Playground - Plac Zabaw - Bartosz M. Kowalski

Título original: Plac zabaw

Año: 2016
Duración: 82 min.
País: Polonia

Director: Bartosz M. Kowalski
Guión: Bartosz M. Kowalski, Stanislaw Warwas
Música: Kristian Eidnes Andersen
Fotografía: Mateusz Skalski

Reparto: Michalina Swistun, Nicolas Przygoda, Przemek Balinski

Productora: FILM IT

Tres niños, absolutamente dispares en sus clases sociales y entornos familiares, comparten colegio. Descubriremos las relaciones entre ellos, en sus casas, y con sus compañeros. Pero más allá de todo ello, "Playground" nos desvelará su vacío interior, la ausencia de moral y valores de una infancia para la que el mal es un concepto inexistente y por el mero entretenimiento son capaces... de cualquier cosa.

Desde Polonia, el director Bartosz M. Kowalski se arriesga a mirar fijamente donde todo el mundo mira para otro lado, con una película hiper realista y sin concesiones de cuyo guión también es responsable junto a Stanislaw Warwas, retratando el horror puro.

Su más que impactante trabajo le abrió las puertas a la Sección Oficial competitiva del 64 Festival Internacional de San Sebastián, donde su película resultó ser el producto más controvertido, comentado y debatido del certamen. En sus proyecciones levantó ampollas entre el público, que horrorizado ante lo mostrado en pantalla, abandonaba masivamente las salas. ¿Síntoma de un fiasco de película o de un triunfo absoluto de remover conciencias y forzar al espectador a asomarse a la realidad? Lo analizamos.

"Playground" toma como base distintos hechos reales acontecidos en los últimos años en distintos puntos de Europa y los introduce en su narrativa, como la vivencia normal de unos niños magníficamente interpretados por los jóvenes actores del film. Los acontecimientos se visten de crueldad absoluta, violencia extrema y explícita, no se maquillan, no hay sutileza, sino la crudeza de la realidad llevada a la pantalla sin tapujos.

La película es más que sabia en su sencilla pero altamente efectiva puesta en escena. Encuentro inteligentísima a su cámara, con la perspectiva correcta en el momento exacto. En ocasiones, haciendo del espectador voyeur de la situación, en otras, sosteniéndolo forzado a observar desde primera línea lo que nadie quiere ver pero  por ello no deja de existir.

Tan potente es en el retrato de la maldad infantil, como retadora en su discurso sobre la pasividad adulta, en la nula acción o intervención de una sociedad ante lo que acontece, factor que tampoco oculta sino subraya.

"Playground" denuncia una realidad tangible a través de unos hechos verídicos, intenta remover conciencias y forzar al debate sobre una situación que, pese a lo desagradable, existe. En este aspecto su realización es sobresaliente, logrando una de las sensaciones de más absoluto horror que no suelta el ánimo de la audiencia ni aún habiendo abandonado la sala de cine. Es dura, es brutal y bestial, pero su mensaje trasciende, y eso es un mérito indiscutible.

Además de este aspecto, otro debate se suscita, y es el que atañe a los límites de hasta qué punto es lícito en el cine el uso de la violencia y la necesidad de llevar esta al límite para una mayor catarsis. En este aspecto, las opiniones son dispares, y todas lícitas, pero en lo que atañe a "Playground" pienso que efectivamente está llevado al límite, pero no de forma gratuita y lúdica, sino al servicio de una voluntad de denuncia, logrando lo que otras muchas producciones no han hecho, trascender.

En conclusión, una película que mira al  lado más oscuro, sádico y terrorífico de la infancia y del ser humano en general, un producto no apto para paladares sensibles, pero valiente en su forma y contenido, para ver y no olvidar.

Valoración:8/10
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Lady Macbeth - William Oldroyd

Título original: Lady Macbeth

Año: 2016
Duración: 89 min.
País: Reino Unido

Director: William Oldroyd
Guión: Alice Birch (Novela: Nikolai Leskov)
Música: Dan Jones
Fotografía: Ari Wegner

Reparto: Florence Pugh, Christopher Fairbank, Cosmo Jarvis, Naomi Ackie, Bill Fellows, Ian Conningham, Paul Hilton, Joseph Teague, Golda Rosheuvel, Rebecca Manley

Productora: Protagonist Pictures / Sixty Six Pictures

Corre el siglo XIX, en la Inglaterra rural, conoceremos a Katherine, una joven, poco más que una niña, que ha sido forzada a casarse con un hombre mucho mayor que ella, cohabitar con él y sufrir el desprecio de su familia. No hay amor alguno en la relación, al contrario, la apatía y el desdén pueblan la rutina de la mal avenida pareja. Pero la pasión no tardará en llamar a las puertas del corazón de la joven, pero no por su esposo, sino por un trabajador de la hacienda donde habita. Este hecho desatará una cadena de hechos incontrolables.

William Oldroyd, cortometrajista, da el salto al largometraje con esta adaptación de la obra de Nikolai Leskov, logrando alzar una voz tan personal que le ha abierto las puertas de diversos festivales de renombre, como el 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde compitió en su Sección Oficial y recibió más que correctas críticas.

"Lady Macbeth", si bien en lo visual se viste de unas galas de cine clásico de época, frío y académico, tiene un palpitar bajo su piel bien diferente a lo que este tipo de cine nos tiene acostumbrados. Pese a las pasiones, los ricos vestuarios, la melancolía de los páramos nublados... hay un fuego oculto, el deseo, la rabia y la ira de unos personajes magistralmente creados  todo lo pueden, y, desde su silencio y las miradas rotas gritan, aman y odian más allá de toda duda.

Pero si algo destaca por encima de todo en esta producción es la brillante labor de su actriz protagonista, una absoluta revelación. Florence Pugh se mete bajo la piel de esa joven que desde la quietud y sumisión más absoluta veremos evolucionar en pantalla hacia su apoteosis final de una forma tan sutil como efectiva, devorando la cámara con una mirada capaz de enternecer y aterrar a un tiempo.

Extraña en sus formas narrativas, malvada y susurrante, esta película es una experiencia cinematográfica diferente, un viaje al silencio de una mente llena de gritos al borde de la explosión, magníficamente interpretada y narrada con notable personalidad y carisma. Muy interesante.

