Midnight Runner - Hannes Baumgartner

Título original: Der Läufer

Año: 2018

Duración: 92 min.

País: Suiza

Dirección: Hannes Baumgartner

Guion: Hannes Baumgartner, Stefan Staub

Fotografía: Gaetan Varone

Reparto: Max Hubacher, Luna Wedler, Caspar Kaeser, Lara Marian, Sylvia Rohrer, Annina Euling, Saladin Dellers, Christophe Sermet, Markus Amrein

Productora: Contrast Film, Schweizer Radio und Fernsehen, Teleclub AG

Jonas es un corredor obsesionado por el éxito en el deporte que tanto le apasiona. Por ello se prepara incansablemente. Sus planes de triunfo se unirán a los de construir una nueva vida en común con su novia. Sin embargo, el recuerdo de la figura de su hermano, muerto en trágicas circunstancias, comenzará a alzarse como un obstáculo entre él y sus metas, entre él y su cordura. La violencia inesperada se tornará entonces en su vía de escape...

Hannes Baumgartner se inspira en hechos reales para dar forma a una película que compitió en la sección "New Directors" del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, un relato que se adentra en primera persona en cómo la psique humana puede precipitarse en el abismo de la oscuridad. 

La película nos hace caminar, correr, de la mano de su sufrido protagonista, para acompañarlo en su descenso a los personales infiernos y ver cómo el dolor va turbando su personalidad y va torneando, esculpiendo en él la figura de un depredador cómo vía de canalizar su sufrimiento. 

El film de buena factura visual e interpretativa, fluye de forma estructurada y natural en su relato. Ningún error podemos imputarle a su realización, todo es correcto, demasiado correcto, y ahí radica su debilidad. 

La ausencia de riesgo, lo clínico y frío de su planteamiento, desnudo de toda emoción que pueda contagiar al espectador, lastra completamente el disfrute de un film que pudo ser mucho más potente de lo que finalmente resulta. Interesa, pero no trasciende ni se fija en la cinéfila memoria. 

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Infiltrado en el KKKlan - Spike Lee

Título original: BlacKkKlansman

Año: 2018
Duración: 128 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Spike Lee
Guion: Spike Lee, Kevin Willmott, David Rabinowitz, Charlie Wachtel (Libro: Ron Stallworth)
Música: Terence Blanchard
Fotografía: Chayse Irvin

Reparto: John David Washington,  Adam Driver,  Topher Grace,  Laura Harrier,  Ryan Eggold, Corey Hawkins,  Robert John Burke,  Paul Walter Hauser,  Craig muMs Grant, Michael J. Burg,  Chris Banks,  Tom Stratford,  Jasper Pääkkönen,  Ashlie Atkinson, Ken Garito,  Alec Baldwin

Productora: Blumhouse Productions / Monkeypaw Productions / QC Entertainment / Perfect World Pictures. Distribuida por Focus Features


"Infiltrado en el KKKlan" se ubica en la década de los Sesenta, época de revueltas sociales y pugna por los derechos civiles. En este entorno conoceremos a un joven que consigue ser el primer policía de color de Colorado Springs. Su carrera dentro del cuerpo se dispara cuando logra entrar en contacto con el Ku Klux Klan y hacerse uno con un compañero para, entre ambos, crear una figura infiltrada dentro de la organización y exponer sus actividades a la opinión pública y la justicia.

Spike Lee (Malcom X, Fiebre Salvaje, Haz lo que Debas..etc) escribe y dirige esta película que hilando diversos tonos y géneros, se erige como fresca y asequible propuesta reivindicativa que ha calado entre público y crítica logrando diversas nominaciones y galardones en numerosos eventos cinematográficos.

A favor del film apuntaremos la calidad interpretativa de todo su elenco, entregados en sus apasionadas creaciones. Igualmente notable es el buen hacer de su apartado técnico, con una notable labor de ambientación y un uso de la cámara creativo que regala varias escenas para el recuerdo. Su línea narrativa y montaje hacen de ella, por su parte, un buen vehículo de entretenimiento, fluido y muy ameno.

Sin embargo, la amalgama de géneros que esconde su desarrollo, que viaja del drama desgarrado a la comedia con toques puntuales de thriller, no termina de funcionar tan bien como nos gustaría. La búsqueda de la sonrisa con guiños cómicos resta enteros al desgarro de ciertos temas y bloques argumentales que nos presenta. Este factor hace de la película algo ligero y consumible, pero el mensaje serio sobre el que se sustenta, la crítica directa al ayer y subyacente al hoy, no impacta por ello tanto como debiera.

En conclusión, "Infiltrados en el KKKlan" funciona como entretenimiento y reviste calidad formal e interpretativa, pero no resulta tan trascendente o impactante como nos gustaría.

Enoch
Valoración:6/10
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Blind Spot - Tuva Novotny

Título original: Blindsone

Año: 2018
Duración: 98 min.
País: Noruega

Dirección: Tuva Novotny
Guion: Tuva Novotny
Fotografía: Jonas Alarik

Reparto: Anders Baasmo Christiansen,  Pia Tjelta,  Oddgeir Thune,  Per Frisch, Nora Mathea Øien,  Carl Munck,  Teodor Barsnes-Simonsen,  Marianne Krogh, Hilde Linseth Stømer,  Ellen Heyerdahl

Productora: Nordisk Film Production AS

"Blindsone" nos acerca primero a la figura de una adolescente para luego introducirnos en la intimidad de su hogar y su familia. Todo parece terriblemente normal y sosegado hasta que el suicidio hace su aparición lanzando a todos los personajes por una pendiente de desesperación. El torrente de emociones y el dolor desgarrado se desata ante lo inexplicable.

Tuva Novotny debuta en la dirección adaptando un guión propio para dar vida a esta atípica e impactante película que provoca reacciones encontradas entre el público y la crítica, polarizando opiniones. Su participación en el 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián no fue una excepción, pero la rendición fue unánime ante el buen hacer de su actriz protagonista, Pia Tjelta, que se alzó con el galardón a la mejor interpretación.

Uno de los ingredientes más potentes y arriesgados de la cinta es la forma en la que está rodada. "Blind Spot" se presenta como un continuado plano secuencia de principio a fin de su metraje. Esta opción no sólo rubrica un gran buen hacer en su pulso narrativo y visual, sino que consigue una inmersión emocional en lo contado rara vez vista, al vivir la tragedia en absoluta primera persona y tiempo real.

La temática tratada es otro de sus grandes aciertos. La película trata de dar visibilidad ese área de la medicina llena de "puntos ciegos", como es el que atañe a las enfermedades mentales, y sobre todo aquellos trastornos que pueden llevar a intentar terminar con la propia vida. Su acercamiento al tema es natural y verosímil, de tal forma que la empatía del espectador con los protagonistas y su forma de vivir la situación, es automática.

Todo su elenco está correcto, pero reverencia merece el titánico trabajo de su actriz protagonista. Su labor es un auténtico tour de force de agonía y desgarro, un viaje emocional a la rabia, desesperación, incomprensión e impotencia ante una cadena de acontecimientos que escapan a su control y amenazan con destrozarla por completo. Pia Tjelta se come la pantalla y hace nuestro su dolor de una forma impresionante.

Por supuesto las formas de este film pueden provocar rechazo en gran parte de la audiencia, por su ritmo que a tramos puede hacerse tedioso, por lo explícito del desgarro emocional, por las interrogantes sin respuesta que un caso como el narrado presenta...etc. Todo ello hace de Blind Spot una película en absoluto fácil, pero para quien aquí escribe, un absoluto acierto, arriesgado y valiente, cine que es bofetada y que se queda en el recuerdo.

Valoración:7/10
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High Life - Claire Denis

Título original: High Life

Año: 2018
Duración: 110 min.
País: Francia

Dirección: Claire Denis
Guion: Claire Denis, Jean-Pol Fargeau, Geoff Cox
Música: Stuart Staples, Tindersticks
Fotografía: Yorick Le Saux, Tomasz Naumiuk

Reparto: Robert Pattinson,  Juliette Binoche,  Mia Goth,  André Benjamin,  Lars Eidinger, Agata Buzek,  Claire Tran,  Ewan Mitchell,  Gloria Obianyo,  Victor Banerjee

Productora: Coproducción Francia-Alemania-Reino Unido-Polonia-Estados Unidos; Alcatraz Film / Pandora Film / Andrew Lauren Productions (ALP) / Apocalypse Films Company / Madants / Canal+ / arte France Cinéma / BFI Film Fund

High Life nos lleva a la soledad y aislamiento más  extremos, a lo más profundo del espacio. Allí, en una nave solitaria, conviven una serie de personas, presidiarios sacados del corredor de la muerte para ser recluidos en esta nueva cárcel. Serán ello conejillos de indias para una serie de experimentos.
El entorno y su tipo de vida pondrán a prueba su capacidad de convivencia, y, sobre todo, su capacidad de supervivencia en una existencia que a diario pone a prueba su cordura.

Claire Denis salta al vacío con esta arriesgadísima propuesta que desde la ciencia ficción se introduce en el lado más oscuro del ser humano. Su trabajo le ha permitido participar en numerosos festivales,  levantando controversia a su paso, y logrando el éxito a su paso por la 66 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde obtuvo el premio Fipresci.

Visualmente estamos ante una película claustrofóbica y asfixiante. que enfrentando sus agobiantes escenarios a la inmensidad del espacio, ahoga a sus protagonistas y público. Sorprende el estilo "low cost" de sus recursos escenográficos (factor que ha muchos ha incomodado), una curiosa elección, pero que lejos de sacarnos de la historia, la dota de una cierta teatralidad que no hace sino subrayar que lo importante no es su vertiente más fantasiosa, sino la parte más humana de su relato.

Inesperado hemos encontrado el buen trabajo realizado por su protagonista, un Robert Pattinson inusualmente inspirado que crea un personaje con una notable evolución y amplio abanico de emociones. Junto a él, destacaremos a una brillante Juliette Binoche, que borda un rol turbio y malsano, regalándonos varias escenas para el recuerdo.

El último factor que rubrica el buen hacer de la cinta, y su valentía, es el guión en que se asienta. Su pausado ritmo y desarrollo hace que este plato de sórdida incomodidad se cocine a fuego lento, pero cargado de interesantes sabores ponzoñosos que sumergen a la audiencia de pleno en su potente y extraña historia

Con todo ello estamos ante un producto no apto para todos los gustos, que ofrece en su riesgo algo distinto por lo que dejarse llevar, con lo que ir más allá de la superficie y analizar. Muy interesante.

Valoración:7/10
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The Third Wife - Ash Mayfair

Título original: The Third Wife

Año: 2018
Duración: 96 min.
País: Vietnam

Dirección: Ashleigh Mayfair
Guion: Ashleigh Mayfair
Música: An Ton That
Fotografía: Chananun Chotrungroj

Reparto: Tran Nu Yên-Khê,  Mai Thu Hường,  Nguyễn Phương Trà My,  Nhu Quynh Nguyen

Productora: An Nam Productions

Una niña de catorce años se traslada al hogar de un terrateniente debido a un matrimonio concertado con el mismo. Del juego y la despreocupación propia de su edad pasará a vincularse a las obligaciones propias de su nuevo status, el de tercera esposa. Deberá así aprender a convivir con los otros miembros de la familia y utilizar sus armas para labrarse un sitio empoderado dentro de la misma.

Ashleigh Mayfair escribe y dirige esta escabrosa pero delicada película que le hizo alzarse con el premio al mejor film asiático en el Festival de Toronto y el galardón "TVE Otra Mirada" en la 66 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián donde participó en el marco de la sección Nuev@s Director@s.

Muchas son las virtudes de esta cinta. Comenzaremos por subrayar su poderío visual, aderezado por una gran y naturalista fotografía de Chananun Chotrungroj, que cubre tanto de belleza a los parajes en que se desarrolla, como de sensualidad a sus escenas más íntimas. Un estupendo uso de los espacios y de la dirección artísticas terminan de dar calidad artística a la factura estética de esta película, sumergiéndonos del todo en la remota y ajena cultura con un filtro de hermosura pese a no apartar la mirada de los factores más duros de su relato.

Necesario para el buen funcionamiento de la propuesta es el buen hacer de su elenco, sobre todo de aquellas que forman el triunvirato de esposas, núcleo argumental, y todas ellas brillan con la sutileza y minimalismo de sus creaciones, transmitiendo a la audiencia un tan contenido como desgarrado abanico de emociones.

Finalmente, Ash Mayfair consigue lo más complejo de su trabajo hilando con inteligencia fondo y forma, creando una historia contada con calma pero si pausa, sin juicios de valor, pero desde la mirada de una niñez rota. Un gran trabajo de guión que con poética cadencia y sin estridencia logra transmitir su mensaje.

Una pequeña joya llegada desde Vietnam que merece visionado y análisis, cine necesario tan disfrutable para el entretenimiento como interesante para el debate.

Valoración:7/10
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Viaje a Nara - Vision - Naomi Kawase

Título original: Vision

Año: 2018
Duración: 109 min.
País: Japón

Dirección: Naomi Kawase
Guion: Naomi Kawase


Reparto: Juliette Binoche,  Masatoshi Nagase,  Mari Natsuki

Productora: Coproducción Japón-Francia; Kumie / Slot Machine

Una escritora viaja al corazón de Japón. Su camino le llevará a la región de Nara, donde investigará sobre Visión, una planta de místicas propiedades. Pero querrá el destino que sus pesquisas enreden sus emociones, no sólo con el lugareño que la acogerá, sino con el corazón mismo del lugar que le susurra desde cada árbol, cada planta, cada ser vivo del mágico mundo de la naturaleza.

Naomi Kawase (Una Pastelería en Tokio, Aguas Tranquilas...etc) escribe y dirige esta extraña e hipnótica propuesta con la que regresó al Festival Internacional de Cine de San Sebastián a la sección competitiva de su 66 Edición, dejando a público y crítica descolocados con su propuesta.

Curiosa y de agradecer es la presencia de la siempre magnética e interesante Juliette Binoche al frente del reparto (secundada por un agradable Masatoshi Nagase), aunque este papel no lo hallamos destacable frente a otros roles que nos ha regalado la actriz, pues a tramos su interpretación parece tan desubicada como lo está el público ante el despliegue de reflexiones inconexas y metafísicas.

Ahí se encuentra el punto más débil del film, pues se suma a un ritmo y cadencia poéticas, que puede llegar a exasperar al público por su lentitud, una narrativa extraña, desorganizada, que superpone ideas, líneas temporales y pensamientos etéreos y ecologistas en un caótico caleidoscopio cuya imagen resultante es, cuanto menos, confusa.

A su favor juega la vertiente más visual de la cinta. Kawase demuestra su maestría en el juego de imágenes y saca el máximo partido a los espacios naturales, cubriéndolos de un manto de pura magia sobrenatural que seduce a los sentidos. Es ahí, cuando dejamos de tratar de entender algo y nos dejamos llevar por la poesía de las imágenes, cuando podremos conectar con Vision y comenzar a disfrutarla.

Un experimento peculiar que no termina de funcionar del todo, atrevido en sus formas de pura belleza, pero tambaleante en su estructura interna. Curiosa pero imperfecta.

Valoración:5/10
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Roma - Alfonso Cuarón

Título original: Roma

Año: 2018
Duración: 135 min.
País: México

Dirección: Alfonso Cuarón
Guion: Alfonso Cuarón
Fotografía: Alfonso Cuarón, Galo Olivares (B&W)

Reparto: Yalitza Aparicio,  Marina de Tavira,  Marco Graf,  Daniela Demesa,  Latin Lover, Enoc Leaño,  Clementina Guadarrama

Productora: Coproducción México-Estados Unidos; Participant Media / Esperanto Filmoj. Distribuida por Netflix

Corren los inicios de la década de los setenta, la película nos lleva a Roma, un barrio de clase media de Ciudad de México. Allí seguiremos el devenir de la existencia de Cleo, una sirvienta doméstica cuya existencia está dedicada a la gran familia a la que sirve. Su día a día será la excusa para conocer la realidad social y política de una época, pero también será sentido homenaje del director a las mujeres que dieron forma a su infancia erigiéndose como oda al recuerdo.

Alfonso Cuarón da un giro a su estilo cinematográfico para regalarnos un relato tan íntimo como épico, cine tan mínimo como grandioso en una película que le ha reportado innumerables reconocimientos y galardones, entre los que destacaremos el León de Oro conseguido en el Festival de Venecia y su aplaudido posterior paso por la sección de Perlas del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Cuarón viste el recuerdo de blanco y negro, subrayando no sólo la nostalgia, sino también los claroscuros de una época y las emociones de unos atesorados recuerdos como son aquellos que pertenecen a la infancia, la familia, y aquellos que esculpieron su carácter y forma de mirar la vida... y el cine.

"Roma" es una película de detalles, una experiencia voyeur que nos sumerge de pleno en un núcleo familiar cargado de mil recovecos y pequeñas historias y sentimientos, diarias aventuras, ilusiones y desengaños. Para ello la perspectiva de su cámara y su fluir es notablemente sabia, el buen hacer de su elenco llena la pantalla de realismo, y el potente uso del sonido se hace latir de emoción e inmersión en su microcosmos.

Un gran acierto de la película es hilar lo íntimo de la historia de Cleo y la familia con los convulsos acontecimientos sociales y políticos acontecidos a su alrededor, dotando así de ritmo a su quizás demasiado dilatado metraje (que puede espantar a un amplio sector del público), y haciendo que lo mínimo, lo íntimo y personal encaje en un marco aún mayor.  Esta dicotomía la encontramos también en la mezcla de tramos contemplativos, serenos y calmos, enfrentados a otros frenéticos o de pura tensión (como la imborrable y espectacular escena de la playa, puro cine).

En conclusión, estamos ante un proyecto atípico, tan aparentemente pequeño en su propuesta como grande es su resultado. Una película que puede pecar de demasiado extensa y agotadora a tramos, pero que en su conjunto, funciona.

Valoración:7/10
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Cafarnaúm - Nadine Labaki

Título original: Capharnaüm - Capernaum

Año: 2018
Duración: 120 min.
País: Líbano

Dirección: Nadine Labaki
Guion: Nadine Labaki (Historia: Labaki Jihad Hojeily)
Música: Khaled Mouzanar
Fotografía: Christopher Aoun

Reparto: Zain Al Rafeea,  Yordanos Shiferaw,  Boluwatife Treasure Bankole, Kawthar Al Haddad,  Fadi Kamel Youssef,  Cedra Izam,  Alaa Chouchnieh, Nadine Labaki,  Nour el Husseini,  Elias Khoury

Productora: Les Films des Tournelles

Un niño de 12 años llevará a sus padres a los tribunales, demandándolos por haberle dado la vida. A partir de ese punto conoceremos su historia de lucha y miseria, su triste existencia entre sus muchos hermanos, la pelea por salvar de la desgracia a una de ellas y su batalla por salir adelante en un mundo que no le tiene reservada oportunidad alguna.

Nadine Labaki (Caramel, ¿Y ahora adónde vamos?) escribe y dirige esta durísima película que le valió el Premio del Jurado en el Festival de Cannes y su participación en la sección de Perlas en la 66 Edición del Festival de Cine de San Sebastián donde estuvo cerca de volver a alzarse con el premio del público.

Labaki, como es habitual en su cine, nos acerca a las minorías invisibles, da voz al mísero y rechazado. Sin embargo, si bien sus anteriores trabajos se caracterizaban por una latente esperanza y subyacente sonrisa, ahora en Cafarnaúm nos ofrece la otra cara de la moneda, la absoluta tristeza de quienes se saben condenados desde el momento en que acceden al mundo por la puerta de pobreza.

La película nos sumerge, de forma directa y sin tapujo alguno, en los suburbios más míseros y las vidas más descastadas. No aparta la mirada de la absoluta indefensión de la infancia que habita en este entorno y la impune crueldad que se ejerce hacia ella. Este recurso ha levantado en su audiencia voces contrapuestas, quien aplaude la visibilidad que aporta y quien critica su opción como pornografía efectista de la miseria.

A favor del trabajo de Labaki juega una clara mejora en su cinematografía, más sofisticada que en propuestas anteriores, a la par que una gran labor de dirección de actores no profesionales que consigue que brillen por su autenticidad. Muchos de sus recursos narrativos dramáticos dan en la diana, mientras que otros se sienten un poco forzados y sobrecargados de trucos.

Con todos estos factores contrapuestos concluímos que estamos ante una película polémica, que si bien tiene buen hacer en su cine, resulta excesiva y peca de ser demasiado manipuladora en su fondo y formas.

Valoración:6/10
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In Fabric - Peter Strickland

Título original: In Fabric

Año: 2018
Duración: 118 min.
País: Reino Unido

Dirección: Peter Strickland
Guion: Peter Strickland
Fotografía: Ari Wegner

Reparto: Gwendoline Christie,  Sidse Babett Knudsen,  Marianne Jean-Baptiste,  Caroline Catz, Julian Barratt,  Hayley Squires,  Leo Bill,  Richard Bremmer,  Steve Oram, Susanna Cappellaro,  Sara Dee,  Eugenia Caruso,  Jaygann Ayeh,  Pano Masti, Terry Bird,  Simon Manyonda,  Derek Barr,  Fatma Mohamed,  Barry Adamson

Productora: Rook Films

Las rebajas de unos muy peculiares grandes almacenes ingleses atraen a las masas. Dentro de sus afamadas ofertas una prenda llama la atención, un elegante vestido rojo que parece susurrar desde sus pliegues un nuevo cuerpo, una nueva alma, a los que cubrir... y destruir. Un lugar maldito poblado de una galería de dependientas extrañas, un objeto embrujado que hará la vida de sus propietarios un infierno de dolor y destrucción nos abren la puerta al universo "In Fabric"

Peter Strickland (Katalin Varga, Berberian Sound Studio) escribe y dirige esta bizarra propuesta inclasificable que por su impacto y buen hacer le ha permitido participar en festivales como Sitges o la sección competitiva del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde despertó amores y odios en igual medida.

Desde los iniciales títulos de crédito, que son ya una declaración de intenciones, sabremos que nos hallamos ante una película fuera de la norma. Su estilo visual, heredero directo del giallo, saturará nuestros sentidos con una imaginería colorista y un tenebroso abanico de puestas en escena e interpretaciones de onírica pesadilla.

Narrativamente, "In Fabric" se estructurará en dos partes diferenciadas, dos historias independientes pero ligadas por el fluir de la tela del vestido protagonista, roja, hecha una con la sangre y el dolor de quienes se aventuran en su suavidad. Su lenguaje, por su parte, es un cocktail de puro terror con el más ácido humor británico, una mezcla tan extraña como eficaz, que subraya el latir de surreal sueño febril que es "In fabric"

Sin duda estamos ante una apuesta arriesgada y distinta, un soplo de aire tóxico cinematográfico que envenena e hipnotiza, haciendo de su visionado un disfrute si se es capaz de conectar y dejarse llevar con su extraño latir.

Valoración:7/10
Clip:

Beautiful Boy - Felix Van Groeningen

Título original: Beautiful Boy

Año: 2018
Duración: 111 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Felix Van Groeningen
Guion: Luke Davies, Felix Van Groeningen (Memorias: David Sheff, Nic Sheff)
Fotografía: Ruben Impens

Reparto: Steve Carell,  Timothée Chalamet,  Maura Tierney,  Amy Ryan,  Christian Convery, Kaitlyn Dever,  Oakley Bull,  Amy Forsyth,  Stefanie Scott,  Julian Works, Jack Dylan Grazer,  Kue Lawrence,  Marypat Farrell,  Mandeiya Flory

Productora: Big Indie Pictures / Plan B Entertainment / Starbucks Entertainment / Amazon Studios

"Beautiful Boy" nos narra el descenso a los infiernos de un joven atrapado en la adicción a las drogas, sus caídas, sus intentos de rehabilitación... A la par, nos cuenta el impacto que este destructivo viaje tiene sobre su familia, cómo, en un caso de estas características, no sólo arrastra al enfermo, sino a todos aquellos que le rodean y quieren.

Felix Van Groeningen dirige esta cinta que, adaptando una biografía concreta, trata de mostrar un relato universal sobre un problema tan serio como la drogadicción. El buen hacer de sus protagonistas le abrió la puerta a la sección competitiva del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián donde pasó sin pena ni gloria, dejando una cierta sensación de decepción frente a expectativas en público y crítica.

La película, aunque potente en sus ideas, no consigue atrapar a la audiencia en sus emociones. Quizás este "no entrar en la historia" se produce por una estructura narrativa reiterativa y sin apenas crescendo emocional, repite en bucle la misma estructura rellena de clichés y recursos manidos que da un aspecto un tanto impostado a un tema que a priori debía ser de automática empatía e inmersión. Su lenguaje parece adecuarse más a una campaña televisiva anti drogas que a una propuesta cinematográfica, y ahí reside su mayor debilidad.

Capítulo aparte merece la labor de sus dos protagonistas, Steve Carell y  Timothée Chalamet. Ambos intérpretes son lo más salvable de la cinta. Carell es un digno padre sufridor e impotente ante los hechos, Chalamet encarna con algún que otro momento brillante al joven destruido por la adicción... correctos trabajos que se ven limitados por los fallos de la obra y que bien podían haber trascendido más bajo un guión que les permitiera un desarrollo más completo y contundente.

En conclusión, "Beautiful Boy" prometía gran cine y resulta un panfleto que si bien se consume con facilidad, no tiene el impacto emocional que necesitaría para que verdaderamente su mensaje trascienda. Decepción.

Valoración:4/10
Trailer:

La Espía Roja - Trevor Nunn

Título original: Red Joan

Año: 2018
Duración: 105 min.
País: Reino Unido

Dirección: Trevor Nunn
Guion: Lindsay Shapero
Fotografía: Zac Nicholson

Reparto: Judi Dench,  Sophie Cookson,  Tom Hughes,  Tereza Srbova,  Kevin Fuller, Laurence Spellman,  Robin Soans,  Simon Ludders,  Steven Hillman,  Phill Langhorne, Adrian Wheeler,  Ciarán Owens,  Irfan Shamji,  Stephen Samson

Productora: Trademark Films. Distribuida por Lionsgate 

Joan es una anciana de pacífica existencia cuya vida se pondrá del revés cuando es arrestada por haber traicionado a su país ejecutando labores de espionaje durante su juventud. Esta acusación nos llevará a revivir los hechos, la época universitaria de Joan, cuando, por azares del destino, se cruzó en el camino de un grupo de comunistas con los que estableció estrechas relaciones afectivas. Sus nuevos amores y amistades le descubrieron un nuevo mundo ideológico, inmersa en el cual tuvo que decidir sus lealtades entre su patria y aquellos a los que amaba.

Trevor Nunn (Noche de Reyes, Lady Jane) se pone tras las cámaras para dirigir este drama inspirado en hechos y personajes reales capitaneado por la siempre estupenda Judi Dench encarnando a La Espía Roja que da título al film. Gracias a ella y al Premio Donostia que le fue otorgado durante la 66 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, la película pudo verse en este marco privilegiado.

El guión de Lindsay Shapero, que nos narrará la historia de Joan viajando entre el presente y su juventud, se estructura de forma sencilla y asequible para cualquier tipo de público. No obstante, el peso que otorga a las relaciones de la supuesta espía copa demasiada atención, dejando el factor político en un plano demasiado lejano, haciendo así perder contundencia a la propuesta.

Técnicamente la película es intachable, con una estupenda labor de ambientación, con una dirección artística y vestuario que hacen del viaje al pasado algo verosímil y bien llevado. En cuando a su elenco, el desempeño general es correcto, aunque sin gran brillo para tan apasionados caracteres como pretende mostrarnos. Es ella, la gran Judi Dench, quien otorga más vida a la cinta, recuperando toda la atención y emoción cada vez que reaparece en pantalla, aunque sus intervenciones sean más cortas de lo deseado.

En conclusión, estamos ante un film menor (pese al gran director y gran actriz que posee en su haber), de fácil consumo e inmediato olvido, con buenos ingredientes, pero escasamente aprovechados. Tan pasable como poco memorable.

Valoración:5/10
Clip:

Leto / Summer - Kirill Serebrennikov

Título original: Leto

Año: 2018
Duración: 120 min.
País: Rusia

Dirección: Kirill Serebrennikov
Guion: Lily Idov, Mikhail Idov, Kirill Serebrennikov
Fotografía: Vladislav Opelyants

Reparto: Irina Starshenbaum,  Teo Yoo,  Roman Bilyk, Anton Adasinsky

Productora: Hype Film / KinoVista

"Leto" nos lleva a principios de la década de los ochenta, a Leningrado. Allí, la escena del Rock comenzó a fraguarse, bajo la influencia de iconos como David Bowie o Led Zeppelin.
En este entorno conoceremos a un grupo de jóvenes, algunos ya influyentes dentro del rock local, otros, desconocidos, que lucharán por lograr su espacio y el reconocimiento del público. Descubriremos sus sueños, sus miedos, sus relaciones, a ritmo de rock.

Kirill Serebrennikov dirige esta peculiar propuesta donde el drama y la música se funden en una historia que le permitió competir en Cannes y participar en la sección de Perlas del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

"Leto" nos transporta en el tiempo a un lugar donde la juventud halla en la música refugio en una época convulsa. Para ello, además de realizar un estupendo trabajo de ambientación, reviste su puesta en escena de la sobriedad del blanco y negro que subraya, aderezado por una buena fotografía, el dramatismo y los claroscuros de las vivencias de una juventud perdida pero con ansias de lucha y mejora.

La película funciona de forma mucho más hábil y efectiva en sus partes más ligadas a su vertiente musical que a las dramáticas. Varios de sus números, sobre todo los que acontecen en un tren y un autobús, son una experiencia visual magníficamente elaborada, mientras que otros, más discretos, lastran un poco el ritmo de su narrativa.

El desarrollo de sus personajes y las relaciones entre ellos tienen sus altibajos e interesan de forma desigual por lo desorganizado de su narrativa y el difuso trazo para dibujar sus trasfondos, personalidades e inquietudes .

En conjunto "Leto" es una propuesta disfrutable, que si bien no es redonda, sí apunta buenas maneras e intenciones. Sobrada de metraje no aprovechado al máximo, pero custodia de grandes momentos musicales y cinematográficos, es un digno viaje a un ayer a recordar.

Valoración:6/10
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Yuli - Icíar Bollaín

Título original: Yuli

Año: 2018
Duración: 109 min.
País: España

Dirección: Icíar Bollaín
Guion: Paul Laverty
Música: Alberto Iglesias
Fotografía: Alex Catalán

Reparto: Carlos Acosta,  Santiago Alfonso,  Keyvin Martínez,  Edison Manuel Olvera, Laura de la Uz,  Yerlin Pérez,  Mario Elías,  Andrea Doimeadiós, Carlos Enrique Almirante,  Cesar Domínguez

Productora: Coproducción España-Reino Unido-Cuba-Alemania-Francia; Morena Films / Potboiler Productions / Galápagos Media / Hijo de Ogún / Producciones de la 5ta Avenida / Match Factory Productions / Movistar+ / ICAIC / ICAA / Eurimages

"Yuli" nos narra la historia real del bailarín Carlos Acosta. Viajaremos hasta su más tierna y dura infancia, en su Cuba natal, donde a base de esfuerzo y no sin conflictos, comenzará a labrarse un lugar en el mundo de la danza, hasta su madurez saboreando las mieles del éxito y triunfando en compañías mundialmente reconocidas como el Houston Ballet o Royal Ballet de Londres, donde fue el primer bailarín de color rompiendo moldes. Un viaje de la nada al todo donde jamás se olvidan la humildad y las raíces.

Icíar Bollaín dirige esta película, a medio camino entre el drama y el documental, asentada sobre un sabio guión de Paul Laverty, que inspirada en la realidad, nos narra una historia de superación y lucha. Un proyecto accesible y de fácil consumo para un amplio espectro del público que le abrió las puertas de la sección competitiva de la 66 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián donde Laverty fue premiado por su labor creativa.

La película se nutre de un grupo de actores y actrices, incluyendo al propio Carlos Acosta, que pese a tener el reto añadido de lograr dar la credibilidad suficiente a sus creaciones para una producción que flirtea con lo documental, saldan su labor con éxito, aportando la justa dosis de verdad y emoción.

Técnicamente el film es igualmente agradable, con un notable trabajo de fotografía que con sus luces y sus sombras subraya emociones, inteligente uso de las localizaciones y sabios viajes atrás y adelante en el tiempo para romper la linealidad de la historia y atrapar al espectador en su red de dolor e ilusión, batalla, derrota y triunfo.

Destacable encontramos el uso de los números de danza intercalados a lo largo de todo el metraje. Aunque su cámara podía haber sido más atrevida en estos tramos, y la experiencia con ello más inmersiva, se agradece la profundidad artística que aportan a un biopic que, sin ellos, podía resultar mucho menos llamativo.

En conclusión, una interesante historia contada e interpretada de forma agradable que da forma a una amable cinta que si bien no aporta nada nuevo, resulta de ameno visionado.

Valoración:6/10
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El Cuaderno Negro - Valeria Sarmiento

Título original: Le cahier noir - O Caderno Negro - The Black Book

Año: 2018
Duración: 103 min.
País: Francia

Dirección: Valeria Sarmiento
Guion: Carlos Saboga (Novela: Camilo Castelo Branco)
Música: Jorge Arriagada
Fotografía: Acácio de Almeida

Reparto: Lou de Laâge,  Stanislas Merhar,  Niels Schneider,  Jenna Thiam,  David Caracol, Victória Guerra,  Grégoire Leprince-Ringuet,  Joana Ribeiro,  Daniela Melchior, Joaquim Leitão,  Catarina Wallenstein,  Filipe Vargas,  Miguel Monteiro, François Deblock,  Gonçalo de Morais,  Pedro Leitão

Productora: Coproducción Francia-Portugal; Alfama Films / Leopardo Filmes

"El Cuaderno Negro" nos lleva a la Europa del Siglo XVIII para sumergirnos en un mundo de intrigas, pasiones, secretos y mentiras. El relato se centrará en dos personajes de misterioso origen, un joven huérfano, y la joven criada que cuida de él a la par que tiene los favores del noble que vela por ambos. Giros del destino les arrastrarán por las más diversas situaciones buscando salir adelante, labrarse un futuro a la par que tratan de descubrir su propio pasado.

Valeria Sarmiento dirige esta película inspirada en la novela de Camilo Castelo Branco, una obra de extraño tono, un vodevil anacrónico que viaja del drama a la comedia involuntaria en cuestión de segundos. Su peculiar resultado le abrió las puertas a la sección competitiva del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, sorprendiendo a público y crítica.

Uno de los recursos más llamativos del film es su puesta en escena. No se escatima lujo y opulencia en su vestuario y dirección artística, con escenarios quizás demasiado teatrales, pero bien elaborados, mezclados con elementos tan básicos que el chirríe visual es inevitable.

Por otra parte, digna de mención es la afectadísima interpretación de sus protagonistas que nos regalan momentos más que memorables concatenando escenas que parecen directamente salidas del cine mudo de antaño por la exageración de su lenguaje.

Capítulo aparte merece su narrativa digna del más puro culebrón de sobremesa, plena de giros imposibles, viajes surrealistas y situaciones que rozan el más cómico ridículo. Impagable.

Con todo ello estamos ante una película diferente,  y que en demasiados momentos hace dudar si pugna por emocionar con su drama o por hacer reír por la forma de hacerlo. No es un buen film, pero sin duda sí uno bien divertido.

Valoración:4/10
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Un Asunto de Familia - Hirokazu Koreeda

Título original: Manbiki kazokuaka - Shoplifters

Año: 2018
Duración: 121 min.
País: Japón

Dirección: Hirokazu Koreeda
Guion: Hirokazu Koreeda
Música: Haruomi Hosono
Fotografía: Ryûto Kondô

Reparto: Kirin Kiki,  Sôsuke Ikematsu,  Lily Franky,  Moemi Katayama,  Sakura Ando, Mayu Matsuoka

Productora: AOI Promotion / Fuji TV / Gaga Communications Inc

Un padre y su hijo, camino al hogar, encuentran a una niña sola durante la fría noche. Sin pensarlo, la llevan con ellos, y pronto descubrirán la triste situación que la ha conducido a tal situación de abandono. Pese a las reticencias familiares, pronto será una más de ellos. Son pobres, sobreviven a través de pequeños delitos, pero son felices juntos. Sin embargo, los avatares del destino querrán que las verdades y secretos subyacentes salgan a la luz y se pongan en tela de juicio los nudos que los atan.

Hirokazu Koreeda vuelve su mirada al microcosmos familiar y recupera con ello de tal forma el favor de crítica y público que consigue con "Un Asunto de Familia" alzarse con la Palma de Oro a la mejor película en el festival de Cannes y presentarla tras ello en el 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián acompañando al reconocimiento a su carrera mediante el premio Donostia.

Koreeda de nuevo consigue narrar una gran historia a través de la sencillez. Para ello, a través de su estupendo guión, teje la complicidad del público con la peculiar familia a través de la ternura y una estudiada e inevitable empatía con todos y cada uno de los personajes. Su cámara introduce al espectador en la intimidad, hace de él un miembro más de un grupo de personas rotas y solitarias como individuos pero indestructibles como grupo. Sus imágenes buscan el detalle, para, con sutileza, seducirnos y rendir nuestras emociones a sus pies.

Nada de esto sería posible sin un gran trabajo de su elenco,  que Hirokazu ha sabido orquestar a la perfección y hacer de cada interpretación individual, una nota de una sólida sinfonía que en conjunto deleita. Especial mención merece, a nuestro parecer, la labor de la anciana Kirin Kiki que, una vez más, vuelve a ser maestra del sentimiento con cada gesto.

Sin grandes artificios visuales, sin trampa ni cartón pero con interesantes e inteligentes giros y sorpresas bajo manga, Koreeda brilla en su campo de especialidad, la familia, a la par de planteárnosla desde una perspectiva diferente, donde los lazos de sangre, y los nudos atados no por la genética, sino por la elección, pueden ser igual de fuertes. Una delicia altamente disfrutable y recomendable a todos los públicos.

Valoración:8/10

Entre Dos Aguas - Isaki Lacuesta

Título original: Entre dos aguas

Año: 2018
Duración: 136 min.
País: España

Dirección: Isaki Lacuesta
Guion: Isa Campo, Isaki Lacuesta, Fran Araújo
Música: Raül Refree, Kiko Veneno
Fotografía: Diego Dussuel

Reparto: Israel Gómez Romero,  Francisco José Gómez Romero, Rocío Rendón,  Yolanda Carmona,  Lorrein Galea,  Manuel González del Tanago

Productora: La Termita Films / B-Team Pictures / All Go Movies / Mallerich Films Paco Poch / Bord Cadre Films / Studio Indie Productions

"Entre Dos Aguas" nos sumerge en las vivencias de dos hermanos, dispares pero intensamente unidos. Cheíto trabaja en la marina y regresa al hogar tras una larga misión lejos del mismo. Isra acaba de salir de la cárcel tras cumplir su condena por narcotráfico, y también regresará a casa deseando recuperar su vida, la relación con su mujer y sus hijas. Ambos se reencontrarán y aunarán ilusiones y mutua ayuda por un mañana mejor que no se presenta en absoluto fácil. Además, el recuerdo de la violenta muerte del padre de ambos aún late y les acompaña en cada paso del camino.

Han pasado doce años desde que Isaki Lacuesta triunfara con "La Leyenda del Tiempo", aquella historia que "Entre dos Aguas" recupera y continúa, caminando por la fina línea entre el documental y la ficción para dedicar una mirada honesta a la vida y emociones de sus protagonistas. El film ha rendido a la crítica  a sus pies y recibido el máximo galardón en el 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde se alzó con la Concha de Oro a la mejor película.

A su favor encontramos el buen hacer de Lacuesta poniendo el cine al servicio de la realidad. Lo cotidiano de unas vidas rotas, de unas almas luchadoras, ya conocidas, se torna imágenes sinceras, sin artificio, trampa ni cartón, y la verdad llena la pantalla. Indudable es el buen hacer de su elenco, que se siente entregado al proyecto, verosímil y cómplice.

En su contra pesa su muy dilatada duración, dos horas y cuarto que, a tramos, hallamos excesivas al redundar en ciertos temas, repetirse y poner la zancadilla al buen pulso de la historia restándole así ritmo y entretenimiento.

Con sus virtudes y defectos, "Entre dos Aguas" es una propuesta, que si bien hallamos mejorable en ciertos aspectos, admitimos inteligentemente pensada, bien realizada y llena de reflexiones de interés.

Valoración:6/10
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La Noche de 12 Años - Álvaro Brechner

Título original: La noche de 12 años

Año: 2018
País: Uruguay

Dirección: Álvaro Brechner
Guion: Álvaro Brechner
Música: Federico Jusid
Fotografía: Carlos Catalán

Reparto: Antonio de la Torre,  Chino Darín,  Alfonso Tort,  César Troncoso,  Soledad Villamil, Sílvia Pérez Cruz,  Mirella Pascual,  Nidia Telles

Productora: Coproducción Uruguay-Argentina-España; Alcaravan / Haddock Films / Hernández y Fernández P.C / Manny Films / Movistar+ / Salado Films / Tornasol Films / ZDF/Arte

"La Noche de 12 años" se inspira en hechos reales para dar forma a una opresiva y a la vez llena de esperanza propuesta cinematográfica. La película nos lleva  a 1973, momento en el que Uruguay se hallaba bajo la dictadura militar. En ese entorno, un grupo de presos serán sacados de sus celdas para ser arrastrados a la mayor pesadilla que pudieran imaginar, doce años de aislamiento, tortura, privación sensorial... un descenso a los infiernos en los que el poder, al no poder quitarles la vida, trató de robarles la cordura.

Álvaro Brechner escribe y dirige este biopic de un grupo de hombres, tristemente celebres, entre los que se encontraba aquel que llegaría a ser presidente del país tras la extrema experiencia narrada en el film. La película arriesga por una forma diferente de contar los hechos, y acierta de pleno, mérito que le ha merecido el reconocimiento en diversos festivales y la participación en la sección Horizontes Latinos del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

El relato no aparta la mirada de lo más truculento y deshumanizado del viaje de estos desafortunados presos. Encierra al espectador con ellos en celdas inmundas, y pone en imágenes su física y mental batalla de una forma directa y visualmente elaborada. El trabajo de Brechner destaca en este área por su habilidad para convencer con escenas que saben aunar una extrema dureza con un silencioso pero audible latido de esperanza, todo un logro.

El elenco de actores, con el inmenso reto ante sí, no sólo de un trabajo físico brutal, sino también emocional, realizan un reseñable trabajo, factor necesario para dotar al film de la credibilidad y respeto necesarios para la recreación de unos hechos y unos personajes no muy lejanos en la memoria histórica.

Con todo ello, estamos ante una interesante propuesta cinematográfica, tan dura como emotiva, bien rodada (con el único "pero" en cómo algunas de sus caracterizaciones resultan en ciertos puntos, mejorables) e intrepretada. Un viaje al sufrimiento extremo, a la completa oscuridad donde hallar la luz del alma humana.

Valoración:7/10
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Baby - Jie Liu

Título original: Bao Bei Er

Año: 2018
Duración: 96 min.
País: China

Dirección: Jie Liu
Guión: Jie Liu
Música: Guo Sida
Fotografía: Florian Zinke

Reparto: Yang Mi,  Guo Jingfei,  Lee Hong-Chi,  Wang Yanjun,  Zhu Shaojun,  Yan Surong

Productora: Beijing Culture / Zhejiang Hengdian Film Production / 3C Films Group

Jiang es una joven que nació marcada por el síndrome de Vacterl. Contra todo pronóstico ha salido adelante gracias a su madre de acogida y su innata capacidad de lucha. A sus 19 años, trabaja en un hospital, y querrá el destino colocarla frente a un caso como el que ella sufrió con la llegada de un bebé víctima de su misma enfermedad. Los padres del pequeño deciden no tratarlo, y Jiang comenzará así su particular cruzada para salvarle la vida.

Jie Liu escribe y dirige esta película llena de humanidad y crítica que le abrió las puertas a la sección competitiva del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

"Baby" reposa todo su peso emocional en su actriz protagonista, una Yang Mi que lleva a sus espaldas todo el dolor, pero igualmente todo el poder de la lucha y la esperanza. La joven actriz solventa el encargo con eficacia y verdad y regala al espectador miradas de puro cine.

Técnicamente estamos ante una película sencilla y discreta, que minimiza los recursos visuales para mantenernos siempre cerca de los personajes y sus devenires. Por ello es la historia la que cobra principal peso. Su desarrollo triunfa en la reivindicación de la humanidad y los valores, así como en la crítica a un sistema donde la burocracia es gélida y ajena al dolor y sufrimiento. A lo largo de su metraje toma varios giros y pretende mantener un hilo de emocionada tensión frente a lo que acontece, pero no todos sus recursos funcionan igual de bien, con varios tramos de dudosa verosimilitud y escenas de cuestionable interés.

Con sus fortalezas y debilidades, "Baby" es una película bienintencionada y agradable de ver sin pedirle demasiado.

Valoración:5/10
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The Sisters Brothers - Jacques Audiard

Título original: The Sisters Brothers (Les Frères Sisters)

Año: 2018
Duración: 121 min.
País: Francia

Dirección: Jacques Audiard
Guión: Jacques Audiard, Thomas Bidegain (Novela: Patrick Dewitt)
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Benoît Debie

Reparto: Joaquin Phoenix,  John C. Reilly,  Jake Gyllenhaal,  Riz Ahmed,  Rebecca Root, Jóhannes Haukur Jóhannesson,  Ian Reddington,  Philip Rosch,  Rutger Hauer, Carol Kane,  Creed Bratton,  Duncan Lacroix,  Niels Arestrup

Productora: Coproducción Francia-Estados Unidos-España-Rumanía; Annapurna Pictures / Why Not Pro / Michael De Luca Productions / Page 114 / Mobra Films Productions / KNM / Top Drawer Entertainment / France 2 Cinema / France 3 Cinéma / UGC Images / Apache Films / Les Films Du Fleuve

Corre el siglo XIX, dos hermanos, sicarios de profesión, hacen de su vida una constante carnicería. Delincuentes e inocentes perecen bajo sus balas por encargo en lo que es ya una normalidad para ellos. Sin embargo, el más joven de la pareja, sueña con una vida diferente, pacífica. Su relación, creencias y sueños de futuro entrarán en conflicto cuando el Comodoro les encargue perseguir y terminar con un buscador de oro al que habrán de rastrear de Oregón a California en una caza que cambiará la existencia de todos ellos.

Jacques Audiard (De Óxido y Hueso, Un Profeta...etc) dirige este western que le reportó el galardón al mejor director en el Festival de Venecia y le abrió las puertas a la sección de Perlas del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

"The Sisters Brothers" nos regala un estupendo envoltorio visual, con una cuidada fotografía y ambientación que nos transportan de forma verosímil a los salvajes tiempos en los que las tierras americanas eran cotos de caza para los sueños de futuro de buscadores de oro y otras oportunidades.

La historia, fluida y amena, rubrica el buen hacer de un guión vivo y rítmico, que entretiene a la par que se sumerge sin miedo en la psique de unos protagonistas, que si bien pueden parecer clichés, son complejos en matices, trasfondos e inquietudes, así como enriquecidos por las relaciones que se establecen entre ellos.

Parada ineludible es el elogio a la labor de sus protagonistas, un elenco de actores de primera categoría que bordan sus personajes y saben darle el empaque necesario para trascender la pantalla.

Con todo ello nos hallamos ante una propuesta que entretendrá a los amantes del western y a aquellos que no sean apasionados del género, una historia atractiva bien realizada e interpretada, que si bien no sorprende ni innova en ninguno de sus aspectos, sí resulta del todo agradable de ver.

Valoración:6/10
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Malos Tiempos en El Royale - Drew Goddard

Título original: Bad Times at the El Royale

Año: 2018
Duración: 141 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Drew Goddard
Guión: Drew Goddard
Música: Michael Giacchino
Fotografía: Seamus McGarvey

Reparto: Chris Hemsworth,  Jeff Bridges,  Cynthia Erivo,  Dakota Johnson,  Jon Hamm, Cailee Spaeny,  Lewis Pullman,  Jonathan Whitesell,  Nick Offerman,  Mark O'Brien, Manny Jacinto,  Bethany Brown,  Sarah Smyth,  Hannah Zirke,  Sophia Lauchlin Hirt, John Specogna,  Austin Abell,  Minn Vo,  Vincent Washington,  James Quach, Billy Wickman

Productora: 20th Century Fox

El hotel "El Royale", situado junto al lago Tahoe y construido sobre la frontera entre Nevada y California, será el punto de encuentro de siete desconocidos. Uno a uno irán llegando al extraño establecimiento y poco a poco iremos descubriendo, tanto las historias que les han llevado hasta allí, como los misterios que oculta un hotel lleno de secretos. Nada tiene que ver con nada, nadie tiene lazo alguno con nadie, hasta que, poco a poco, los hilos independientes se van trenzando hacia un incierto y común desenlace...

Drew Goddard, el arriesgado director que fuera responsable de la joya de culto "The Cabin in the Woods", se embarca en este potente proyecto que le permitiera clausurar a lo grande la 66 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Técnicamente nos encontramos ante una película muy rica en detalles. La dirección artística hace del hotel "El Royale" un lugar atractivo y lleno de misterio, lo que ligado a una fantástica fotografía y ambientación musical y sonora, genera una estupenda atmósfera que crea un ánimo en la audiencia expectante, latiendo la sensación de que cualquier cosa puede estar a punto de ocurrir.

Otro punto a favor de esta película es la estupenda labor de la integridad de su elenco. Cada uno de los extraños, de familiares rostros para el cinéfilo, logra dar carisma y empaque a su rol, logrando así que no una, sino todas las historias, resulten de interés. Destacaremos la labor de un Jeff Bridges en plena forma y el acierto de un Chris Hemsworth en un papel que le va como anillo al dedo.

Por su parte, el guión es igualmente atractivo, lleno de referencias a otras historias, al cine de otros tiempos, pero no por ello menos personal y auténtico. Cada historia triunfa por sí misma, y su catarsis final (si bien mejorable), convence bastante. Quizás es su injustificado exceso de metraje su lastre más notable, penalizado el ritmo por un abuso de la parte musical del film, que comienza agradando pero que, avanzado el desarrollo, reduce el ritmo narrativo.

Con sus pros y sus contras, "Malos Tiempos en El Royale" es un viaje evasivo de puro entretenimiento de gran factura técnica e intrepretativa, una película con mucho que contar y con la que dejarse llevar, una gran labor de Drew Goddard que le reafirma como un director a tener en cuenta y al que seguir la pista. Recomendable.

Valoración:7/10
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