Verano del 84 - Anouk Whissel, François Simard y Yoann-Karl Whissell

Título original: Summer of 84

Año: 2018
Duración: 105 min.
País: Canadá

Dirección: Anouk Whissell,  François Simard,  Yoann-Karl Whissell
Guion: Matt Leslie, Stephen J. Smith
Música: Le Matos
Fotografía: Jean-Philippe Bernier

Reparto: Graham Verchere,  Judah Lewis,  Caleb Emery,  Cory Gruter-Andrew,  Tiera Skovbye, Rich Sommer

Productora: Brightlight Pictures / Gunpowder, Sky

Corre el verano de 1984, tiempo el el que un grupo de amigos adolescentes, despreocupados, disfrutan de su tiempo libre, juegos, imaginación e inocencia. Sin embargo, la aparición de un asesino en serie despierta sus alarmas, y uno de ellos comienza a sospechar de que un vecino, policía, puede estar tras los crímenes. La pandilla se embarcará entonces en una peligrosa aventura para desenmascarar la verdad tras los funestos acontecimientos.

Los responsables de la exitosa "Turbo Kid" vuelven a abrir el cajón de la nostalgia para dar vida a una cinta que nos retrotraiga en el tiempo y devuelva al presente un modo de vivir (y hacer cine) ya perdido.

La película, que pretende retomar un estilo narrativo cercano a lo que fueron "Los Goonies", y recubrirlo de un envoltorio quizás más oscuro, tiene sus pros y sus contras...

A su favor juega la buena ambientación y la galería de nostálgicos guiños que nos regala. Igualmente acertada es su historia y los inesperados giros finales de la misma.
En su contra, sin embargo, pesa la sobresaturación de este tipo de cine "retro" en los últimos tiempos y que su propuesta no destaca sobre el resto, como sí lo hizo su más arriesgada predecesora. Mejorable resulta también la labor interpretativa de su elenco protagonista, que es correcto pero no logra la empatía suficiente para crear tensión alguna entre el público sobre su destino.

Con todo ello estamos ante una propuesta, que si bien no es mala y es moderadamente disfrutable, se erige como una cierta decepción ante lo que pudo ser y no fue. Entretiene, pero comienza a olvidarse tan pronto como se abandona la sala, una pena.

Enoch
Valoración:5/10
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Blind Spot - Tuva Novotny

Título original: Blindsone

Año: 2018
Duración: 98 min.
País: Noruega

Dirección: Tuva Novotny
Guion: Tuva Novotny
Fotografía: Jonas Alarik

Reparto: Anders Baasmo Christiansen,  Pia Tjelta,  Oddgeir Thune,  Per Frisch, Nora Mathea Øien,  Carl Munck,  Teodor Barsnes-Simonsen,  Marianne Krogh, Hilde Linseth Stømer,  Ellen Heyerdahl

Productora: Nordisk Film Production AS

"Blindsone" nos acerca primero a la figura de una adolescente para luego introducirnos en la intimidad de su hogar y su familia. Todo parece terriblemente normal y sosegado hasta que el suicidio hace su aparición lanzando a todos los personajes por una pendiente de desesperación. El torrente de emociones y el dolor desgarrado se desata ante lo inexplicable.

Tuva Novotny debuta en la dirección adaptando un guión propio para dar vida a esta atípica e impactante película que provoca reacciones encontradas entre el público y la crítica, polarizando opiniones. Su participación en el 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián no fue una excepción, pero la rendición fue unánime ante el buen hacer de su actriz protagonista, Pia Tjelta, que se alzó con el galardón a la mejor interpretación.

Uno de los ingredientes más potentes y arriesgados de la cinta es la forma en la que está rodada. "Blind Spot" se presenta como un continuado plano secuencia de principio a fin de su metraje. Esta opción no sólo rubrica un gran buen hacer en su pulso narrativo y visual, sino que consigue una inmersión emocional en lo contado rara vez vista, al vivir la tragedia en absoluta primera persona y tiempo real.

La temática tratada es otro de sus grandes aciertos. La película trata de dar visibilidad ese área de la medicina llena de "puntos ciegos", como es el que atañe a las enfermedades mentales, y sobre todo aquellos trastornos que pueden llevar a intentar terminar con la propia vida. Su acercamiento al tema es natural y verosímil, de tal forma que la empatía del espectador con los protagonistas y su forma de vivir la situación, es automática.

