos políticos y armados. Pero en la tierra por la que se lucha, hay remansos de paz, áreas rurales alejadas de los núcleos urbanos, donde agricultores y ganaderos continúan su sencilla existencia conocedores pero ajenos al conflicto.  En uno de estos lugares hallaremos a dos hombres que trabajan los frutales, y que se encuentran en plena recolección de mandarina, dos hombres cuyas familias han emigrado a la seguridad que les ofrece Estonia, dos valientes que, como los árboles que cuidan, hunden sus raíces en la tierra que les da sustento, la única que han conocido y quieren conocer en su vida. Pero, aunque intenten ignorar la situación bélica, ella no les ignorará a ellos y traerá una refriega que dejará a dos moribundos frente a su puerta, uno de cada bando. Su calidad humana lleva a los lugareños a cuidar a ambos combatientes bajo el mismo techo… con consecuencias insospechadas.

“Mandarinas”, coproducción entre Estonia y Georgia, es una película pequeña e íntima, pero con un mensaje humano enorme que transmitir. Su falta de grandilocuencia y el tono que adquiere tanto narrativa como moraleja, al filtrarse tras la mirada y experiencia de la gente más sencilla, la del campo, hace absolutamente accesible la lectura de esta historia, facilita la empatía y crea un poso en el espectador. Esta perspectiva campesina de la guerra la comparte con la poética (y más artística) “Corn Island”, también de Georgia, con la que se complementaría a la perfección.

Pese a lo peliagudo de su planteamiento, “Tangerines” se desarrolla a un ritmo pausado, pacífico y silencioso, ambiente potenciado por el estupendo uso de la música (tradicional) a lo largo del film, o la adecuada fotografía que regala a la retina de la audiencia bucólicas imágenes de postal plenas de calma y natural belleza. Quizás por ello consigue el doble efecto con sus escenas de conflicto al contrastar de tal forma con el suave tono del resto de la película. Un acierto en formas que consigue un muy adecuado efecto anímico y reacciones en el espectador. Finalmente, lo más que correcto de la interpretación de sus protagonistas, sumado a  un hábil texto en el guión, terminan de dotar de la necesaria verdad a lo narrado.

Pienso por todo ello que esta película es un film, si bien discreto, a tener en cuenta por lo bien realizado de sus formas y lo necesario de su discurso. Interesante y recomendable.

Enoch

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sábado, 24 de enero de 2015

Whiplash (Damien Chazelle)

Título original:Whiplash
Año:2014
Duración:103 min.
País:Estados Unidos

Director:Damien Chazelle
Guión:Damien Chazelle
Música:Justin Hurwitz
Fotografía:Sharone Meir

Reparto:Miles Teller, J.K. Simmons, Melissa Benoist, Paul Reiser, Austin Stowell, Jayson Blair, Kavita Patil, Kofi Siriboe, Jesse Mitchell, Michael D. Cohen, Tian Wang, Jocelyn Ayanna, Tarik Lowe, Marcus Henderson, Keenan Henson

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Valoración:7/10
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Andrew es un joven batería, constante y obsesivo,  ambicioso y trabajador, que hará lo que esté a su alcance para alcanzar la grandeza en su pasión, el jazz. Terence Fletcher es un profesor del conservatorio donde Andrew estudia, sus agresivos métodos ponen a prueba las capacidades de los alumnos, y le permiten seleccionar a lo mejor de lo mejor entre ellos para componer un grupo de jazz  de élite. El destino cruzará los caminos de estos tan diferentes perseguidores del éxito y la perfección, dos trenes imparables a toda velocidad que inexorablemente habrán de colisionar...

Damien Chazelle dirige y escribe esta película cuyo argumento recuerda a innumerables producciones de sencillo corte, historias de personal superación que ponen grandes logros en el camino de personas comunes con fuerza para luchar por ellos. Pero no por ello "Whiplash" es una más, al contrario, su gran mérito es, partiendo de una base tan manida, configurarse como un producto tan diferente, fresco, intenso y estimulante.