Valoración:7/10
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Your Name - Makoto Shinkai

Título original: 君の名は。Kimi no na waaka

Año: 2016
Duración: 106 min.
País: Japón

Director: Makoto Shinkai
Guión: Makoto Shinkai
Música: Radwimps

Productora: CoMix Wave Films

Taki y Mitsuha son dos adolescentes que jamás se han visto, no se conocen, no habitan en el mismo lugar... sin embargo, una extraña fuerza sobrenatural los une.  El inusitado hecho es que, ciertos días, uno despierta en el cuerpo del otro y ha de vivir otra existencia radicalmente dispar a la suya. Con el tiempo, los sorprendidos jóvenes comenzarán a comunicarse a través de notas, descubriendo así cada vez más del otro, lo que les llevará a una aventura cargada de emociones para las que nada podía prepararlos.

Makoto Shinkai escribe y dirige esta obra maestra de la animación y la imaginación, un relato plagado de funcionales elementos y emociones que le han llevado al absoluto éxito y le hicieron un hueco entre las proyecciones especiales de la Sección Oficial de la edición 2016 del Festival Internacional de Cine de San Sebastián sorprendiendo gratamente al público.

En "Your Name" se combinan muy diversos elementos argumentales y géneros cinematográficos. El drama, la ciencia ficción y la comedia se hilan con maestría consiguiendo, pese a lo imaginativo de su fantasía, crear un universo cercano, unos personajes con los que es sencilla tarea empatizar, con los que resulta apasionante viajar en pos de respuestas a las incógnitas planteadas divirtiéndonos en un proceso que tampoco deja fuera las lágrimas y la emoción.

Su frenética y recargada narrativa se adereza con numerosos tramos musicales que lejos de lastrar al producto, lo dinamizan y predisponen el ánimo de una audiencia entregada al misterio, implicada con el destino de sus protagonistas.

Su colorista e imaginativa puesta en escena da forma a una calidad de animación de primera, que si bien no busca el realismo, ni se pierde en lo onírico, sí que resulta efectiva como disfrute visual y se adapta perfectamente al tono narrativo simpático y muy vivo.

En conclusión, "Your Name" es una propuesta animada altamente disfrutable para cualquier espectro de edad y gustos, tantos temas como toca y tan variopintos tonos como adopta en su discurso. Recomendable como vehículo evasivo, un producto de primer nivel de espectacular entretenimiento animado.

Valoración:8/10
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Huérfana - Orpheline - Arnaud des Pallières

Título original: Orpheline

Año: 2016
Duración: 111 min.
País: Francia

Director: Arnaud des Pallières
Guión: Christelle Berthevas, Arnaud des Pallières
Fotografía: Yves Cape

Reparto: Gemma Arterton, Adèle Exarchopoulos, Adèle Haenel, Sergi López, Nicolas Duvauchelle, Jalil Lespert, Solène Rigot, Olivier Loustau, Mehdi Meskar, Rayan Rabia

Productora: Les Films Hatari / Arte France Cinéma / Les Films d'Ici

"Huérfana" nos narra la historia de cuatro mujeres, cuatro luchadoras que son una, zarandeadas por la vida, por un destino cruel, que desde la más tierna infancia moldea una personalidad, una forma de ser fuera de la norma y la normalidad. Seremos testigos de la continua huída a la que se ve forzada, los hombres que encontrará en su camino y serán causa de triunfos y heridas, piezas de un puzzle, de una vida, rota.

Arnaud des Pallières dirige este incómodo rompecabezas de peculiar narrativa y apasionadas interpretaciones que provoca intensas emociones y se aleja de la indiferencia, logrando con él abrirse paso a la Sección Oficial competitiva del 64 Festival de Cine de San Sebastián, donde pasó sin pena ni gloria y frías críticas.

A su favor juega, sin lugar a dudas, la gran labor de su elenco protagonista femenino. Las diversas actrices encarnan con inusitada intensidad las duras épocas vitales de una mujer, los hitos de su desarrollo, puntos de inflexión marcados por la tragedia, la violencia y el dolor, y saben transmitir al público no sólo sus heridas, sino la fuerza que late bajo la piel de sus sangrantes personajes.

En su contra pesa el arma de doble filo que es su estructura narrativa. El guión, que pretende alzarse como diferente, se presenta como un puzzle en el que, a medida que navegamos por el relato, ninguna pieza encaja, para más tarde, vislumbrar cómo nos hallamos ante un espejismo donde no hay piezas, no hay puzzle, sino una única imagen, una única vida, deshecha. La idea es buena, interesante y un reto a la audiencia, pero la realización de la misma no la encuentro tan efectiva, ni tan inteligentemente realizada como hubiera sido deseable. Durante demasiado metraje deja al espectador a la deriva, perdido, para ir capturando su interés a intervalos, sin llegar a absorber su emoción e implicación pese a la intensidad de los hechos contados.

Con todo ello, "Orpheline" es una propuesta de cine diferente, bien interpretado, pero cuya fórmula formal no acaba de cuajar. Pretende provocar y retar, pero la sensación obtenida va poco más allá del frío entretenimiento e inmediato olvido. Pudo ser y no fue.

Valoración:5/10
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Toni Erdmann - Maren Ade

Título original: Toni Erdmann

Año: 2016
Duración: 162 min.
País: Alemania

Director: Maren Ade
Guión: Maren Ade
Fotografía: Patrick Orth

Reparto: Peter Simonischek, Sandra Hüller, Lucy Russell, Trystan Pütter, Hadewych Minis, Vlad Ivanov, Ingrid Bisu, John Keogh, Ingo Wimmer, Cosmin Padureanu, Anna Maria Bergold, Radu Banzaru, Alexandru Papadopol, Sava Lolov, Jürg Löw, Miriam Rizea

Productora: Komplizen Film / Coop99 Filmproduktion / KNM

Ines es una joven de éxito, una ejecutiva establecida en Bucarest dueña de su propia vida y adicta al trabajo. Todo en su existencia está planificado y milimetrado, hasta que un elemento desestabilizador aparece de improvisto, su padre. El extravagante caballero observa la vida de su hija y le formula una pregunta que hará tambalear los asentados cimientos "¿Eres feliz?".  A partir de ese punto, padre e hija se embarcarán en una serie de estrambóticas situaciones que a ambos llevarán, entre la emoción, la carcajada y la vergüenza, a analizar sus propias existencias, plantearse sus relaciones con los demás, consigo mismos y entre ellos.

Maren Ade, directora y guionista de esta peculiar película, radiografía al ser humano en clave de ácido humor, logra la reverencia de crítica y público allá por donde pasa, habiéndose alzado con su diferente propuesta con un amplio abanico de importantes galardones y nominaciones.

Además del gran trabajo de Ade como directora, dos son los grandes pilares sobre los que se asienta el éxito de la película.

En primer lugar, la inmensa labor de sus dos actores protagonistas, padre e hija, bordan dos personajes antagónicos. Ella, la encorsetada ejecutiva, calculadora, fría y cortante. Él, la pura bohemia fuera de toda norma. El titánico choque de ambas personalidades y formas de vida es una delicia que saben llevar sabiamente logrando hibridar la emoción con la carcajada y el dolor.