Todo su elenco está correcto, pero reverencia merece el titánico trabajo de su actriz protagonista. Su labor es un auténtico tour de force de agonía y desgarro, un viaje emocional a la rabia, desesperación, incomprensión e impotencia ante una cadena de acontecimientos que escapan a su control y amenazan con destrozarla por completo. Pia Tjelta se come la pantalla y hace nuestro su dolor de una forma impresionante.

Por supuesto las formas de este film pueden provocar rechazo en gran parte de la audiencia, por su ritmo que a tramos puede hacerse tedioso, por lo explícito del desgarro emocional, por las interrogantes sin respuesta que un caso como el narrado presenta...etc. Todo ello hace de Blind Spot una película en absoluto fácil, pero para quien aquí escribe, un absoluto acierto, arriesgado y valiente, cine que es bofetada y que se queda en el recuerdo.

Valoración:7/10
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El Doble Asesinato en la Calle Morgue - Robert Florey

Título original: Murders in the Rue Morgue

Año: 1932
Duración: 61 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Robert Florey
Guion: John Huston, Tom Reed, Dale Van Every, Robert Florey (Relato: Edgar Allan Poe)
Fotografía: Karl Freund

Reparto: Bela Lugosi,  Sidney Fox,  Leon Ames,  Bert Roach,  Arlene Francis,  Noble Johnson, Brandon Hurst,  Herman Bing

Productora: Universal Pictures

El Doctor Mirakle desea por todos los medios demostrar las teorías de la evolución del mono al hombre. Para ello lleva a cabo descabellados experimentos en los que inyecta sangre de gorila a jóvenes damas que secuestra de las calles de París, todos ellos con fatídico resultado. Querrá el azar que una joven pareja entre en contacto con el científico, poniéndose así en peligro y quedando el destino de todos ellos inexorablemente unido.

Robert Florey se inspira en un relato de Edgar Allan Poe para dar vida a esta inmortal película de 1932 que nos sumerge en un París decadente y nebuloso, tras cuyos oscuros recovecos palpitan amenazas de muerte y locura.

Sobre todas las cosas, es más que remarcable el trabajo del siempre peculiar Bela Lugosi encarnando al villano, un doctor más allá de la razón y la moral dispuesto a todo, tan bizarro como seductor. Todo el film parece girar en torno a su creación que todo lo emponzoña.

Más allá del abismo temporal que nos separa del rodaje de esta cinta de poco más de una hora de duración, si conseguimos retrotraernos a otros tiempos, disfrutaremos enormemente de su gran uso de los escenarios en que se desarrolla la acción y lo bien recreados que se hallan. La feria, los amenazantes morgue y laboratorio, e incluso los exteriores, están cuidados al detalle para que la atmósfera del relato sea notablemente efectiva.

Un interesante viaje al pasado más remoto del cine de terror, bien pensado, interpretado y ejecutado, del que muchas de sus descendientes han bebido. Interesante, más formal que argumentalmente.

Enoch
Valoración:6/10
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High Life - Claire Denis

Título original: High Life

Año: 2018
Duración: 110 min.
País: Francia

Dirección: Claire Denis
Guion: Claire Denis, Jean-Pol Fargeau, Geoff Cox
Música: Stuart Staples, Tindersticks
Fotografía: Yorick Le Saux, Tomasz Naumiuk

Reparto: Robert Pattinson,  Juliette Binoche,  Mia Goth,  André Benjamin,  Lars Eidinger, Agata Buzek,  Claire Tran,  Ewan Mitchell,  Gloria Obianyo,  Victor Banerjee

Productora: Coproducción Francia-Alemania-Reino Unido-Polonia-Estados Unidos; Alcatraz Film / Pandora Film / Andrew Lauren Productions (ALP) / Apocalypse Films Company / Madants / Canal+ / arte France Cinéma / BFI Film Fund

High Life nos lleva a la soledad y aislamiento más  extremos, a lo más profundo del espacio. Allí, en una nave solitaria, conviven una serie de personas, presidiarios sacados del corredor de la muerte para ser recluidos en esta nueva cárcel. Serán ello conejillos de indias para una serie de experimentos.
El entorno y su tipo de vida pondrán a prueba su capacidad de convivencia, y, sobre todo, su capacidad de supervivencia en una existencia que a diario pone a prueba su cordura.