El trabajo de sus actores principales tiene mucho que ver con cómo el film trasciende la pantalla para colarse bajo la piel del espectador y hacerlo sufrir con cada batalla, dialéctica o musical, estremecerse con cada caída, sonreír triunfante a cada logro. Miles Teller (Project X, Aquí y Ahora, Divergente...) encarna al joven estudiante ávido de éxito sabiéndolo cubrir de verdad a cada gesto, transmitir cada sensación en silencios o gritos arrancados a golpe baqueta. Pero es su némesis, el profesor interpretado por J.K. Simmons quien regala una actuación que corta la respiración y carga el ambiente de una tensión que ni siquiera muchos thrillers consiguen, eleva la producción a un nuevo nivel y consigue que la película se viva con una intensidad electrizante.

El uso de la fotografía, por supuesto de la música, y del movimiento de una cámara inquieta, creativa y artística, que serpentea con miedo, que amenaza, seduce o espía, junto al buen hacer de estos grandes actores y el trabajo de un director que ha conseguido que una obra tan aparentemente pequeña crezca hasta convertirse en una de las propuestas más impactantes del año cinematográfico hacen de "Whiplash" una cinta a recomendar y ante la que abandonarse a vivir las emociones que propone.

Enoch
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Otras críticas de #Whiplash en Webs Amigas:
COLECCIONISTA DE INSTANTES CINEMATOGRÁFICOS
CINE DE PATIO
OCIO EN POCAS PALABRAS
CONSTANTCINE
TODO DESDE MI SOFA
CALLE BAKER
MOTEL PURGATORIO
ALEUCINE

jueves, 22 de enero de 2015

Dos Días, Una Noche (Deux Jours, Une Nuit - Jean-Pierre y Luc Dardenne)

Título original: Deux jours, une nuit (Two Days, One Night) aka 
Año: 2014
Duración: 96 min.
País:Bélgica

Director:Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne
Guión:Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne
Fotografía:Alain Marcoen

Reparto: Marion Cotillard, Fabrizio Rongione, Pili Groyne, Simon Caudry, Catherine Salée, Batiste Sornin, Alain Eloy, Myriem Akeddiou, Fabienne Sciascia, Olivier Gourmet

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Valoración:6/10
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Sandra es una joven, felizmente casada y madre de dos hijos, que acaba de superar una depresión y se reincorpora al trabajo. Para su sorpresa, la empresa, dada la situación de crisis, pone a sus compañeros en una disyuntiva, habrán de decidir entre el regreso de Sandra al trabajo o el cobro de su prima anual de mil euros. Con las emociones a flor de piel, ella tendrá sólo un fin de semana para localizar a sus compañeros y tratar de conseguir ponerlos de su parte,  lograr su voto y hacer que prime el compañerismo sobre el materialismo, pero corren tiempos duros...

Jean-Pierre Dardenne y Luc Darnenne (El Niño, El niño de la bicicleta, Rosetta...etc) vuelven a acaparar la atención internacional y recibir el favor del público y la crítica con su interesante propuesta cinematográfica por la que han recogido diversos galardones y ha sido nominada a numerosos premios.

Gran parte de su éxito reside exclusivamente en la creación de aquella que interpreta a Sandra, Marion Cotillard, que, como nos tiene acostumbrados, sabe dibujar un personaje lleno de matices, claroscuros y detalles que transmite emoción, desesperación o ilusión a cada gesto, lágrima, sonrisa y silencio. Marion, quien fuera capaz de revivir a divas de la talla de Edith Piaf en pantalla, regala la misma autenticidad a un papel como este, una joven de clase media lleno de verdad y con el que la empatía es absolutamente automática.

Técnicamente la película es muy sencilla, ausente de ornamento alguno, cercana al movimiento dogma en pos de una verdad absoluta en una historia tan creíble y cercana para el público. El guión, firmado también por los directores es sabio no realizando juicios, llevando al espectador de la mano a cada entrevista, cada cara a cara de esta mujer con sus compañeros o con la vida misma, dejando que sea la audiencia quien decida qué acto es correcto, cual censurable, mostrando todas las cartas y justificaciones de las partes. Esta estructura, que si bien es efectiva para llevar a cabo la narración de esta épica aventura cotidiana, lastra un tanto el film por lo reiterativo de su planteamiento y puede llegar a dar la sensación de estar el metraje más alargado de lo que realmente está.

No obstante, esta radiografía de la cruda y cruel realidad, envuelta en un filtro de esperanza y sonrisa agridulce, deja, tras su visionado y buen remate final, una agradable sensación. Una película pequeña con una gran interpretación central, interesante.

