Come True - Anthony Scott Burns

Título original: Come True

Año: 2020

Duración: 105 min.

País: Canadá

Dirección: Anthony Scott Burns

Guion: Anthony Scott Burns, Daniel Weissenberger

Música: Anthony Scott Burns, Pilotpriest, Electric Youth

Fotografía: Anthony Scott Burns

Reparto: Julia Sarah Stone, Landon Liboiron, Skylar Radzion, Tiffany Helm, Tedra Rogers, Chantal Perron, Michelle Rios, Marla Renae, Carlee Ryski, Caroline Buzanko, Elena Porter, Kaya Coleman, Orin McCusker, Pamela Parker, Steve Tsang

Productora: Copperheart Entertainment

Sarah es una joven diferente, solitaria y desarraigada. Huye de su hogar, y es víctima de terribles pesadillas allá donde osa dormir. Su deriva le conducirá hasta un experimento universitario que realiza estudios sobre el sueño. Una vez sumida en su metodología hará nuevos amigos, pero, a la par, sus pesadillas, se tornarán cada vez más intensas y vívidas, amenazando consumir su vida y su cordura. Comenzará así para ella un viaje hacia el corazón del misterio. 

Anthony Scott Burns despliega en "Come True" toda su creatividad para dar forma a una propuesta extraña, tan inquietante y perturbadora como hermosa e hipnótica. El director no sólo se encuentra tras las cámaras y las páginas del guión, sino que da vida a su personalísima fotografía y pone ritmo a su partitura musical, creando un todo de un sello muy propio y personal. Su buen hacer, y el impacto de su resultado le hizo alzarse con el galardón de la crítica "Blogos de Oro" en la 31 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián por su artístico y valiente viaje al corazón de las tinieblas oníricas. 

Uno de sus puntos más fuertes reside en la atmósfera que logra crear en pantalla y transmitir al ánimo del espectador. Su puesta en escena del mundo sin límites que son los sueños, mediante una artística y visionaria iconografía que nos hace volar hacia el infinito de la desconocida oscuridad, es sobresaliente, así como inteligente es su modo de extenderla más allá del despertar, logrando que, poco a poco, vaya infectando la realidad de su protagonista hasta el punto de diluir las fronteras entre sueño y vigilia. 

A estas virtudes, logradas con un perfecto cocktail de imágenes y musicales sonidos, se suma el buen hacer de sus protagonistas, entregados por completo a la creación de unos papeles complejos. Igualmente, el desarrollo de su narrativa, que si bien no es en absoluto fácil, y obliga a más de un salto de fe y abandono del espectador de toda lógica para dejarse llevar por lo desconocido (como en los mismos sueños ocurre, a este lado de la pantalla), subyuga y despierta nuestros mecanismos de análisis y reflexión. Logra con ello que el disfrute del relato vaya más allá de los títulos de crédito finales, pues alimenta la interpretación y el deliciosamente interesante debate cinéfilo. 

Con todo ello estamos ante una propuesta cinematográfica extraña, atemporal y sensorial, no apta para todos los paladares, pero ideal para aquellos espectadores que gusten de ser retados y sorprendidos por algo diferente. 

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Patria - Aitor GAbilondo, Félix Viscarret y Óscar Pedraza

Título original: Patria

Año: 2020

Duración: 55 min.

País: España

Dirección: Aitor Gabilondo (Creador), Félix Viscarret, Óscar Pedraza

Guion: Aitor Gabilondo (Novela: Fernando Aramburu)

Música: Fernando Velázquez

Fotografía: Álvaro Gutiérrez, Diego Dussuel

Reparto: Elena Irureta, Ane Gabaraín, Loreto Mauleon, Susana Abaitua, Mikel Laskurain, José Ramón Soroiz, Jon Olivares, Eneko Sagardoy, Iñigo Arambarri, Javier Beltrán, Alvar Gordejuela, Nagore Aranburu, Manuel Morón, Alba Brunet, Jesús Gallo, Begoña Maestre, Bruno Martín, María Isabel Díaz, Marcel Borrás, Lander Otaola, Fernando Guallar, Mario Mayo, Patxi Santamaria, Johanna Wallmeier, Adolfo Fernández, Txema Blasco

Productora: Alea Media, HBO España

"Patria", la miniserie de ocho episodios creada por HBO, adapta la afamada novela de Fernando Aramburu, un viaje a través del conflicto vasco a lo largo de tres décadas. Dicho recorrido lo haremos de la mano de dos mujeres y sus seres queridos, así como las circunstancias que las rodean. La primera, sufrirá por la pérdida de su marido, asesinado por la banda terrorista ETA. La otra, sufrirá las consecuencias de que uno de sus hijos se adscriba a dicha banda. Dos caras de una misma moneda, amigas y enemigas atrapadas en un huracán de dolor, violencia y pérdida. 

La miniserie, presentada con éxito en el 68 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, se adentra un reciente y controvertido período histórico, con heridas aún sangrantes, con valentía, para retratar la sociedad vasca en su momento más convulso. Para ello, centrará su narrativa en el retrato más humano, en las personas anónimas que, desde uno u otro bando sufrieron en propias carnes las consecuencias del conflicto. 

Para ello, la serie se nutre de un grupo de intérpretes que bordan unas interpretaciones llenas de autenticidad, capitaneadas por unas Elena Irureta y Ane Gabarain que cortan el aliento y derrochan contagiosa emoción. La galería de secundarios no les va a la zaga, dando entre todos ellos (cuyos personajes despiertan un interés dispar y entre los que nos gustaría subrayar la labor de Loreto Mauleón, en un papel en absoluto fácil) forma a un mosaico de roles que encajan a la perfección. 

Atendiendo a su apartado técnico, la producción es impecable, con un atento cuidado a las atmósferas, la ambientación musical y recreación milimetrada de una época, su ambiente y la tensión que en su aire se respiraba. 

La narrativa, por su parte, bien dosificada y con un latir que atrapa al espectador del primer al último capítulo, sabe mirar a ambos lados del conflicto y dejar al espectador que de ambos se empape y sea él no tanto quien juzgue, sino quien sienta. 

Con todos estos elementos estamos ante una serie de primerísima calidad, un producto valiente e incómodo que, desde el buen hacer y el respeto, nos hace mirar a un pasado en absoluto olvidado. Muy recomendable. 

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El Olvido Que Seremos - Fernando Trueba

Título original: El olvido que seremos

Año: 2020

Duración: 136 min.

País: Colombia

Dirección: Fernando Trueba

Guion: David Trueba (Novela: Héctor Abad Faciolince)

Música: Zbigniew Preisner

Fotografía: Sergio Iván Castaño

Reparto: Javier Cámara, Aída Morales, Patricia Tamayo, Juan Pablo Urrego, Sebastián Giraldo, Whit Stillman

Productora: Caracol Televisión, Dago García Producciones

La película nos lleva al inquieto y violento Medellín de los años Setenta. Allí conoceremos al doctor Héctor Abad y a su familia. Él es un hombre preocupado no sólo por lo suyos, sino también por los más desfavorecidos, por los que luchará aún cuando ponga en riesgo todo. Sus triunfos y fracasos, la relación con su hijo y su familia y la batalla contra la tragedia que se cierne sobre ellos serán el motor argumental de "El Olvido Que Seremos". 

Fernando Trueba (Belle Époque, El Baile de la Victoria, La Niña de tus Ojos...etc) regresa a la dirección llevando a la gran pantalla la historia de un hombre icónico, tan familiar como luchador, en un trabajo que clausuró el 68 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, despertando dispares opiniones. 

A su favor encontramos una correcta labor de su elenco, con un Javier Cámara al frente que pone toda la carne en el asador para dar vida a un personaje tan potente (que funciona de forma desigual a lo largo de su metraje). Visualmente se encuentra notablemente tratada, con un trabajo de ambientación y fotografía que viste de elegancia sus imágenes (aunque, para nuestro gusto, sus tramos en blanco y negro no tienen la justificación necesaria ni el efecto deseado). 

En su contra juega una estructura narrativa que no termina de satisfacernos. Su recreación en tramos de menor potencia argumental que otros, sobre los que pasa de forma superficial y podían haber tenido más calado, así como su abuso de recursos melodramáticos en busca de la forzada emoción de la audiencia, rompen nuestra implicación con el film. 

En conclusión, una película estupenda en lo visual y en la mayor parte de sus interpretaciones, pero cuya narrativa genera un interés desigual (en muchos momentos resulta más atractiva la percepción del hijo de Abad sobre la figura paterna, que esta en si misma). Para pasar el rato, pero pronto olvidar. 

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Se acerca "Todas Las Lunas" (Ilargi Guztiak) de Igor Legarreta

En el marco de la 31 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián se ha presentado un adelanto del esperado nuevo largometraje del director Igor Legarreta (Cuando dejes de Quererme), que lleva por título "Todas Las Lunas" (Ilargi Guztiak), un drama de tintes fantásticos que, a través del vampirismo, nos enfrenta al peso de la inmortalidad como condena al alma atormentada. 

Con un atractivo reparto, capitaneado por Itziar Ituño (La Casa de Papel, Campanadas a Muerto, Loreak...), Josean Bengoetxea (Oreina, El Silencio de la Ciudad Blanca, Campanadas a Muerto...), Zorion Eguileor (El Hoyo) y los niños  Haizea Carneros y Lier Quesada, la película promete conquistar nuestra emoción con este viaje al corazón de la maldición eterna. 

SINOPSIS

Durante los estertores de la última guerra carlista, una niña es rescatada de un orfanato por una misteriosa mujer que habita en lo profundo del bosque. Mal herida, y sintiendo estar al borde de la muerte, la pequeña creerá ver en ella a un ángel que ha venido a buscarla para llevársela al Cielo… 

No tardará en descubrir que este extraño ser le ha dado la vida eterna, obligándola a vivir en la oscuridad de la noche, juntas, para ‘siempre’.
Bajo su nueva condición, tendrá que enfrentarse al doloroso paso del tiempo encerrada en su cuerpo de niña, hasta conocer a Cándido, un hombre humilde que le acogerá en su casa como si de su propia hija se tratase y que le acompañará en la lucha contra su propia naturaleza y en el sueño de recuperar su vida arrebatada.
‘Todas las lunas. Ilargi Guztiak’ es una fabula fantástica que reflexiona sobre el miedo a la muerte y la inmortalidad.

Filmada íntegramente en euskera y rodada en País Vasco y Navarra, esta película propone el relato fantástico de un viaje hacia la luz emprendido por una niña huérfana para recuperar su muerte arrebatada por una misteriosa mujer que le otorga el regalo más extraordinario: la inmortalidad a cambio de su compañía.

“Ilargi Guztiak. Todas las lunas” es una producción de Arcadia Motion Pictures, Kowalski Films, Pris&Batty Films e Ilargia Films en coproducción con Noodles Production (Francia). Cuenta con la participación de EiTB,  RTVE, Vodafone, y la financiación del ICAA, el Gobierno Vasco y la Diputación Foral de Gipuzkoa. 

Filmax se encargará de la distribución en España y de las ventas internacionales. 

Passion Simple - Danielle Arbid

Título original: Passion simple

Año: 2020

Duración: 96 min.

País: Francia

Dirección: Danielle Arbid

Guion: Danielle Arbid (Novela: Annie Ernaux)

Fotografía: Pascale Granel

Reparto: Sergei Polunin, Laetitia Dosch, Caroline Ducey, Grégoire Colin, Slimane Dazi, Tibo Vandenborre, Shahira Fahmy, Arnaud de Montlivaut, Lou-Teymour Thion

Productora: Coproducción Francia-Bélgica; Les Films Pelléas

Una mujer cae rendida ante los encantos de un diplomático ruso casado, más joven que ella. Sus pasionales encuentros irán alimentando en ella una malsana obsesión que amenaza con destruir todo cuanto tiene, incluso a ella misma. 

Daniella Arbid se inspira en la novela de Annie Ernaux para dar forma a este largometraje que obtuvo el sello de Cannes 2020 y compitió en la Sección Oficial de la 68 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, no consiguiendo conquistar con su propuesta. 

La película se viste de elegancia, tanto en las correctas interpretaciones de sus protagonistas, sobre todo una Laetitia Dosch que se sumerge en cuerpo y alma en el físico y emocional viaje de su papel, como en su apuesta visual en las que cuerpos encendidos de pasión y miradas silenciosas son el pilar de su lenguaje. 

Sin embargo, en su salto de las páginas de la novela, a los fotogramas cinematográficos, gran parte de su mensaje queda suspendido, silenciado, no logrando el guión transmitir ni la intensidad ni la complejidad de las emociones de sus personajes, dejando la fuerza de este relato de una obsesión, a medio gas. 

Con todo ello, estamos ante un film que, aunque cuenta con elementos potentes, estos no consiguen atrapar ni la atención, ni la emoción, ni el entretenimiento, quedando en el recuerdo como una película mucho más discreta y vulgar de lo esperado. Prescindible. 

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Volver a Empezar - Herself - Phyllida Lloyd

Título original: Herself

Año: 2020

Duración: 97 min.

País: Irlanda

Dirección: Phyllida Lloyd

Guion: Malcolm Campbell, Clare Dunne

Música: Natalie Holt

Fotografía: Tom Comerford

Reparto: Clare Dunne, Harriet Walter, Conleth Hill, Cathy Belton, Ericka Roe, Rebecca O'Mara, Sean Duggan, Charlene Gleeson, Chelsea Gill, Lucy Parker Byrne, Ally Ni Chiarain, Eimear Morrissey, Liz Fitzgibbon, Molly McCann, Ruby Rose O'Hara, Dmitry Vinokurov, Aaron Lockhart, Anita Petry

Productora: Coproducción Irlanda-Reino Unido; Element Pictures

Sandra es una joven madre de dos niñas que escapa de un abusivo matrimonio que amenaza no sólo su cordura, si no también su vida. Desesperanzada frente a un sistema del que no recibe la ayuda suficiente para sacar a su familia adelante, decidirá ser ella la que marque su nuevo camino, construyendo, desde cero, un nuevo hogar para ella y sus pequeñas. Comenzará entonces un viaje, una lucha, en la que habrá de lidiar con su pasado, su presente, hacer nuevos amigos y alianzas y descubrir en ella la suficiente fuerza para avanzar... 

Phyllida Lloyd (Mamma Mia, La Dama de Hierro) dirige esta historia de esperanza y superación con la que compitió en la sección de Perlas del 68 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, alzándose con el aplauso de una audiencia que, por un escaso margen, no la encumbró con el premio del público. 

A favor de "Volver a Empezar" tenemos, sobre todas las cosas, una labor de interpretación de su protagonista, Clare Dunne, muy destacable, encarnando a una mujer luchadora y llena de fuerza. Agradable y amable resulta también la narrativa del film, que aunque nos muestra un punto de partida de extrema dureza, lanza un mensaje de esperanza. 

Sim embargo, hallamos diversas debilidades en su propuesta. Su desarrollo, a excepción de alguna sorpresa su guión, resulta un tanto manipulador (sobre todo en sus flashbacks y momentos musicales) así como tremendamente previsible desde su inicio mismo, además de componer su narrativa de tal cantidad de lugares comunes (en su historia y personajes) y clichés, que resultan excesivos. 

Con sus pros y sus contras, es innegable que el visionado de "Herself" está lleno de entretenimiento y buenas intenciones, y pese a que no pensamos en ella como en una buena película, tiene sus virtudes, y resulta de muy fácil consumo para el gran público. 

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The Woman Who Ran - Hong Sang-soo

Título original: Domangchin yeoja

Año: 2020
Duración: 77 min.

País: Corea del Sur
Dirección: Hong Sang-soo
Guion: Hong Sang-soo
Música: Hong Sang-soo
Fotografía: Kim Sumin
Reparto: Kim Min-hee, Seo Young-hwa, Song Seon-mi
Productora: Jeonwonsa Film

Gamhee disfruta, después de mucho tiempo en compañía de su pareja, de espacio para si misma, al estar su marido de viaje de negocios. Aprovechará ese paréntesis para realizar diversas visitas a viejas amigas que no ve hace mucho. Disfrutará con ellas de relajadas charlas, analizando su ayer, su hoy, divagando por sus pensamientos y sus sueños. 

Hong Sang-soo, con su firma tan particular a la hora de hacer cine y dibujar personajes, tras haber sido laureado en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, regresó, para su 68 edición, con esta pequeña y particular cinta, a la sección Zabaltegi-Tabakalera. 

En "The Woman Who Ran", el director vuelve a sus obsesiones cinematográficas habituales, centrándose más en sus personajes y vidas interiores, que en una historia que contar. De nuevo, opta por el diálogo entre sus protagonistas como vehículo narrativo, y, para no variar, ubica sus escenas sobre un epicentro de comida y bebida a cuyo alrededor situar sus atractivas conversaciones. 

Otra constante que aquí se repite es poner a la cabecera del reparto a la tan carismática como misteriosa actriz Kim Min-hee, que desempeña una efectiva labor como hilo conductor de la historia y factor común de las escenas que se concatenan. 

Con todos estos elementos estamos ante una película atípica, pura marca de la casa del citado director, tan pequeña como cercana e íntima, que nos permite asomarnos a la intimidad de sus personajes. Interesante y curiosa. 

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Any Crybabies Around? - Takuma Satô

Título original: Naku Ko wa Ineega  

Año: 2020
País: Japón

Dirección: Takuma Satô

Guion: Takuma Satô
Música: Yuta Orisaka
Fotografía: Yûta Tsukinaga
Reparto: Taiga Nakano, Riho Yoshioka, Kanichiro, Takashi Yamanaka, Kimiko Yo, Toshirô Yanagiba
Productora: AOI Promotion, Bun-Buku

La película nos sumerge en la tradicional festividad de Namahage en la que, unos hombres, disfrazados de demonios, pasan por las casas de sus conciudadanos para asustar a los niños. En una de esas veladas, uno de ellos aparecerá, borracho y desnudo, en la televisión nacional. Ese será el detonante de su personal desgracia, en la que la pública humillación le arrastrará a perder todo cuanto ama, comenzando así su personal viaje para recuperarlo. 

La película, escrita y dirigida por Takuma Satô, fue presentada en la Sección Oficial de la 68 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, evento en el que (sorprendentemente) se alzó con el galardón a la mejor fotografía, superando con ello a numerosos trabajos de gran calidad visual. 

El film nos acerca a una pequeña historia, la caída en desgracia de un joven inmaduro e irresponsable, un personaje al que su intérprete sabe dotar de carisma y claroscuros que evolucionan de forma interesante a través de su metraje. 

Interesante resulta el acercamiento que hace la película a esta peculiar y ancestral tradición, y cómo el escándalo más nimio puede dar al traste con una costumbre tan arraigada. 

Sin embargo, el desarrollo de la historia resulta un tanto desestructurado y errático, apoyándose en recursos y subtramas que despiertan desigual interés en el espectador, dando forma a un todo, que aunque reviste una correcta factura técnica y actoral, no termina de satisfacer tanto como nos gustaría. Pasable, pero no memorable. 

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The World To Come - Mona Fastvold

Título original: The World to Come

Año: 2020

Duración: 98 min.

País: Estados Unidos

Dirección: Mona Fastvold

Guion: Ron Hansen, Jim Shepard

Música: Daniel Blumberg

Fotografía: Andre Chemetoff

Reparto: Vanessa Kirby, Katherine Waterston, Casey Affleck, Christopher Abbott, Andreea Vasile, Ioachim Ciobanu, Karina Ziana Gherasim, James Longshore, Sandra Personnic-House

Productora: Arsia Production, Killer Films, M.Y.R.A. Entertainment, Sailor Bear, Sea Change Media, Sony Pictures Entertainment (SPE). Distribuida por Sony Pictures Entertainment (SPE)

Corre el Siglo XIX, una pareja vive en una granja de una perdida área rural, sumidos en la rutina y la tristeza que ha dejado atrás una amada pérdida. La llegada de un matrimonio a la granja más cercana, pondrá sus vidas del revés. Tras conocerse, las mujeres de ambas parejas enfrentarán juntas la dureza del aislamiento, la soledad y las heridas de unos sueños rotos, estableciendo una relación entre ellas que trasciende la amistad y pondrá en peligro lo inmutable de sus vidas. 

Mona Fastvolt (responsable de la interesante "The Sleepwalker") dirige este personal drama de época que clausuró la sección de Perlas del 68 Festival Internacional de Cine de San Sebastián tras haber competido en la Sección Oficial del Festival de Venecia. 

La película se asienta sobre la muy notoria interpretación de sus dos actrices protagonistas, Vanessa Kirby y Katherine Waterston. Ambas brillan en la creación de dos personajes, dos mujeres, tan diferentes como complementarias, dos almas rotas, suspendidas en un limbo de abandono y aislamiento, que, en su comunión, rompen con el mundo gélido en el que viven y arden en armonía. 

Reseñable es también la atmósfera en la que nos sumerge el relato, tan triste como hermosa. Su maravilloso uso de los parajes donde se desarrolla la acción, que invita a una sosegada contemplación, con la que empatizaremos con sus habitantes, su partitura musical y la cadencia de sus miradas y silencios, establece un aura mágica, tan amenazadora como hipnótica. 

Si un "pero" encontramos a esta propuesta cinematográfica, es su abuso de la "voz en off" desgranando las hojas de unos diarios que son un innecesario (y a ratos cargante) hilo conductor. La historia fluiría de forma más natural y emocional sin ello. 

Con todos estos ingredientes, estamos ante un drama de época, un romance inmortal tan bien contado como interpretado, cuyo visionado es un disfrute y cuyas emociones perduran en la memoria. Una película delicada, elegante y recomendable. 

Clip:

Limbo - Ben Sharrock

Título original: Limbo

Año: 2020

Duración: 113 min.

País: Reino Unido

Dirección: Ben Sharrock

Guion: Ben Sharrock

Música: Hutch Demouilpied

Fotografía: Nick Cooke

Reparto: Sidse Babett Knudsen, Amir El-Masry, Kenneth Collard, Vikash Bhai, Lewis Gribben, Kais Nashif, Grace Chilton, Cameron Fulton, Ola Orebiyi, Kwabena Ansah

Productora: Caravan Cinema, British Film Institute, Film4 Productions

Un grupo de refugiados espera asilo en una isla escocesa. Mientras aguardan, entre los sueños y la desesperación, respuesta, fraguarán relaciones entre ellos, con los lugareños, y con los inconmensurables paisajes. Habrá también tiempo para la reflexión sobre lo que dejaron atrás, y como su historia habrá de acompañarles en su nueva andadura. 

Ben Sharrock (Pikadero) dirige esta película, llena de personalidad y madurez, que le permitió el acceso a la sección New Directors del 68 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde se alzó con el merecido galardón de la juventud, que supo aplaudir su gran propuesta cinematográfica. 

Muchas son las virtudes de "Limbo". La primera de ellas la hallamos en el buen hacer de su elenco, tanto de aquellos que interpretan al grupo de refugiados y sus complejos roles, como aquellos que encarnan a los peculiares habitantes del pueblo perdido que los acoge en su seno. Todos ellos imprimen gran verdad a sus creaciones y logran una empatía automática con el público. 

La narrativa del film resulta igualmente muy efectiva, el guión del propio Sharrock sabe navegar con inteligencia entre el drama más desgarrado, la denuncia social, el retrato de sus personajes, y el humor más simpático y cercano. El cocktail funciona a la perfección de manera equilibrada y teje con todos estos elementos una historia fieramente humana. 

Por último, pero no menos importante, destacaremos la impecable factura visual del film. Su director pone un toque muy personal en la mirada de su cámara, que se recrea en los impresionantes y hermosos paisajes escoceses y sabe hacer de ellos vehículos de emoción para sus habitantes. Su fotografía, presta a reflejar tanto la tristeza, como la esperanza, viste las imágenes con elegancia y nos regala más de una composición para el recuerdo. 

Con todo ello estamos ante una película que aparenta ser pequeña pero que esconde gran cine en sus fotogramas. Muy recomendable. 

Clip: