lunes, 29 de octubre de 2018

Malevolent - Olaf de Fleur Johannesson

Título original: Malevolent

Año: 2017
Duración: 88 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Olaf de Fleur Johannesson
Guión: Ben Ketai, Eva Konstantopoulos (Novela: Eva Konstantopoulos)
Música: Al Hardiman

Reparto: Florence Pugh,  Celia Imrie,  Ben Lloyd-Hughes,  Scott Chambers,  Georgina Bevan

Productora: Catalyst Global Media / Sigma Films / Thruline Entertainment


"Malevolent" nos presenta a dos hermanos que, aprovechándose de la credibilidad de la gente que les pide ayuda con sus problemas con lo sobrenatural, se ganan la vida a base de engaños. Sin embargo, uno de los casos que tratarán se demostrará mucho más real de lo que ninguno de ellos esperaba.

Olaf de Fleur adapta la novela de Eva Konstantopoulos en un thriller de tintes paranormales que pese a contar con buenos intérpretes en su haber, no consigue alzarse más allá de la mediocridad.

Partiendo de un planteamiento bastante manido, la historia sabe cautivar el interés en sus inicios, con una presentación de personajes atractiva. Sin embargo, a medida que esta se desarrolla y vemos que el trasfondo tras sus protagonistas es más vacío de lo esperado, además de comenzar un descenso hacia el absoluto cliché narrativo y argumental, el entretenimiento y atención hacia una historia absolutamente predecible a cada giro, se diluye.

La presencia de Celia Imrie y Florence Pugh encabezando el reparto, atractiva a priori, da paso también a la decepción. Pese a que ambas están correctas en sus interpretaciones, el producto no está a su altura y no logran unos roles tan potentes como para salvarlo del naufragio ante el tedio.

Una ambientación discreta y unos recursos para causar inquietud y sobresaltos mil veces vistos, terminan de engalanar un producto que, lamentablemente, va directo al olvido por el nulo aporte al género que realiza y e escaso entretenimiento que consigue. Fallida.

Enoch
Valoración:3/10
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domingo, 28 de octubre de 2018

El Ángel - Luis Ortega

Título original: El ángel

Año: 2018
Duración: 117 min.
País: Argentina

Dirección: Luis Ortega
Guión: Luis Ortega, Rodolfo Palacios, Sergio Olguín
Fotografía: Julián Apezteguia

Reparto: Lorenzo Ferro,  Chino Darín,  Mercedes Morán,  Daniel Fanego,  Luis Gnecco, Peter Lanzani,  Cecilia Roth,  William Prociuk,  Malena Villa

Productora: Coproducción Argentina-España; K&S Films / Underground Contenidos / El Deseo / Telefé

La película nos presenta a Carlitos, un adolescente de aspecto angelical pero con una innata inclinación hacia el mal. En una juventud en la que mata el tiempo con robos y fechorías menores, entrará en contacto con Ramón, con el que pronto entablará una relación extraña, más allá de la amistad. Este nuevo lazo introducirá a Carlos en un mundo de delitos y crímenes, una espiral de violencia que hará de él el asesino más prolífico y despiadado de Argentina, el Ángel de la Muerte.

Luis Ortega dirige este peculiar biopic de una conocida figura real en una película de marcada estética y personalidad que le ha otorgado varios galardones en los premios Fénix, así como abierto la puerta al festival de Cannes y a la sección de Perlas del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, entre otros festivales.

Es inevitable comentar en primer lugar la estupenda actuación de los dos jóvenes protagonistas. Lorenzo Ferro borda el papel del joven asesino, sabiendo mostrar en pantalla la peligrosa y letal inocencia del mal, sin conciencia ni remordimientos. Su compañero, Chino Darín, es un estupendo contrapunto y catalizador de mucho cuanto acontece, seduciendo a su compañero y a la audiencia con su simpática creación.

Otro de los puntos fuertes del film reside en su aspecto visual, con un buen trabajo de montaje y fotografía, que unidos a una gran labor de ambientación que nos transporta a otra época de forma eficiente, generan la fantasía. La música será el último ingrediente, guinda de una propuesta que sorprende y agrada a los sentidos por una puesta en escena que contrasta la sordidez de los hechos con su color y simpatía.

Está en el desarrollo de la historia quizás su punto más débil, que no flojo, pues en su parte central pierde un poco de intensidad, con un cierto estancamiento que poca fuerza aporta, pero que termina remontando y recuperando el interés del espectador cuando enfila su recta final.

"El Ángel" es una película que se sale de la norma narrativa y formal del subgénero de cine ligado a los asesinos en serie, una propuesta distinta, cuidada y provocadora que entretiene y convence. Interesante.

Valoración:7/10
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sábado, 27 de octubre de 2018

Elite - Carlos Montero y Darío Madrona

Título original: Élite

Año: 2018
Duración: 50 min.
País: España

Dirección: Carlos Montero,  Darío Madrona,  Ramón Salazar, Dani de la Orden
Guión: Carlos Montero, Darío Madrona
Música: Lucas Vidal
Fotografía: Ricardo de Gracia, Daniel Sosa

Reparto: Omar Ayuso,  Miguel Bernardeau,  Mina El Hammani,  Itzan Escamilla,  Ester Expósito, Miguel Herrán,  Jaime Lorente,  Danna Paola,  María Pedraza,  Lola Marceli, Arón Piper,  Álvaro Rico,  Jorge Suquet

Productora: Zeta Cinema / Netflix España. Distribuida por Netflix

Un desafortunado accidente, que llevó al peligroso derrumbe de un instituto, hizo que sus alumnos fueran reubicados en otros centros. Tres de ellos recibirán una beca que les permitirá el acceso al más prestigioso y elitista de los institutos, Las Encinas. Allí habrán de mezclarse con los más pudientes, en un lugar donde las apariencias, posesiones y relaciones lo son todo. El conflicto entre las clases sociales es inevitable, caldo de cultivo no sólo para el enfrentamiento, sino hasta para el asesinato... y todos serán iguales frente a la sospecha.

Los experimentados Carlos Montero y Darío Madrona son los padres de esta propuesta adolescente que reúne todos los ingredientes para enganchar a una audiencia muy concreta y atrapar con sus enredos a otra mucho más amplia.

Personajes acartonados, exagerados y llenos de clichés pueblan su historia. Situaciones inverosímiles, sexualizadas y extremas van enredando al espectador en una tela de araña que si bien es absurda al analizarla, es óptima para desactivar el análisis y dejarse llevar por el entretenimiento.

La galería de intérpretes que encontraremos tras los muros de Las Encinas son también extremadamente irregulares, con varios personajes que saben llenar sus creaciones de desgarradora verdad, otros que se cubren de un aura de venenoso pero atractivo misterio, y algunos cuya capacidad interpretativa es realmente cuestionable.

En su cuidada realización encontraremos múltiples recursos ya vistos en otras series de éxito, pero no podemos negar que su cámara es sabia y su poderío visual, bien medido y aplicado, sacando buen partido de espacios, perspectivas y fotografía, además de acertando en su agradable y variopinta ambientación musical.

Muchos son sus defectos, demasiadas las cosas que chirrían en su narrativa e intérpretes, pero "Elite" se erige como un adictivo "guilty pleasure" con el que, una vez superados los prejuicios y asumida su condición de entretenimiento directo y tramposo, disfrutar del viaje en el buen vehículo lúdico que es.