En segundo lugar, el guión sobre el que se desarrolla el film. Pese a su extensísima duración, "Toni Erdmann" logra entretener, interesa, conmueve, divierte y llama a la reflexión a partes iguales en su instantánea de un ciclo vital narrado a través de este viaje paterno filial tan intenso como amable, tan absurdo como cerebral, un acierto.

Con todo ello, la película se erige como una propuesta cinematográfica diferente, un ejercicio humanístico tanto para el análisis como para el divertimento, un producto bien realizado, dirigido e interpretado para pasar un buen rato de buen cine.

Valoración:7/10
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Bar Bahar . Entre dos Mundos - Maysaloun Hamoud

Título original: Bar bahar - In Between

Año: 2016
Duración: 96 min.
País: Israel

Director: Maysaloun Hamoud
Guión: Maysaloun Hamoud
Música: Mg Saad
Fotografía: Itay Gross

Reparto: Mouna Hawa, Shaden Kanboura, Sana Jammalieh

Tres jóvenes mujeres palestinas comparten piso en Tel Aviv. La relación entre ellas es fluida pese a lo muy distintas que son entre ellas, representando cada una mundos distintos, con diferentes orientaciones sexuales, radicalmente opuesto apego a la tradición, antagónica manera de relacionarse con el mundo y los que lo habitan... Sin embargo, un fuerte lazo las une, la férrea voluntad de pelear por sus vidas, por su libertad, y labrarse un futuro donde sean ellas y no la familia, la sociedad o la religión quienes impongan sus destinos.

Maysaloun Hamoud escribe y dirige esta potente propuesta cinematográfica presentada en la 64 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde se alzó con nada menos que cuatro galardones además de protagonizar una de las ovaciones cerradas más largas y emocionantes del certamen tras su premier.

Bar Bahar mira de frente a la mujer atrapada en una ciudad, una sociedad, y unas tradiciones que inexorablemente tratan de mediatizar su crecimiento, relaciones y, en definitiva, su vida. Desde las situaciones más cercanas y universales, trabaja la empatía con la audiencia desde distintas perspectivas de forma muy sabia, haciendo sentir al espectador un compañero más de ese piso donde cohabitan distintas personalidades con un único deseo, vivir en libertad. Sin giros espectaculares ni efectismos baratos, Hamoud borda una historia llena de verdad en la que teje dolor y esperanza denunciando el espejismo de la normalidad en la mujer árabe de nuestros tiempos.

Además de un guión estupendo que hila las tres historias a la perfección con sus paralelismos y diferencias, que dibuja tres personajes memorables y llenos de matices y nos narra su historia con un ritmo sin tregua capturando interés y entretenimiento, no podemos dejar de subrayar el buen hacer de sus tres actrices protagonistas. Todas ellas toman el material de base y lo hacen carne, lágimas y sonrisas realizando unos memorables trabajos por su realismo, cercanía y autenticidad.

Con todo ello, Bar Bahar se erige como una película tan necesaria como disfrutable, una propuesta que llama a la reflexión y denuncia sin grandilocuencias, pero dando en el clavo con su discurso. Justo equilibrio de buen cine con buen mensaje. Recomendable.

Valoración:8/10
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Frantz - François Ozon

Título original: Frantz

Año: 2016
Duración: 113 min.
País: Francia

Director: François Ozon
Música: Philippe Rombi
Fotografía: Pascal Marti

Reparto: Pierre Niney, Paula Beer, Cyrielle Clair, Johann von Bülow, Marie Gruber, Ernst Stötzner, Anton von Lucke

Productora: Mandarin Films / X-Filme Creative Pool

"Frantz" nos lleva a una Alemania derrotada tras la I Guerra Mundial. Allí conoceremos a una joven, rota por la pérdida de su prometido durante el conflicto, a cuya tumba acude a diario a depositar flores. Para su sorpresa, allí hallará, llorando sobre la misma lápida que ella visita, a un desconocido, un joven francés. El extraño entrará de esta doliente forma en la vida de esta viuda prematura y la de la familia del fallecido como un rayo de esperanza para revivir el recuerdo. Pero nada puede preparar a ninguno de ellos para los secretos que guarda el visitante sobre su amado Frantz.

El prolífico y siempre original director François Ozon se atreve con un remake de la película "The Broken Lullaby" de 1932, actualizando su historia cargándola de intrincadas sensibilidades y capas de emoción y misterio magistrales.

En Frantz encontraremos numerosos ingredientes que hacen de ella una gran y cuidada película.

Comenzando por lo interpretativo, destacaremos la gran labor de todo su elenco, con unos intachables Paula Beer y Pierre Niney como principales protagonistas con una notable carga dramática llena de matices, pero no podemos dejar de elogiar el trabajo de todos los secundarios que los rodean, sobresaliendo entre todos ellos a aquellos que encarnan a los padres del fallecido y roban la emoción del espectador a cada intervención.

En cuanto a lo visual, Ozon ha logrado una hermosa puesta en escena, que reviste la obra de un clásico blanco y negro que sabe acentuar los claroscuros de una historia profunda en su dramatismo así como regalar pinceladas de color que en lugar de chirriar, son igualmente conductoras de la narración y la emoción. Genial ambientación y espectacular fotografía terminan de aderezar el producto deleitando a la retina.

Finalmente, apuntaremos dos fortalezas más que hacen de esta película una agradable experiencia. Por una parte, la banda sonora de Philippe Rombi, habitual colaborador en la filmografía de Ozon, que regala una delicia de partitura que bien sabe marcar el ritmo del relato y el pulso de su sentimiento, y, finalmente, un guión que captura la atención desde el primer instante y es sumamente sabio en su forma de jugar con el misterio y la emoción al atrapar el interés de la audiencia y arrastrarla por sus revelaciones hasta el final mismo del film.

En conclusión, una película redonda, agradable, hermosa y elegante, tan interesante en su vertiente dramática como en sus misterios, un viaje al cine de otros tiempos aderezado con lo mejor del celuloide actual. Una experiencia cinematográfica recomendable, eso sí, para adentrarse en su historia sabiendo cuanto menos, mejor.