Enoch
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Otras críticas de #DosDíasUnaNoche de webs amigas:
COLECCIONISTA DE INSTANTES CINEMATOGRÁFICOS
CINE DE PATIO

El Gran Hotel Budapest (Wes Anderson)

Título original: The Grand Budapest Hotel
Año:2014
Duración:99 min.
País:Estados Unidos

Director:Wes Anderson
Guión:Wes Anderson (Historia: Wes Anderson, Hugo Guinness)
Música:Alexandre Desplat
Fotografía:Robert D. Yeoman
Reparto:Ralph Fiennes, Tony Revolori, Saoirse Ronan, Edward Norton, Jeff Goldblum, Jude Law, Willem Dafoe, F. Murray Abraham, Adrien Brody, Tilda Swinton, Harvey Keitel, Mathieu Amalric, Jason Schwartzman, Tom Wilkinson, Larry Pine, Bill Murray, Léa Seydoux, Owen Wilson, Giselda Volodi, Florian Lukas, Karl Markovics, Wallace Wolodarsky, Bob Balaban, Volker Michalowski, Fisher Stevens, Waris Ahluwalia

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Valoración:7/10
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La historia nos ubica en el "Gran Hotel Budapest" que da título a la película, y donde conoceremos a Gustave, un legendario conserje de inagotable carisma y habilidades capaz de conquistar el favor de la más selecta (y adinerada) clientela. Tal personaje tomará bajo su protección a un nuevo y joven empleado, a quien guiará y enseñará las maneras que a él le han llevado lejos en la vida. Mas, para su sorpresa, ambos se verán arrastrados a una alocada aventura que se desata tras el robo de una obra de arte de incalculable valor.

Wes Anderson, el aclamado y personalísimo director de films como "Life Aquatic", "Moonrise Kingdom" o "El Fantástico Mr. Fox", entre otras, firma con "El Gran Hotel Budapest" una orgía de creatividad y da un salto adelante en su notoria carrera con un producto no sólo con un envoltorio de lujo sino con un entramado de fondo inteligente a la par que simpático.

Técnicamente, el film es absolutamente brillante, con una conjunción de maquillaje, peluquería, dirección artística y efectos visuales que nos transportan, no sólo a otro tiempo sino a un fantástico mundo donde los lugares más insignificantes son nidos de creatividad y cada escenario y escenografía, milimetradamente estudiados, esconden tanto como muestran y nos arrastran a un universo de desbordada imaginación.

En cuanto al abanico de interpretaciones, la película tiene tal elenco, tan lleno de rostros y voces conocidas, que puede parecer algo a saturar al espectador, pero cada cual sabe enmarcarse en su secundario rol, ser una pieza más que encaja en el puzzle de esta fábula, un engranaje más de esta maquinaria de cuento que relata la historia de un conserje, un Ralph Fiennes, actor serio por antonomasia, que realiza un trabajo absolutamente brillante. En la galería de secundarios, y por citar y alabar la labor de algunos, subrayaría a una irreconocible Tilda Swinton, fantástica, así como una siempre agradable Saoirse Ronan.

En su contra quizás lo único que pueda jugar es lo subjetivo que siempre resulta el humor. Wes Anderson tiene un lenguaje muy propio y una forma de buscar la sonrisa muy particular, con lo que eso puede conquistar o repeler a cierta parte de la audiencia. Personalmente, aunque no es un director cuyo cine suela resultarme atractivo (lo que no hace que reste mérito a sus carismáticas creaciones), pienso que en "El Gran Hotel Budapest" alcanza un sabio equilibrio que acerca su película al disfrute de un espectro de público mucho más amplio que las anteriores, particularmente la he disfrutado por su frescura, originalidad y personalidad. Interesante, creativa y entretenida, muy recomendable.

Enoch
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Otras críticas para #ElGranHotelBudapest en #ElClubDelCinéfilo:
EL BLOG DE IVAN RUMAR
CINE DE PATIO
SANITARIUM OF CULTURE
CALLE BAKER
MOTEL PURGATORIO
COLECCIONISTA DE INSTANTES CINEMATOGRÁFICOS


Boyhood (Momentos de una Vida - Richard Linklater)

Título original: Boyhood
Año:2014
Duración:166 min.
País: Estados Unidos
Director:Richard Linklater
Guión:Richard Linklater
Música:Varios
Fotografía:Lee Daniel, Shane Kelly
Reparto:Ellar Coltrane, Patricia Arquette, Ethan Hawke, Lorelei Linklater, Jordan Howard, Tamara Jolaine, Zoe Graham, Tyler Strother, Evie Thompson, Tess Allen, Megan Devine, Fernando Lara, Elijah Smith, Steven Chester Prince, Bonnie Cross, Libby Villari, Marco Perella, Jamie Howard, Andrew Villarreal, Shane Graham, Ryan Power