Enoch
Valoración:6/10
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jueves, 25 de octubre de 2018

La Maldición de Hill House - Mike Flanagan

Título original: The Haunting of Hill House

Año: 2018
Duración: 60 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Mike Flanagan
Guión: Mike Flanagan (Libro: Shirley Jackson)
Música: The Newton Brothers
Fotografía: Michael Fimognari

Reparto: Michiel Huisman,  Henry Thomas,  Elizabeth Reaser,  Timothy Hutton, Victoria Pedretti,  Carla Gugino,  Kate Siegel,  Lulu Wilson,  Oliver Jackson-Cohen, Paxton Singleton,  Julian Hilliard,  Mckenna Grace,  Violet McGraw,  Annabeth Gish

Productora: Amblin Television / Paramount Television. Distribuida por Netflix

Un matrimonio y sus hijos habitan en un caserón mientras lo restaura con intención de venderlo y partir, pero el lugar tiene otros planes para ellos. La tragedia no tardará en llegar y separará a la familia, que tratará de seguir con sus vidas tras lo experimentado en el siniestro lugar. Pasarán los años, pero no los recuerdos y  el destino querrá que otro triste acontecimiento los fuerce a reunirse y enfrentar al pasado y sus fantasmas.

Mike Flanagan, responsable de éxitos del género como "Occulus", "Ouija, el origen del Mal" o "El Juego de Gerald", entre otros, se enfrenta al titánico reto de adaptar la novela de Shirley Jackson y dirigir una serie de diez episodios llena de ambición. El resultado no puede ser más satisfactorio.


Atendiendo a los factores técnicos, estamos ante un trabajo impresionante. La puesta en escena recupera el terror más clásico, enfrentándonos a la oscuridad de los pasillos interminables, las estatuas amenazantes, las escalinatas letales, los sótanos llenos de sombras... una orgía de elementos (que cuesta incluso abarcar en un primer visionado, dada la sutileza de muchos de sus detalles) que, aderezados con un potente trabajo de fotografía y un virtuoso movimiento de la cámara y sus perspectivas, consigue la pesadilla cale y traspase la pantalla para meterse bajo la piel del espectador.

En cuanto al trabajo de sus intérpretes, nos hallamos con la sorpresa de tener ante nuestros ojos un notable abanico de grandes papeles. En demasiadas ocasiones, el terror deja en segundo plano a sus personajes, pero en "Hill House" todos y cada uno de ellos tiene un caleidoscopio de emociones y trasfondos que lo hacen único, interesante y magnético. Su trama, centrada no sólo en el horror, sino en el drama y la historia de superación de los traumas, permite que actores y actrices tengan un material sobre el que crear un trabajo sólido con el que la empatía es automática.


Esto nos lleva a quitarnos el sombrero ante el poderío narrativo de Flanagan, cómo sabe ofrecer un menú de diez episodios en los que las cartas se van levantando poco a poco, las piezas van encajando de forma maestra. Sus ingredientes dramáticos y terroríficos se dosifican y mezclan de tal manera, que las atmósferas tóxicas, amenazantes y dolorosas se trenzan en un hilo narrativo rico y lleno de matices. Estamos ante un relato que se cuece a fuego lento, que susurra historias y grita sobresaltos, una fábula donde se mezclan el ayer y el hoy y flotan hacia la etérea eternidad.

En conclusión, "The Haunting of Hill House" es una obra de primera, una serie de máxima calidad para amantes del drama y el terror, y, sobre todo, del buen cine. Recomendable 100%.

Enoch
Valoración:9/10
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miércoles, 24 de octubre de 2018

Quién Te Cantará - Carlos Vermut

Título original: Quién te cantará

Año: 2018
Duración: 124 min.
País: España

Dirección: Carlos Vermut
Guión: Carlos Vermut
Música: Alberto Iglesias
Fotografía: Eduard Grau

Reparto: Najwa Nimri,  Eva Llorach,  Carme Elías,  Natalia de Molina,  Julián Villagrán, Vicenta N'Dongo,  Inma Cuevas,  Ignacio Mateos,  Catalina Sopelana

Productora: Coproducción España-Francia; Apache Films / Áralan Films / Les Films du Worso

Lila Cassen es una cantante que rompió moldes en los años noventa y su fama fue sobresaliente. Tras unos años de retiro, prepara su triunfal regreso a los escenarios. Pero querrá el destino que un fatídico acontecimiento haga que pierda la memoria. Violeta es una mujer lastrada por una destructiva relación con su violenta hija que destierra sus penas en el karaoke donde trabaja interpretando a su ídolo de juventud, Lila. Ambas mujeres, unidas por la música, enlazarán sus caminos para que aquella anónima enseñe a la que fue estrella a ser ella misma, la mujer y artista que no recuerda.

Carlos Vermut escribe y dirige esta personal película con su inmenso e impactante sello propio. Su buen hacer le permitió no sólo colarse en la sección competitiva del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, sino en alzarse, en dicho certamen, con los premios Feroz y Blogos de Oro de la crítica como mejor película.


Tras los buenos inicios con Diamond Flash y el gran hito que representó Magical Girl, Carlos Vermut parecía tener un listón inalcanzable frente a su tercer largometraje, y, lejos de estrellarse, continúa consolidándose como una de las voces más potentes del panorama cinematográfico nacional con una sólida e hipnótica obra.

Najwa Nimri, Eva Llorach y Natalia de Molina capitanean un reparto femenino omnipotente, lleno de pasión y fuerza en unos personajes que llegan al recuerdo cinéfilo para quedarse. Najwa, encarnando a Lila, logra un personaje lleno de misterio y magnetismo, Natalia remueve las emociones más oscuras con la palpitante violencia de su rol, y Eva Llorach da la gran sorpresa en la piel de Violeta, con un personaje e interpretación que va de menos a más, bordando escenas que ponen la piel de gallina, sublime.

Técnicamente el film es impecable. La selección y utilización de la música durante el metraje es vehículo narrativo de las emociones, mientras que las imágenes, con su cuidada perspectiva y cierto aliento de ensoñación pesadillesca, nos llevan a una realidad tan dura como melancólica, tan onírica como cruel. Artística en su fotografía, milimetrada en su dirección artística, copa toda la atención y seduce la retina y el ánimo de una audiencia entregada al misterio.

Su poderío narrativo no le va a la zaga. Aún siendo un relato mucho más accesible y lineal que el laberinto presentado en sus anteriores proyectos, no cae en lo simplista, al contrario, se regocija en los detalles y deja que el espectador rellene las emociones.

Con todo a su favor en lo técnico, narrativo e interpretativo, "Quién te Cantará" se erige como una de las propuestas más interesantes del año del cine español, Vermut ha vuelto a conseguirlo.

Valoración:8/10
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martes, 23 de octubre de 2018

Pájaros de Verano - Ciro Guerra y Cristina Gallego

Título original: Pájaros de verano

Año: 2018
Duración: 125 min.
País: Colombia

Dirección: Ciro Guerra,  Cristina Gallego
Guión: Maria Camila Arias, Jacques Toulemonde
Música: Leonardo Heiblum
Fotografía: David Gallego

Reparto: Carmina Martínez,  José Acosta,  Natalia Reyes,  Jhon Narváez,  Greider Meza, José Vicente Cote,  Juan Bautista Martínez

Productora: Ciudad Lunar Producciones / Blond Indian Films / Pimienta Films / Snowglobe Films / Films Boutique

"Pájaros de Verano" nos adentra en el corazón de Colombia,  en las ancestrales tradiciones de los Wayuus. La necesidad de pagar una dote para contraer núpcias con una poderosa mujer del clan hará que el colectivo comience flirtear con el narcotráfico. De esta forma su cultura y valores entrarán en frontal conflicto con las consecuencias y cambios que estas actividades traen a su pueblo.

Ciro Guerra, tras el éxito y reconomiento mundial recibido por su anterior proyecto, "El Abrazo de la Serpiente",  vuelve a demostrar su fuerza visual y narrativa con esta propuesta, proyectada en Cannes y en la sección de Perlas de la 66 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

En contra de esta película juega la sobre saturación de proyectos cinematográficos y televisivos ligados al narcotráfico con la que se han llenado nuestras pantallas en los últimos tiempos. No hay por ello grandes giros ni sorpresas para un público que espera y ve la degradación de un pueblo invadido por las drogas.


A su favor, por el contrario, juega el virtuosismo visual con el que es tratada la película. Una poderosa paleta de colores tiñe su fotografía para dar forma y engalanar de forma más que atractiva la puesta en escena de la rica cultura de un pueblo pleno de misticismo y ancestrales creencias. Planos oníricos y poéticos se enfrentan cara a cara con la crueldad de la violencia y la frialdad del capitalismo que poco a poco, gana terreno.

Con sus pros y contras, "Pájaros de Verano", es una propuesta que si bien no innova en su fondo, resulta muy agradable por su forma de narrarlo, sobre todo en lo que a lo visual se refiere. Un doloroso viaje a la pérdida de las raíces y a cómo la codicia y el progreso teñido de violencia, puede destruir todo a su paso. Interesante.

Valoración:6/10
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lunes, 22 de octubre de 2018

Tres Caras - Jafar Panahi

Título original: Three Faces

Año: 2018
Duración: 100 min.
País: Irán

Dirección: Jafar Panahi
Guión: Jafar Panahi, Nader Saeivar
Fotografía: Amin Jaferi

Reparto: Jafar Panahi,  Behnaz Jaffari,  Maedeh Erteghaei,  Narges Delaram,  Marziyeh Rezaei

Productora: Jafar Panahi Film Productions

Una joven de una remota área rural iraní, cuya máxima aspiración en la vida es convertirse en actriz, factor que le es prohibido por su familia atada a la tradición, envía un video a una conocida intérprete. La desesperación mostrada en el mismo y su fatídico final hará que la reputada actriz una fuerzas con un notable director y ambos pongan rumbo a las montañas para dilucidar el destino de la adolescente e investigar la autenticidad de las imágenes. Allí chocarán con una comunidad anclada en la rigidez de las ancestrales costumbres...

Jafar Panahi, tras el éxito de "Taxi Teherán" renueva su reconocimiento en Cannes alzándose con el galardón al mejor guión para esta película que posteriormente logró colarse en la sección de Perlas del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián con su humana y sencilla historia.

La película, directa en su planteamiento, tiene un notable punto fuerte, que es la maestría de Panahi para realizar obras que impactan por el choque cultural que representan. De esta forma da forma a la denuncia de situaciones de su país a la par que muestra sus gentes, usos y costumbres. No busca el tremendismo ni se regocija en la sordidez, al contrario, hace del espectador un viajero más en ese coche en busca de respuestas, un observador, y que sea él quien haga los juicios de valor.

En su contra, pese a lo interesante y atractivo de su idea, que engancha desde un principio, juega lo dilatado de su relato, que quizás hubiera funcionado de forma espectacular como corto o mediometraje, pero que aquí termina dispersándose, incluyendo tramos que poco o nada aportan al desarrollo del mensaje o narrativa. Aún y con ello consigue momentos tan chocantes como emotivos, pero lastra el ritmo de forma irregular penalizando el entretenimiento.

Con sus virtudes y defectos, estas "3 Caras" es una propuesta agradable bien realizada e interpretada aunque menos poderosa de lo que podía haber sido.

Valoración:6/10
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domingo, 21 de octubre de 2018

Dantza - Telmo Esnal

Título original: Dantza

Año: 2018
Duración: 98 min.
País: España

Dirección: Telmo Esnal
Guión: Telmo Esnal
Música: Pascal Gaigne
Fotografía: Javier Aguirre

Reparto: Amaia Irigoyen,  Gari Otamendi,  Ainara Ranera,  Joseba Astarbe, Josu Garate

Productora: Txintxua Films

Dantza es una atípica y artística propuesta de Telmo Esnal en la que el cine y la música entrelazan sus dedos con armonía para disponerse a ser impactante pareja de baile.
La película, narrada al ritmo de las danzas vascas, propone un viaje, el de la evolución humana y su ciclo vital. A través de la música, el baile, los gestos y entornos viviremos la lucha por dominar la naturaleza, la supervivencia, el amor, la celebración, la muerte... el caleidoscopio de lo que es la vida baila ante los ojos del espectador en un poema musical.

La película, presentada dentro de la Sección Oficial de la 66 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, representó todo un riesgo de programación por parte de la organización, una propuesta a la que se asistió con tanta incertidumbre como satisfacción se logró tras su visionado, un acierto.


"Dantza" es un ejercicio de auténtica poesía visual. La calidad de sus imágenes y puesta en escena es una auténtico deleite para los sentidos. La perspectiva de su cámara, la impresionante paleta de vivos colores de su fotografía, el impecable trabajo de vestuario y las inagotables, apasionadas y poderosas danzas tejen un tapiz de emociones no verbales que calan profundo, entretienen y seducen de principio a fin.

Pese al uso de la danza tradicional vasca y la mitología local, "Dantza" tiene un susurro, un latido, que trasciende fronteras y culturas, pues la tradición local no es más que vehículo para una narrativa universal que baila hacia la esencia del ser humano.

"Dantza" nos propone un ejercicio de cine que es arte y emoción, un deleite sensorial con el que dejarse llevar, mecer y fluir. Una muy interesante experiencia fílmica.

Valoración:7/10
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sábado, 20 de octubre de 2018

Angelo - Markus Schleinzer

Título original: Angelo

Año: 2018
Duración: 111 min.
País: Austria

Dirección: Markus Schleinzer
Guión: Alexander Brom, Markus Schleinzer
Fotografía: Gerald Kerkletz

Reparto: Makita Samba,  Alba Rohrwacher,  Larisa Faber,  Kenny Nzogang,  Lukas Miko, Gerti Drassl,  Michael Rotschopf,  Jean-Baptiste Tiemele

Productora: Coproducción Austria-Luxemburgo; Novotny, Novotny Filmproduktion GmbH / Amour Fou Filmproduktion / Markus Schleinzer

Angelo nos traslada a la Europa del Siglo XVIII. Allí seguiremos las andanzas de un niño africano, traído a la corte como un producto exótico para el entretenimiento de la aristocracia. La inteligencia del niño irá creciendo con los años y su buen hacer entre la corte ilustrada le dará un renombre que utilizará para tratar de labrar su propia vida. Sin embargo, su existencia nunca podrá ser aceptada con normalidad.

Markus Schleinzer dirige esta extraña propuesta que polarizó opiniones de público y crítica en su paso por la 66 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.


La película, contemplativa y llena de potentes silencios, divide su narrativa a través de varios capítulos y observa el devenir del joven Angelo y su entorno desde la lejanía, en interminables planos fijos, espía su existencia, sin implicarse, logrando, en nuestro caso, una desconexión absoluta de las emociones que debe evocar esta ácida mirada al racismo y carisma de una época.

En su pretenciosa puesta en escena, "Angelo" enriquece sus fotogramas con una potente dirección artística que apuesta por lo excesivo y opulento, permitiéndose incluso la inclusión de notables anacronismos en su trabajo de decorados y vestuario. Este factor, que llama poderosamente la atención, chirría en la mirada del espectador, pero lejos de ser un error, subraya la atemporalidad de aquello que critica y logra en ocasiones recuperar el interés perdido.

Arriesgada y académica, "Angelo" no es un plato para todos los paladares cinéfilos. Particularmente, no conectamos con su tono y aspectos formales y aunque reconocemos lo artístico y arriesgado de muchos de ellos, no lo suficiente para disfrutar de un metraje que se tornó eterno.

Valoración:3/10
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viernes, 19 de octubre de 2018

Illang: La Brigada del Lobo - Kim Jee-woon

Título original: In-rang - Jin-Roh
Illang: The Wolf Brigade

Año: 2018
Duración: 139 min.
País: Corea del Sur

Dirección: Kim Jee-woon
Guión: Kim Jee-woon (Historia: Mamoru Oshii)
Música: Mowg
Fotografía: Lee Moo-gae

Reparto: Gang Dong-won,  Han Hyo-Joo,  Jeong Woo-seong,  Kim Mu-yeol,  Han Ye-ri, Choi Min-ho,  Shin Eun-soo,  Heo Jun-ho

Productora: Lewis Pictures

En el futuro, las dos Coreas planean su unificación. Este hecho genera hacia ellas fuertes bloqueos por parte de las grandes potencias mundiales a la par que rencillas y disturbios internos. Dentro de sus fronteras, un grupo terrorista pugna por la no unificación, formando los gobiernos de los países camino de ser uno un grupo paramilitar llamado Unidad Especial para contrarestarla. En este entorno, la inteligencia no querrá que un grupo armado cobre tanto poder, cobrando vida así de una facción armada de élite conocida como la Brigada del Lobo. La telaraña de organizaciones de enfrentados intereses prestas a la lucha armada hace del lugar una olla a presión donde el conflicto es inevitable.

Kim Jee-woon, responsable de la notable "Encontré al Diablo", adapta el manga "The Wolf Brigade", obra de Mamoru Oshii a la gran pantalla, consiguiendo con su obra regresar a la competición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián en su 66 Edición. A diferencia de su anterior participación, su película recibió una fría acogida por parte de público y crítica.


La cinta brilla en su parte más visual. La puesta en escena es espectacular, con unas escenas de acción, no sólo trepidantes, sino magnificamente coreografiadas, un auténtico espectáculo digno de elogio. Destacable también encontramos su ambientación musical, que regala estupendos momentos para el recuerdo.

Sin embargo, el film pincha en su narrativa. La potente distopía que propone no sólo se presenta de forma confusa, sino que el discurso explicativo de sus bases y conspiraciones resulta reiterativo y agotador. La vertiente más dramática, ligada a los trasfondos de sus personajes principales, tampoco está bien desarrollada ni despierta demasiado interés o empatía.

Con estos pros y contras, "La Brigada del Lobo" resulta un producto irregular, altamente disfrutable en sus tramos más frenéticos, pero notablemente tediosa en el resto de su alargadísimo metraje. Una lástima, pues, la propuesta, a priori, podía ser un cocktail que funcionara de una forma mucho más efectiva y entretenida.

Valoración:4/10
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jueves, 18 de octubre de 2018

Rojo - Benjamín Naishtat

Título original: Rojo

Año: 2018
Duración: 109 min.
País: Argentina

Dirección: Benjamín Naishtat
Guión: Benjamín Naishtat
Música: Vincent van Warmerdam
Fotografía: Pedro Sotero

Reparto: Darío Grandinetti,  Andrea Frigerio,  Alfredo Castro,  Diego Cremonesi

Productora: Coproducción Argentina-Francia-Brasil; Ecce Films / Bord Cadre Films / Desvia Produções / Pucara Cine / Sutor Kolonko

Corren los años setenta en la Argentina de provincias. Allí, en un concurrido restaurante, un extraño comenzará una trifulca con un conocido abogado local. La tensión se respira, y aunque el enfrentamiento se disipa, el desconocido le esperará en el exterior y su nuevo encontronazo tendrá fatídicas consecuencias. La letal violencia teñirá a partir de ese momento la vida del abogado y comenzará para él un laberinto de silencios, secretos y mentiras.

Benjamín Naistat escribe y dirige esta personalísima película que, además abrirle las puertas al festival de Toronto,  se alzó como una de las grandes triunfadoras de la 66 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián recibiendo los galardones de mejor director, fotografía y actor para su protagonista, Darío Grandinetti y su oscura creación.

La película tiene un potente arranque que consigue desasosegar a la audiencia y que pronto conecte con el latir de una época, un lugar y una respirable desconfianza. Ante él se abrirán océanos de paranoia a medida que acompaña al protagonista en sus andanzas y suma elementos a la ecuación del misterio.

Técnicamente la película tiene notables puntos a su favor, la nombrada y poderosa fotografía y la ambientación que logra el trabajo de dirección artística, fotografía y atmósfera musical, consiguen que la audiencia viaje en el tiempo y viste de autenticidad a cuanto se nos es mostrado en pantalla.

Sin embargo algo falla en "Rojo" y es el desarrollo de la historia. Si bien es de agradecer la cantidad de interrogantes y misterios sin resolver que pone sobre la mesa, el guión de la cinta no lo encontramos lo suficientemente hábil o eficaz para atrapar al espectador y conseguir su interés por cuanto acontece y los lazos invisibles que unen los destinos y actos de sus protagonistas. Este factor, a nuestro entender, lastra el disfrute de la propuesta, haciendo de su metraje algo más agotador y menos apasionante que lo que su inicio prometía.

Valoración:4/10
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miércoles, 17 de octubre de 2018

Alpha, The Right to Kill - Brillante Mendoza

Título original: ALPHA, The Right To Kill

Año: 2018
Duración: 94 min.
País: Filipinas

Dirección: Brillante Mendoza
Guión: Troy Espiritu
Música: Diwa de Leon
Fotografía: Joshua Reyles

Reparto: Allen Dizon,  Elijah Filamor,  Baron Geisler

Productora: Center Stage Productions. Distribuida por Memento Films

La policía filipina despliega toda su fuerza para acabar con la redes organizadas de distribución de drogas entre la población. Las piezas claves para acabar con la cabeza de los narcotraficantes será el trabajo del sargento Moisés y su confidente infiltrado. Las redadas son un éxito, pero el peligro continúa latiendo en las calles y tras las filas de la policía, pues no sólo los delincuentes tienen secretos que ocultar.

Brillante Mendoza continúa en su filmografía mirando la realidad más cruel de su país para retratar esta historia de narcotráfico y corrupción, trabajo que le ha otorgado el Premio Especial del Jurado en la 66 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

La película busca el realismo con una puesta en escena que se recrea en la miseria de las calles, escenario de rebuscadas y laberínticas escenas de acción. Es en este área donde "Alpha" brilla con mejor hacer cinematográfico, haciendo de la primera mitad del film un thriller frenético y tenso.


Sin embargo, cuando superamos el ecuador de la cinta, y su relato torna la mirada hacia la intimidad de sus personajes y sus devenires vitales, la propuesta pierde excesiva fuerza. Ni la labor de los intérpretes, ni los giros de un guión ausente de sorpresas e intensidad, consiguen convencer del todo, llevándonos a la sensación de estar ante un film que va de más a menos.

Es por ello que, si bien vemos buenas maneras e intenciones en "Alpha, the Right to Kill", la falta de una más satisfactoria composición de la historia y su ritmo y un mejor tratamiento de sus personajes hace que no resulte del todo satisfactorio su visionado, que las expectativas logradas por la cinta con su potente arranque se disipen en una cierta sensación de tedio, una lástima.

Valoración:4/10
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martes, 16 de octubre de 2018

Petra - Jaime Rosales

Título original: Petra

Año: 2018
Duración: 107 min.
País: España

Dirección: Jaime Rosales
Guión: Jaime Rosales, Clara Roquet, Michel Gaztambide
Música: Kristian Eidnes Andersen
Fotografía: Hélène Louvart

Reparto: Bárbara Lennie,  Àlex Brendemühl,  Marisa Paredes,  Joan Botey,  Petra Martínez, Carme Pla,  Oriol Pla,  Chema del Barco

Productora: Coproducción España-Francia-Dinamarca; Fredesval Films / Wanda Visión / Oberón Cinematográfica / Les Productions Balthazar / Snowglobe Films

Petra es una joven artista en busca de sus raíces. En su camino hacia hallar la desconocida figura paterna logrará entrar bajo la tutela de Jaume, un prestigioso escultor. En su búsqueda, se enredarán en el camino la figura de la carísmatica mujer de su posible progenitor, además del hijo de este. Las relaciones se irán tejiendo, teñidas de secretos, rencillas y rencores, y la búsqueda del conocimiento más que liberar hará que los lazos buscados asfixien.

Jaime Rosales presenta su familiar relato con un indiscutible estilo propio, lo que le abrió la puerta a la Quincena de Realizadores de Cannes o la sección de Perlas del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, dividiendo opiniones.


La película, que radiografía a la burguesía y sonríe maliciosa ante los secretos y mentiras sobre las que se construyen las vidas, no escatima la sátira y apreciable es su crítica al mundo del arte y su trascendencia.

En su apartado actoral, "Petra" tiene en sus filas a grandes de la interpretación, como Barbara Lennie o Marisa Paredes, sin embargo, la supuesta potencia de sus personajes no termina de calar, encerradas en una contención que no permite apasionarse con el devenir de sus destinos.

Esta gelidez lastra, a nuestro parecer, toda la obra. "Petra" es una tragedia griega moderna pero contada de forma tan recargada y fría que, pese a interesar sus contenidos, su forma no trasciende la pantalla. Un relato tan académico sobre temas tan emocionales no atrapa tanto el ánimo como sería deseable, una lástima.

Valoración:4/10
Trailer:

sábado, 13 de octubre de 2018

Freakdog - Paddy Breathnach

Título original: Freakdog (Red Mist)

Año: 2008
Duración: 82 min.
País: Reino Unido

Dirección: Paddy Breathnach
Guión: Spence Wright
Música: Stephen Warbeck
Fotografía: Ruairi O'Brien

Reparto: Arielle Kebbel,  Sarah Carter,  Stephen Dillane,  Andrew Lee Potts,  Alex Wyndham, Katie McGrath

Productora: Generator Entertainment / Geronimo Films / Framestore CFC / Northern Ireland Screen

Un joven estudiante de medicina, extraño, asocial y aislado, sufre las burlas y vejaciones de sus compañeros. Una noche de fiesta volverá a ser víctima de sus bromas, pero en esta ocasión, irán demasiado lejos haciendo que el joven caiga en un coma de dudoso retorno. Una de las culpables, acosada por su conciencia, tratará de ayudarlo por todos los medios, y para ello se arriesgará a suministrarle unas drogas experimentales, que lo que despertarán será, no su consciencia, sino su ira, permitiendo a la víctima tornarse verdugo, y saliendo de su propio cuerpo, acabar con aquellos que le han llevado a tan triste situación.

Paddy Breathnach, el que fuera responsable de la cinta "Cabeza de Muerte (Fungus Mortalitas)" continuó con Freakdog su carrera por el cine de terror adolescente tratando de darle un giro de tuerca tornando a la víctima ejecutor y eliminando todas las limitaciones físicas tirando del factor sobrenatural para su desarrollo.

Un factor de interés en "Freak Dog" es la ausencia de inocentes entre sus personajes, lo que rompe el habitual esquema de este tipo de películas, ni siquiera la supuesta buena samaritana a quien remuerde la conciencia está libre de culpa, o aquel víctima de la letal broma. Además de ello, el modus operandi de el "villano" de este slasher, también resulta original, con lo cual, el trabajo de guión resulta agradable dentro del género.

Nada reseñable encontramos dentro del apartado interpretativo de una película plagada de rostros jóvenes sin demasiado carisma ni pasión en sus creaciones de unos personajes bastante vacíos y sin demasiado interés. Otro factor a tener en cuenta a la hora de valorar una cinta de estas características es la creatividad de las muertes que se van sucediendo en pantalla, y "Freak Dog", a este respecto es aceptable, no más.

Todos estos ingredientes hacen de "Freak Dog" una película de fácil consumo, un entretenimiento digno para los amantes del slasher por sus toques diferenciadores, aunque sin mucho genio en el cuerpo en sus apartados técnicos ni interpretativos. Para pasar el rato.

Valoración:5/10
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viernes, 12 de octubre de 2018

The Blind Goddess - Harold French


Título original: The Blind Goddess

Año: 1948
Duración: 87 min.
País: Reino Unido

Dirección: Harold French
Guión: Muriel Box, Sydney Box (Obra: Patrick Hastings)
Música: Bernard Grun
Fotografía: Ray Elton

Reparto: Eric Portman,  Anne Crawford,  Hugh Williams,  Michael Denison,  Nora Swinburne, Raymond Lovell,  Claire Bloom,  Frank Cellier,  Clive Morton,  Elspet Gray, Maurice Denham,  Philip Saville,  Martin Benson,  Thora Hird

Productora: Gainsborough Pictures

Un joven descubrirá una trama de malversación de fondos a cargo de unos aristócratas que no dudará en denunciar ante el primer ministro en busca de justicia. Los acusados, por su parte, no tardarán en tratar de ridiculizarlo denunciando su argumentario como difamatorio. La trama se complica con el suicidio, o asesinato, de la figura que podía aportar las pruebas necesarias para resolver la trifulca, así como complicará el caso las implicaciones amorosas del joven con la esposa del acusado y la hija del abogado defensor de este.

Harold French ("Rob Roy", "El Expreso de París, "Adán y Ella"...etc) dirige en 1948 esta entretenida pieza de cine, melodrama judicial sobre la corrupción inspirada en la obra de Patrick Hastings, asentada sobre un estupendo guión de Sydney y Muriel Box. La película ha regresado a la gran pantalla, setenta años después de su estreno, gracias a la retrospectiva dedicada a esta última en el marco del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

El film focaliza toda su atención en sus personajes y relaciones entre ellos, en el juego de sospechas, acusaciones y tretas. Para ello reduce sus escenarios a la mínima expresión y mantiene un tono casi teatral en todo su metraje, donde diálogos e interpretaciones son la clave.

Su elenco de intérpretes salda con efectividad su labor, imprescindible para el buen funcionamiento de la cinta, pero es su inteligente guión quien hace que el entretenimiento que ofrece "The Blind Goddess" atrape de principio a fin. Su ritmo, su modo de dosificar la información y los giros argumentales capturan la atención con simpatía e interés. Agradable resulta cómo no deja de sentirse el susurro de una mano femenina tras sus líneas en unos tiempos que no favorecían esta circunstancia.

Con todo ello estamos ante un interesante pedazo de cine ideal para dejarse llevar a otros tiempos, a otra forma de hacer películas.

Valoración:6/10

jueves, 11 de octubre de 2018

First Man, El Primer Hombre - Damien Chazelle

Título original: First Man

Año: 2018
Duración: 133 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Damien Chazelle
Guión: Nicole Perlman, Josh Singer (Libro: James R. Hansen)
Música: Justin Hurwitz
Fotografía: Linus Sandgren

Reparto: Ryan Gosling,  Jason Clarke,  Claire Foy,  Kyle Chandler,  Corey Stoll, Pablo Schreiber,  Lukas Haas,  Brian d'Arcy James,  Aurelien Gaya,  Ciarán Hinds, Ethan Embry,  Patrick Fugit,  Shea Whigham,  Christopher Abbott,  Cory Michael Smith, Brady Smith,  Perla Middleton,  J.D. Evermore

Productora: Universal Pictures / DreamWorks SKG / Temple Hill Entertainment / Perfect World Pictures

Le película se centra en la misión de la NASA dedicada a enviar al hombre a la luna. Desarrollada su historia entre 1961 y 1969, nos narrará la gestación y evolución de la misma, sus aciertos, riesgos y errores hasta conseguir que el primer astronauta posara sus pies sobre el satélite. El relato se focaliza en este, en la figura de Neil Armstrong, su trasfondo familiar, su entrega al proyecto, sus miedos y logros.

El joven Damien Chazelle, tras su meteórico éxito con Whiplash y La La Land, da un giro temático para centrarse en la narración de estos tan conocidos hechos reales para embarcarnos en un viaje a la ambición humana y la entrega a las metas marcadas.

La principal virtud de la película reside en su parte más técnica, con un milimetrado trabajo de ambientación para recrear la época y los lugares donde evoluciona la historia. Sin grandes alardes de efectos visuales consigue sumergir al espectador de forma verosímil, en cada paso de los acontecimientos. Su punto más fuerte, una vez más, resulta el magnífico uso del sonido, apabullante, así como del silencio, igualmente atronador.

El reparto está más que correcto, destacando una notable Claire Foy encarnando a la mujer del astronauta, responsable del mayor peso emocional del film. Ryan Gosling, por su parte, en su rol protagonista, crea un personaje sobrio, focalizado y hermético, quizá incluso demasiado, rozando la fina línea de poder ser tildado de inexpresivo.

Lo que quizá pesa más en su contra es el tono de su narrativa, que a tramos roza un cariz casi documental, haciendo de sus más de dos horas de duración un trayecto que puede resultar demasiado alargado para el espectador. Esa frialdad, si bien dota de veracidad a lo narrado, anula la épica y la emoción, lo que puede resultar decepcionante para un amplio espectro de la audiencia.

Estamos con todo ello, ante una película realizada con maestría, brillante en lo técnico y formal, pero con la que puede resultar difícil apasionarse.

Valoración:6/10
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miércoles, 10 de octubre de 2018

Neon Heart - Laurits Flensted-Jensen

Título original: Neon Heart

Año: 2018
Duración: 89 min.
País: Dinamarca

Dirección: Laurits Flensted-Jensen
Guión: Laurits Flensted-Jensen
Música: Peter Peter
Fotografía: Balthazar Hertel

Reparto: Christian Andersen Busk,  Niklas Herskind,  Kevin Lakomy,  Mikkel Haagerup Lund, Noah Skovgaard Skands,  Victoria Carmen Sonne

Productora: Walenciak Film. Distribuida por Walenciak Film

Neon Heart sigue las andanzas de tres personajes atormentados por los avatares del destino en lucha por un mañana mejor. Laura, una mujer desencantada por su experiencia en el mundo de la pornografía que regresa al hogar y trata de labrarse una nueva vida. Niklas, su antigua pareja, un ex adicto que trata de encarrilarse centrándose en su trabajo con discapacitados mentales. Por último, Frederik, hermano de Niklas, un adolescente conflictivo en busca de la notoriedad adscribiéndose a grupos violentos...

Laurits Flensted-Jensen, director y guionista de esta película, acerca al espectador a situaciones y vivencias incómodas, desagradables incluso, obligándole a mirar las vidas que nadie quiere observar, enfrentándolo a la dura realidad, con unas historias cruzadas, narrativa y forma de hacer cine que le abrieron la puerta a la participación en el 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián en su sección Nuev@s Director@s.

Neon Heart tiene a su favor un buen trabajo actoral, jóvenes promesas que se sumergen a conciencia bajo la piel de unos personajes en absoluto fáciles ni cómodos. Igualmente interesante es el trabajo de fotografía de Balthazas Hertel, creando atmósferas que logran invertir la sensaciones, logrando tornar escenas, a priori, desagradables o incómodas, en enternecedoras. 

En su contra, sin embargo, juega un guión que dista de ser redondo. Su estructura resulta demasiado sencilla y un tanto irregular. No todas las historias funcionan igual de bien ni con la misma intensidad, sólo la de Niklas impacta en su conjunto, quedando las otras dos, como accesorias y apenas esbozadas. Acierta en su valentía, pero su narrativa es difusa.

En conclusión, una película que consigue atrapar la atención, bien interpretada y realizada, pero con un relato cuyas piezas no completan el puzzle dejándonos con el sabor de boca de que podía haber llegado a más.

Valoración:6/10
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martes, 9 de octubre de 2018

Smallfoot - Karey Kirkpatrick y Jason Reisig

Título original: Smallfoot

Año: 2018
Duración: 96 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Karey Kirkpatrick,  Jason Reisig
Guión: Karey Kirkpatrick, Clare Sera, John Requa, Glenn Ficarra (Libro: Sergio Pablos)
Música: Heitor Pereira

Reparto: Channing Tatum,  James Corden,  Zendaya,  Common,  LeBron James, Danny DeVito,  Gina Rodriguez,  Yara Shahidi,  Ely Henry,  Jimmy Tatro

Productora: Warner Bros. / Warner Animation Group / Warner Bros. Animation / Zaftig Films

Los Yetis viven felices aislados en su aldea de las cimas más altas de las montañas, más allá del océano de nubes. Sin embargo, su armónica existencia se verá perturbada por la llegada de un ser, para ellos, mitológico, el ser humano. Este hecho hará que un grupo de jóvenes comiencen a cuestionarse sus creencias y decidan investigar si realmente hay algo más allá de su microcosmos, algo diferente, si algo se oculta en lo que para ellos es la nada infinita...

Warner Bros apuesta por esta producción de animación presentada en la 66 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, una cinta familiar de ligero entretenimiento llena de mensaje.

"Smallfoot" mantiene la estructura clásica de films de animación para todos los públicos, tratando de buscar un entretenimiento que pueda satisfacer a grandes y pequeños. Para ello dota al relato de una rica imaginería e imaginación, creando un mundo paralelo donde habitan las supuestamente abominables criaturas (inmensamente entrañables, por supuesto), una galería visual que se viste de un lujoso trabajo de animación cuidado al detalle.

No pueden faltar las canciones, de variado tono y ritmo, también vehículo narrativo para el desarrollo de la historia que, amenas y agradables, no lastran el relato. Los personajes, aunque adscritos al cliché, dan forma a una extensa galería de roles con la que no es difícil empatizar y simpatizar.

En cuanto a la narrativa, es dinámica, llena de aventuras, humor y ternura, no dejando espacio alguno para el aburrimiento o el tedio. Entre todo ello, no falta una notable dosis de conciliador mensaje abogando por la tolerancia y respeto al diferente, sin dejar de subrayar el necesario examen de conciencia por un bagaje histórico que hace a hombres y bestias, depredadores de lo desconocido, factor a cambiar. Apunta a la moral y los valores, pero no empalaga con ello, algo muy de agradecer.

Con todo ello estamos ante una película digna para todo aquel que quiera pasar un rato de despreocupado entretenimiento, sencilla pero imaginativa, y con una estupenda factura técnica, ideal para toda la familia.

Valoración:6/10
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lunes, 8 de octubre de 2018

29 Acacia Avenue - Henry Cass

Título original: 29 Acacia Avenue

Año: 1945
Duración: 83 min.
País: Reino Unido

Dirección: Henry Cass
Guión: Sydney Box, Muriel Box
Música: Clifton Parker
Fotografía: Robert Huke, Ernest Palmer (B&W)

Reparto: Gordon Harker,  Betty Balfour,  Jimmy Hanley,  Carla Lehmann,  Hubert Gregg, Jill Evans,  Henry Kendall,  Dinah Sheridan,  Megs Jenkins,  Noele Gordon, Guy Middleton

Productora: Boca Productions / Columbia British Productions

Los Robinson son una familia acomodada y bien avenida. El matrimonio decide concederse unas vacaciones en familia y partir a relajarse lejos del hogar. Sus hijos, sin embargo, rehusarán acompañarles, por diversas razones. El hijo, por haber comenzado una tortuosa relación con una mujer casada. La hija, para aprovechar el vacío del hogar para experimentar la vida en pareja con su prometido. Pero querrá el destino que nada salga como habían planeado... ninguno de ellos.

Henry Cass (The Hand, La Sangre del Vampiro...etc) dirige esta comedia de familiares enredos asentada sobre un guión de Sydney y Muriel Box, una película presentada dentro del ciclo dedicada a esta última en el marco del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

"29 Acacia Avenue" es un retrato casi teatral y en clave de humor de una familia, sus relaciones, secretos y personalidades. Una radiografía de la moral de una época y sus usos y costumbres llevada a la pantalla con un grupo de solventes actores y actrices que crean unos personajes entrañables que saben hacer de la audiencia cómplice de sus correrías y sacar en todo momento una sonrisa.

Es sin duda el guión el pilar más fuerte sobre el que se asienta la propuesta, sabio a la hora de mantener el ritmo de gags y situaciones cómicas de enredo en enredo, de mentira en mentira. Un humor que mezcla los recursos más básicos con otros más incisivos hace del visionado de la película un rato ameno y simpático. Agradable.

Valoración: 6/10

domingo, 7 de octubre de 2018

Cold War - Pawel Pawlikowski

Título original: Zimna wojna

Año: 2018
Duración: 88 min.
País: Polonia

Dirección: Pawel Pawlikowski
Guión: Pawel Pawlikowski, Janusz Glowacki
Fotografía: Lukasz Zal

Reparto: Joanna Kulig,  Tomasz Kot,  Agata Kulesza,  Borys Szyc,  Cédric Kahn,  Jeanne Balibar, Adam Woronowicz,  Adam Ferency,  Adam Szyszkowski

Productora: MK2 Productions / Apocalypso Pictures / Film4 / Opus Film / Protagonist / BFI Film Fund

Corren los años de la Guerra Fría, en el corazón de Europa. Jóvenes de las áreas rurales, virtuosos de la música tradicional serán reclutados para realizar un espectáculo itinerante sobre su arte. Allí entrarán en contacto Wiktor, uno de los seleccionadores y tutores del proyecto, con Zula, una joven de dudoso origen e intenciones, y la química entre ellos será instantánea. A partir de ese punto, viviremos su historia de amor, encuentros y desencuentros a medida que la historia del viejo continente, y su música, avanzan, de ciudad en ciudad, de emoción en emoción.

Pawel Pawlikowski se reafirma como un muy potente director tras el éxito de "Ida" pese a lo alto que puso el listón aquella. Vuelve a vestir su arte de clásico blanco y negro, a envolver su cine de pura elegancia en cada fotograma, y consigue rendir a público y crítica a sus pies, como ha sucedido a su paso por el festival de Cannes o la sección de Perlas del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

La película, además de lucir en su caleidoscopio de grises, gracias a la potente fotografía de Lukasz Zal, enriquece su factura formal con un estupendo trabajo de ambientación, con una dirección artística y un vestuario que redondean el viaje en el tiempo al que somete al espectador.

Interpretativamente, ambos protagonistas brillan en su pasión por la vida y por el otro. Sin embargo, es la actriz Joanna Kulig quien sobresale sobre el resto, envolviendo a su personaje de una decadente aura de misterio, evolucionando y cambiando de forma profundamente a lo largo del metraje y dando así vida a una mujer digna del recuerdo.

Omnipresente es la música en la nueva película de Pawlikowski, un personaje más de su historia. Es más, una canción será el hilo conductor de principio a fin, un canto que, como sus personajes, evoluciona, cambia, se adapta a los tiempos de una Europa en plena revolución.

Con todo ello podemos afirmar que nos hallamos ante una película de suma elegancia y buen hacer artístico, una delicia que nace de un continente y unos personajes heridos de guerra, pero con la fuerza de seguir peleando por una mañana y un amor mejor.

Valoración:7/10
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sábado, 6 de octubre de 2018

Viaje al Cuanto de una Madre - Celia Rico

Título original: Viaje al cuarto de una madre

Año: 2018
País: España

Dirección: Celia Rico
Guión: Celia Rico
Fotografía: Santiago Racaj

Reparto: Anna Castillo,  Lola Dueñas,  Pedro Casablanc,  Adelfa Calvo,  Marisol Membrillo, Susana Abaitua,  Ana Mena,  Silvia Casanova,  Maika Barroso,  Noemí Hopper

Productora: Coproducción España-Francia; Amorós Producciones / Arcadia Motion Pictures / Canal Sur Televisión / Noodles Production / Pecado Films / Sisifo Films AIE / Televisión Española (TVE)

Estrella y Leonor, madre e hija, habitan en un hogar marcado por la pérdida de la figura paterna y son piedra angular la una de la existencia de la otra.
La joven Leonor se ve asfixiada por la situación, que sumada a una vida monótona en el pueblo, le lleva a mirar a nuevos horizontes ardiendo en deseos de volar. Estrella, por su parte, teme con pavor la partida de su hija, aunque igualmente es consciente de que no puede encadenarla a su pena.

Celia Rico escribe y dirige esta ópera prima, una película pequeña e íntima de relaciones materno-filiales y lo hace con certera puntería en las emociones más sinceras y cotidianas, sin grandilocuencias, sino con verdad. Su buen hacer le ha permitido conectar con el público y alzarse con el merecido Premio de la Juventud del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde participó en la sección Nuevos Directores.


El film se asienta sobre dos pilares de peso, la labor de sus dos intérpretes principales. Anna Castillo da vida a la joven con total naturalidad y credibilidad, transmitiendo sabiamente toda la galería de turbulentas emociones por las que pasa su personaje. Por su parte, Lola Dueñas, en el papel de doliente madre, se come la pantalla con un abanico de sentimientos desbordantes en cada palabra, gesto y silencio, una interpretación poderosa en un personaje de pura realidad. Espectaculares las dos.

Minimizando escenarios y situaciones, de una forma casi teatral, el guión, obra de la propia directora, se focaliza en los personajes, sus relaciones y emociones, y esta perspectiva, sin artificios, consigue enganchar a la perfección y genera una empatía tan automática, que logra que su historia, si bien es pequeña, atrape.

En conclusión, estamos ante una película íntima, hermosa en su sencillez y autenticidad, estupendamente escrita e interpretada, de muy agradable visionado.

Valoración:7/10
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viernes, 5 de octubre de 2018

Ha Nacido Una Estrella - Bradley Cooper

Título original: A Star Is Born

Año: 2018
Duración: 135 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Bradley Cooper
Guión: Will Fetters, Bradley Cooper, Eric Roth, Dorothy Parker, Alan Campbell, Robert Carson (Historia: William A. Wellman)
Música: Lady Gaga, Bradley Cooper
Fotografía: Matthew Libatique

Reparto: Bradley Cooper,  Lady Gaga,  Sam Elliott,  Andrew Dice Clay,  Bonnie Somerville, Dave Chappelle,  Michael Harney,  William Belli,  Rafi Gavron,  Rebecca Field, Anthony Ramos,  D.J. Pierce,  Steven Ciceron,  Andrew Michaels,  Jacob Taylor, Geronimo Vela,  Frank Anello,  Germano Blanco

Productora: Malpaso Productions / Gerber Pictures / 22, Indiana Pictures / Live Nation Productions / Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Thunder Road Pictures. Distribuida por Warner Bros.

Jackson Maine es un cantante que disfruta de las mieles del éxito en la música. El azar del destino querrá que se cruce en su camino una joven artista, Ally, que sueña con triunfar como él pero cuya carrera parece destinada a nunca despegar. Ambos creadores, juntos, catapultarán a la cantante al estrellato, un camino que se prometía lleno de éxito y sonrisas, pero al que las adicciones, celos y enfrentadas personalidades, pondrán escollos que pueden resultar insuperables...

Bradley Cooper debuta en la dirección con una historia ya narrada en varias ocasiones con anterioridad en el cine, un handicap que a priori hacía desconfiar de su calidad. Sin embargo, y contra todo pronóstico, Cooper sale airoso de su proyecto y consigue rendir a público y crítica ante su buen hacer.

Buena parte de su éxito, además de por su labor en la dirección, reside no sólo en su buen papel como protagonista de la película, sino en el triunfo de su partenaire en pantalla, una Lady Gaga que sorprende por lo notable, natural y verosímil de su interpretación, una mujer llena de matices y, sobre todo, emociones, que sabe transmitir a la perfección a la audiencia.

Otro de sus puntos fuertes reside en la vertiente más musical de la película, con unos números que deleitan por la calidad de sus composiciones y puesta en escena, erigiéndose como un vehículo más de diálogo y expresión de sus personajes.

Con todos estos ingredientes se elabora un cocktail de muy agradable consumo. A su favor, una buena gestión del melodrama, y la musicalidad intrínseca de la historia aderezada por las buenas interpretaciones de la pareja (y un inspirado Sam Elliott entre los secundarios). En su contra, una duración quizás excesiva, y el inevitable regusto a "ya vista". Con sus virtudes y defectos, merece la pena.

Valoración:7/10
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jueves, 4 de octubre de 2018

Oreina - Ciervo - Koldo Almandoz

Título original: Oreina (Ciervo)

Año: 2018
Duración: 85 min.
País: España

Dirección: Koldo Almandoz

Reparto: Laulad Ahmed Saleh,  Patxi Bisquert,  Ramón Agirre,  Iraia Elias,  Erika Olaizola

Productora: Txintxua Films / ETB

Khalil es un joven inmigrante que vive en las afueras, en un lugar en el que se dan la mano los fríos e impersonales polígonos industriales y parajes naturales de gran belleza.
En este entorno le acompañaremos en su solitaria existencia, en una sociedad en la que no encaja. Su único amigo será un cazador furtivo, una figura paternal que le acompañará en silencio, un ser que porta sus propios fantasmas, cohabitando con un hermano con el que hace años no tiene relación.

Koldo Almandoz, que se alzó con esta propuesta cinemtográfica con el Premio del Cine Vasco en la 66 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, nos sumerge en su película de tono contemplativo y poético, casi documental, en un entorno de contrastes donde la fealdad se enfrenta a la posibilidad de lo hermoso, pero sus caminos no parecen cruzarse.

En Oreina destacaremos la potencia del uso de los espacios naturales, un reflejo del estado de ánimo y mundo interior de sus protagonistas. Una estupenda fotografía viste las marismas, llenas de vida y esperanza, pero también de insondable soledad, amenazadas por el gris de un mundo industrial y más salvaje aún que la naturaleza.

Curioso resulta su dibujo de personajes. El joven inmigrante, los hermanos mal avenidos, la responsable que vela por el parque natural, cuatro seres absolutamente dispares entre sí, pero unidos y entrelazados por sus deseos, sus secretos, el cariño, el ansia de venganza... y con un factor común, el silencio donde el dolor grita.

Todos estos elementos hacen de Oreina un producto de calidad pero no apto para todos los públicos por su estilo narrativo. La poesía un tanto hermética que presenta, sus personajes encerrados en sí mismos y el pulso de un tiempo que parece detenido pueden resultar demasiado agrestes para el espectador pese al buen retrato de los protagonistas, hijos de una tierra donde la expresión de los sentimientos es vedada.

Peculiar, distinta y un tanto distante, "Oreina" se presenta como una personal película, fría, pero con alma. Curiosa.

Valoración:6/10
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