Valoración:8/10
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As You Are - Miles Joris-Peyrafitte

Título original: As You Are

Año: 2016
Duración: 105 min.
País: Estados Unidos

Director: Miles Joris-Peyrafitte
Guión: Madison Harrison, Miles Joris-Peyrafitte
Música: Patrick Higgins, Miles Joris-Peyrafitte
Fotografía: Caleb Heymann

Reparto: Owen Campbell, Charlie Heaton, Amandla Stenberg, John Scurti, Scott Cohen, Mary Stuart Masterson, Andrew Polk, Annemarie Lawless, John Romeo, Billy Thomas Myott

Productora: Votiv Films / Buffalo 8 Productions / Heretical Reason Productions

Jack es un joven diferente y solitario que vive con su madre soltera y apenas se relaciona con el mundo que le rodea. Todo ello cambiará cuando se traslade a vivir con ellos el nuevo novio de su madre, acompañado de Mark, su hijo. Ambos jóvenes entablarán una estrecha relación que no tardará en tornarse triángulo al unirse a ellos Sarah, una adolescente fuera de la norma. Lo que era soledad ahora es felicidad compartida, pero de frágil estabilidad, al, con el paso del tiempo, cambiar las relaciones entre ellos y emerger los más ocultos deseos y miedos.

Miles Joris-Peyrafitte debuta en la dirección de una forma potente y llamativa con esta película con la que se alzó con el premio especial del jurado en el festival de Sundance y le abrió las puertas a la sección oficial competitiva del 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián por donde pasó despertando encontradas opiniones.

La película navega, en su relato, por diversos e intrincados temas, saltando del drama al thriller de forma continua y centrándose no sólo en el laberinto de la adolescencia y sus demonios, sino también en la soledad, la incomprensión y la desesperanza de unos personajes en continua lucha consigo mismos y el mundo que les rodea. Un caleidoscopio de emociones y vivencias con las que la empatía resulta sencilla y que pese a que contiene algún que otro patinazo en su guión, absorbe la atención y la emoción de principio a fin con sus giros.

Muy destacable me resulta el trabajo de sus dos jóvenes protagonistas masculinos, brillantes en la creación de unos personajes tan vivos como atormentados, ejes del film. Igualmente remarcable me ha parecido la recuperación de Mary Stuart Masterson (Tomates Verdes Fritos) para la gran pantalla, muy intensa en su papel de una madre imperfecta pero amante.

Miles Joris-Peyrafitte, aunque presa de algún que otro desliz en su dirección, sobrecargando narrativamente varios aspectos del film, sorprende con su primer trabajo de impacto, una película que pese a no ser redonda, apunta grandes maneras y resulta un producto altamente disfrutable y debatible. Interesante.

Valoración:7/10
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La Llegada - Denis Villeneuve

Título original: Arrival

Año: 2016
Duración: 116 min.
País: Estados Unidos

Director: Denis Villeneuve
Guión: Eric Heisserer (Relato: Ted Chiang)
Música: Jóhann Jóhannsson
Fotografía: Bradford Young

Reparto: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, Mark O'Brien, Tzi Ma, Nathaly Thibault, Pat Kiely, Joe Cobden, Julian Casey, Larry Day, Russell Yuen, Abigail Pniowsky, Philippe Hartmann, Andrew Shaver

Productora: Paramount / FilmNation / Lava Bear Films / 21 Laps Entertainment

Inspirada en el relato "The Story of your life", de Ted Chiang (ganador de los prestigiosos premios Hugo y Nebula), Arrival nos narra el encuentro de formas de vida extraterrestres y humanos desde una inusual perspectiva. La llegada de diversas naves alienígenas a dispares puntos del planeta desata la locura global. No hay interacción y la mayor y primera pregunta que suscita reside en las intenciones de sus visitantes. Para darle respuesta y discernir si es una llegada hostil o pacífica, el gobierno reclutará a una reputada lingüista que será la encargada de tratar de comunicarse con los visitantes. Nada podía prepararla, ni a ella, ni a la humanidad, para las revelaciones que aguardan ser desatadas en el interior de las naves visitantes.

La película, tras un exitoso paso por diversos festivales de primera categoría, como Venecia o San Sebastián, donde tuvo el honor de clausurar la sección de Perlas y doblegó a público  y crítica a sus pies, se erige como una de las más potentes propuestas del año cinematográfico y como un nuevo hito de la ciencia ficción camino a convertirse en un clásico moderno.

Tres nombres propios hacen de este film un producto de inusitada relevancia...

1 - Denis Villeneuve: El que fuera director de películas de tal calidad como Sicario, Enemy, Prisioneros o Incendies rubrica con "Arrival" el mejor de sus trabajos hasta la fecha. Si bien sus producciones anteriores habían destacado en sus muy personales y diferentes estilos, en la que nos ocupa, Villeneuve ha sabido aunar lo mejor de sus diversas facetas y crear una propuesta equilibrada y brillante en fondo y formas, diferente, extraña, pero asequible al gran público. Espectacular en su envoltorio y rica en su contenido.

2 - Amy Adams: La actriz, siempre interesante en sus interpretaciones, se supera a si misma en su papel protagonista en "Arrival". Ofrece a la audiencia un recital de matices tanto en las interacciones como en sus silencios, tal galería de matices, que no podemos hacer otra cosa que quitarnos el sombrero ante su grandioso trabajo.

3- Jóhann Jóhannsson: El compositor responsable de la banda sonora, habitual colaborador de Villeneuve, crea en sus partituras tal atmósfera que su trascendencia le alza como uno de los ingredientes claves del film. Sonidos envolventes, melodías que se cuelan bajo la piel de la audiencia de tal sutil manera que guía la emoción y absorbe el ánimo. Magistral.

Este trío de ases se adereza con una puesta en escena milimetrada, sobria, elegante y estudiada, que busca una estética visual impactante pero no de espectáculo gratuito, con un elenco de secundarios convincentes en sus trabajos (aunque todos lejos del brillo de Adams), y un guión más que sabio que cautiva el interés, entretiene y estimula la absoluta abstracción más allá de los límites al que este tipo de cine nos tiene acostumbrados.

Con todo ello, "Arrival" resulta un producto absolutamente redondo, que si bien refleja reminiscencias al universo Kubrick, tiene una personalidad y carisma propios dignos de elogios y encumbra a Denis Villeneuve como uno de los directores más importantes de los últimos tiempos. Un producto a perdurar en la memoria, de obligado visionado, debate y disfrute. Imprescindible.

Valoración:9/10
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Colossal - Nacho Vigalondo

Título original: Colossal

Año: 2016
Duración: 109 min.
País: Estados Unidos

Director: Nacho Vigalondo
Guión: Nacho Vigalondo
Música: Bear McCreary
Fotografía: Eric Kress

Reparto: Anne Hathaway, Dan Stevens, Jason Sudeikis, Austin Stowell, Tim Blake Nelson, Agam Darshi, Hannah Cheramy, Christine Lee

Productora: Voltage Pictures / Sayaka Producciones / Brightlight Pictures

Un mujer vive su alocada treintena en Nueva York, su existencia, a la deriva, se va hundiendo al perder su trabajo, y tras él, a su novio. Decidida a darle un giro regresa a su pueblo natal donde intentará empezar de cero. Pero la paz de una nueva vida se ve truncada, tras unos extraños acontecimientos que comienzan a suceder en Seúl. Una gigantesca criatura siembra el terror en la ciudad, y, contra toda lógica, cuanto más transcurre el tiempo más claro resulta la conexión entre esta y la joven desorientada y perdida.

Nacho Vigalondo (Los Cronocrímenes, Open Windows) vuelve a ponerse tras las cámaras para narrarnos una película centrada en sus personajes, sus historias y vivencias, mientras los rodea de situaciones fantásticas, proyección de su mismo interior. Su buen hacer con este proyecto le ha abierto con éxito las puertas de grandes festivales como Toronto o San Sebastián, donde su película fue bien recibida.

Colossal, más allá de la grandilocuencia de su puesta en escena, es una película sobre las pequeñas cosas, sobre vidas en absoluto especiales, con unos personajes con los que la empatía es automática. Al frente del reparto, encontramos a la siempre estupenda Anne Hathaway, encarnando a la perfección la síntesis de una generación hastiada y perdida. En su devenir y actitud frente a la vida, los que la rodean, y los retos a los que se enfrenta hallaremos el nudo y verdadero interés de la película, que se apoya sobre un interesante guión que mantiene entretenimiento e interés despiertos de principio a fin.

Acertadísimo encuentro enfrentar lo pequeño de la vida de su protagonista y sus problemas, con lo grandioso y "colosal" del monstruo que es su reflejo. Para cada individuo, su propia existencia es la más trascendente e importante, y eso se proyecta a la perfección con esta dualidad mostrada en la película que no hace otra cosa que poner frente a nuestros ojos cómo la mayor aventura, lo más espectacular que cada uno encontraremos, es nuestra propia vida.

Curiosa en su planteamiento, agradable en su buena puesta en escena donde no chirrían los efectos visuales en absoluto, ni hacen sombra a la propia historia y esencia, la película de Vigalondo es un vehículo de entretenimiento y reflexión digno de visionado y debate. Interesante.

Valoración:6/10

Pedaló - Juan Palacios

Título original: Pedaló

Año: 2016
Duración: 71 min.
País: España

Director: Juan Palacios
Guión: Juan Palacios
Fotografía: Juan Palacios

"Pedaló" es la historia de una loca aventura de un grupo de amigos que deciden navegar bordeando toda la costa vasca a bordo de la inestable embarcación que da título a la película. Tal vehículo no está preparado para la hostilidad del siempre salvaje Mar Cantábrico, lo que llenará su viaje de obstáculos además de encontrar en cada parada nuevas actividades y emociones para su iniciático viaje. Fiestas, amores, funerales... la vida se cruza en su marítimo camino y no dudan en vivirla.

Juan Palacios es el máximo responsable, tras la realización, guión y dirección de este proyecto, este documental a priori pequeño pero que destacó entre sus competidoras en el 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián alzándose con el premio Irizar del Cine Vasco.

"Pedaló" hila dos líneas argumentales de tonos bien distintos. En primer lugar, las vivencias del grupo de amigos protagonistas, cargada de un humor contagioso, cercano y creíble, una simpatía de la que no escapan las sombras pero cuyo mensaje de esperanza destierran. Por otra parte, "Pedaló" se complementa con las reflexiones del artista, el cineasta principiante que realiza su primera película con su aventura y vierte en ella sus pensamientos, ora como sosegada voz en off, hora traducida en evocadoras imágenes.

Quizás esa segunda visión, la más artística, es la que más me ha llamado la atención de este documental, por las estupendas maneras cinematográficas a las que apunta situando al joven director en el mapa cinematográfico como figura a seguir. La parte más lúdica termina resultando, por lo excesivamente sencillo de más de una interpretación y situación, un tanto insustancial, aligerando al producto tal vez demasiado. Incluso su parte más humorística pienso que quizás lastre su disfrute para el gran público, haciéndola más asequible para los lugareños que para los ajenos.

En conclusión, un documental pequeño, pero rodado y, sobre todo, pensado, con cierto acierto que apunta a un buen cine que, tras él, puede estar por llegar. Entretenida pero un tanto insuficiente.

Valoración:4/10
Trailer: https://vimeo.com/152455966

The Odyssey - Jérôme Salle

Título original: L'odyssée

Año: 2016
Duración: 122 min.
País: Francia

Director: Jérôme Salle
Guión: Jérôme Salle, Laurent Turner (Libro: Jean-Michel Cousteau, Albert Falco)
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Matias Boucard

Reparto: Lambert Wilson, Pierre Niney, Audrey Tautou, Michael Bundred, Chloe Hirschman, Jenna Saras, Dylan Edy, Sabine Palfi, Richard Lothian, Kevin Otto, Irina Miccoli, Wilson Carpenter, Ryan Kruger, Adam Neill, Brett Williams, Alberto Nicolo'

Productora: Fidélité Films / Pan Européenne / TF1 Films Production

"L'odyssée" nos narra la vida del conocido Jacques Cousteau, el hombre que acercó la vida del océano a toda una generación, deslumbrada con sus viajes y descubrimientos. Le acompañaremos en su devenir desde sus orígenes, en la persecución de un sueño que poco a poco se iba haciendo realidad a medida que su fama y recursos aumentaban. Conoceremos a su entorno, su mujer, sus hijos, su tripulación, todos pasajeros del mismo navío rumbo a unos inalcanzables objetivos. Pero en toda historia, hay un lado oscuro, las relaciones no son tan felices, los logros y los medios, no siempre tan puros e idílicos...

Jérôme Salle dirige este biopic sobre la tan conocida y cercana en el tiempo figura de de Cousteau, recuperándolo para el gran público. El film, plagado de estrellas del cine francés obtuvo el honor de clausurar la 64 Edición del Festival de San Sebastián logrando un discreto recibimiento por una crítica y un público que esperaban gran cine y encontraron una película agradable pero intrascendente.

El punto más fuerte de la película y lo que hace más disfrutable su visionado en pantalla grande es su espectacularidad a la hora de plasmar la naturaleza, bien aprovechada y fotografiada, un deleite visual.

En cuanto a su estelar reparto, cumplen todos su papel con credibilidad (subrayada por una buena puesta en escena en cuanto a ambientación y caracterización) y buen hacer, pero sin gran brillo dramático, no implicando demasiado el ánimo de la audiencia en sus logros ni en sus fracasos, víctimas de un demasiado discreto guión.

Con todo ello, "La Odisea" se erige como una película de fácil y agradable consumo, una historia de la que disfrutar sin implicarse demasiado. Paradójico resulta, si Cousteau fue remarcable por adentrarse en las más recónditas profundidades, la película sobre él parece haberse quedado en la superficie narrativa, una pena. Aceptable a la par que olvidable.

Valoración:6/10
Trailer:

En la Vía Láctea - On The Milky Road - Emir Kusturica

Título original: On the Milky Road

Año: 2016
Duración: 125 min.
País: Serbia

Director: Emir Kusturica
Guión: Dunja Kusturica, Emir Kusturica
Música: Stribor Kusturica
Fotografía: Martin Sec

Reparto: Monica Bellucci, Emir Kusturica, Sergej Trifunovic, Miki Manojlovic, Bajram Severdzan, Maria Darkina

Productora: Coproducción Serbia-México-Estados Unidos-Reino Unido; BN Films / Pinball London

Corren tiempos de guerra, y en pleno núcleo del conflicto conoceremos a un hombre que, ajeno a balas y bombas, continúa su rutina y ocupación, repartir leche a los lugareños y soldados. La vida continúa pese a todo, pero la llegada de una extraña, una proscrita, creará el caos que ni la propia batalla bélica ha conseguido crear. Las pasiones, los celos, los encuentros y desencuentros se suceden, chocando la cruda realidad de la guerra con la fantasía de los reales sueños.

Emir Kusturica (Gato Negro Gato Blanco, Underground...) escribe, dirige y protagoniza esta cinta que representa su regreso al cine tras unos años de sequía de largometrajes. En él trata de plasmar todo su surreal lenguaje en un film de estrambóticas formas. Su renombre y originalidad le permitió concursar en el festival de Venecia y colarse en la sección de Perlas del 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

La mayor virtud de "On The Milky Road" reside en su poderío visual. Kusturica puebla su relato de situaciones estrambóticas, escenas que parecen sacadas de algún hilarante dibujo animado de otros tiempos, y sabe plasmarlas en pantalla de una forma brillante, entreteniendo con su imaginario y divirtiendo con sus alocadas ideas surreales. El trabajo de fotografía de Martin Sec viste a esta puesta en escena de elegancia, calidez y grandilocuencia para el deleite de la retina del espectador.

Monica Bellucci destila glamourosa madurez y buen hacer como hilo conductor de los acontecimientos, aunque su seductor hechizo no termina de funcionar en la vertiente más dramática de la historia donde queda un tanto en tierra de nadie.

Quizás su punto más flaco resida en el guión, que se siente demasiado barroco, recargado hasta el extremo de giros, gags, vueltas y revueltas en un crescendo de fantasía que penaliza el disfrute del film alargándolo más allá de lo correcto y ensombreciendo el calado de su discurso.

En conclusión, una película agradable pero por debajo de las expectativas creadas ante el regreso del carismático director. Entretenida pero excesiva.

Valoración:6/10

American Pastoral - Ewan McGregor

Título original: American Pastoral

Año: 2016
Duración: 109 min.
País: Estados Unidos

Director: Ewan McGregor
Guión: John Romano (Novela: Philip Roth)
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Martin Ruhe

Reparto: Dakota Fanning, Jennifer Connelly, Ewan McGregor, Uzo Aduba, Rupert Evans, Molly Parker, David Strathairn

Productora: Lakeshore Entertainment

Corre la década de los 60, un matrimonio modelo vive en una granja apartada. Él, un ídolo de los deportes. Ella, una reina de la belleza. Su unión florece con el nacimiento de una niña adorada por todos. Pero a la par que el tiempo pasa, la situación socio política del país avanza, tornándose turbia y violenta. Es en esta etapa convulsa cuando la que una vez fue dulce niña de papá, ahora es rebelde adolescente, hasta tal punto que se ve forzada a desaparecer tras ser acusada de un violento acto. Este acontecimiento pone a la modélica pareja en el ojo del huracán y es objetivo de la pública opinión mientras pugnan por recuperar a su hija perdida esperando encontrar con ella su inocencia.

Ewan McGregor salta a la dirección con esta ambiciosa película inspirada en la contundente novela de Philip Roth. Su trabajo le abrió las puertas de la sección competitiva del 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde el actor es querido y su trabajo ha sido reconocido en anteriores ocasiones, pero con "American Pastoral" el éxito no fue tal, logrando una muy fría acogida por parte de la crítica y desigual entre el público.

El film, pese a tener una gran historia que contar, se siente fría en su narrativa, no llegando nunca a penetrar las emociones narradas más allá de la pantalla. No consigue inquietar, asfixiar con la tensión que debía, ni despertar emociones ante la galería de sentimientos rotos y desgarrados de sus personajes.

A su favor he de apuntar que encuentro varios aspectos a salvar del desastre en este proyecto. Técnicamente la película se viste de agradables galas formales, con una elegante fotografía y una más que digna ambientación. A nivel interpretativo, destacan una vez más dos enormes Dakota Fanning y Jennifer Connelly, que roban cada escena en la que aparecen y saben transmitir la intensidad de dos controvertidos personajes. Lástima que el principal protagonista, el propio director, McGregor, no esté a su misma altura no logrando lo mismo y por ello lastrando al producto, siendo como es él el principal personaje y motor de la historia.

En conclusión, "American Pastoral" resulta un debut mucho más discreto de lo esperado, sin riesgo alguno, una película a la que la sombra de la obra literia en la que se inspira, le ha quedado grande. Agradable de ver, pero intrascendente en su calado por su incapacidad de meter al espectador bajo la piel de los protagonistas de tan dura historia. Correcta pero decepcionante.

Valoración:6/10
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Nocturama - Bertrand Bonello

Título original: Nocturama

Año: 2016
Duración: 130 min.
País: Francia

Director: Bertrand Bonello
Guión: Bertrand Bonello
Música: Bertrand Bonello
Fotografía: Léo Hinstin

Reparto: Vincent Rottiers, Finnegan Oldfield, Jamil McCraven, Hamza Meziani, Manal Issa, Laure Valentinelli, Adèle Haenel, Luis Rego, Hermine Karagheuz

Productora: Coproducción Francia-Bélgica-Alemania; Pandora / Scope Pictures / Wild Bunch / Eurimages / CNC / Rectangle Productions / WDR / Canal+ / Arte France / FFA

Amanece en París. Un grupo de adolescentes, de diversas clases sociales, razas, orígenes... deambulan por le metro, por las calles, en aparente desorden pero subyacente sincronía. Al caer la noche se reunirán en un cerrado centro comercial tras su ajetreado día habiendo sembrado en la ciudad emponzoñadas semillas de caos y absoluto terror.

Bertrand Bonello escribe y dirige esta controvertida película que reflexiona sobre dos temas de máxima y triste actualidad. Por un lado, el terrorismo y su sinsentido, por otro, sobre una juventud de corruptos valores y abandonada ética. Su arriesgada propuesta, creadora de polémica, le abrió las puertas a la Sección Oficial a Concurso del 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde logró encontradas críticas, desatando enfrentadas pasiones en la opinión de crítica y espectadores.

Varios son los aciertos, a mi entender, de la película. Entre ellos encuentro el trabajo de casting, acertado en la elección de los jóvenes protagonistas extremando las diferencias entre ellos y universalizando así la idea que trata de transmitir. El desempeño técnico del film también tiene tramos brillantes, con una cámara caprichosa, inteligente y creativa que regala varios planos de impacto para el recuerdo.

En su contra juega quizás un cierto exceso de metraje que poco o nada aporta. Comienza y termina de una forma contundente y removedora de conciencias, pero tiene un área central, desarrollada en el interior del centro comercial en la que la narrativa se atasca y sólo redunda en ideas que ya el espectador tiene captadas, mermando así el disfrute de la película.

Pese a lo irregular de su realización, pienso que la mayor virtud de "Nocturama" y donde más fuerza consigue, es en el debate que suscita tras su visionado. Las cartas que pone sobre la mesa obligan a la audiencia a analizar el mensaje que trata de transmitirnos con todas ellas y llama de forma inevitable a la reflexión sobre un mundo y una juventud sin otro rumbo que la destrucción y el sinsentido.

Una propuesta interesante y arriesgada. Un puñetazo a la conciencia no tan perfecto como se podría desear pero de una valentía y creatividad a tener en cuenta.

Valoración:6/10
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Que Dios Nos Perdone - Rodrigo Sorogoyen

Título original: Que Dios nos perdone

Año: 2016
Duración: 125 min.
País: España

Director: Rodrigo Sorogoyen
Guión: Isabel Peña, Rodrigo Sorogoyen
Música: Olivier Arson
Fotografía: Alejandro de Pablo

Reparto: Antonio de la Torre, Roberto Álamo, Mónica López, Luis Zahera, Rocío Muñoz-Cobo, José Luis García Pérez

Productora: Tornasol Films / Atresmedia Cine / Mistery Producciones AIE / Hernández y Fernández P.C.

El ambiente en la ciudad de Madrid no puede estar más caldeado. La visita del papa y las masas católicas que arrastra, la crisis incipiente y una ola de insoportable calor cargan la atmósfera y tensan las relaciones. En este entorno una serie de cruentos crímenes cometidos contra ancianas llama la atención policial, y no tardarán en descubrir que entre la marabunta se esconde un fiero y peculiar asesino en serie. Dos inspectores serán los responsables de resolver el caso con la mayor discreción posible, dos hombres de fuertes personalidades límite, dos bombas a punto de estallar. Una carrera contra el tiempo, la muerte, y la locura comienza.

Rodrigo Sorogoyen da la sorpresa con la calidad de una inesperada película de primera, un thriller oscuro y tenso que capta la atención desde su inicio y no suelta el ánimo hasta su último fotograma. Tal buen hacer le permitió participar en la sección competitiva del 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián donde logró alzarse con el premio al mejor guión para el propio director e Isabel Peña, así como fue elegida la mejor película a concurso por los Blogos de Oro.

Muy remarcable es, a mi entender, el trabajo de sus dos protagonistas. Antonio de la Torre y Roberto Álamo brillan en sus respectivas creaciones encarnando a dos policías lejos de dar un heróico perfil, sino con más sobras que luces, secretos y emociones turbias que en ocasiones compiten con el propio asesino en cuanto al malestar que saben llegar a generar en el espectador, estupendos ambos.

El otro factor que hace de "Que Dios Nos Perdone" una obra de primera es el tóxico a la par que cercano ambiente que sabe generar. La atmósfera de la película, sucia, asfixiante y sudorosa se mete bajo la piel de una audiencia emponzoñada por una creíble sordidez cargada de cuidadísimos y sutiles detalles.

En conclusión, estamos ante una obra de máximo interés y gran entretenimiento que reviste unas formas de primera, guarda unas interpretaciones de quitarse el sombrero y resulta un producto muy recomendable.

Valoración:7/10
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Yo, Daniel Blake - Ken Loach

Título original: I, Daniel Blake

Año: 2016
Duración: 100 min.
País: Reino Unido

Director: Ken Loach
Guión: Paul Laverty
Música: George Fenton
Fotografía: Robbie Ryan

Reparto: Hayley Squires, Natalie Ann Jamieson, Dave Johns, Micky McGregor, Colin Coombs, Bryn Jones, Mick Laffey, Dylan McKiernan, John Sumner, Briana Shann, Rob Kirtley

Productora: BBC / BFI / Sixteen Films

Daniel Blake es un hombre de 59 años que toda su vida ha sido un afanado trabajador. Sin embargo, una dolencia en su corazón detiene su andadura y su doctor le prohibe continuar ejerciendo su oficio. Por vez primera deberá acercarse a los servicios sociales para solicitar una prestación económica. Allí le obligarán a buscar empleo para concedérsela, absoluta incoherencia con la prescripción médica. De esta forma comenzará su aventura, su batalla contra un sistema y una burocracia sumamente imperfecta. En el proceso conocerá a Rachel, una joven en unas diferentes pero igualmente injustas circunstancias que pelea para sacar adelante a sus dos hijos. Juntos, tratarán de caminar de la mano hacia la victoria.

Ken Loach vuelve a colocarse tras las cámaras para realizar un realista retrato social de un mundo cargado de injusticia pero habitado por personas más fuertes aún que el sistema que trata de asfixiarlas. Su sabio equilibrio de afilada denuncia pero sensible tratamiento del problema ha sabido conquistar, es notable, como demuestra habiéndose alzado con el máximo galardón en el Festival de Cannes y el premio del público en el 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Para que la propuesta conquiste y el realismo de los hechos narrados se subraye con el realismo que más empatía debe conseguir, el personal, el peso de lo humano recae sobre los actores Dave Johns y Hayley Squires, que bordan los dos roles protagonistas, brillantes en sus luces y en sus sombras, fieramente humanos.

El guión de Paul Laverty es igualmente hábil, sabiendo narrar los hechos de forma fluida y clara, así como dibujar emociones y personajes con los que el público automáticamente se identifica participando de sus vivencias. No guarda sorpresas y puede tacharse de predecible en su desarrollo, pero no pierde mérito alguno por ello.

"Yo, Daniel Blake", con todo ello es una película oportuna (que no oportunista) para los tiempos que corren, una llamada de atención a una triste realidad a la par que una película realizada con gran gusto que tiene un muy agradable visionado y ocupará un amable recuerdo en la memoria cinéfila.

Valoración:7/10
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#BlogosDeOro & Pelis y Tuits con el equipo de QUE DIOS NOS PERDONE

El próximo lunes 24 de octubre a las 20:00 en el Lola 09 de Madrid, los BlogosDeOro, en colaboración con los amigos de @silencio_sala y otros blogs de cine, os invitan a un nuevo evento #PelisyTuits, donde podréis conocer a Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña, realizador y guionista respectivamente de la película "Que Dios nos perdone" que se estrena el próximo 28 de octubre, y que ganó el Premio Blogos de Oro en el reciente festival de San Sebastián.

Si les queréis conocer y charlar con ellos en persona, enviad un email a pelisytuits@gmail.com

Os animamos a partipar y conocer al equipo de esta gran película que desde Raven-Heart os recomendamos!

Ikari - Rage - Lee Sang-il

Título original: Ikari

Año: 2016
Duración: 142 min.
País: Japón

Director: Lee Sang-il
Guión: Lee Sang-il, Shûichi Yoshida (Novela: Shûichi Yoshida)
Música: Ryuichi Sakamoto

Reparto: Ken Watanabe, Ken'ichi Matsuyama, Satoshi Tsumabuki, Takahiro Miura, Aoi Miyazaki, Masaki Okada, Hikari Mitsushima, Eri Fukatsu, Pierre Taki, Kirin Kiki, Suzu Hirose, Gô Ayano, Chizuru Ikewaki, Akira Emoto, Mirai Moriyama

Productora: Toho Pictures

Un asesinato múltiple es el punto de partida de la película. Una palabra se halla escrita con sangre en el lugar de los hechos, el puerto al que parecen dirigirse todos los personajes, la "ira". Con el crimen sin esclarecer y la sospecha palpitando entre la población, conoceremos a un grupo de personajes que nada tienen que ver entre ellos, pero a los que la duda y el recelo unirá, varias parejas que verán su vida cambiada por diversos hechos cruciales para su existencia y caminan, paso a paso, hacia un destino más y más oscuro a medida que, paralelamente, avanza la investigación de un crimen que lo cambia... todo.

Lee Sang-il, está tras el guión (inspirado en la novela de Shūichi Yoshida) y la dirección de esta película que, a medio camino entre el thriller y el más intenso drama, le abrió las puertas a la participación en la Sección Oficial competitiva del 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde recibió contrapuestas críticas.

El film destaca sobre todo en su vertiente más técnica, con un gran aprovechamiento de los deslumbrantes exteriores y los sombríos interiores, engrandecidos ambos por un gran uso de la fotografía para la creación de ambientes y emociones. Otro de sus puntos fuertes son las desgarradas interpretaciones de todo su elenco, que saben dibujar el lado más oscuro de sus personajes y encarnar en su labor la ira a la que hace referencia el título de la película.

Brillantes son los dos primeros tercios del film, la presentación del crimen pone en alerta el espectador de una forma contundente, y la introducción de la galería de personajes, problemáticas y relaciones atrapa la atención, para ir acrecentando el interés cuando comienzan a tejerse los nudos de sospechas y desconfianzas entre ellos.

Sin embargo el tramo final de su (demasiado) dilatado metraje pierde fuelle, concatenando una serie de pseudo finales que ejercen sobre la audiencia un efecto inverso al deseado, confundiéndola con sus laberínticas explicaciones que más que atar todos los cabos sueltos generan una maraña de ideas muy mejorable en su planteamiento.

Una película intensa, interesante y entretenida, cuya valoración queda muy penalizada por  el modo en que se genera y cuenta el desenlace. Este factor resulta una lástima porque termina quedando la sensación de haber disfrutado de una película que pudiera haber sido enorme y que termina siendo solamente aceptable.

Valoración:6/10
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Verano en Brooklyn - Ira Sachs

Título original: Little Men

Año: 2016
Duración: 85 min.
País: Estados Unidos

Director: Ira Sachs
Guión: Ira Sachs, Mauricio Zacharias
Música: Dickon Hinchliffe
Fotografía: Óscar Durán

Reparto: Theo Taplitz, Michael Barbieri, Greg Kinnear, Jennifer Ehle, Paulina García, Alfred Molina

Productora: Magnolia Pictures / WME Entertainment

Una familia, tras el fallecimiento del abuelo, se traslada a la casa que heredan de este, en Brooklyn. Allí, el joven hijo de la pareja se hará amigo inseparable de otro niño de su edad, hijo de la responsable de una tienda de moda bajo su hogar, cuyo alquiler de renta antigua dependía también del fallecido abuelo. Todo fluye entre las dos familias de forma idílica, pero las necesidades económicas de unos y otros se irán alzando como barreras infranqueables para el entendimiento y la buena convivencia de ambas familias. Los principales amenazados serán los niños y su amistad.

Ira Sachs (El amor es extraño, Keep the lights on)  es el responsable de la dirección y el guión de esta película pequeña e independiente, una sencilla delicia sin grandilocuencias, pero con mucho que contar, que le ha abierto las puertas de festivales como Sundance o la 64 Edición del Festival de Cine de San Sebastián, donde pudo verse en la sección Perlas.

Sachs vuelve a utilizar las problemáticas de los alquileres como excusa narrativa para acercarnos a los más cotidianos problemas de la vida moderna en la gran ciudad y lo que es más importante, a la humana radiografía de sus personajes, de los que analiza de forma más que inteligente sus relaciones a través de unas escenas y diálogos milimetradamente pensados.

Gran parte de la funcionalidad de la película recae a su vez sobre los hombros de su elenco de actores y actrices, que, de nuevo, vuelven a dar lo mejor de si para bordar unos personajes cercanos, creíbles, con los que la audiencia puede empatizar de forma automática y sumergirse así en su problemática e historia.

Con todo ello, Ira Sachs y su equipo crean una película modesta pero efectiva, de un muy agradable visionado, plena de interesantes ideas y ligero entretenimiento, y lo que es más de agradecer en un film de estas características, no tratando de transmitir mensajes morales ni aleccionar a la audiencia, sino de sólo mostrar el abanico de elecciones con las que se topan los personajes en su camino y las consecuencias de sus decisiones, sin valorar lo correcto o incorrecto de las mismas. Interesante.

Valoración:6/10
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