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Valoración:6/10
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"Boyhood" nos narra el pasar del tiempo, los pasos del camino de una vida, la escalera existencial que va ascendiendo, paso a paso, año a año, una persona desde su más tierna niñez hasta su conflictiva adolescencia. Este viaje en el que acompañaremos al niño protagonista lo viviremos no sólo con él, sino con su entorno, su familia y amigos más cercanos, descubriendo cómo impactan sobre su crecimiento y formación y cómo influye él en cuantos le rodean.

Richad Linklater continúa escaneando al género humano con sus películas, y en esta ocasión, para su estudio ha decidido aplicarle distintos filtros temporales, analizar los personajes durante un período de doce años, no ficticios, sino reales, dotando así al film de una verdad que ningún otro proyecto ha tenido.
Este factor, el poder disfrutar de la interpretación de la notable galería de actores y actrices que pueblan "Boyhood" (destacando la labor de "los principales secundarios" y padres del protagonista encarnados por Ethan Hawke y Patricia Arquette ) a lo largo del tiempo, descubrir su maduración, no sólo física, sino interpretativa, es, a mi entender, lo más destacable e interesante de este producto, arriesgado experimento cinematográfico.

En cambio, hay otra serie de factores que no terminan de encajarme en la propuesta y que reducen notablemente mi satisfacción como espectador y lo redonda que me podía haber resultado la película. En primer lugar, no me ha resultado agradable la elección del niño/adolescente protagonista, creo que su capacidad de crear emociones que traspasen la pantalla es muy limitada por una reducida expresividad. Por otro lado, pese a que el guión de Linklater, como siempre, brilla en los diálogos, pienso que en este caso no tanto en los "momentos" de esa vida elegidos para narrar la historia. Concatena extendidos instantes intrascendentes y nos cuenta en un parpadeo otros períodos que podían haber tenido mucho más calado emocional. Este hecho hace que me desvincule un tanto de la historia, resultándome demasiado aséptica, además de sentirla alargada.

En conclusión, "Boyhood" me ha resultado una propuesta innovadora, arriesgada e interesante, en su fondo, pero que en sus formas me ha decepcionado un poco quedándose, para mi gusto cinéfilo, a medio gas, y pese a ser una de las cintas más premiadas del año, me ha decepcionado bastante.

Enoch
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Otras críticas de #Boyhood en #ElClubDelCinéfilo:
CINE DE PATIO
EL BLOG DE IVAN RUMAR
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MOTEL PURGATORIO
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EL BLOG DEL FRICKY


miércoles, 21 de enero de 2015

Invencible (Unbroken - Angelina Jolie)

Título original:Unbroken
Año:2014
Duración:137 min.
País:Estados Unidos

Director:Angelina Jolie
Guión:Ethan Coen, Joel Coen, Richard LaGravenese (Libro: Laura Hillenbrand)
Música:Alexandre Desplat
Fotografía:Roger Deakins

Reparto:Jack O'Connell, Domhnall Gleeson, Garrett Hedlund, Jai Courtney, Takamasa Ishihara 'Miyavi', Alex Russell, C.J. Valleroy, John D'Leo, Luke Treadaway, Spencer Lofranco, Finn Wittrock, John Magaro

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Valoración:5/10
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"Unbroken" nos narra la impresionante historia real de un joven, Louis Zamperini. Su ascenso hasta lograr convertirse en atleta olímpico, su sacrificio alistándose durante la Segunda Guerra Mundial, su caída cuando, en pleno conflicto, su avión se pierde en medio del pacífico y tras agónicas jornadas a la deriva, son manos enemigas quienes le rescatan. Una dura historia de aventura y supervivencia, derrota y triunfo de la vida en tiempos de guerra.

La película, dirigida por Angelina Jolie, despertó notables expectativas antes de su estreno, por lo épico de su historia, pero la crítica al resultado ha sido mediocre, y no puedo sino apoyar tal hecho pues coincido con dichas opiniones.

"Invencible" apuntaba muy alto, y la vertiente técnica de su grandeza está muy conseguida, tanto por sus efectos especiales como por una preciosista fotografía o ambientación musical. El factor interpretativo, clave de su funcionamiento, también se salda (sin sobresalir ni brillar en demasía) con un aceptable trabajo de su casi desconocido protagonista, Jack O'Connell, y por un grupo de correctos secundarios, entre los que me gustaría destacar a Finn Wittrock (American Horror Story FreakShow) que nos regala varios de los momentos de más verosimilitud y contenido dramático de la película.

Sin embargo, algo falla en la fórmula del guión firmado por los hermanos Cohen y la dirección de Angelina, logran, con su reiterativo discurso, su narrativa y dibujo de personajes, que pese a lo grande, enorme, potencial de la historia y su carga emocional, lograr nula empatía con el espectador y que se implique mínimamente en un viaje que termina resultando más tedioso que intenso. Con todas sus virtudes, y lo potente de esta real fábula de supervivencia, aventura y superación, es una verdadera pena cómo han conseguido que el resultado no sea otro que frialdad e indiferencia. Una notable decepción.

Enoch
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Otras reseñas de #Unbroken en webs amigas:

martes, 20 de enero de 2015

Star Wars Episodio V: El Imperio Contraataca


Título original: Star Wars. Episode V: The Empire Strikes Back
Año:1980
Duración:124 min.
País:Estados Unidos

Director:Irvin Kershner
Guión: Leigh Brackett, Lawrence Kasdan (Historia: George Lucas)
Música:John Williams
Fotografía: Peter Suschitzky
Reparto: Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Frank Oz, Billy Dee Williams, David Prowse, Alec Guinness, Anthony Daniels, Kenny Baker, Peter Mayhew, Jeremy Bulloch, Kenneth Colley, Bruce Boa, Julian Glover, Denis Lawson, Michael Culver, John Ratzenberger, Michael Sheard

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Cuando me preguntaron si quería hacer una crítica de “El Imperio Contraataca” me encantó la idea, pero cuanto más lo pienso más complicado me parece. No es una película que estás comentando para que alguien vaya a verla o no. Estamos hablando de una saga que cambió la manera de hacer cine ce ciencia-ficción, el máximo exponente de la opera-espacial y que cuando te enteras que algún conocido aún no la ha visto todos le miran como si de un bicho raro se tratase. Bueno, si ha visto a Jar-Jar Binks, es normal que huyera del resto de la saga.


Corría el año 1980 y yo acababa de ver “La Guerra de las Galaxias” en Super8. A mis tiernos 7 años, ya soñaba con pilotar un X-Wing (Suena mejor en inglés, lo siento). Los palos ya no eran espadas sino sables de luz y no hacía falta que fuesen muy largos, si cabían en la mano, ya era todo un sable. ¡Hasta podías escoger el color!



A los pocos meses, mi padre me llevó a ver la segunda parte: “El Imperio Contraataca”. Estábamos en la cola para comprar las entradas, cuando le gente salía de la primera sesión.
- ¿Te lo puedes creer? ¡¡ Es el padre !!
Me libré por poco del mayor spoiler de la historia del cine. En honor a ese momento, y en consideración a los sacrílegos que estén leyendo esto y aún no han visto esta obra maestra, intentaremos nos destripar mucho la historia.

Dentro del cine, sonaba famosa música compuesta por John Williams y las letras amarillas flotaban por el espacio poniéndonos al día sobre nuestros héroes. Visitamos mundos alienígenas (Hoth, Bespin, Dagobah), viajamos en naves espaciales y vehículos nuevos (Snowspiders y andadores AT-AT), monstruos, robots (también llamados droides por culpa de esta saga) y tal cantidad de aventuras en 124 minutos que aún hoy en día son capaces de dejarnos con la boca abierta.


[2 horas de spoilers después]

Salí del cine asombrado. Como todos. Pero la película me dejó mal sabor de boca. Durante muchos años tuve la sensación que era, simplemente, una película de transición entre la primera y “El Retorno del Jedi”. Al ver la saga completa, en un día, por primera vez, me di cuenta que es sin duda alguna la mejor de la Saga.


Tiene los mejores personajes secundarios. Todo el que la ha visto se acuerda de ellos. Incluso tienen nombre y apellido: Lando Calrissian, Boba Fett, Yoda – ¿Este no tiene apellido? Claro que sí, es el Maestro Yoda.
Hay más muñecos en mi estantería de ellos que de los protagonistas.


La mayoría de las frases míticas de la saga, son de este entrega:


- No. Yo soy tu padre-.


- Hazlo o no lo hagas, pero no lo intentes-.


- Ayudarte yo podría-.


- Te quiero.
+ Lo sé. (Cuenta la leyenda que el actor se olvidó de su frase, pero está claro que así queda bien y define perfectamente al personaje. ¿Se olvidó? ¿Tan difícil era?).


Vemos como actúa la Fuerza. Aprendemos de ella, fluye a través de nosotros y casi nos convertimos nosotros mismos en Caballero Jedi. (Ejem... me he dejado llevar. Tenía 7 años cuando la vi y … corramos un tupido velo).


El ritmo no decae en las 2 horas. Pasamos de unos personajes a otros en completa tensión, y si bien el final no es tan espectacular como en las otras películas esta tiene una gran carga emocional, nos une a los personajes, nos preocupa sus destino y sobre todo ¡Queremos ver más!

En el apartado técnico nos encontramos con Lawrence Kasdan como guionista, quien también participó en “El retorno”. Todos los fans del mundo, respiramos un poco más tranquilos al saber que también se ha dedicado a escribir el guión de “El Despertar de la Fuerza” (la película con mas “hype” del mundo del cine). ¡Ayudanos, Lawrence Kasdan! Eres nuestra última esperanza de que no sea un fiasco.


No es que J.J.Abrams lo vaya a hacer mal, con Star Trek ha hecho un gran trabajo, pero algunas de sus series dejan bastante que desear.


“El Imperio Contraataca” da sentido a la trilogía. Sin ella, “La Guerra de las Galaxias” y “El Retorno del Jedi” sólo serían dos pelis del espacio, incluso bastante parecidas. En ella, los personajes se desarrollan y da forma a un universo que apenas vislumbramos en la primera entrega. Es la pieza clave para que todo funcione y crea la leyenda que aún hoy en día nos emociona, nos hace correr al cine el día del estreno y que nos gastemos más dinero del racional en el merchandising de esta saga.

- Moondark-


Otras críticas para #ElImperioContraataca en #ElClubDelCinéfilo:
CINE DE PATIO
CONSTANTCINE

lunes, 19 de enero de 2015

La Teoría Del Todo (The Theory Of Everything - James Marsh)

Título original: The Theory of Everything
Año: 2014
Duración: 123 min.
País: Reino Unido

Director: James Marsh
Guión: Anthony McCarten (Libro: Jane Hawking)
Música: Johann Johansson
Fotografía: Benoît Delhomme
Reparto: Eddie Redmayne, Felicity Jones, Emily Watson, David Thewlis, Charlotte Hope, Charlie Cox, Adam Godley, Harry Lloyd, Maxine Peake, Joelle Koissi, Zac Rashid, Hugh O'Brien, George Hewer, Georg Nikoloff, John W.G. Harley

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Valoración:8/10
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“La Teoría del Todo” es la historia de dos personas excepcionales, Jane y Stephen Hawking. El film nos narra su viaje vital, su relación, desde el momento en que el destino cruza sus caminos hasta que los avatares del mismo logran separarlos. El film nos habla de la fortaleza de un amor, de una devoción que logra vencer a la más cruenta y destructiva de las enfermedades. que se ve puesto a prueba por la complicada vida de la genialidad científica de un hombre cuyo cuerpo se desintegra pero su mente penetra en los secretos del universo.

James Marsh firma la dirección de este biopic sobre una de las figuras más aclamadas del mundo intelectual actual basándose en la novela que la propia Jane Hawking publicó sobre su andadura junto al ilustre Stephen Hawking. Anthony McCarten ha sido el encargado de trasladarla a las páginas de un cinematográfico guión con excelentes resultados.

Que la historia de la pareja nazca de la perspectiva de Jane hace que la película gire, aunque no obvie los logros científicos de Stephen ni su repercusión, sobre su día a día, sus emociones, y los detalles que a lo largo de su devenir los une y los separa. Este hecho puede conseguir que cierta parte de la audiencia que se acerque al film deseando saber más de los “entresijos” del trabajo de Stephen y sus descubrimientos y teorías, se sienta un tanto decepcionada por cómo la película de Marsh no profundiza en ello. “The Theory of Everything” es un film sobre los sentimientos más comunes de las personas más extraordinarias, de su lucha, de sus dudas, su triunfo y derrota, no un análisis sobre la obra y trayectoria profesional del genio.