Claire Denis salta al vacío con esta arriesgadísima propuesta que desde la ciencia ficción se introduce en el lado más oscuro del ser humano. Su trabajo le ha permitido participar en numerosos festivales,  levantando controversia a su paso, y logrando el éxito a su paso por la 66 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde obtuvo el premio Fipresci.

Visualmente estamos ante una película claustrofóbica y asfixiante. que enfrentando sus agobiantes escenarios a la inmensidad del espacio, ahoga a sus protagonistas y público. Sorprende el estilo "low cost" de sus recursos escenográficos (factor que ha muchos ha incomodado), una curiosa elección, pero que lejos de sacarnos de la historia, la dota de una cierta teatralidad que no hace sino subrayar que lo importante no es su vertiente más fantasiosa, sino la parte más humana de su relato.

Inesperado hemos encontrado el buen trabajo realizado por su protagonista, un Robert Pattinson inusualmente inspirado que crea un personaje con una notable evolución y amplio abanico de emociones. Junto a él, destacaremos a una brillante Juliette Binoche, que borda un rol turbio y malsano, regalándonos varias escenas para el recuerdo.

El último factor que rubrica el buen hacer de la cinta, y su valentía, es el guión en que se asienta. Su pausado ritmo y desarrollo hace que este plato de sórdida incomodidad se cocine a fuego lento, pero cargado de interesantes sabores ponzoñosos que sumergen a la audiencia de pleno en su potente y extraña historia

Con todo ello estamos ante un producto no apto para todos los gustos, que ofrece en su riesgo algo distinto por lo que dejarse llevar, con lo que ir más allá de la superficie y analizar. Muy interesante.

Valoración:7/10
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The Third Wife - Ash Mayfair

Título original: The Third Wife

Año: 2018
Duración: 96 min.
País: Vietnam

Dirección: Ashleigh Mayfair
Guion: Ashleigh Mayfair
Música: An Ton That
Fotografía: Chananun Chotrungroj

Reparto: Tran Nu Yên-Khê,  Mai Thu Hường,  Nguyễn Phương Trà My,  Nhu Quynh Nguyen

Productora: An Nam Productions

Una niña de catorce años se traslada al hogar de un terrateniente debido a un matrimonio concertado con el mismo. Del juego y la despreocupación propia de su edad pasará a vincularse a las obligaciones propias de su nuevo status, el de tercera esposa. Deberá así aprender a convivir con los otros miembros de la familia y utilizar sus armas para labrarse un sitio empoderado dentro de la misma.

Ashleigh Mayfair escribe y dirige esta escabrosa pero delicada película que le hizo alzarse con el premio al mejor film asiático en el Festival de Toronto y el galardón "TVE Otra Mirada" en la 66 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián donde participó en el marco de la sección Nuev@s Director@s.

Muchas son las virtudes de esta cinta. Comenzaremos por subrayar su poderío visual, aderezado por una gran y naturalista fotografía de Chananun Chotrungroj, que cubre tanto de belleza a los parajes en que se desarrolla, como de sensualidad a sus escenas más íntimas. Un estupendo uso de los espacios y de la dirección artísticas terminan de dar calidad artística a la factura estética de esta película, sumergiéndonos del todo en la remota y ajena cultura con un filtro de hermosura pese a no apartar la mirada de los factores más duros de su relato.

Necesario para el buen funcionamiento de la propuesta es el buen hacer de su elenco, sobre todo de aquellas que forman el triunvirato de esposas, núcleo argumental, y todas ellas brillan con la sutileza y minimalismo de sus creaciones, transmitiendo a la audiencia un tan contenido como desgarrado abanico de emociones.

Finalmente, Ash Mayfair consigue lo más complejo de su trabajo hilando con inteligencia fondo y forma, creando una historia contada con calma pero si pausa, sin juicios de valor, pero desde la mirada de una niñez rota. Un gran trabajo de guión que con poética cadencia y sin estridencia logra transmitir su mensaje.

Una pequeña joya llegada desde Vietnam que merece visionado y análisis, cine necesario tan disfrutable para el entretenimiento como interesante para el debate.

Valoración:7/10
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Viaje a Nara - Vision - Naomi Kawase

Título original: Vision

Año: 2018
Duración: 109 min.
País: Japón

Dirección: Naomi Kawase
Guion: Naomi Kawase


Reparto: Juliette Binoche,  Masatoshi Nagase,  Mari Natsuki

Productora: Coproducción Japón-Francia; Kumie / Slot Machine

Una escritora viaja al corazón de Japón. Su camino le llevará a la región de Nara, donde investigará sobre Visión, una planta de místicas propiedades. Pero querrá el destino que sus pesquisas enreden sus emociones, no sólo con el lugareño que la acogerá, sino con el corazón mismo del lugar que le susurra desde cada árbol, cada planta, cada ser vivo del mágico mundo de la naturaleza.

Naomi Kawase (Una Pastelería en Tokio, Aguas Tranquilas...etc) escribe y dirige esta extraña e hipnótica propuesta con la que regresó al Festival Internacional de Cine de San Sebastián a la sección competitiva de su 66 Edición, dejando a público y crítica descolocados con su propuesta.

Curiosa y de agradecer es la presencia de la siempre magnética e interesante Juliette Binoche al frente del reparto (secundada por un agradable Masatoshi Nagase), aunque este papel no lo hallamos destacable frente a otros roles que nos ha regalado la actriz, pues a tramos su interpretación parece tan desubicada como lo está el público ante el despliegue de reflexiones inconexas y metafísicas.

Ahí se encuentra el punto más débil del film, pues se suma a un ritmo y cadencia poéticas, que puede llegar a exasperar al público por su lentitud, una narrativa extraña, desorganizada, que superpone ideas, líneas temporales y pensamientos etéreos y ecologistas en un caótico caleidoscopio cuya imagen resultante es, cuanto menos, confusa.

A su favor juega la vertiente más visual de la cinta. Kawase demuestra su maestría en el juego de imágenes y saca el máximo partido a los espacios naturales, cubriéndolos de un manto de pura magia sobrenatural que seduce a los sentidos. Es ahí, cuando dejamos de tratar de entender algo y nos dejamos llevar por la poesía de las imágenes, cuando podremos conectar con Vision y comenzar a disfrutarla.

Un experimento peculiar que no termina de funcionar del todo, atrevido en sus formas de pura belleza, pero tambaleante en su estructura interna. Curiosa pero imperfecta.

Valoración:5/10
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Roma - Alfonso Cuarón

Título original: Roma

Año: 2018
Duración: 135 min.
País: México

Dirección: Alfonso Cuarón
Guion: Alfonso Cuarón
Fotografía: Alfonso Cuarón, Galo Olivares (B&W)

Reparto: Yalitza Aparicio,  Marina de Tavira,  Marco Graf,  Daniela Demesa,  Latin Lover, Enoc Leaño,  Clementina Guadarrama

Productora: Coproducción México-Estados Unidos; Participant Media / Esperanto Filmoj. Distribuida por Netflix

Corren los inicios de la década de los setenta, la película nos lleva a Roma, un barrio de clase media de Ciudad de México. Allí seguiremos el devenir de la existencia de Cleo, una sirvienta doméstica cuya existencia está dedicada a la gran familia a la que sirve. Su día a día será la excusa para conocer la realidad social y política de una época, pero también será sentido homenaje del director a las mujeres que dieron forma a su infancia erigiéndose como oda al recuerdo.

Alfonso Cuarón da un giro a su estilo cinematográfico para regalarnos un relato tan íntimo como épico, cine tan mínimo como grandioso en una película que le ha reportado innumerables reconocimientos y galardones, entre los que destacaremos el León de Oro conseguido en el Festival de Venecia y su aplaudido posterior paso por la sección de Perlas del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Cuarón viste el recuerdo de blanco y negro, subrayando no sólo la nostalgia, sino también los claroscuros de una época y las emociones de unos atesorados recuerdos como son aquellos que pertenecen a la infancia, la familia, y aquellos que esculpieron su carácter y forma de mirar la vida... y el cine.

"Roma" es una película de detalles, una experiencia voyeur que nos sumerge de pleno en un núcleo familiar cargado de mil recovecos y pequeñas historias y sentimientos, diarias aventuras, ilusiones y desengaños. Para ello la perspectiva de su cámara y su fluir es notablemente sabia, el buen hacer de su elenco llena la pantalla de realismo, y el potente uso del sonido se hace latir de emoción e inmersión en su microcosmos.

Un gran acierto de la película es hilar lo íntimo de la historia de Cleo y la familia con los convulsos acontecimientos sociales y políticos acontecidos a su alrededor, dotando así de ritmo a su quizás demasiado dilatado metraje (que puede espantar a un amplio sector del público), y haciendo que lo mínimo, lo íntimo y personal encaje en un marco aún mayor.  Esta dicotomía la encontramos también en la mezcla de tramos contemplativos, serenos y calmos, enfrentados a otros frenéticos o de pura tensión (como la imborrable y espectacular escena de la playa, puro cine).

En conclusión, estamos ante un proyecto atípico, tan aparentemente pequeño en su propuesta como grande es su resultado. Una película que puede pecar de demasiado extensa y agotadora a tramos, pero que en su conjunto, funciona.

Valoración:7/10
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Cafarnaúm - Nadine Labaki

Título original: Capharnaüm - Capernaum

Año: 2018
Duración: 120 min.
País: Líbano

Dirección: Nadine Labaki
Guion: Nadine Labaki (Historia: Labaki Jihad Hojeily)
Música: Khaled Mouzanar
Fotografía: Christopher Aoun

Reparto: Zain Al Rafeea,  Yordanos Shiferaw,  Boluwatife Treasure Bankole, Kawthar Al Haddad,  Fadi Kamel Youssef,  Cedra Izam,  Alaa Chouchnieh, Nadine Labaki,  Nour el Husseini,  Elias Khoury

Productora: Les Films des Tournelles

Un niño de 12 años llevará a sus padres a los tribunales, demandándolos por haberle dado la vida. A partir de ese punto conoceremos su historia de lucha y miseria, su triste existencia entre sus muchos hermanos, la pelea por salvar de la desgracia a una de ellas y su batalla por salir adelante en un mundo que no le tiene reservada oportunidad alguna.

Nadine Labaki (Caramel, ¿Y ahora adónde vamos?) escribe y dirige esta durísima película que le valió el Premio del Jurado en el Festival de Cannes y su participación en la sección de Perlas en la 66 Edición del Festival de Cine de San Sebastián donde estuvo cerca de volver a alzarse con el premio del público.

Labaki, como es habitual en su cine, nos acerca a las minorías invisibles, da voz al mísero y rechazado. Sin embargo, si bien sus anteriores trabajos se caracterizaban por una latente esperanza y subyacente sonrisa, ahora en Cafarnaúm nos ofrece la otra cara de la moneda, la absoluta tristeza de quienes se saben condenados desde el momento en que acceden al mundo por la puerta de pobreza.

La película nos sumerge, de forma directa y sin tapujo alguno, en los suburbios más míseros y las vidas más descastadas. No aparta la mirada de la absoluta indefensión de la infancia que habita en este entorno y la impune crueldad que se ejerce hacia ella. Este recurso ha levantado en su audiencia voces contrapuestas, quien aplaude la visibilidad que aporta y quien critica su opción como pornografía efectista de la miseria.

A favor del trabajo de Labaki juega una clara mejora en su cinematografía, más sofisticada que en propuestas anteriores, a la par que una gran labor de dirección de actores no profesionales que consigue que brillen por su autenticidad. Muchos de sus recursos narrativos dramáticos dan en la diana, mientras que otros se sienten un poco forzados y sobrecargados de trucos.

Con todos estos factores contrapuestos concluímos que estamos ante una película polémica, que si bien tiene buen hacer en su cine, resulta excesiva y peca de ser demasiado manipuladora en su fondo y formas.

Valoración:6/10
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In Fabric - Peter Strickland

Título original: In Fabric

Año: 2018
Duración: 118 min.
País: Reino Unido

Dirección: Peter Strickland
Guion: Peter Strickland
Fotografía: Ari Wegner

Reparto: Gwendoline Christie,  Sidse Babett Knudsen,  Marianne Jean-Baptiste,  Caroline Catz, Julian Barratt,  Hayley Squires,  Leo Bill,  Richard Bremmer,  Steve Oram, Susanna Cappellaro,  Sara Dee,  Eugenia Caruso,  Jaygann Ayeh,  Pano Masti, Terry Bird,  Simon Manyonda,  Derek Barr,  Fatma Mohamed,  Barry Adamson

Productora: Rook Films

Las rebajas de unos muy peculiares grandes almacenes ingleses atraen a las masas. Dentro de sus afamadas ofertas una prenda llama la atención, un elegante vestido rojo que parece susurrar desde sus pliegues un nuevo cuerpo, una nueva alma, a los que cubrir... y destruir. Un lugar maldito poblado de una galería de dependientas extrañas, un objeto embrujado que hará la vida de sus propietarios un infierno de dolor y destrucción nos abren la puerta al universo "In Fabric"

Peter Strickland (Katalin Varga, Berberian Sound Studio) escribe y dirige esta bizarra propuesta inclasificable que por su impacto y buen hacer le ha permitido participar en festivales como Sitges o la sección competitiva del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde despertó amores y odios en igual medida.

Desde los iniciales títulos de crédito, que son ya una declaración de intenciones, sabremos que nos hallamos ante una película fuera de la norma. Su estilo visual, heredero directo del giallo, saturará nuestros sentidos con una imaginería colorista y un tenebroso abanico de puestas en escena e interpretaciones de onírica pesadilla.

Narrativamente, "In Fabric" se estructurará en dos partes diferenciadas, dos historias independientes pero ligadas por el fluir de la tela del vestido protagonista, roja, hecha una con la sangre y el dolor de quienes se aventuran en su suavidad. Su lenguaje, por su parte, es un cocktail de puro terror con el más ácido humor británico, una mezcla tan extraña como eficaz, que subraya el latir de surreal sueño febril que es "In fabric"

Sin duda estamos ante una apuesta arriesgada y distinta, un soplo de aire tóxico cinematográfico que envenena e hipnotiza, haciendo de su visionado un disfrute si se es capaz de conectar y dejarse llevar con su extraño latir.

Valoración:7/10
Clip:

Beautiful Boy - Felix Van Groeningen

Título original: Beautiful Boy

Año: 2018
Duración: 111 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Felix Van Groeningen
Guion: Luke Davies, Felix Van Groeningen (Memorias: David Sheff, Nic Sheff)
Fotografía: Ruben Impens

Reparto: Steve Carell,  Timothée Chalamet,  Maura Tierney,  Amy Ryan,  Christian Convery, Kaitlyn Dever,  Oakley Bull,  Amy Forsyth,  Stefanie Scott,  Julian Works, Jack Dylan Grazer,  Kue Lawrence,  Marypat Farrell,  Mandeiya Flory

Productora: Big Indie Pictures / Plan B Entertainment / Starbucks Entertainment / Amazon Studios

"Beautiful Boy" nos narra el descenso a los infiernos de un joven atrapado en la adicción a las drogas, sus caídas, sus intentos de rehabilitación... A la par, nos cuenta el impacto que este destructivo viaje tiene sobre su familia, cómo, en un caso de estas características, no sólo arrastra al enfermo, sino a todos aquellos que le rodean y quieren.

Felix Van Groeningen dirige esta cinta que, adaptando una biografía concreta, trata de mostrar un relato universal sobre un problema tan serio como la drogadicción. El buen hacer de sus protagonistas le abrió la puerta a la sección competitiva del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián donde pasó sin pena ni gloria, dejando una cierta sensación de decepción frente a expectativas en público y crítica.

La película, aunque potente en sus ideas, no consigue atrapar a la audiencia en sus emociones. Quizás este "no entrar en la historia" se produce por una estructura narrativa reiterativa y sin apenas crescendo emocional, repite en bucle la misma estructura rellena de clichés y recursos manidos que da un aspecto un tanto impostado a un tema que a priori debía ser de automática empatía e inmersión. Su lenguaje parece adecuarse más a una campaña televisiva anti drogas que a una propuesta cinematográfica, y ahí reside su mayor debilidad.

Capítulo aparte merece la labor de sus dos protagonistas, Steve Carell y  Timothée Chalamet. Ambos intérpretes son lo más salvable de la cinta. Carell es un digno padre sufridor e impotente ante los hechos, Chalamet encarna con algún que otro momento brillante al joven destruido por la adicción... correctos trabajos que se ven limitados por los fallos de la obra y que bien podían haber trascendido más bajo un guión que les permitiera un desarrollo más completo y contundente.

En conclusión, "Beautiful Boy" prometía gran cine y resulta un panfleto que si bien se consume con facilidad, no tiene el impacto emocional que necesitaría para que verdaderamente su mensaje trascienda. Decepción.

Valoración:4/10
Trailer: