Drácula Negro (Blacula) - William Crain

Título original: Blacula - Drácula negro

Año: 1972

Duración: 93 min.

País: Estados Unidos

Dirección: William Crain

Guion: Raymond Koenig, Joan Torres

Música: Gene Page

Fotografía: John M. Stephens

Reparto: William Marshall, Vonetta McGee, Denise Nicholas, Thalmus Rasulala, Gordon Pinsent, Charles Macaulay, Emily Yancy, Lance Taylor Sr., Ted Harris, Rick Metzler, Elisha Cook Jr.

Productora: American International Productions, Power Productions

Un aristócrata africano será invitado al castillo del Conde Drácula, del que espera colaboración para luchar por su cultura. Sin embargo, no recibirá otra cosa que desprecio. En su enfrentamiento, el visitante será encerrado y castigado con la condena eterna, el vampirismo. Tiempo después, tras ser adquiridos los enseres del castillo y trasladados a América, el no muerto despertará de su letargo y sembrará la muerte a su paso. 

William Crain rescata al personaje del conde vampiro para trasladarlo al terreno del blacksploitiation adaptando sus letales aventuras a tierras del Nuevo Mundo y  sumergirlo en la sociedad afroamericana como coto de caza e inmortal existencia. 

Como no podía ser de otra forma, esta revisión de "Drácula" escapa de la estética victoriana y la melancolía, para adentrarse, sin salir del ámbito nocturno, en un entorno pleno de color, vida y frenesí. Los castillos y abadías son sustituidos por clubs nocturnos, y los bosques plenos de bruma, por las bulliciosas calles de la ruidosa ciudad. 

Este giro dota de cierta simpatía a la cinta, aunque su apartado visual se ve lastrado por una labor de maquillaje que resulta demasiado caricaturesca para el vampiro y sus secuaces, cambiando así el rictus del espectador del horror a la cómplice carcajada. 

Una película anecdótica que poco aporta al género, pero que representa un simpático giro al ancestral personaje. Para pasar el rato. 

Trailer:

Bienvenidos a Utmark - Dagur Kári

Título original: Utmark

Año: 2021

País: Noruega

Dirección: Dagur Kári

Guion: Dagur Kári, Kim Fupz Aakeson

Fotografía: Andreas Johannessen

Reparto: Marie Blokhus, Alma Günther, Stig Henrik Hoff, Tobias Santelmann, Niklas Gundersen

Productora: HBO, Paradox Spillefilm, REinvent Studios. Distribuidora: HBO

Utmark es una pequeña población noruega, un remoto lugar en tierras norteñas de peculiares costumbres y más peculiares habitantes. Allí llegará una nueva maestra decidida a comenzar una nueva vida, pero nada podía prepararle para la galería de lugareños que encontrará. 

“Bienvenidos a Utmark” es una serie atrevida, distinta e irreverente. Dagur Kári, su guionista y director, pone ante nuestros ojos un relato que bien puede catalogarse como comedia negra o como drama desgarrado, hilando ambos tonos extremadamente dispares con ese pulso valiente y sin prejuicios que sólo el cine de las nórdicas latitudes sabe mezclar con eficiencia y buenos resultados. 

En Utmark descubriremos una galería de personajes únicos, pero con un factor común, un dolor interior sólo comparable a su pasión por la vida. Prostitución, alcoholismo, ludopatía, fetiches sexuales, trastornos mentales, posesiones… todos ellos son rasgos identitarios de los distintos habitantes del lugar, pero no son factores de marginados o diferentes, sino la normalidad del lugar. 

Este notable factor, la total ausencia de miedo o pudor en mirar al lado oscuro de todo ser humano, independientemente de su raza, origen, edad o género, hace de cada personaje un foco de atención, así como de las relaciones entre ellos, con lo cual, aunque sólo sea por ello, ya estamos ante una serie de potente interés por su única personalidad y carisma. 

A ello se le suma un factor en absoluto desdeñable, como es el magnífico tratamiento de la imagen, que aprovecha al máximo los idílicos parajes en que se desarrolla la acción, no obviando la melancolía y la soledad que subyacen en la gélida y hermosa inmensidad de los mismos. 

Con todo ello estamos ante una serie muy acertada y cuidada en lo visual, interpretativo y narrativo, que aunque deja con ganas de más, resulta ideal para espectadores sin prejuicios con ganas de sumergirse en una propuesta diferente.

Abismo - Andrew Traucki

Título original: Black Water: Abyss

Año: 2020

Duración: 98 min.

País: Australia

Dirección: Andrew Traucki

Guion: John Ridley, Sarah Smith

Música: Michael Lira

Fotografía: Damien Beebe

Reparto: Jessica McNamee, Luke Mitchell, Amali Golden, Anthony Sharpe, Benjamin Hoetjes, Rumi Kikuchi, Lynne Rose, Stu Kirk, Vicky Wanless, Tyson Brannigan

Productora: Coproducción Australia-Estados Unidos; Thrills & Spills, Cornerstone Pictures, ProdigyMovies

Un grupo de amigos, en su búsqueda de aventuras, decide adentrarse en una cueva inexplorada. Todo marcha bien hasta que una tormenta se desate más allá de la superficie y el agua se convierta en una nueva amenaza, tanto por si misma, como por las criaturas sedientas de sangre que oculta en su turbio interior... 

Andrew Traucky vuelve a acercarnos a los peligros del mundo animal y sus depredadores, como ya hiciera con la aceptable "Black Water" o la interesante e inquietante "El Arrecife", sumando a su propuesta el peligro añadido de ubicar la acción en un sistema de cuevas subterráneo sin escapatoria... 

La película parte de una atractiva idea que llama a los miedos más primarios y donde la claustrofobia y el fatalismo laten en cada plano. La indefensión de sus protagonistas es palpable y la certeza de una muerte segura susurra con cada vez más fuerza a medida que avanza el metraje, traspasando la pantalla. La amenaza son los muros inexpugnables de una cueva que es prisión,  el terror son las aguas mismas, turbias y crecientes, y aquello que se oculta bajo ellas, esperando. 

Sin embargo, diversos factores lastran el disfrute y la calidad de la propuesta. Por un lado, las obvias limitaciones presupuestarias que hacen que su apuesta visual quede bastante por debajo de las expectativas que el espectador tiene ante un film de estas características, no explotándose tanto como gustaría las posibilidades del entorno y sus letales moradores. Por otra parte, el drama ligado a sus personajes y a las relaciones entre ellos, que no llega a trascender, hacerse verosímil ni despierta la empatía suficiente en la audiencia para que el temor por sus destinos sea un plus de emoción y angustia. 

En conjunto estamos ante un film, que si bien entretiene y tiene sus momentos álgidos, no funciona en conjunto tan bien como nos gustaría. Pasable pero bastante mejorable. 

Que Viene el Lobo (Cry Wolf)

Título original: Ulven Kommer - Cry Wolf

Año: 2020

Duración: 55 min.

País: Dinamarca

Dirección: Pernille Fischer Christensen, Samanou Acheche Sahlstrøm, Niclas Bendixen, May el-Toukhy

Guion: Maja Jul Larsen, Nanna Westh, Adam August, Kim Fupz Aakeson, Karina Dam

Música: When Saints Go Machine, Christian Balvig

Fotografía: Sine Vadstrup Brooker, Niels Thastum, Laust Trier-Mørk, Martin Munch

Reparto: Bjarne Henriksen, Flora Ofelia Hofman Lindahl, Christine Albeck Børge, Peter Plaugborg, Noah Storm Otto, Lila Nobel, Justin Geertsen, Henning Valin Jakobsen, Lone Rødbroe, Laura Skjoldborg, Christine Exner, Line Kruse, Rasmus Hammerich...

Productora: Nordisk Film, Radio (DR), Norsk Rikskringkasting, SVT, YLE/SARI Volanen, Nordvision, Ríkisútvarpið-Sjónvarp (RÚV)

Holly es una niña de 14 años que, tras presentar una redacción en su colegio donde relata los violentos comportamientos de su padrastro, hará que se disparen todas las alarmas. A partir de ese momento, la intervención de los trabajadores sociales pondrán a la familia en jaque, y la incógnita sobre la realidad de las acusaciones hará que la sombra de la duda se extienda sobre todos ellos. 

Esta miniserie danesa, como ya hiciera el film “La Caza” de Thomas Vinterberg, nos acerca al impacto de una acusación de abusos por parte de un niño hacia un adulto, nos sumerge en la oscuridad que envuelve a todos aquellos implicados, sean inocentes o culpables, nos ahoga en un océano de dudas cuyas aguas emponzoñan todo lo que tocan…

Para el desarrollo de esta historia, “Cry Wolf” se nutre de un grupo de actores y actrices de primera, que gracias a una galería de estupendas interpretaciones, logran dar la credibilidad y fuerza necesarias a sus personajes para lograr implicar la emoción de los espectadores en cuanto acontece. 

El pausado ritmo y la medida revelación de incógnitas que va realizando el guión a través del desarrollo de los episodios, lejos de aburrir o disipar el interés, va aportando información de interés al espectador, haciendo que este cuestione no a uno, sino a la totalidad de los personajes que nos muestra en pantalla y sus actos. 

Con todo ello estamos ante una miniserie diferente, atrevida y necesaria, pues no sólo logra el entretenimiento, sino que despierta el abierto debate sobre diversos temas importantes. Un acierto. 

Los Ritos Satánicos de Drácula - Alan Gibson

Título original: The Satanic Rites of Dracula / Count Dracula and His Vampire Bride

Año: 1973

Duración: 82 min.

País: Reino Unido

Dirección: Alan Gibson

Guion: Don Houghton

Música: John Cacavas

Fotografía: Brian Probyn

Reparto: Christopher Lee, Peter Cushing, Michael Coles, William Franklyn, Freddie Jones, Joanna Lumley, Richard Vernon, Barbara Yu Ling, Patrick Barr, Richard Mathews, Lockwood West, Valerie Van Ost, Maurice O'Connell, Peter Adair, Maggie Fitzgerald

Productora: Hammer Productions

Corren los años 70 en Londres, y unas misteriosas muertes llevan a los investigadores a sospechar de una satánica secta que parece ocultar más poder y oscuridad de lo que parece a primera vista. Para luchar contra ella, y sospechando que tras su culto se esconde el más famoso vampiro de todos los tiempos, Drácula, reclutarán al profesor Van Helsing...

Christopher Lee viste en esta película la capa del conde vampiro por última vez para la mítica productora Hammer, una despedida para la que aportó su habitual carisma, lejos del agotamiento que podría esperarse, pero que se siente insuficiente por el escaso tiempo que podemos disfrutarlo en pantalla, dado el escaso metraje que le dedica la cinta que nos ocupa. 

El film saca la figura del vampiro de los escenarios góticos y decadentes a los que, durante gran parte de su vida cinematográfica, nos tenía acostumbrados. Ahora las luchas de poder se establecen en otros términos y escenarios financieros y políticos, y eso dota al film de una atmósfera radicalmente distinta. Además, se filtran entre sus fotogramas los diversos temas tan de moda en la época, como el ocultismo, satanismo, espionaje... etc. Este cocktail pone ante nuestros ojos más un film policíaco con tintes de terror que una obra de horror clásico, que nadie se lleve a engaño. 

Unas interpretaciones aceptables (subrayando la del siempre carismático Peter Cushing, por supuesto), una puesta en escena correcta que sabe jugar bien sus bazas, y un ritmo que captura el interés, hacen de esta película un producto que, aunque dista de hacer nuestras delicias como las primeras aventuras del Conde, resulta disfrutable desde el punto de vista nostálgico y anecdótico por la amalgama de elementos con los que se construye. Curiosa. 

Trailer:

La Serpiente - Hans Herbots y Tom Shankland

Título original: The Serpent

Año: 2021

Duración: 58 min.

País: Reino Unido

Dirección: Hans Herbots, Tom Shankland

Guion: Toby Finlay, Richard Warlow

Música: Dominik Scherrer

Fotografía: Seppe Van Grieken, Si Bell, Anton Mertens

Reparto: Tahar Rahim, Ellie Bamber, Jenna Coleman, Billy Howle, Tim McInnerny, William Brand, Nicole Beutler, Stuart Bowman, Bern Collaco, Pravessh Rana, Chicha Amatayakul, Ruby Ashbourne Serkis, Sahajak Boonthanakit

Productora: BBC One, Living Films, Mammoth Screen, Netflix. Distribuidora: Netflix

“The Serpent” nos lleva a los años 70, donde reviviremos unos escalofriantes hechos reales con el crimen y la avaricia como motor narrativo. Allí conoceremos a una pareja de tratantes de gemas que se mezclarán con las comunidades hippies nómadas para, acabando con sus vidas, hacerse con sus pertenencias e identidades. Sólo el trabajador de una embajada parecerá interesarse, obsesionarse, por sus actividades, y luchará contra todo y todos para detener su imparable escalada de crímenes. 

La primera parada inexcusable de nuestro análisis no puede ser otra que reverenciar el buen hacer de la pareja de intérpretes protagonistas, Tahar Rahim (Un Profeta) y Jena Coleman (Victoria), bordan sus creaciones dando vida a unos personajes tan

intensos como aterradores y llenos de perturbadores matices. 

Otro punto fuerte de la miniserie reside en lo visual, donde la sabia mirada de su cámara sabe conducirnos por el exotismo de sus localizaciones, el lujo y la miseria, de una forma fluida y llena de elegancia, brillando en su labor fotográfica y de ambientación.

Pero nada de esto sería suficiente sin un trabajado guión sobre el que asentar sus bonanzas, y “La Serpiente”, lo tiene. La historia despliega su interés a lo largo de los episodios de forma medida e inteligente, logrando capturar la máxima atención del espectador y mantener su ánimo e implicación entre sus garras, todo ello gracias a un muy bien estructurado estudio de personajes y un desarrollo de la historia que resulta cautivador. 

En conclusión, estamos ante un producto de gran calidad, que brilla en lo interpretativo, formal y argumental, un viaje al pasado, un salto al abismo de la humana maldad que resulta tan perturbador como fascinante. Muy recomendable. 

Alone - John Hyams

Título original: Alone

Año: 2020

Duración: 100 min.

País: Estados Unidos

Dirección: John Hyams

Guion: Mattias Olsson

Música: Nima Fakhrara

Fotografía: Federico Verardi

Reparto: Jules Willcox, Marc Menchaca, Anthony Heald, Jonathan Rosenthal, Henrik JP Åkesson

Productora: Mill House Motion Pictures, Paperclip. Distribuidora: Magnet Releasing

Una mujer, atormentada por su propio dolor, viaja sola por carretera en busca de dar un giro radical a su vida. Sin embargo, la aparición de un hombre, salido de la nada, truncará su camino y se verá secuestrada y cautiva. Comenzará así entonces para ella una carrera por la supervivencia, no sólo enfrentada a su captor, sino a las fuerzas mismas de la naturaleza. 

John Hyams dirige este trepidante thriller, un juego del gato y el ratón de fácil consumo y directo entretenimiento para pasar un mal rato siguiendo las desventuras de su esforzada protagonista. 

A favor del film apuntaremos el buen hacer de sus intérpretes, el cazador y su presa, un duelo de altura que se engrandece cuando entra en juego el tercer y más importante de los personajes, la naturaleza, que se erige como depredadora en si misma poniendo a prueba a uno y otra sin piedad. Un buen tratamiento de la imagen y un buen uso de los espacios abiertos como amenaza aún más letal que el interior encierro, dan un correcto empaque visual a la película. 

Sin embargo, un desarrollo mil veces visto, una ausencia de profundidad de guión a la hora de dar forma a sus personajes y sus trasfondos, y una galería de sorpresas y giros que no brillan por su originalidad, hacen de ella un producto menos impactante de lo que cabría desear para una película de estas características. 

En conclusión, estamos ante un film ya visto, pero realizado con la suficiente eficiencia como para resultar agradable para un buen rato de tenso pero no muy memorable entretenimiento. Pasable. 

Mare of Easttown - Brad Ingelsby y Craig Zobel

Título original: Mare of Easttown
Año: 2021
Duración: 403 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Brad Ingelsby (Creador), Craig Zobel
Guion: Brad Ingelsby
Fotografía: Ben Richardson
Reparto: Kate Winslet, Evan Peters, Sosie Bacon, David Denman, Guy Pearce, Neal Huff, Cameron Mann, James McArdle, Ben Miles, Patrick Murney, Julianne Nicholson, Angourie Rice, Jean Smart...
Productora: HBO, Mayhem Pictures, wiip studios.

Una detective de un pequeño pueblo, donde todos se conocen y cada pequeño cambio sacude a la comunidad, trata de salir adelante pese a que su vida parece empeñarse en desmoronarse. Una noche, un violento crimen sacudirá los cimientos del lugar, y pondrá a la investigadora en el punto de mira, haciendo que se sumerja de lleno en un entramado de secretos y mentiras que pueden poner su existencia del revés...

"Mare of Easttown" es una potente y cuidada miniserie que asienta su arrolladora fuerza en un milimetrado estudio de sus personajes y sus relaciones. Para darles vida, loable resulta el trabajo de casting, que ha reunido a una galería de intérpretes de gran calidad que inyectan al relato altas dosis de verosimilitud, desgarro y pasión. Entre todos ellos no podemos dejar de destacar la labor de tres actrices, Julianne Nicholson, que rezuma sentimiento desde una mirada llena de silenciadas palabras, Jean Smart, ácida protagonista de los estupendos alivios cómicos del relato, y, por supuesto, una inmensa Kate Winslet a cargo de encarnar a una protagonista llena de impactante autenticidad y verdad. 

Reseñable resulta igualmente la calidad de su medido guión que explora los más diversos temas, como la pérdida, la culpa, la amistad, la familia, la búsqueda del amor... a la par que va desgranando los turbios misterios que a todo el pueblo infectan y que han dado como resultado el crimen sobre el que gira la serie. Sus páginas dosifican con inteligencia sus ingredientes, logrando despertar no sólo el interés y la curiosidad del espectador, sino también su empatía, haciendo de "Mare of Easttown" un viaje cercano, intenso y emocional a la par que emocionante. 

En conclusión, una serie de primera calidad, que aunque a priori tiene un planteamiento que puede no resultar original, brilla, a través de su melancólica puesta en escena, espectaculares interpretaciones e inteligente narrativa. Muy recomendable. 

Cartel de la 32 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián

 

CARLOS ARECES ES EL PROTAGONISTA 

DEL CARTEL DE LA SEMANA DE TERROR 2021

La fotografía rinde homenaje a la mítica 

película de Antonio Mercero La cabina

El actor Carlos Areces protagoniza este año el cartel oficial de la 32ª Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, que tendrá lugar entre el 29 de octubre y el 5 de noviembre. El póster homenajea el legendario mediometraje La cabina, escrito por José Luis Garci y dirigido por el cineasta de Lasarte Antonio Mercero en 1972.

Carlos Areces se pone en la piel de José Luis López Vázquez, protagonista de la película, cuya imagen atrapado en la cabina es sin duda una de las más icónicas y recordadas de la historia del fantástico español. 

La cabina, producido por TVE, se emitió por primera vez el 13 de diciembre de 1972, causando gran impacto en el público de la época. Se convirtió en un gran éxito internacional, siendo proyectado en las televisiones de todo el mundo y obteniendo innumerables premios.

La fotografía ha sido realizada por Alberto Morago, que también se ha encargado del making of. 

El diseño del cartel ha sido obra, como los últimos años, del estudio Ytantos.

Oxígeno - Alexandre Aja

Título original: Oxygène 

Año: 2021

Duración: 101 min.

País: Francia

Dirección: Alexandre Aja

Guion: Christie LeBlanc

Música: Robin Coudert

Fotografía: Maxime Alexandre

Reparto: Mélanie Laurent, Malik Zidi, Marc Saez, Eric Herson-Macarel, Cathy Cerda. Voz: Mathieu Amalric

Productora: Coproducción Francia-Estados Unidos; Echo Lake Productions, Wild Bunch, Getaway Films. Distribuidora: Netflix

Una mujer despierta súbitamente para descubrirse encerrada en una cápsula criogénica. Desorientada, amnésica y presa del pánico, deberá encontrar las respuestas a toda incógnita en el interior de su nublada mente y utilizar todos los limitados elementos a su alcance para mantenerse con vida en un lugar en el que el oxígeno es limitado, y las posibilidades de resistir, una cuenta atrás. 

Alexandre Aja vuelve a ponerse tras las cámaras y demostrarnos una vez más que es un maestro en la gestión de la tensión cinematográfica. En esta ocasión, contando con los elementos formales mínimos y sólo con la imaginación como límite de sus posibilidades. 

La película se sostiene de forma prácticamente íntegra sobre la interpretación de su actriz protagonista, una Mélanie Laurent inspirada y entregada al sufrimiento y la lucha que consigue soportar y transmitir a través de una concatenación continua de primeros planos que ponen a prueba sus capacidades interpretativas y que sabe saldar con eficiencia. 

Si bien “Oxígeno” tenía un primer escollo que superar, las inevitables comparaciones por su estilo y narrativa con “Enterrado”, de Rodrigo Cortés, y lo logra gracias a diferenciarse completamente de aquella en sus elecciones argumentales. Aquí, al situar la acción en un lugar pleno de tecnología y recursos, la claustrofobia se reduce, pero las posibilidades se multiplican. Gracias a ello, el film añade nuevos ases a la baraja de su relato y puede permitirse diversas sorpresas y giros que añaden un potente plus a la propuesta. 

Con todo ello estamos ante una película pequeña, pero bien interpretada, realizada y contada, que si bien no tiene demasiado impacto, al tener una estructura que no es nueva para el espectador, sí contiene los suficientes ingredientes para erigirse como un vehículo de efectivo entretenimiento. Agradable.