La ambientación de la época, los 60, se consigue a la perfección con una selección de escenarios, una dirección artística y una caracterización de los actores (que se logran tremendamente parecidos a sus referentes reales) más que notables. Pero más sobresaliente aún encuentro la ambientación emocional del film, la fotografía Benoit Delhomme genera unas anímicas atmósferas estupendas y la magnífica banda sonora de Johann Johansson pone la guinda a un pastel de sentimientos, ora contenidos, ora desbordados.

Aunque si algo es mayúsculo en calidad en esta película es la labor interpretativa de sus protagonistas, un trabajo espectacular que eleva la producción en calidad y verdad, dibujando no sólo en palabras sino en un abanico interminable de gestos silenciosos, el trasfondo de unos personajes ricos en claroscuros. Felicity Jones (Like  Crazy, La Mujer Invisible) da vida a Jane, y realiza una contenida creación, mas rica en miradas que gritan sin palabras, silencios que susurran. Eddie Redmayne (Los Miserables, Mi Semana con Marilyn) por su parte, encarna de una forma magistral a Stephen Hawking, llegando a una calidad interpretativa que consigue confundir ficción con realidad, al actor con aquel a quien interpreta. Eddie hace creíble cada paso hacia las tinieblas de la enfermedad, y aún cuando  los recursos gestuales de su cuerpo se van viendo limitados, desarrolla una capacidad de expresión inusitada. Absolutamente brillante y merecedor, a mi forma de verlo, de cada galardón que recibe su trabajo en esta película que marca un antes y un después en su carrera como actor. A la sombra de la pareja, una galería de secundarios más que correcta, entre los que me gustaría destacar a Charlie Cox (Stardust) que como amigo y amante, mano amiga y guardián de secretos, sabe transmitir lo complicado de su posición en su actuación.

Con todos estos ingredientes, “La Teoría del Todo” escapa del serio (y a menudo tedioso) y aséptico formato del habitual biopic para adentrarse en el terreno del melodrama más clásico y sentido aderezado no sólo por unos recursos técnicos de primera sino por unas interpretaciones de las que quitan el aliento y se instalan para siempre en la cinéfila memoria. Muy recomendable.

Enoch
Trailer:


viernes, 16 de enero de 2015

The Babadook (Jennifer Kent)


Título original: The Babadook
Año: 2014
Duración: 95 min.
País: Australia
Director: Jennifer Kent
Guión: Jennifer Kent
Música: Jed Kurzel
Fotografía: Radek Ladzcuk
Reparto: Essie Davis, Noah Wiseman, Daniel Henshall, Hayley McElhinney, Barbara West, Ben Winspear, Tiffany Lyndall-Knight, Tim Purcell, Benjamin Winspear, Cathy Adamek, Carmel Johnson, Adam Morgan, Craig Behenna, Michael Gilmour, Michelle Nightingale, Stephen Sheehan.

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Valoración: 8/10
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Tras la trágica pérdida de su marido años atrás, Amelia, lucha por ser una buena madre y sacar adelante, sola,  a su hijo Samuel. Compaginar el trabajo con el cuidado del niño no le resulta fácil, menos aún cuando es extremadamente inquieto y problemático, rozando lo siniestro. Todo empeora cuando Samuel asegura que una amenazante presencia se oculta en la oscuridad de su hogar con aún más sombrías intenciones. Amelia lo tachará de infantil delirio, pero poco a poco la maldad tangible que les acecha posará también sus garras sobre ella…

Jennifer Kent firma la dirección y el guión de esta cinta australiana, una de las más aclamadas propuestas del cine de terror de los últimos tiempos, como su interminable colección de galardones certifica (varios recibidos en el Festival de Sitges 2014).


En Babadook hay varias cosas destacables, pero sobre todos los aspectos técnicos (discretos y nada grandilocuentes, pero sí muy efectivos en la creación de la opresiva y sórdida atmósfera) sobresale la interpretación de la pareja principal. Loable es el trabajo de Noah Wiseman, quien encarna a Samuel, el niño que desde sus primeras interpretaciones captura la atención y despierta la inquietud de la audiencia poniendo a prueba sus nervios. Pero es su madre en la ficción,  Essie Davis, quien realiza uno de los más brillantes papeles femeninos de la temporada, su creación de esa mujer sufridora, rabiosa, doliente y fieramente humana consigue la empatía instantánea con el espectador y dota a su personaje de una vida e intensidad fantástica.

Estas notables interpretaciones dan aún más fuerza a un notable guión, firmado también por la directora, que trenza magistralmente hebras de terror psicológico con otras de horror sobrenatural e incluso drama, y lo hace de una forma equilibrada e inteligente, sin confundir, pero manteniendo el latido de la duda en una audiencia que se adentra junto a esa madre y su hijo en las tinieblas de una casa de miedo, dolor y secretos. Destacan sus páginas por contener una amplia galería de matices y capas que conduce a diversas lecturas y al debate tras el visionado de la película, enriqueciendo así la experiencia cinematográfica.

Por todo lo comentado, “Babadook” es ya un hito dentro del cine de terror, un habitante más del oscuro Olimpo del celuloide del horror. Muy recomendable, para amantes del género y aquellos que, en general, gusten del buen cine.

Enoch
Trailer:


Otras críticas de #Babadook en webs amigas:
CINE DE PATIO
MOTEL PURGATORIO
COLECCIONISTA DE INSTANTES CINEMATOGRÁFICOS
OCIO EN POCAS PALABRAS

miércoles, 14 de enero de 2015

Big Eyes (Tim Burton)

Título original: Big Eyes
Año: 2014
Duración: 106 min.
País: Estados Unidos
Director: Tim Burton
Guión: Scott Alexander, Larry Karaszewski
Música: Danny Elfman
Fotografía: Bruno Delbonnel

Reparto: Amy Adams, Christoph Waltz, Danny Huston, Jason Schwartzman, Krysten Ritter, Terence Stamp, Heather Doerksen, Emily Fonda, Jon Polito, Steven Wiig, Emily Bruhn, David Milchard, Elisabetta Fantone, Connie Jo Sechrist, James Saito

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Valoración:7/10
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Margaret y Walter Keane son un matrimonio de artistas, amantes de la pintura en busca de una fama que no termina de llegar. Él pinta paisajes urbanos parisinos, ella unos extraños niños de enormes y expresivos ojos tristes. El destino querrá que sea la melancolía de esas miradas infantiles quien comience a captar la atención del público y haga que el éxito llame a su puerta. Walter, alegando sus notables capacidades para el marketing, decide, sin consultar a Margaret, que hará pasar la exitosa obra como suya. El dinero comienza a entrar a raudales, así como los secretos y el malestar de una vida de mentiras.

Tim Burton abandona el toque oscuro y siniestro de su obra habitual para virar hacia un mundo de melancólico color en esta obra, un biopic inspirado en personas y hechos reales, cosa que ya hizo con “Ed Wood” y a cuyo estilo se aproxima, aunque con unos resultados no tan virtuosos ni arriesgados como obtuvo con aquella.

En Big Eyes destacaremos una labor de ambientación estupenda, con un especial cuidado a los decorados, el maquillaje y peluquería o el vestuario. A ello se le suma la atmósfera musical del siempre eficiente Danny Elfman y la agradable colaboración en la banda sonora de una figura como Lana del Rey. Finalmente, y lo más destacable, a mi parecer, es la espectacular fotografía de Bruno Delbonnel, que no sólo despliega una paleta de colores que desbordan la retina y dan un toque personal al film, sino que el aspecto pictórico parece extrapolarse a cada fotograma, un acierto.

No podemos hablar de “Big Eyes” sin comentar la labor de sus protagonistas. Amy Adams, interpretando a Margaret Keane, borda una vez más un papel lleno de matices y con una potente carga emocional que sabe transmitir con absoluta credibilidad, desde la sonrisa más radiante, a la rabia o la más sentida lágrima. Por su parte, Christoph Waltz, en el papel de su marido y usurpador de su fama, Walter Keane, arranca bastante bien configurándose como un seductor villano de manual, pero termina siendo una caricatura de sí mismo que concatena escenas supuestamente cómicas que, particularmente, me enervaron por su histrionismo que pienso destruye muchas de las posibilidades dramáticas de la película.

Un buen film bien realizado a nivel técnico y con una gran interpretación de su actriz principal, una película entretenida y agradable de ver, pero que no se encuentra ni de lejos entre las mejores obras de su afamado director.

Enoch
Trailer:

Otras críticas para #BigEyes en webs amigas: