#68SSIFF Impresiones del día 8 (Viernes 25/09/20)

 Del Viernes 18/09/20 al Sábado 26/09/20 se celebra la 68 edición del Festival Internacional De Cine de San Sebastián. La ciudad se viste de gala, se respira cine en el ambiente por doquier gracias a la nutrida y variada oferta de todo tipo de películas de dispar origen, temática y formato así como diversos actos y actividades ligados al séptimo arte.

En www.raven-heart.com nos sumergimos de lleno en este evento para vivirlo intensamente y disfrutar de nuevas experiencias cinematográficas, y aunque a la conclusión del mismo os reseñaremos cada película que veamos, a través de estos post diarios os iremos dando pinceladas, impresiones, de nuestra aventura cinéfila y opiniones sobre los films que vamos degustando...  Puedes seguir nuestras publicaciones en nuestra página de facebook, cuenta de twitter e instagram, y por supuesto en el blog.

En nuestro menú cinéfilo del día...

- Casa de Antiguidades / Memory House (Nuevos Directores)

- Gal-Mae-Gi / Gull (Nuevos Directores)

- El Olvido Que Seremos / Forgotten We'll Be (Sección Oficial)

- The World To Come (Perlas)

#CasaDeAntiguidades arriesga con su inquietante simbología y puesta en escena en su denuncia de peliagudos temas. Lamentablemente no conectamos con su tono. #68ssiff

En #Gull, una violación pondrá a prueba los lazos de la víctima con su familia y amistades, así como les hará cuestionarse su relación con el alcohol. Bienintencionada y con puntuales inspirados momentos, resulta interesante sin ser brillante. #68ssiff

Pese a las buenas intenciones y diversas virtudes de #ElOlvidoQueSeremos, la película no consigue conquistarnos como nos hubiera gustado. Su estructura y el tratamiento de ciertos personajes y situaciones no ha calado en nuestra emoción. #68ssiff

#TheWorldToCome nos rinde ante su hermosa tristeza. La soledad y la vida no vivida se abandonan al amor prohibido en pos de la esperanza y búsqueda de la sonrisa perdida. Tremendas actrices en una película para el recuerdo. #68ssiff 

#67SSIFF Impresiones del Día 4 (Lunes 23/09/19)

Del Viernes 20/09/19 al Sábado 28/09/19 se celebra la 67 edición del Festival Internacional De Cine de San Sebastián. La ciudad se viste de gala, se respira cine en el ambiente por doquier gracias a la nutrida y variada oferta de todo tipo de películas de dispar origen, temática y formato así como diversos actos y actividades ligados al séptimo arte.

En www.raven-heart.com nos sumergimos de lleno en este evento para vivirlo intensamente y disfrutar de nuevas experiencias cinematográficas, y aunque a la conclusión del mismo os reseñaremos cada película que veamos, a través de estos post diarios os iremos dando pinceladas, impresiones, de nuestra aventura cinéfila y opiniones sobre los films que vamos degustando...  Puedes seguir nuestras publicaciones en nuestra página de facebook, cuenta de twitter e instagram, y por supuesto en el blog.

En nuestro menú cinéfilo del 23/09/19:
- Lynn + Lucy (Nuevos Directores)
- The Other Lamb (Sección Oficial)
- A Dark-Dark Man (Sección Oficial)
- And The Birds Rained Down / Il Pleuvait des Oiseaux (Sección Oficial)
- O que Arde / Lo que Arde (Perlas)

#lynnlucy nos sumerge en la longeva amistad de dos mujeres puesta a prueba por la tragedia,  sencilla, efectiva y bien interpretada. #67ssiff 

#theotherlamb nos trae un relato oscuro de empoderamiento femenino, una fábula tenebrosa de poderosas imágenes de pesadilla con reminiscencias a #thewitch. #67ssiff

 #Adarkdarkman no nos convence, su desaprovechado análisis de la corrupción policial, su tono y ritmo nos deja fríos y nos invita al tedio absoluto #67ssiff 

#AndTheBirdsRainedDown, auténtica vida y libertad en el ocaso de la existencia. Máxima ternura, delicadeza y elegancia, grata sorpresa. #67ssiff

#LoQueArde nos acerca al mundo rural gallego con una inspirada mirada,  retratando su autenticidad y su fragilidad ante la soledad y las llamas. Interesante. #67SSIFF 

Call Me By Your Name - Luca Guadagnino

Título original: Call Me by Your Name

Año: 2017
Duración: 130 min.
País: Italia

Director: Luca Guadagnino
Guión: Luca Guadagnino, James Ivory, Walter Fasano (Novela: André Aciman)
Música: Sufjan Stevens
Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom

Reparto: Timothée Chalamet,  Armie Hammer,  Michael Stuhlbarg,  Amira Casar,  Esther Garrel, Victoire Du Bois

Productora: Frenesy Film Company

Elio pasa las vacaciones de verano de 1983 en una gran villa del norte de Italia junto a su familia. Su padre, un erudito de la historia y la literatura, invitará a un joven becario, Oliver,  a pasar los meses estivales con ellos, para que trabaje en su doctorado.
El verano transcurre entre la pereza, la música, los libros y los paseos sin rumbo por la naturaleza. Los personajes se relacionarán, divagarán y matarán el tiempo soñando despiertos. En este entorno, la relación entre los dos jóvenes, Elio y Oliver, se hará más y más intensa, despertando la adoración y el deseo de forma inexorable, cambiando su forma de vivir la vida para siempre...

Luca Guadagnino, director y guionista (junto a James Ivory, nada menos) del film, adapta la intensa novela de André Aciman a la gran pantalla con tal mimo que le ha reportado el éxito en el circuito de festivales así como una innumerable (y merecidísima) galería de reconocimientos, nominaciones y galardones tanto para la película como para sus intérpretes.

Guadagnino retoma la atmósfera que tan bien consiguiera con su anterior obra (Cegados Por el Sol) en la que el verano se filtra bajo la piel de sus protagonistas y se transmite a la audiencia. Consigue, con su paleta fotográfica de cálidos colores, su ambientación musical y la seducción de sus cámara, arrastrarnos en el tiempo a veranos sin fin con días cálidos e interminables donde el ocio y el abandono a las sensaciones más primarias son la única preocupación abriendo así la puerta a las más desbocadas emociones.

Ineludible es la alabanza a sus intérpretes principales. Tanto Timothée Chalamet, encarnando al joven Elio, como Armie Hammer, en la piel del becario visitante que pone la vida de todo su entorno del revés, son para quitarse el sombrero. Ambos han sabido dotar a sus creaciones de una verdad y una sensibilidad inusitadas, dando forma a unos personajes con los que la empatía es automática y que quedan grabados en el recuerdo cinéfilo con inmensa ternura.

La otra piedra angular del film es su guión, una maravillosa adaptación de la novela que sabe trasladar la densidad de sus páginas al lenguaje del fotograma. Su contenido relato no está falto de ritmo, siendo sabio en el dibujo no sólo del lugar y sus costumbres, sino en el universo interior de sus habitantes. Las relaciones están elaboradas de manera sublime, las amistades, los romances, la familia, todo brilla. El despertar a lo prohibido, el deseo incontenible y el autodescubrimiento a través de los anhelos, logros y decepciones están narrados de una forma tan milimetrada y sincera, que impresiona lo auténtico de las emociones que muestra. Igualmente para aplaudir son los diálogos que fluyen entre sus personajes, escondiendo verdaderas joyas (especialmente las protagonizadas por el padre de Elio) que hacen de varias escenas un deleite que no necesita más que las palabras en ella vertidas.

Con todo ello, estamos, a mi parecer, ante una de las mejores películas de la temporada. Delicada, sensual y sencilla en su sincera complejidad, nos hace no sólo viajar en el tiempo a décadas pasadas, sino conectar con un pasado en que la inocencia y los sueños eran dueños del timón de unas vidas aún sin rumbo. Deliciosa.

Enoch
Valoración:9/10
Trailer:

Tres Anuncios en las Afueras - Martin McDonagh

Título original: Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Año: 2017
Duración: 112 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Martin McDonagh
Guión: Martin McDonagh
Música: Carter Burwell
Fotografía: Ben Davis

Reparto: Frances McDormand,  Woody Harrelson,  Sam Rockwell,  Peter Dinklage, John Hawkes,  Abbie Cornish,  Caleb Landry Jones,  Samara Weaving,  kerry Condon, Nick Searcy,  Lucas Hedges,  Michael Aaron Milligan,  Lawrence Turner, Amanda Warren,  William J. Harrison,  Sandy Martin,  Christopher Berry,  Zeljko Ivanek

Productora: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Blueprint Pictures. Distribuida por Fox Searchlight

Mildred es una mujer madura, independiente y con mucho carácter. La rabia le consume ante la falta de resolución sobre el crimen cometido contra su hija, que fue violada y brutalmente asesinada. En absoluto dispuesta a la pasividad y profundamente enfadada con el aparente desinterés del cuerpo de policía sobre el caso, buscará el modo de hacer visible la injusticia y evidenciar la situación, despertando así emociones encontradas entre sus vecinos y una cadena de inesperados acontecimientos.

Martin McDonagh (Siete Psicópatas, Escondidos en Brujas) es el responsable de la dirección y el guión de esta brillante película que ha rendido con su inteligente y ácida frescura a público y crítica allá por donde ha pasado. Ganar el premio del público en Toronto y San Sebastián no ha sido más que el comienzo de su carrera de reconocimienos, nominaciones, premios y galardones. Un éxito que, a nuestro parecer, es más que merecido.

Uno de sus puntos más fuerte es el gran trabajo del grupo de actores que pueblan esta atípica historia. Al frente de todos ellos, una Frances McDormand que borda una de las interpretaciones más potentes y memorables de su carrera, una mujer con un carisma indiscutible con la que la empatía es automática y que sabe transmitir cada matiz de su amplio abanico de emociones de manera eficiente y llamativa. A su lado, un grupo de secundarios de primera que enmarcan el relato, con unos Woody Harrelson y Sam Rockwell, entre otros muchos, brillantes.

La piedra angular, también culpable del éxito de la cinta, es el guión, obra del propio McDonagh. Su inteligente mezcla de tonos, que hila el drama más desgarrado con la comedia más negra y despiadada da un sabor al film único y acertado. La manera en la que dosifica los elementos del relato, el cómo dibuja los personajes, su evolución y, sobre todo, las relaciones entre ellos, es magistral. Este factor, unido a un gran montaje, hacen de la obra una delicia altamente disfrutable de principio a fin.

Todo ello, unido a una estupenda factura técnica, hacen de "Tres Anuncios En Las Afueras" una de las propuestas cinematográficas más potentes y carismáticas del año, una película con la que disfrutar y sufrir que llega a nuestra memoria cinéfila para quedarse. Muy recomendable.

Valoración:8/10
Trailer:

The Florida Project - Sean Baker

Título original: The Florida Project

Año: 2017
Duración: 115 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Sean Baker
Guión: Sean Baker, Chris Bergoch
Fotografía: Alexis Zabé

Reparto: Willem Dafoe,  Caleb Landry Jones,  Macon Blair,  Sandy Kane,  Karren Karagulian, Lauren O'Quinn,  Brooklynn Prince,  Giovanni Rodriguez,  Bria Vinaite,  Carl Bradfield, Betty Jeune,  Cecilia Quinan,  Valeria Cotto,  Andrew Romano,  Samantha Parisi, Gary B. Gross

Productora: Cre Film / Freestyle Picture Company / June Pictures. Distribuida por A24

"The Florida Project" nos lleva a las afueras de los parques temáticos de Disney, los suburbios plagados de coloristas moteles donde el sueño de fantasía, pese a lo cercano, brilla por su ausencia. Entre sus paredes, seres marginales luchan por salir adelante, avanzar día a día. En ellos conoceremos a un grupo de niños, cuyas aventuras en un entorno mísero llamarán a nuestra ternura mientras vivimos con ellos, y los luchadores adultos que los rodean, un verano para el recuerdo.

Sean Baker escribe y dirige esta película atípica y atrevida, presentada con éxito en el Festival de Cannes y la Sección de Perlas del 65 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, primeros pasos de una carrera meteórica de nominaciones, galardones y reconocimientos de una industria rendida ante el encanto de la propuesta.

El film de Baker nos adentra en un mundo más allá de la eterna sonrisa y el brillo del afamado destino turístico, cuna de los sueños, que es Disneyworld. Muy sabio es en hacernos caminar en la frontera del paraíso feliz con los suburbios, sabiendo transmitir la clara amargura, que tiñe toda su historia y envenena a sus personajes con el dolor de tener tan cerca la perfección y no poder salir de la mediocridad.

Pese a lo descastado de los habitantes de esta historia, de este motel, lo gris de sus vidas rotas, la película dispone de una paleta de color tan fuerte y sugestiva que no deja de recordarnos la esperanza subyacente tras el fracaso, la inagotable capacidad del ser humano para seguir soñando.

Muy a destacar encuentro lo sabio de la labor de casting realizada para el film. Todo el elenco, sobre todo los niños, dotan de tal verdad a sus personajes que logran hacerlos de pura carne y hueso, tanto que a tramos sentiremos incluso hallarnos ante un documental más allá de la ficción. Entre todos ellos quisiera destacar la impecable labor de Willem Dafoe que realiza uno de los papeles más memorables de su carrera, a mi entender.

Con todo ello, nos hallamos ante una propuesta distinta, carismática y potente, una película en la que dejarse llevar, ora siendo voyeurs de las vidas de los inquilinos de estos moteles decadentes, ora transformándonos de nuevo en niños acompañando a los infantes, ajenos a la miseria, en sus sueños y travesuras.  Muy interesante.

Valoración: 7/10
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El Museo de las Maravillas - Todd Haynes

Título original: Wonderstruck

Año: 2017
Duración: 120 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Todd Haynes
Guión: Brian Selznick (Novela: Brian Selznick)
Música: Carter Burwell
Fotografía: Edward Lachman

Reparto: Oakes Fegley,  Julianne Moore,  Michelle Williams,  Amy Hargreaves, Cory Michael Smith,  Marko Caka,  James Urbaniak,  Hays Wellford,  Morgan Turner, Jaden Michael,  Ekaterina Samsonov,  Raul Torres,  Millicent Simmonds, John P. McGinty,  Mark A. Keeton

Productora: Amazon Studios / Killer Films

"El Museo de las Maravillas" nos presentará a dos niños, Ben y Rose, dos soñadores infelices de dos épocas distintas, separadas en el tiempo. Él desea más que nada encontrar a su padre perdido. Ella, obsesionada por una misteriosa actriz anhela llegar a conocerla. Dos hechos distintos hará que ambos se embarquen en dos diferentes aventuras que les acercarán a sus sueños... nada en apariencia tienen que ver sus vidas, anhelos y pesares, o quizá más allá del tiempo la conexión sea inevitable.

Todd Haynes (Lejos del Cielo, Carol...etc) dirige esta adaptación de la novela de Brian Selznick que cambia el tono narrativo al que sus últimas películas nos tenían acostumbrados para llevarlo a un terreno donde el lenguaje cinematográfico se adapta a un espectro de público más amplio y se llena de ternura infantil.

A su favor tiene diversos factores. Por una parte, una buena labor de su elenco de actores, entre los que brillan dos de sus intérpretes secundarias, las siempre impecables Michelle Williams y Julianne Moore, que crean unos potentes personajes pese a su escaso tiempo en pantalla. Por otro lado, el factor visual, altamente elegante y lujoso, una caricia a la retina con su maravillosa fotografía y milimetrada puesta en escena recreando ambas épocas con maestría. Todo ello aderezado por un envoltorio musical al nivel necesario para acunar emociones y una serie de recursos para tratar la discapacidad de sus infantiles protagonistas, de primera.

Lamentablemente también encontramos factores que juegan en contra de la calidad del film. El guión se excede en explicaciones (quizá tratando de hacer accesible la película a un público más infantil), obviedades y giros gratuitos en absoluto sorprendentes, una decisión que llama a la decepción a los amantes del cine de Haynes y a cómo acostumbra a hacerlo mirar más allá. Igualmente hay fragmentos e incluso personajes secundarios que son totalmente prescindibles y que incluso restan potencia a la narración.

Con sus pros y sus contras, encuentro a "El Museo de las Maravillas" como una propuesta hermosa en sus formas, que pese a ser imperfecta en su relato, está tan delicadamente realizada y es tan amable en su fábula que es inevitable pasar un buen y dulce rato con su visionado pese a no ser el mejor trabajo de su director.

Valoración:6/10
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The Disaster Artist - James Franco

Título original: The Disaster Artist

Año: 2017
Duración: 98 min.
País: Estados Unidos

Dirección: James Franco
Guión: Scott Neustadter, Michael H. Weber (Libro: Greg Sestero, Tom Bissell)
Música: Dave Porter
Fotografía: Brandon Trost

Reparto: James Franco,  Dave Franco,  Alison Brie,  Josh Hutcherson,  Seth Rogen,  Zac Efron, Sharon Stone,  Bryan Cranston,  Kate Upton,  Hannibal Buress,  Jacki Weaver, Nathan Fielder,  Jerrod Carmichael,  Zoey Deutch,  Kristen Bell,  Lizzy Caplan, Megan Mullally,  Jason Mantzoukas,  Adam Scott,  Eliza Coupe,  J.J. Abrams, Tommy Wiseau,  Melanie Griffith,  Judd Apatow,  Christopher Mintz-Plasse,  Zach Braff, Randall Park,  Greg Sestero

Productora: Good Universe / New Line Cinema / Point Grey Pictures / RabbitBandini Productions / RatPac-Dune Entertainment

"The Disaster Artist" nos acerca a la figura de Tommy Wiseau, un bohemio y extraño personaje obsesionado por triunfar en el cine. Tras trabar una estrecha amistad con otro soñador decidirá que, si no es aceptado por la industria, creará él mismo su film ideal. Asistiremos así a la gestación y producción de una de las consideradas peores películas de la historia, "The Room".

James Franco consigue lo imposible con este film, aunando elementos que nos suelen ser constituyentes del éxito. Juega con la ironía, el histrionismo, la parodia y la comedia para mezclarlos con el drama y un impecable dibujo de personajes tan misteriosos como desnudos. Tal acierto consiguió que por una vez Jurado, crítica y público del Festival Internacional de San Sebastián se pusieran de acuerdo y la coronaran como la mejor película de su 65 edición. Este galardón no ha sido sino el comienzo de un interminable carrera de reconocimientos de la industria hacia un producto realizado con tanto mimo como este.

Pero James Franco no sólo ha conseguido filmar su mejor trabajo como director hata la fecha con esta película, sino que además realiza en ella la, bajo mi opinión, mejor de sus interpretaciones, clavando a un Tommy Wiseau más que memorable sabiendo aportar las justas dosis de ridículo, misterio, carisma y ternura. Arropado se halla por un gran trabajo de todo el elenco, desde su propio hermano con quien destaca una química de primera, hasta cada secundario que les rodea, todas las piezas encajan y los engranajes giran a la perfección.

Brillante resulta a su vez el guión, ágil e inteligente, con gran ritmo y perfecta dosificación de emociones que sabe atrapar al espectador de principio a fin en este relato de metacine donde lo realmente importante es el valor de la amistad y la necesidad de los sueños como metas vitales.

Con todo ello nos encontramos, en mi opinión, con una de las comedias más inteligentes y agradables de ver de la temporada, que contagia entusiasmo, regala momentos y personajes inolvidables y rezuma verdadera pasión por el cine. Recomendada.

Enoch
Valoración:8/10
Trailer:

120 Pulsaciones Por Minuto - Robin Campillo

Título original: 120 battements par minute

Año: 2017
Duración: 143 min.
País: Francia

Dirección: Robin Campillo
Guión: Robin Campillo, Philippe Mangeot
Fotografía: Jeanne Lapoirie

Reparto: Nahuel Pérez Biscayart,  Adèle Haenel,  Yves Heck,  Arnaud Valois, Emmanuel Ménard,  Antoine Reinartz,  François Rabette

Productora: Les Films de Pierre

La película nos lleva a París, a principios de la década de los noventa. El SIDA se encuentra en pleno apogeo sesgando vidas y demonizando colectivos. En este entorno y coyuntura conoceremos a un grupo de jóvenes activistas radicales dispuestos a todo por dar visibilidad a la enfermedad, reivindicar el tratamiento de la misma por la sociedad y las instituciones y buscar concienciar del problema que representa frente un mundo predispuesto a mirar para otro lado. Viviremos con el grupo una intensa aventura, una atroz lucha donde la diversidad y la pasión por la vida trata de vencer toda adversidad.

Robin Campillo (Chicos del Este, La Resurrección de los Muertos) dirige y escribe este largometraje que mira con ojo crítico a la historia más reciente y aún palpitante para remover conciencias y emociones. Con él se alzó con el Gran Premio del Jurado en el festival de Cannes, pasó por la sección de Perlas del 65 Festival Internacional de Cine de San Sebastián y comenzó un interminable viaje de reconocimientos, nominaciones y galardones cinematográficos.

La película tiene a su favor una gran interpretación coral, su elenco, entregado en sus creaciones, reviste de verdad a la heterogénea galería de personajes, factor imprescindible para trascender más allá de la pantalla y contagiar emociones, entusiasmo y desesperación a la audiencia que se adentra en su historia.

Un guión bien medido para generar conciencia y controversia, adentrándose en distintas perspectivas de una misma realidad, situándonos tras dispares  miradas hacia un mismo doliente hecho, presentándonos la lucha desde diversos ángulos, junto a un montaje hábil y vivo, hacen de su historia algo fluido y cargado de interés.

En su contra juega sin duda su muy dilatada duración, que se ve un tanto lastrada por una cierta reiteración de discurso y recursos en su desarrollo argumental y, a tramos, puede resultar un tanto previsible en sus giros, factor que merma la emoción despertada.

Pese a sus debilidades, "120 pulsaciones por minuto" es un film bien realizado e interpretado, una película necesaria que recuerda el reciente ayer que aún palpita en el hoy, que reivindica la fuerza del ser humano, la necesidad de lucha, y la pasión por la vida. Interesante.

Valoración:7/10
Trailer:

Borg McEnroe - Janus Metz

Título original: Borg McEnroe

Año: 2017
Duración: 103 min.
País: Suecia

Dirección: Janus Metz
Guión: Ronnie Sandahl
Música: Vladislav Delay, Jonas Struck
Fotografía: Niels Thastum

Reparto: Sverrir Gudnason,  Shia LaBeouf,  Stellan Skarsgård,  Tuva Novotny, Marcus Mossberg,  Leo Borg,  Robert Emms,  Ian Blackman,  James Sobol Kelly, Jackson Gann

Productora: Coproducción Suecia-Dinamarca-Finlandia; SF Film Production / Tre Vänner Produktion AB

La película nos aproxima a dos figuras claves de la historia del tenis, el sueco Björn Borg y el norteamericano John McEnroe. Nos hablará de sus vidas y camino al estrellato, sus caracteres diametralmente opuestos y su común pasión por el deporte, el perfeccionismo, y el éxito. Pero, sobre todo, nos acercará a su enfrentamiento, tanto personal como deportivo, y al destino inexorable a verse las caras en la final de Wimbledon y medir sus fuerzas.

Janus Metz dirige este doble biopic de carismáticos deportivos personajes de la historia reciente con pulso firme y tono frenético que roza el thriller psicológico, rubricando así una obra atípica pese a su temática por su personal resultado. Este buen hacer le ha abierto la puerta de diversos festivales, participando en Toronto y en la sección de Perlas del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Destacaremos de esta producción el buen hacer de su pareja protagonista. Si bien Shila LaBeouf no suele realizar papeles de nuestro agrado, su encarnación del malhumorado e intenso John McEnroe resulta creíble y medida. Por otra parte, Sverrir gudnason, en la piel del gélido Björn Borg, brilla aún más que su compañero, creando un personaje lleno de misterio y matices de pura carne, hueso y pasión por el deporte.

Efectivo encontramos también el guión de Ronnie Sandahl, que sabe dosificar la historia y dotarla de un crescendo de interés a medida que se acerca su apoteósis. Este factor, ligado a una estupenda labor de montaje y un trabajo visual de los encuentros deportivos muy cuidado consigue no sólo entretener, sino inyectar adrenalina a su público aún incluso para aquellos que recuerden el desenlace de los hechos narrados.

Un vehículo de agradable entretenimiento tan apto para adeptos al tenis como para profanos en una película de correcta factura formal, narrativa e interpretativa.

Valoración:6/10
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Custodia Compartida - Xavier Legrand

Título original: Jusqu'à la garde

Año: 2017
Duración: 93 min.
País: Francia

Dirección: Xavier Legrand
Guión: Xavier Legrand

Reparto: Léa Drucker,  Denis Menochet,  Thomas Gioria,  Mathilde Auneveux,  Coralie Russier

Productora: K.G. Productions

Myriam y Antoine son un matrimonio roto, su relación ha llegado a su fin y nada queda más allá de los trámites de la separación. Ella tratará de quedarse con la custodia exclusiva de su hijo, alegando el carácter violento de su padre, cosa que él niega con tal vehemencia que conseguirá que la justicia desestime la petición y les sea concedida la custodia compartida del pequeño. Es el fin, pero también el comienzo de un  doliente viaje al odio más profundo en el que la violencia susurra tras cada gesto, grito y silencio, por desatarse...

Xabier Legrand escribe y dirige esta película que pese a su envoltura de aparente drama costumbrista esconde una muy potente propuesta que golpea al espectador y se queda en su memoria aún mucho después de su visionado. Tal resultado le ha reportado el reconocimiento con cinematográficos premios en el Festival de Venecia, donde recibió los galardones de mejor director y ópera prima y el Festival Internacional de Cine de San Sebastián donde se alzó con el premio del público a la mejor película europea y el galardón de TVE.

Grandes son las virtudes de esta cinta, que si bien escapa de cualquier tipo de espectacularidad en su puesta en escena, tratando de crear una sensación de inmediata empatía con un retrato hiper realista del proceso de separación, las relaciones y situaciones cotidianas, logra absorber tanto el interés como el ánimo de la audiencia con una verosimilitud máxima.

Para lograrlo se asienta sobre dos claros pilares. En primer lugar, la labor de su elenco protagonista, inspirado y medido hasta el extremo del mínimo detalle en cada gesto e interacción. En segundo lugar, el potente guión que sabe dosificar las emociones, creando una increíble sensación de cercanía e identificación con sus personajes y circunstancias para luego lanzar a la audiencia al abismo del terror más asfixiante por lo auténtico y creíble del mismo.

En conclusión, estamos ante una obra que sorprende por el emocional impacto que genera. Una película absolutamente necesaria por su sincera mirada a una situación tan tristemente real que asusta el mirarla de frente mientras Legrand sostiene nuestros párpados temblorosos y aplasta nuestro corazón entre sus dedos. Una película para ver, debatir y no olvidar. Muy recomendable.

Valoración:8/10
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Una Especie de Familia - Diego Lerman

Título original: Una especie de familia

Año: 2017
Duración: 95 min.
País: Argentina

Dirección: Diego Lerman
Guión: Diego Lerman, María Meira
Música: José Villalobos
Fotografía: Wojciech Staron

Reparto: Bárbara Lennie,  Daniel Aráoz,  Claudio Tolcachir,  Yanina Ávila,  Paula Cohen

Productora: Coproducción Argentina-Brasil-Polonia-Francia-Alemania; El Campo Cine / Bossa Nova Films / Staron Films / Bellota Films / 27 Films Production / INCAA / Productora MG / Red Rental / Snowglobe Films / Telefe

Malena es una mujer de éxito, pero se siente incompleta, la necesidad de ser madre grita y no puede dejar de escuchar esa llamada interior. Para ello habrá de recurrir a un vientre de alquiler, y ese viaje pondrá a prueba su cordura y resistencia. Todo parece ir bien, pero una serie de acontecimientos lo pondrán todo del revés y Malena habrá de tomar duras decisiones....

Diego Lerman (La Mirada Invisible, Refugiado...etc) dirige y escribe (junto a María Meira) esta película que se debate entre el drama social y el thriller, intensa y contundente, que le permitió colarse en la Sección Oficial competitiva en el 65 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Esta coproducción internacional se viste de correctas formas técnicas para poner ante nuestros ojos tanto el viaje físico como emocional de esta mujer decidida a ser madre por todos los medios. Su ambientación sabrá reflejar en sus escenarios todo el dolor, el miedo, la rabia y la esperanza de forma efectiva al servicio de una historia interesante y bien contada.

Pero si algo brilla por encima de todas las cosas en "Una Especie de Familia" es la maravillosa interpretación de Bárbara Lennie, que, tal y como nos tiene acostumbrados, borda el retrato de una mujer rota pero en cuyo interior laten fuerzas imparables para luchar por aquello que desea por encima de todas las cosas. Bárbara es el corazón de la película y su latido es ensordecedor.

Con todo ello, estamos ante una película con una estructura narrativa y contenidos interesante (sin ser sorprendente), bien realizada y mejor interpretada, ideal para pasar una hora y media de buen y cuidado cine.

Valoración:6/10
Trailer:

El Viaje de sus Vidas - Paolo Virzì

Título original: The Leisure Seeker

Año: 2017
Duración: 112 min.
País: Italia

Dirección: Paolo Virzì
Guión: Stephen Amidon (Novela: Michael Zadoorian)
Música: Carlo Virzì
Fotografía: Luca Bigazzi

Reparto: Helen Mirren,  Donald Sutherland,  Kirsty Mitchell,  Robert Walker Branchaud, Joshua Mikel,  Christian McKay,  Robert Pralgo,  Joshua Hoover,  Raul Colon, John Archer Lundgren,  Elijah Marcano,  Carlos Guerrero,  Matt Mercurio, David Silverman,  Richard Pis

Productora: Indiana Production Company / Bac Films / Rai Cinema

Ella y John están en el ocaso de sus vidas. Él, víctima del alzheimer, ella del agotamiento y fragilidad de la edad, están cansados de la constante vigilancia y supervisión de médicos y familiares. Dispuestos a vivir su última aventura, se montarán en su autocaravana sin previo aviso y comenzarán un iniciático viaje que les llevará no sólo a recorrer el país, sino a visitar sus recuerdos, vivir su relación con una intensidad que estaban olvidando, y mirar la enfermedad y la vejez de frente.

Paolo Virzì (El Capital Humano, Locas de Alegría...etc) adapta la novela de Michael Zadoorian para dar forma a esta comedia dramática de universales temas que gracias al trabajo de sus dos intérpretes principales le ha abierto la puerta al circuito de festivales como Toronto, Venecia o la sección de Perlas del 65 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

La película, si bien tiene un regusto a "ya vista", tanto por su estructura narrativa como por lo previsible de la mayoría de situaciones y giros argumentales, resulta agradable por su honestidad. "The Leisure Seeker" busca la sonrisa desde el humor tanto amable como negro, y no aparta la mirada de lo más crudo de la enfermedad, no obviando el dolor físico y mental que provoca tanto a la víctima como la mella que horada en aquellos que lo acompañan.

Pero si algo grande tiene este film es la fantástica interpretación de su pareja protagonista, Helen Mirren y Donald Sutherland, que la elevan de la mediocridad con su trabajo sincero, verosímil y lleno de matices, sinedo ellos, más que una historia mil veces contada, quienes remueven sonrisas y emociones entre el público.

Con todo ello, "El Viaje de Sus Vidas" es una película simpática, divertida y agradable para pasar el rato, que no perdurará en la memoria cinéfila, pero que gracias a sus interpretaciones, hace que merezca la pena subirse a esa caravana y acompañar a estos dos grandes intérpretes en su aventura.

Valoración:6/10
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Happy End - Michael Haneke

Título original: Happy End

Año: 2017
Duración: 110 min.
País: Austria

Dirección: Michael Haneke
Guión: Michael Haneke
Fotografía: Christian Berger

Reparto: Isabelle Huppert,  Jean-Louis Trintignant,  Mathieu Kassovitz,  Fantine Harduin, Toby Jones,  Franz Rogowski,  Laura Verlinden,  Aurélia Petit,  Hille Perl, Hassam Ghancy,  Nabiha Akkari,  Joud Geistlich,  Philippe du Janerand, Dominique Besnehard,  Bruno Tuchszer,  Alexandre Carriere,  Nathalie Richard, David Yelland,  Maryline Even,  Frédéric Lampir,  Jack Claudany,  Waël Sersoub, Marie-Pierre Feringue,  Maëlle Bellec,  David El Hakim,  Timothé 'Tim' Buquen

Productora: Coproducción Austria-Francia-Alemania; Les Films du Losange / X Filme Creative Pool / Wega-Film / arte France Cinéma / France 3 Cinéma / WDR / Bayerischer Rundfunk / Arte France / Canal+ / Ciné+ / CNC / France télévisions / ORF Film/Fernseh-Abkommen / Filmförderungsanstalt / Eurimages

"Happy End" nos adentra en el seno de una familia burguesa, acomodada y pudiente, para radiografiar los demonios interiores de cada uno de sus integrantes y la envenenada red de amor y odio que los une entre ellos.

Michael Haneke reúne en esta obra intérpretes y referencias a sus obras de impacto del pasado para tratar de hacer un collage de auto referencias que incluso, a tramos, pueden entenderse como auto paródicas.  Este recurso no es negativo en si mismo y pudiera haber resultado incluso simpático guiño a sus seguidores. Sin embargo, el hecho de que el núcleo del film, más allá de las referencias, no tenga apenas fuerza alguna, debilita inexorablemente el conjunto.

Sus intérpretes, como no podía ser de otra forma, insuflan gran vida y carisma a sus personajes, que sin embargo se desinflan por la sensación de "ya vistos" en proyectos de mayor envergadura y trascendencia.

"Happy End" tiene grandes momentos puntuales para el recuerdo, escenas o diálogos de impacto, planos magistrales como sólo este director puede crear, pero son islas dentro de un océano de indiferencia que no son suficiente para salvar un conjunto que hace aguas.

Haneke se ubica en una posición de comodidad y nulo riesgo, asido a las que sabes son sus fortalezas, ofreciendo una película correcta, diría que hasta un poco insípida, que no golpea al espectador para bien o para mal como hacían sus trabajos anteriores, y eso, ante las expectativas que genera un director de este calibre, esa indiferencia que genera, me resulta peor que un riesgo fallido. Prescindible.

Valoración:4/10

C'est la Vie - Le Sens De la Fête - Olivier Nakache y Eric Toledano

Título original: Le sens de la fête

Año: 2017
Duración: 115 min.
País: Francia

Dirección: Olivier Nakache,  Eric Toledano
Guión: Olivier Nakache, Eric Toledano
Música: Avishai Cohen
Fotografía: David Chizallet

Reparto: Jean-Pierre Bacri,  Vincent Macaigne,  Kevin Azaïs,  Suzanne Clément, Gilles Lellouche,  Judith Chemla,  Jean-Paul Rouve

Productora: Gaumont / Quad Productions

La celebración de una lujosa boda en un castillo francés del Siglo XVIII es el eje argumental de "Le Sens de la Fête". Desde los primeros preparativos hasta la apoteosis final, viviremos la experiencia de un evento para el recuerdo. El organizador de la fiesta, el cantante, los camareros, los invitados... todos y cada uno de ellos tienen una historia que contar, una peculiar forma de vivir y concebir la fiesta, y su unión y relaciones harán de una boda que se prometía clásica y fastuosa, una orgía de carcajadas y situaciones imposibles.

Olivier Nakache y Eric Toledano, tras el éxito global que fue "Intocable" y el más discreto de "Samba" regresan en busca de la sonrisa cómplice de su audiencia con esta comedia de enredo con la que compitieron la Sección Oficil del 65 Festival Internacional de Cine de San Sebastián logrando la reverencia del público pero no tanto de la crítica especializada que no se rindió de forma unánime a su propuesta.

Toledano y Nakache se ocupan en esta ocasión también del guión del film, esqueleto y piedra angular del mismo, pues es en sus páginas donde se esconde una imparable e inagotable cadena de gags y situaciones cómicas del más variado tono y forma a través de las cuales se narra la historia de esta babilónica boda. Ágil y frenético, el relato se aúna con un montaje vertiginoso que hace de las casi dos horas de duración de la película un suspiro en el que apenas hay tiempo para el relax, tan variopinto como es el abanico de personajes que despliega y la cantidad de hilarantes situaciones que los caracterizan y unen.

Intachable es la labor de su elenco que, aunque en muchos casos roza la caricatura, da vida a organizadores e invitados de un loco evento. Todos ellos saben llamar a la empatía, simpatía o dulce odio sin perder la sonrisa, un gran trabajo de equipo.

Quizás por todo lo presentado, la película no resulta demasiado trascendente más allá de un vehículo de pura alegría. Eso sí, pese a que, quien aquí escribe no es amante de la comedia, admito que resulta un trabajo coral faraónico ante el que quitarse el sombrero por tan bien como están trenzadas sus tramas, como por cómo están llevadas a la pantalla, con un saber hacer técnico que es un deleite para la retina por su elegancia y buen pulso.

En conclusión, estamos ante una película que no pasará a los anales de la historia, pero que resulta una propuesta amable y altamente disfrutable para desconectar la mente y dejarse llevar por su amable discurso que de forma inexorable llama a la sonrisa y buen humor.

Valoración:7/10
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Nos vemos allá arriba - Albert Dupontel

Título original: Au revoir là-haut - See You Up There

Año: 2017
Duración: 114 min.
País: Francia

Dirección: Albert Dupontel
Guión: Albert Dupontel, Pierre Lemaitre (Novela: Pierre Lemaitre)
Fotografía: Vincent Mathias

Reparto: Mélanie Thierry,  Laurent Lafitte,  Émilie Dequenne,  Niels Arestrup,  Albert Dupontel, Nahuel Pérez Biscayart,  Frans Boyer,  Travis Kerschen

Productora: ADCB Films / Manchester Films

A principios del Siglo XX, dos amigos, supervivientes de la guerra, regresarán arrastrando secretos y experiencias traumáticas, además de físicas secuelas del conflicto. En absoluto dispuestos a regresar a su vida anterior, juntos conspirarán para elaborar un intrincado engaño que les reporte la riqueza suficiente para comenzar una nueva existencia. Sin embargo, el pasado del que tratan de escapar acecha y amenaza con destruir todos sus renovados sueños.

Albert Dupontel (9 Meses de Condena) firma su propuesta más creativa y opulenta hasta el momento con "See You Up There", una fábula que pese a nutrirse de tristes y dolientes elementos, es una oda a la esperanza. Con su creatividad y particular narrativa, logró colarse en la Sección Oficial del 65 Festival Internacional de Cine de San Sebastián dentro de las Proyecciones Especiales, consiguiendo el favor de crítica y público.

"Nos Vemos Allá Arriba" se asienta sobre sus dos intérpretes principales, que bordan unos carismáticos personajes para el recuerdo con los que la empatía despierta de forma automática y nada cuesta dejarse llevar en su peculiar viaje vital y emocional.

Otra de sus más potentes bazas reside en lo visual. No sólo recrea una época y la viste de gala con su rica puesta en escena y sus detallados ambientes, con un mimado vestuario y dirección artística, sino que consigue generar una imaginería propia. La inclusión de la galería de máscaras y teatrales recursos que utilizan sus personajes, la revise de un toque artístico, e incluso onírico, que eleva su relato al tono que disfraza el dolor de fantástica fábula.

Con todo ello, y pese a sus dos horas de duración, la película resulta un más que agradable viaje, no sólo por su belleza visual, tan creativa, sino también por su cuidado al retrato de personajes y la calidad de la adaptación de la novela de Pierre Lemaitre, que logra que la audiencia, aún respirando tristeza, sonría ante los valores que defiende entre agridulces lágrimas. Recomendable.

Valoración: 7/10
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The Captain - Robert Schwentke

Título original: Der Hauptmann

Año: 2017
Duración: 118 min.
País: Alemania

Dirección: Robert Schwentke
Guión: Robert Schwentke
Música: Martin Todsharow
Fotografía: Florian Ballhaus (B&W)

Reparto: Max Hubacher,  Milan Peschel,  Frederick Lau,  Bernd Hölscher,  Waldemar Kobus, Alexander Fehling,  Samuel Finzi

Productora: Coproducción Alemania-Francia-Polonia; Filmgalerie 451 / Alfama Films / Opus Film

Corren tiempos de la II Guerra Mundial. En la Alemania nazi un joven soldado raso, azotado por el frío y el hambre, perdido en un área rural, vestirá el atuendo de un capitán caído para salvarse de las gélidas temperaturas. Sin embargo, su nuevo aspecto despertará el miedo y respeto de cuantos se crucen en su camino, haciendo así que adopte la identidad del capitán fallecido, se embriague de poder, y reúna un grupo de soldados junto a los que sembrar el terror a su paso.

Robert Scwentke escribe y dirige esta película que, elegante a la par que incómoda, pasó por la Sección Oficial a Concurso del 65 Festival Internacional de Cine de San Sebastián logrando, no sólo buenas críticas y el beneplácito del público, sino también el galardón a la mejor fotografía.

En "The Captain" destacaremos lo absorbente de una historia bien contada, cómo nos va atrapando desde su mismo inicio en el viaje a los infiernos de un joven que llega a nuestras retinas desvalido y es corrompido por el poder, aquel que despierta el lado más oscuro, la oscura cara oculta del ser humano. Su carrera hacia la destrucción y la crueldad más absoluta se siente inexorable instalándose una sensación de anticipada tragedia que logra atrapar el ánimo y la atención de eficaz forma.

Además de la ya citada fotografía, un elegantísimo y bien aprovechado trabajo en blanco y negro  que subraya emociones y torna aún más crudas las escenas más desagradables, destacaremos la dirección artística del film, con una estupenda labor de ambientación, y el desempeño de un grupo de actores que dan credibilidad a sus creaciones de una forma estupenda.

En su contra juega sólo quizás el hecho de que la historia se dilata demasiado y tiene algún tramo de estancamiento en su espiral viaje a la locura y violencia, dejando un cierto sabor a que empieza algo mejor de lo que termina.

Pese a ello y en términos globales estamos ante una estupenda obra, incómoda en su relato, pero efectiva y elegante en su ejecución. Una propuesta más que interesante.

Valoración:7/10
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La Buena Esposa - Björn Runge

Título original: The Wife

Año: 2017
Duración: 100 min.
País: Suecia

Dirección: Björn Runge
Guión: Jane Anderson (Novela: Meg Wolitzer)
Música: Jocelyn Pook
Fotografía: Ulf Brantås

Reparto: Glenn Close,  Jonathan Pryce,  Elizabeth McGovern,  Christian Slater,  Logan Lerman, Harry Lloyd,  Max Irons,  Annie Starke.

Productora: Coproducción Suecia-Estados Unidos; Tempo Productions Limited / Anonymous Content / Meta Film

Joan y Joe Castleman son un matrimonio perfecto, exitoso y amante. Él va a recibir el reconocimiento internacional con el Premio Novel de literatura y este hecho desatará una serie de acontecimientos que pondrán al descubierto todos los claroscuros tras la pareja. Joan lleva cuarenta años a su lado, sacrificándolo todo por él, sus sueños, sus ambiciones... pero ha llegado el momento de reivindicarse a sí misma.

Björn Runge, quien dirigiera "Happy End", premiada en San Sebastián, regresa con "The Wife" a clausurar, fuera de concurso, el Festival de Cine Internacional con una agradable película que nos regala una interpretación para el recuerdo.

La película, discreta en sus formas, se viste de corrección técnica y narrativa para contarnos la historia de esta carismática pareja. Sin embargo, su estilo visual y puesta en escena, así como su estructura, se quedan en un terreno tan seguro y conocido, que escasamente impacta por su absoluta falta de riesgo y sorpresa.

Será en sus intérpretes principales donde encontraremos el aliciente que hace que su visionado merezca la pena. Jonathan Pryce está estupendo como el gran hombre tras  el que se esconde una aún más grande mujer, Glenn Close. Ella es, sin duda alguna, el pilar del film, y una vez más nos regala una interpretación para quitarse el sombrero, de una fuerza dramática, tanto en su parte más contenida, como en su explosión emocional, que eleva la película más allá de la aparente mediocridad rubricando un personaje para el recuerdo.

Con todo ello, "La Buena Esposa" es una película sencilla, agradable para pasar el rato, de fácil consumo y olvido, a la que merece la pena darle una oportunidad para disfrutar de una Glenn Close estupenda.

Valoración:6/10

Pororoca - Constantin Popescu

Título original: Pororoca

Año: 2017
Duración: 152 min.
País: Rumanía

Dirección: Constantin Popescu
Guión: Constantin Popescu
Fotografía: Liviu Marghidan

Reparto: Bogdan Dumitrache,  Iulia Lumânare,  Constantin Dogioiu,  Stefan Raus, Adela Marghidan

Productora: Coproducción Rumanía-Francia; Scharf Advertising / Irreverence Films

La película nos introduce en la vida de Cristina y Tudor, una pareja plena, feliz con sus trabajos, sus dos hijos y su apartamento... Todo marcha y fluye a la perfección hasta que un día, como otro cualquiera en el que Tudor lleva a sus hijos al parque, la pequeña desaparece sin dejar rastro.
A partir de ahí comienza un viaje al miedo, la culpa y la desesperación que pondrá a prueba no sólo sus relaciones sino la propia cordura presa de esperanzas rotas.

Constantin Popescu dirige y escribe esta peculiar propuesta con la que regresó al Festival Internacional de Cine de San Sebastián, en esta ocasión compitiendo su película en la Sección Oficial y alzándose con el merecido premio al mejor intérprete masculino para su protagonista, Bogdan Dumitrache, además de ser uno de los films más comentados de la edición.

"Pororoca" es un producto atípico, una experiencia cinematográfica diferente. Por un lado, nutre sus formas de interminables planos fijos de una naturalidad y verosimilitud inusitada que hace de la híper realidad mostrada en pantalla algo tan auténtico y voyeur que llega a llamar al escalofrío (como en el tramo que atañe a la desaparición de la niña). Por otra parte, lo que podía parecer un thriller sobre la búsqueda de la pequeña, gira el foco de atención hacia la figura paternal y el viaje torna hacia la paranoia y la autodestrucción a medida que la esperanza se rompe y desangra su ánimo y cordura, un acertado viaje a los infiernos de la desesperación que traspasa la pantalla.

Por ello la labor de su intérprete principal es piedra angular del funcionamiento del film, y Dumitrache supera con creces la dura prueba en una transformación física y psicológica que quita el aliento, por lo que desde aquí aplaudimos su galardón, reconocimiento a un gran trabajo bien hecho.

Bien es cierto que en su contra juega una dilatadísima duración que roza las dos horas y media. Ante este factor tenemos sensaciones encontradas ya que, si bien reconocemos que podía haberse narrado la misma historia en un tercio de su duración, curiosamente no se hace pesado ni aburrido que se alargue tanto...

En conclusión, "Pororoca" es una película no apta para todos los gustos, con una narrativa diferente y arriesgada que nos embarca en un viaje al absoluto dolor de una vida rota con intensa verdad. Interesante.

Valoración:6/10
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La Douleur - Emmanuel Finkiel

Título original: La douleur

Año: 2017
Duración: 127 min.
País: Francia

Dirección: Emmanuel Finkiel
Guión: Emmanuel Finkiel (Novela: Marguerite Duras)
Fotografía: Alexis Kavyrchine

Reparto: Mélanie Thierry,  Benoît Magimel,  Benjamin Biolay,  Shulamit Adar, Grégoire Leprince-Ringuet,  Emmanuel Bordieu,  Elsa Amiel,  Brett Gillen, Grégoire Gros,  Christine Riviere-Anissa,  Myriam Riviere-Anissa

Productora: Cinéfrance Plus / Les Films du Poisson

Corre el año 1944 en una Francia ocupada por los nazis. Allí conoceremos a Marguerite y su marido, dos activistas de la Resistencia. Ella, brillante escritora, se verá golpeada por el dolor cuando la Gestapo se lleve a su pareja, y comenzará así su epopeya para recuperarlo. Establecerá para ello arriesgados contactos con el enemigo y comenzarán juegos de engaños, mentiras y traiciones donde la confianza en cada relación será cuestionada por el terror de la duda. El tiempo pasa, la espera va horadando la esperanza y sólo queda el miedo ante un desenlace incierto.

"La Douleur", un intenso drama inspirado en la novela de Marguerite Duras, dirigido por Emmanuel Finkiel, compitió en la Sección Oficial del 65 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde recibió críticas encontradas, quedando la unanimidad restringida al aplauso hacia la interpretación de su actriz protagonista que, para sorpresa de muchos, no fue premiado.

La película recrea una época y sociedad con mimo al detalle en la ambientación y puesta en escena, nos transporta en el tiempo con maestría y sabe enredarnos en su telaraña de miedo y desconfianza que se respiraba en un París hecho ratonera.

Intensa es la labor de Mélanie Thierry encarnando a Marguerite, un papel duro y exigente tanto para mostrarnos sus vivencias como su intenso mundo interior, un viaje a los infiernos del dolor que da título al film.

Sin embargo, algo no funciona en esta propuesta, y es su tono redundante, la pomposidad de un discurso que hace de sus más de dos horas de duración una experiencia innecesariamente alargada con un ritmo no acorde con lo narrado que llama al tedio. El abuso de la voz en off, explicativa del viaje emocional de su protagonista es excesivo y llama al bostezo despertando la desconexión emocional del espectador con la película. Con todo esto, lamentable patinazo de la estructura narrativa, pierden fuerza sus virtudes y el visionado de la cinta se hace pesado y poco satisfactorio, una lástima.

Valoración:4/10
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Soldados, una historia de Ferentari - Ivana Mladenovic

Título original: Soldatii. Poveste din Ferentari

Año: 2017
Duración: 119 min.
País: Rumanía

Dirección: Ivana Mladenovic
Guión Adrian Schiop
Fotografía: Luchian Ciobanu

Reparto: Adrian Schiop,  Vasile Pavel-Digudai,  Stefan Iancu,  Nicolae Marin-Spaniolul, Kana Hashimoto,  Dan Bursuc

Productora: Coproducción Rumanía-Serbia-Bélgica; Hi Film Production / Film House Bas Celik / Frakas Productions

Adi, un antropólogo abandonado por su novia, decide mudarse a Ferentari, un suburbio de Bucarest, dispuesto a realizar un estudio sobre el Manele, el estilo musical de la comunidad que allí habita. En este entorno conocerá a Alberto, un excéntrico ex-presidiario. La relación entre ambos, viciada de intereses, pronto se complicará tornándolos amantes. Ambos exploran y hacen planes de futuro, pero cuando el presupuesto de Adi amenaza agotarse, el interrogante se cruzará en sus caminos.

Ivana Mladenovic trae desde Rumanía esta atípica propuesta cinematográfica que con su sincera mirada hace del espectador voyeur de la vida de sus protagonistas, logrando así colarse en la Sección Oficial a concurso del 65 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

"Soldatii" tiene como principal fuerza motora la labor de su pareja protagonista, un trabajo en el que ambos actores se han dejado la piel para recrear un unos personajes y una relación cargada de verdad y verosimilitud pese a lo extremo e improbable de la misma.

Interesante resulta también el retrato social que realiza, mirando de frente a la pobreza pero también a la alegría de un pueblo pleno de personalidad, sueños y miserias.

En su contra quizás juega un trabajo de guión que se siente, a tramos, improvisado, que avanza a trompicones y adolece de más de un vacío además de viajar entre la ficción y el documental quedándose suspendido en un tono un tanto indefinido.

Con sus virtudes y defectos, "Soldados, una historia de Ferentari", es una película tan arriesgada como interesante, un acercamiento atrevido a un colectivo concreto sin tapujos, un relato que hace del espectador cómplice y espía, embarcándolo en un viaje imperfecto pero que estimula la curiosidad.

Valoración: 5/10
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