What Keeps You Alive - Colin Miniham

Título original: What Keeps You Alive

Año: 2018
Duración: 99 min.
País: Canadá

Dirección: Colin Minihan
Guion: Colin Minihan
Música: Brittany Allen
Fotografía: David Schuurman

Reparto: Hannah Emily Anderson,  Brittany Allen,  Martha MacIsaac,  Joey Klein

Productora: Digital Interference Productions

Una pareja quiere celebrar en la intimidad su primer aniversario de matrimonio. Para lograrlo se desplazarán a la antigua casa de una ellas, ubicada en lo más profundo de un hermoso bosque, un lugar lleno de recuerdos y paz.
Sin embargo, la violencia se cruzará en su camino y el lugar se transformará en trampa mortal y en una carrera por la supervivencia donde se pondrán en tela de juicio hasta las mismas emociones.

Tras films como "Extraterrestrial", "Rastro de Sangre" o "Grave Encounters", Colin Minihan escribe y dirige "What Keeps You Alive", una trepidante película a medio camino entre el thriller y el terror que mantiene al espectador al borde de la butaca de principio a fin y que le ha valido su participación en numerosos festivales de género como la 29 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián donde tuvimos la oportunidad de disfrutarla.

Muy remarcable es el trabajo desempeñado por la pareja de actrices protagonistas. La extrema evolución de sus personajes requería un notable desempeño por su parte para dar credibilidad a los mismos, y ambas cumplen su función sobradamente, dando vida a unos roles para el recuerdo con gran pasión.

A subrayar hallamos también la buena realización del film en cuanto a su parte más visual, con un inteligente uso de los espacios naturales donde se desarrolla y unas sabias decisiones de su cámara y sus movimientos, todo ello aderezado con un agradable frenético montaje que insufla puntos de entretenimiento y disfrute al producto.

Quizás su punto más flaco resida en el guión obra del propio Minihan. Si bien lo encontramos muy brillante en su primera mitad, con acertadísisimos giros y sorpresas, pensamos que luego pierde fuelle,  pretendiendo mantener un nivel de sorpresa y novedad que se le va de las manos. Esto viene dado por la absoluta inverosimilitud de muchos de sus recursos y giros en el último tercio, lo que es una verdadera pena ya que le hace perder enteros a la cinta y dar al espectador una sensación de haber ido "de más a menos".

Con sus virtudes y defectos, "What Keeps You Alive" es un digno thriller para dejarse llevar y pasar un mal rato perdido en los bosques...

Enoch
Valoración:6/10
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The Dark - Justin P. Lange & Klemens Hufnagl

Título original: The Dark

Año: 2018
Duración: 95 min.
País: Austria

Dirección: Justin P. Lange,  Klemens Hufnagl
Guion: Justin P. Lange
Fotografía: Klemens Hufnagl

Reparto: Nadia Alexander,  Toby Nichols,  Karl Markovics,  Margarete Tiesel,  Dan Beirne, Sarah Murphy-Dyson,  Dylan Trowbridge,  Scott Beaudin,  Chris Farquhar.

Productora: Dor Film Wien / First Love Films

En lo más profundo del bosque habita una criatura, una niña que fue víctima de tal extrema violencia que acabó con su vida y humanidad. Ahora sobrevive oculta, cazando y alimentándose de lo que se adentre en sus dominios.
Un asesino criminal huye de las autoridades, y trata de esconderse en esos bosques, con lo que el encuentro de ambos es inevitable y letal. Pero todo cambia cuando la joven depredadora descubre en el maletero del coche del asesino a un niño mutilado, cuyos ojos han sido cosidos, desamparado ante la violencia como un día lo estuvo ella.

Justin P. Lange escribe y dirige esta película tan terrorífica como intimista adaptando al formato de largometraje un corto de él mismo que tiempo atrás le reportó reconocimiento en el circuito de festivales de género. En su día, su versión corta fue presentada con éxito en la Semana De Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, y ahora, su puesta de largo ha visto la luz en el mismo evento en su 29 Edición.

La película se erige más como un relato intimista y de emociones que como un producto de terror al uso, saltándose así todos los clichés que podíamos esperar de ella, lo que encontramos un gran acierto. Es delicada en sus planteamientos y donde mejor funciona es en la comunión de sus dos protagonistas, dos niños, tan víctimas como depredadores, destruidos por una sociedad que ha esculpido su dolor y visión del mundo a golpe de violencia. Los silencios y la intimidad entre ellos están trabajados con maestría y, aunque teñidos de horror, revisten una ternura y emoción inusitadas.

Agradable es la ambientación y labor de maquillaje, así como la fotografía sombría que hace latir la amenaza a cada paso. Igualmente correcta es la labor de sus jóvenes intérpretes, que pese a su corta experiencia, saben dotar a sus personajes de el suficiente peso dramático para dar sentido a la historia.

Un factor que puede resultar molesto al espectador es cómo la película se focaliza en esas relaciones y pequeños detalles en lugar de dar explicaciones sobre lo que acontece o lo que ha acontecido previamente para llevar a los personajes a ciertas situaciones. Personalmente, esta incógnita suspendida no nos ha resultado chirriante, al contrario, refuerza el aura de misterio y el siempre sinsentido que se esconde tras la violencia.

Una película diferente, no apta para todos los paladares, pero que a nosotros nos ha sorprendido gratamente.

Enoch
Valoración:7/10
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One Cut Of The Dead - Shin'ichirô Ueda

Título original: Kamera o tomeru na!

Año: 2018
Duración: 97 min.
País: Japón

Dirección: Shin'ichirô Ueda
Guion: Shin'ichirô Ueda
Fotografía: Tsuyoshi Sone

Reparto: Yuzuki Akiyama,  Takuya Fujimura,  Ayana Gôda,  Takayuki Hamatsu,  Manabu Hosoi, Hiroshi Ichihara,  Satoshi Iwagô,  Sakina Iwaji,  Kazuaki Nagaya

Productora: ENBU Seminar

Un reducido equipo de rodaje se halla realizando una película de terror de Serie B sobre una infección zombie. Lo que era ficción pronto se tornará realidad y sufrirán el ataque de verdaderos muertos vivientes ansiosos de carne humana, lo que tornará su vulgar rodaje en una odisea... llena de sorpresas.

Desde Japón, escrita y dirigida por Shin'ichirô Ueda, llega una de las sensaciones cinematográficas del año, una película que hilando metacine, terror y comedia,  ha rendido a público y crítica a sus pies recibiendo innumerables reconocimientos y galardones a lo largo de un interminable viaje por festivales de todo el mundo. En la 29 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, donde tuvimos la oportunidad de disfrutarla, como no podía ser de otra manera, se alzó con el máximo aplauso, el premio del público al mejor largometraje.

El film se estructura en dos partes claramente diferenciadas, de las que nada detallaremos para no desvirtuar el visionado de aquellos que nos lean y aún no se hayan embarcado en la aventura de ver esta locura zombie (sí, es de esas películas de las que, cuanto menos se sepa antes de verlas, mejor). Estos dos bloques encajan a la perfección, complementándose de manera magistral y haciendo que todo cobre simpático sentido y lógica donde no parecía haber ninguna. Lo que arranca como una propuesta descerebrada se revela como una creación sumamente inteligente y milimetrada, pensada al detalle, con lo que desde aquí recomendamos darle un voto de confianza y no desecharla a los minutos de su arranque...

Pese a su evidente escasez de medios, "One Cut of The Dead" es una película opulenta, rica en amor por el séptimo arte, una pasión que se filtra en su estupendo guión, trabajo actoral y sencilla pero efectiva factura técnica. Todas sus piezas se engarzan a la perfección para hacer del espectador cómplice de las aventuras y desventuras de este equipo de rodaje y sufrir y reír con ellos en pos de conseguir su película. Rara vez una propuesta fundamentada en el formato "cine dentro del cine" funciona de manera tan fresca, entretenida y simpática.

Por todo ello, y pese a lo gamberra, sangrienta y desenfadada que es esta película, pensamos que "inteligente" es la palabra que mejor define la esencia tras ella. Un acierto muy disfrutable no sólo para los amantes del género zombie, o del terror, sino para todo aquel que ame el cine.

Enoch
Valoración:7/10
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Nightmare Cinema

Título original: Nightmare Cinema

Año: 2018
Duración: 118 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Mick Garris,  Joe Dante,  David Slade,  Ryûhei Kitamura,  Alejandro Brugués
Guion: Sandra Becerril, Alejandro Brugués, Lawrence C. Connolly, Mick Garris, Richard Christian Matheson, David Slade
Música: Richard Band, Kyle Newmaster, Aldo Shllaku, J.G. Thirlwell
Fotografía: Andrew Russo, Matthias Schubert, Jo Willems

Reparto: Mickey Rourke,  Richard Chamberlain,  Adam Godley,  Orson Chaplin,  Eric Nelsen, Kevin Fonteyne,  Maurice Benard,  Calista Bess

Productora: Cinelou Films / Cranked Up Films / Good Deed Entertainment / Indy Entertainment

La Semana de Terror viene acogiendo en los últimos años películas de episodios como The ABCs of Death, Chillerama, The Theatre Bizarre o V/H/S. Sin ir más lejos, la pasada edición ha incluido dos de estas propuestas: The Field Guide To Evil y la que ahora nos ocupa. Nightmare Cinema se compone de cinco segmentos, presentados por un siniestro proyeccionista que acoge a sus víctimas en el cine para enfrentarlos a sus miedos más profundos, un maestro de ceremonias al que da vida Mickey Rourke en la mejor tradición del Guardián de la Cripta.

Entre los directores que firman cada historia encontramos los ilustres nombres de Alejandro Brugués (Juan de los muertos), Ryûhei Kitamura (The Midnight Meat Train), David Slade (Hard Candy), Joe Dante (sobran las palabras) y Mick Garris, un tipo curtido en este tipo de obras colectivas que cuenta en su haber con la serie Masters of Horror, de la que esta película parece una especie de sucesora espiritual. Pero una cosa son los apellidos y el currículum y otra los resultados. Y es que aunque el propio formato de las antologías suele tender a ser irregular, lo cierto es que el balance de Nightmare Cinema es bastante decepcionante.

Abre la sesión The Thing in the Woods, de Brugués, con una historia de final girls muy disfrutable que oscila entre la parodia y el homenaje al slasher de los ochenta. La premisa de Mirari, de Joe Dante, no está mal pero su crítica al concepto de la belleza y la cirugía estética se queda en nada. Lo mejor, la participación de Richard Chamberlain. El japonés Ryûhei Kitamura se decanta en Mashit por un corto de posesiones plagado de clichés, niños demoníacos y sacerdotes no menos oscuros. Convence más por su gore gamberro y su estética que por el contenido. This Way to Egress, el segmento de David Slade, tal vez sea el mejor de la colección, una relato de terror psicológico en blanco y negro en el que la protagonista va perdiendo la noción de una realidad que se desdibuja grotescamente a su alrededor. Cierra el film Garris con Dead, una historia de fantasmas ambientada en un hospital que recuerda a lo peor de Cuentos asombrosos, buenista y descafeinada.

Tal vez sería justo valorar cada uno de estos trabajos por separado, en calidad de cortos o mediometrajes, pero como película Nightmare Cinema no destaca especialmente, con un resultado final por debajo de la media. Sobre todo teniendo en cuenta los nombres que la firman. Muchas pesadillas en pantalla para una butaca que se queda fría.

Autor: Keichi
Valoración:6/10

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Inuyashiki - Shinsuke Sato

Título original: Inuyashiki

Año: 2018

Duración: 127 min.

País: Japón



Dirección: Shinsuke Sato

Guion: Hiroshi Hashimoto (Manga: Hiroya Oku)

Música: Yutaka Yamada

Fotografía: Taro Kawazu



Reparto: Takeru Sato, Kanata Hongô, Fumi Nikaidou, Yusuke Iseya, Ayaka Miyoshi, Yuki Saito, Noritake Kinashi, Mari Hamada, Nayuta Fukuzaki



Productora: Pony Canyon

Ichiro Inuyashiki es un adulto en sus 58 años, sin amigos y con una familia que pasa totalmente de él. Tras un día que parece que no puede ir a peor, una misteriosa explosión en un parque público parece matarle a él y a otra persona que había en el parque. En vez de eso despierta con su cuerpo sustituido por un increíblemente poderoso cuerpo robótico provisto de poderosas armas y físicamente idéntico al cuerpo humano normal.

Shinsuke Sato, vuelve a traernos una adaptación de un manga (es el segundo manga de Hiroya Oku que adapta). Manteniendo su estilo y como buen japonés sin cambiar mucho en su estilo y realización de la misma.

Hay que dejar claro que esta película japonesa es sobre todo para japoneses. Para poder sacar más registros de la película, es recomendable estar un poco al corriente de la sociedad japonesa actual (y sus problemas de fondo).

Dicho esto, tenemos una adaptación al manga, “bien” sin muchas diferencias grandes. En la cual se nos presenta a un protagonista donde nada le puede ir a peor (su despido en el trabajo está pendiente de un hilo, su familia le ignora y le esquiva y para colmo le diagnostican cáncer). Y un “villano” (Hiro Shishigami) que inicialmente es un estudiante japonés modelo (sumiso) que con las acciones que se ve obligado a hacer y un suceso determinante en la película que implica a su madre se decanta finalmente por el lado oscuro.

Todo esto se hace de una manera sencilla pero cuidada, con un 3D majo pero que tampoco se le termina de sacar mucho juego y como viene siendo estilo de Sato, no saca más que lo justo de la película. Podría haber desarrollado más el lado dramático y deprimente de los personajes y la sociedad (Bulling, Exceso de trabajo, Familia distante, etc.). Pero al presentarlo levemente y todo ello no terminas de empatizar del todo con el protagonista. Todo ello mantenido con un Deus ex Machina con un ritmo de acción muy japonés hace que lo que podía haber sido una muy buena película, quede en una película “bien” pero sin sorpresas ni nada reseñable que haga que quieras volver a verla.

Autor: Yazston
Nota 6/10
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Liverleaf - Eisuke Naitô

Título original: Misumisô

Año: 2018
Duración: 114 min.
País: Japón

Dirección: Eisuke Naitô
Guion: Miako Tadano (Manga: Rensuke Oshikiri)
Música: Hisashi Arita
Fotografía: Hidetoshi Shinomiya

Reparto: Anna Yamada,  Hiroya Shimizu,  Rinka Ôtani,  Rena Ôtsuka

Productora: L'espace Vision / Nikkatsu / Nippon Shuppan Hanbai (Nippan) K.K / VAP. Distribuida por Nikkatsu International Sales

Haruka es una adolescente terriblemente acosada en su instituto. Todos sus compañeros parecen competir en crueldad hacia ella para conseguir el favor de la joven más popular de la clase que parece odiar a Haruka con suma intensidad.
Pero las bromas y ataques cruzan todo límite cuando la casa de Haruka es arrasada por el fuego, con toda su familia en su interior. La joven queda devastada,  muerta en vida, mientras en su interior comienza a brotar el germen de la venganza.

Eisuke Naito adapta el manga de Rensuke Oshikiri que mira de frente al terrible problema del bullying para narrarnos una historia tan salvaje como bien estructurada. Su buen hacer le permitió participar en la 29 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, donde fue bien recibida por su exigente público.

"Liverleaf" asienta su relato sobre un buen retrato coral de personajes. A lo largo de su metraje nos irá desvelando no sólo el trasfondo y emociones de la protagonista, la víctima de los crueles juegos de sus compañeros, sino de todos los villanos que la rodean, sus emociones y motivaciones (o ausencia de ellas) para comportarse como lo hacen. De esta forma la implicación e interés del espectador en la historia es mayor y su guión más complejo y atractivo.

Pese a lo discreto de la propuesta en cuanto a medios, la película sabe sacar partido de sus puntos fuertes visuales, con grandes escenas de impacto, sobre todo las ligadas con la violencia, milimetradamente escenificada. Acertadísima es su estética de contrastes, cómo enfrenta la absoluta blancura de los parajes nevados, alegoría de la pureza y la supuesta inocencia de aquellos que los transitan, con el salvaje rojo de la sangre, color y latir de la crueldad nacida de la perversidad o de la emponzoñada venganza que pervierten, ambas, la pureza inmaculada de una juventud rota.

En su contra encontramos únicamente aspectos técnicos que empobrecen en cierta forma el resultado. Efectos visuales deficientes y labor de maquillaje mejorable hacen chirriar más de una escena, restando credibilidad y espectacularidad.

Con sus virtudes y defectos, "Liverleaf" es una película tan efectiva como entretenimiento como interesante en su denuncia de una situación tan despreciable como tristemente común.

Enoch
Valoración:7/10
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Nación Salvaje - Sam Levinson

Título original: Assassination Nation

Año: 2018
Duración: 110 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Sam Levinson
Guion: Sam Levinson
Música: Ian Hultquist
Fotografía: Marcell Rév

Reparto: Bella Thorne,  Bill Skarsgård,  Suki Waterhouse,  Susan Misner,  Joel McHale, Anika Noni Rose,  Maude Apatow,  Cody Christian,  Colman Domingo,  J.D. Evermore, Odessa Young,  Noah Galvin,  Joe Chrest,  Hari Nef,  Kelvin Harrison Jr.,  Cullen Moss, Abra,  Danny Ramirez,  Lukas Gage,  Jeff Pope,  Jennifer Morrison

Productora: Foxtail Entertainment / Phantom Four / Bron Studios / Creative Wealth Media Finance. Distribuida por Universal Pictures / Neon [USA]

"Nación Salvaje" nos acerca a las vidas de cuatro amigas, cuatro adolescentes muy diferentes entre ellas pero muy unidas. Pese a su éxito y popularidad, su imagen se verá destrozada por la labor de un hacker que comienza a sacar a la luz todos los secretos que ocultan en sus redes y medios digitales. Además de sus vergüenzas, saldrán a la luz las de otras figuras de su comunidad, poniendo la vida de todos ellos patas arriba.

Sam Levinson escribe y dirige esta potente y agresiva película que remueve conciencias y resulta de rabiosa actualidad. Un acierto que le ha permitido participar en numerosos festivales como Sitges o la 29 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, con éxito.

La película se divide en dos claramente diferenciadas partes. Una primera en que nos introduce en el mundo y vida de estas adolescentes y su entorno. Sus relaciones, sus preocupaciones e inquietudes se pondrán sobre la mesa. Tras el punto de inflexión en que todo se hace público, arranca el segundo tramo del film, que toma la rabia e hipocresía del pueblo como arma y desata la violencia. Ambas partes funcionan como un reloj y se complementan con coherencia como clara causa y consecuencia de unas vidas y conciencias contemporáneas.

Destacaremos la labor de su elenco protagonista, con unas jóvenes que dan lo mejor de sí mismas para dar vida a unos intensos personajes que saben dotar de pasión y autenticidad y que brillan en más de un discurso a recordar.

Notable es el apartado visual del film, que aunque a tramos puede hacer alarde un lenguaje de videoclip, deslumbra y dota de un ritmo notable a la cinta, escondiendo más de una escena brillante por su realización técnica que absorbe por completo la atención y emoción del espectador.

Por último y más importante, hablaremos del guión, su punto más fuerte y piedra angular sobre lo que todo lo demás gira. Sus páginas están llenas de aciertos, enfocando su mirada en la juventud actual y sus problemáticas, sin tapujos ni eufemismos. Por otro lado, el aspecto ligado a lo tecnológico, que actualiza y hace contemporáneo su discurso y realiza una notable crítica a la hipocresía imperante. Un trabajo valiente e inteligente.

Con todo ello estamos ante una atrevida película bien realizada, interpretada y, sobre todo, escrita, que logra no sólo brillar en lo visual y maximizar el entretenimiento, sino que hace pensar, y, sobre todo, debatir.

Enoch
Valoración:7/10
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El Año de la Plaga - Carlos Martín Ferrera

Título original: El año de la plaga

Año: 2018
Duración: 96 min.
País: España

Dirección: Carlos Martín Ferrera
Guion: Ángeles Hernández, Miguel Ibáñez Monroy, David Matamoros, Marc Pastor (Novela: Marc Pastor)
Música: Poncho Toledo
Fotografía: Miquel Prohens

Reparto: Miriam Giovanelli,  Ana Serradilla,  Ivan Massagué,  Brays Efe,  Silvia Abril, Natalia Sánchez,  Marta Castellote,  Maria Molins,  Fermí Reixach,  Amparo Moreno, Canco Rodríguez,  Maaike Cafmeyer,  Nacho San José,  Sue Flack,  David Krohnert

Productora: Coproducción España-México-Bélgica; Zentropa Spain / Neo Art Producciones / Cinema226 / De Hofleveranciers / Televisión de Galicia (TVG)

Victor es un joven triste y desorientado tras la pérdida de su novia. Todos intentan animarle e instarle a que busque una nueva relación, pero él resulta inconsolable. Pero un giro inesperado de los acontecimientos hará que vuelva a tomar contacto con ella. Todo el mundo a su alrededor comienza a perder las emociones y los recuerdos, tornarse carcasas vacías y amenazantes. Victor verá así la oportunidad de ser el héroe de la situación, como aquellos de las películas y literatura que tanto ama. Pero en un mundo en que no puedes saber en quién confiar, todo se complica...

Carlos Martín Ferrera adapta a la gran pantalla una novela de Marc Pastor para arrastrarnos a una realidad donde la humanidad corre peligro y sólo la labor de un hombre común puede dar la vuelta a la situación. Una propuesta patria con escasa originalidad en sus venas que le permitió participar en el festival de Sitges o la 29 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián con escaso éxito.

Varias son las debilidades que hacen que la cinta no termine de funcionar. En primer lugar, la labor de su elenco de actores y actrices protagonistas, rostros conocidos, sobre todo el panorama televisivo, con los que hemos de hacer un esfuerzo extra para alejarlos de los roles a los que  nos tienen acostumbrados, pero cuyas actuaciones en la película tampoco brillan por su pasión o credibilidad.

Pero es quizás el guión su punto más flaco. El desarrollo de la trama no termina de enganchar y se ve lastrado por un humor que pretende buscar la complicidad del sector más friki de la audiencia, elemento del que se abusa y que pronto pierde gracia. A ello se le unen situaciones de inverosimilitud máxima y giros de absoluta previsibilidad.

Estamos, lamentablemente y por todo lo expuesto, ante un proyecto que no alcanza las expectativas. Una historia que no apasiona con unos actores que no convencen hunden "El Año de la Plaga" pese a ciertas bonanzas en su realización visual, una lástima.

Enoch
Valoración:3/10
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Muere, Monstruo, Muere - Alejandro Fadel

Título original: Muere, monstruo, muere - Murder Me Monster

Año: 2018
Duración: 109 min.
País: Argentina

Dirección: Alejandro Fadel
Guion: Alejandro Fadel
Música: Alex Nante
Fotografía: Julián Apezteguia, Manuel Rebella

Reparto: Esteban Bigliardi,  Francisco Carrasco,  Tania Casciani,  Romina Iniesta,  Victor Lopez, Sofía Palomino,  Jorge Prado,  Stéphane Rideau

Productora: La Unión de los Ríos

La aparición del cadáver de una mujer decapitada en una apartada zona rural de la cordillera de los Andes desencadenará una sucesión de oscuros acontecimientos. Cruz será el policía encargado de la investigación, y tendrá en su foco de sospecha desde el origen al marido de su amante, Francisca. Pero con la captura del hombre, que asegura que la culpa de los fatídicos hechos vienen originados por un terrible monstruo, no terminan las muertes ni los misterios, al contrario...

"Murder Me, Monster" llega desde Argentina escrita y dirigida por Alejandro Fadel. Estamos ante una propuesta cinematográfica diferente y arriesgada, que le ha permitido participar en festivales tan dispares como Cannes, Sitges o la 29 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, con desiguales resultados.

La película triunfa a la hora de traer a la pantalla la soledad de la desolación de los grandes espacios, aquellos donde los personajes son diminutos, donde sobreviven a una naturaleza salvaje y a la propia soledad. motores de sus vidas. Su aislamiento y modo de vida, subrayado con evidente feismo por la película, enfatiza la extravagancia de sus caracteres y actitudes, todo un riesgo y acierto.

El otro punto fuerte de la cinta reside en la misteriosa y viciada atmósfera que crea,  en la que en ocasiones parecen respirarse aromas a Lynch, Jodorowsky o Lovecraft. La locura está a un paso, susurrando con la muerte, el mal se oculta tras cada rincón, cada risco y rostro enjuto... y ese pulso mantenido da una inusitada potencia de ánimo al relato.

Sin embargo, encontramos el guión de Fadel demasiado sugerente y no narrativo, demasiado abierto. Si bien hallamos agradables aquellas propuestas que exigen mucho del espectador y que resultan abiertas a interpretación, pensamos que "Muere, Monstruo, Muere" se excede en ello, además de lograr hacer perder a la audiencia el rumbo argumental en demasiadas ocasiones logrando con ello diezmar el disfrute de la película y perder el interés.

Un producto cuidado en lo formal y con un fondo tambaleante que si bien no termina de funcionar del todo en su conjunto, sí que pone a Fadel en el punto de mira como sugerente y peculiar realizador.

Enoch
Valoración:5/10
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Abrakadabra - Luciano y Nicolás Onetti

Título original: Abrakadabra

Año: 2018
Duración: 90 min.
País: Argentina

Dirección: Luciano Onetti,  Nicolás Onetti
Guion: Carlos Goitia, Luciano Onetti, Nicolás Onetti
Música: Luciano Onetti
Fotografía: Carlos Goitia

Reparto: Germán Baudino,  María Eugenia Rigón,  Gustavo Dalessanro,  Clara Kovacic, Raul Gederlini,  Juan Bautista Massolo

Productora: Coproducción Argentina-Nueva Zelanda; Black Mandala / Guante Negro Films

"El Gran Dante" fue un afamado mago que vio el fin de sus días mientras ejecutaba un peligroso truco que acabó con su carrera y su vida. Más de tres décadas después su hijo seguirá sus pasos, llenando los teatros con su espectáculo como prestidigiditador. Sin embargo, su éxito se verá amenazado por una serie de crímenes cuidadosamente orquestados para inculparle. El misterio estás servido.

Luciano y Nicolás Onetti nos traen desde Argentina esta curiosa cinta que es un íntegro homenaje a un subgénero del terror que se resiste a morir, el giallo. Su arriesgada propuesta formal ha permitido su participación en diversos festivales de género como Sitges o la 29 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián.

Para evocar al Giallo, "Abrakadabra", no sólo utiliza el italiano, idiona nativo de este subgénero, sino que viste su fotografía (obra de Carlos Goitia) de intensos colores, reinando el rojo más sangriento en cada fotograma. Igualmente cuida su puesta en escena y dirección artística para retrotraernos en el tiempo, tanto que sentiremos estar viendo una película del pasado y no contemporánea, una ilusión muy conseguida.

Pese a su efectividad en lo formal, no todo funciona igual de bien en la película. Las interpretaciones de su elenco son bastante discretas y desapasionadas (pese a a algún momento de forzada afectación que cuadra con el estilo del film), más deslucidas aún por un guión pobre y un tanto torpe que avanza a trompicones tratando de dar forma a una compleja trama pero con unos recursos endebles y muy mejorables.

Con todo ello estamos ante una película agradable para aquellos nostálgicos amantes del giallo, pero que no crea poso en la memoria cinéfila más allá de la anécdota de su trabajado formato.

Enoch
Valoración:5/10
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La Casa de Jack - Lars Von Trier

Título original: The House That Jack Built 

Año: 2018
Duración: 155 min.
País: Dinamarca

Dirección: Lars von Trier
Guion: Lars von Trier
Fotografía: Manuel Alberto Claro

Reparto: Matt Dillon,  Bruno Ganz,  Uma Thurman,  Riley Keough,  Sofie Gråbøl, Siobhan Fallon,  Ed Speleers,  Osy Ikhile,  David Bailie,  Yu Ji-tae,  Marijana Jankovic, Robert G. Slade

Productora: Zentropa Productions / Radio (DR) / Film I Väst

Todo lo que Jack quiere es un proyecto de vida, todo lo que necesita es crear una obra magnífica, como el arquitecto construye una casa en la que vivir, obra y refugio, forma de vida. Pero lo que Jack tiene para contar no es bonito. Es anhedonia, muerte, sadismo y filosofía espesa, bastante aburrida. Todo esto nos cuenta Lars Von Trier en el camino de su personaje principal –Matt Dillon- al infierno, guiado por Verge –Bruno Ganz-, un Virgilio que en este viaje no será emisor sino receptor de los infiernos personales de su acompañante.

El director, fiel a su lirismo retorcido, embarca al espectador en un viaje en el que los trastornos atormentan a su protagonista, y a sí mismo, para hacernos partícipes de la agonía de la creación desde la enfermedad mental. Depresión, ansiedad, trastorno obsesivo compulsivo, irrealidad, son brochazos de un cuadro de la locura que revela el carácter del personaje ficticio y del que está detrás de la cámara, que aparece de forma implícita y explícita en la cinta.

Así que Von Trier nos lo deja claro, es de él de quien habla, y quiere hacerlos partícipes de su habilidad para contar una historia formalmente impecable –guión, dirección de actores, fotografía- e interesantísima, a la vez que nos suelta sus diatribas mentales. Pura egolatría consciente.

Gran conocedor de los aspectos formales de la psicología, estructura su obra como una sesión de psicología, donde el protagonista vierte toda suerte de ocurrencias, tanto aspectos concretos de la centralidad de su relato -5 escenarios de crimen-, como divagaciones generales.  Verge (y el espectador) debe aguantar pacientemente las digresiones filosóficas que solo parecen divertir al protagonista. Sadismo cinematográfico con un toque de autocompasión, como si quisiera jodernos con sus cortes de ritmo pero también mostrarnos lo que tiene que aguantar de sí mismo todos los días de su vida.

La casa es un elemento clave en términos psicológicos y crecimiento del protagonista. Jack intenta construir varias casas convencionales, pero no consigue culminarlas. Porque la casa que Jack necesita es distinta, y le llevará allí donde pertenece, quemado por una culpabilidad que no consigue sentir pero que le rodea y atormenta desde todas partes, menos desde su interior.
Lars, en un bello canto a la oscuridad, se lanza al más profundo de los infiernos.

Autora: @SihayaKynes
Valoración:10/10
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Los Extraños: Cacería Nocturna - Johannes Roberts

Título original: The Strangers: Prey at Night

Año: 2018
Duración: 85 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Johannes Roberts
Guion: Bryan Bertino, Ben Ketai
Música: Adrian Johnston
Fotografía: Ryan Samul

Reparto: Christina Hendricks,  Bailee Madison,  Martin Henderson,  Lewis Pullman, Leah Roberts,  Emma Bellomy,  Damian Maffei,  Lea Enslin,  Preston Sadleir

Productora: Intrepid Pictures / Mandate Pictures / Relativity Studios / thefyzz

Un matrimonio decide pasar unos días en un camping, propiedad de unos familiares, con sus dos hijos antes de dejar a la más joven, problemática, en un internado.
Esperan pasar juntos unas jornadas de paz y tranquilidad, dado lo desierto del lugar por la época en la que acuden, pero nada más lejos de la realidad.
En la penumbra se ocultan y esperan tres enmascarados, dispuestos a jugar con ellos al gato y el ratón en una noche de sangrienta cacería.

Johannes Roberts, un director capaz de grandes fiascos como "El Bosque de los Malditos" o grandes aciertos como "A 47 Metros", dirige esta secuela que llega una década después de que "Los Extraños" de Bryan Bertino sorprendiera e inquietara a partes iguales.

Esta nueva entrega resulta aceptable en cuanto a sus discretas interpretaciones y el buen uso del espacio elegido para su desarrollo, un camping que se torna laberinto y trampa mortal.

Sin embargo, tiene demasiados elementos en su contra que consiguen que, en esta ocasión, la fórmula no funcione con la misma efectividad. Por una parte, el guión, lleno de agujeros e incoherencias argumentales y situaciones notablemente inverosímiles, hace aguas penalizando la verosimilitud de la propuesta. Por otro lado, tantas han sido las cintas que han adoptado, a lo largo de estos diez años, el formato de slasher y home invasion, que el relato se siente manido y sobre explotado. Esta nueva entrega de "Los Extraños" no contiene nada lo suficientemente novedoso o sorprendente que la eleve sobre esta legión de competidoras.

Aceptable para pasar el rato, si no la analizamos en profundidad ni la tomamos muy en serio. Un producto para consumir y automáticamente olvidar.

Enoch
Valoración:4/10
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The Wind - Emma Tammi

Título original: The Wind

Año: 2018
Duración: 86 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Emma Tammi
Guion: Teresa Sutherland
Fotografía: Lyn Moncrief

Reparto: Caitlin Gerard,  Ashley Zukerman,  Julia Goldani Telles,  Miles Anderson, Dylan McTee,  Martin Patterson

Productora: Divide / Conquer / Soapbox Films

Una mujer se establece con su marido en la frontera norteamericana. Allí tratarán de construir su vida y su familia, alejados de todo y de todos, con la única compañía de unos lejanos vecinos y de la inmensa soledad de los páramos infinitos.
Sin embargo una presencia oscura y amenazante se filtrará en sus vidas, en sus mentes y emociones, un ente maléfico que pugna por acabar con su cordura y sus vidas.

Emma Tammi debuta con esta cinta que bebe del western y el terror a partes iguales para fusionarlos de una peculiar manera que ha atraído la atención sobre la cinta y le ha permitido participar en festivales como Toronto o la 29 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, entre otros.

A favor de "The Wind" apuntaremos las grandes maneras que demuestra en su realización. Visualmente estamos ante un gran trabajo que saca el máximo provecho de la inmensidad de los lugares donde se desarrollan, asfixiando a sus protagonistas con ellos, aplastándolos con la soledad a la que llaman, cortando su ánimo con el viento, letal cuchilla que rasga la cordura, que no halla barreras ni aún en los muros del hogar. Una gran fotografía y una eficiente gestión de sus escenas más terroríficas dan poder a la película y coge esta aún más fuerza con el trabajo de su correcto elenco protagonista que sabe llevar bien a sus espaldas este viaje que nace esperanzado y se torna descenso a los infiernos.

Sin embargo, y pese a las grandes ideas y las buenas formas de llevarlas a cabo, "The Wind" se lastra por un ritmo excesivamente pausado, una gestión de los tiempos demasiado dilatada y un tanto arrítmica, que hace que las tensiones conseguidas se disipen hacia una cierta y puntual sensación de tedio. Su fortalezas hubieran rubricado un mediometraje espectacular e impactante, pero los chirriantes vacíos que pueblan su duración acaban minando el entretenimiento y disfrute de la película.

Con sus pros y sus contras, "The Wind" tiene elementos más que suficientes para poner a Emma Tammi en el punto de mira por sus aciertos y carisma narrativo y consigue que, pese a ser imperfecta, su visionado merezca la pena.

Enoch
Valoración:6/10
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Piercing - Nicolas Pesce

Título original: Piercing

Año: 2018
Duración: 81 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Nicolas Pesce
Guion: Nicolas Pesce (Novela: Ryû Murakami)
Fotografía: Zack Galler

Reparto: Mia Wasikowska,  Marin Ireland,  Christopher Abbott,  Laia Costa,  Maria Dizzia, Wendell Pierce,  Olivia Bond,  Dakota Lustick

Productora: BorderLine Films / Borderline Presents / Memento Films International / Paradise City / YL Pictures. Distribuida por Universal Pictures

"Piercing" nos presenta a un joven ejecutivo, padre y esposo. Tras despedirse de su familia para lo que, en apariencia, es un viaje de trabajo, descubriremos sus verdaderas intenciones. Estas no son otras que contratar un servicio de scort y acabar con la vida de la prostituta de sangrienta y calculada forma.

Nicolas Pesce, aquel que sorprendiera con la sobria y tenebrosa película "The Eyes of my Mother" da un giro radical a sus formas sin abandonar la macabra oscuridad de su tono narrativo en este proyecto del que también es guionista y que le ha permitido participar en diversos festivales, como Sitges o la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, entre otros.

La responsabilidad del buen funcionamiento de esta obra, prácticamente teatral,  recae en gran manera sobre su pareja protagonista y la bien llevada y bizarra química entre ellos. Christopher Abbott (Llega de Noche) en el papel del ejecutivo asesino sabe dotar de un interesante aura de enfermo misterio a su personaje, aunque quizás Mia Wasikowska (Alicia en el País de las Maravillas) encarnando a la prostituta de personalidad al límite lo eclipsa por lo extremo y potente de su creación.

Pese a lo muy reducido de los escenarios donde se desarrolla la película, es reseñable el buen tratamiento visual con el que Pesce viste a la integridad de su película, con muy medidos detalles que estilizan la producción en gran manera. Igualmente agradables son muchos de los giros de guión que va planteando a lo largo de su breve metraje manteniendo al espectador siempre alerta.

Sin embargo, y pese a todas sus virtudes, la película se queda quizás demasiado pequeña dejando la sensación de que, pese a haber sido agradable, perversamente divertida y creativa, podía haber llegado a ser algo mucho más transgresor, grande y memorable. Pese a ello, y sumando lo logrado con "Piercing" a su anterior trabajo, Nicolas Pesce se erige como un director con voz propia a tener en cuenta y seguir la pista.

Enoch
Valoración:6/10
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The Witch: Part 1. The Subversion - Park Hoon-jung

Título original: The Witch: Part 1. The Subversion

Año: 2018
Duración: 125 min.

País: Corea del Sur
Dirección: Park Hoon-jung
Música: Mowg

Reparto: Choi Woo-sik,  Jo Min-Su,  Da-mi Kim,  Park Hee-soon

Productora: Peppermint, Company

Una niña escapa de las garras de una misteriosa organización, tan herida y traumatizada que será víctima de un trastorno amnésico. Años después, ya adulta, lleva una vida discreta con sus padres adoptivos, pero su participación en un popular concurso de talentos llevará su imagen a todos los rincones.
Esta situación hará que su oscuro pasado regrese poniendo en peligro el presente que tanto le ha costado construir, así como hará descubrir a la joven quien realmente es y de lo que es capaz.

Desde Corea del Sur llega esta película, dirigida por Park Hoon-jung (V.I.P, The Tiger...etc) que se presenta como punto de partida de una saga, pero que lejos de ser una mera introducción, es muy disfrutable, compleja y completa en sí misma.

Uno de los apartados más vistosos y trabajados de esta producción es el visual. Técnicamente bien rodada y sacando el mejor partido de sus imágenes, brilla especialmente en sus secuencias de acción, maravillosamente coreografiadas, un deleite tanto para la adrenalina del espectador, como para su retina.

Su otro punto fuerte reside en la historia que guarda su guión, un laberinto de misterios bien trazados y sabiamente dosificados a lo largo de su extenso metraje, revelando lo que se oculta tras las incógnitas inicialmente planteadas de una forma inteligente que maximiza el interés y entretenimiento de principio a fin.

Nada desdeñable es la buena labor de su elenco de intérpretes, que dotan de gran carisma a sus creaciones, sobre todo la actriz protagonista, que sabe dar forma a un personaje que evoluciona, crece y cambia de forma notable al mismo ritmo que su propia historia.

En conclusión, estamos ante un más que agradable thriller que atrapa con sus misterios, oculta una trama lo suficientemente compleja para estimular el intelecto a la par que entretiene con sus giros y buen ritmo. Interesante.

Enoch
Valoración:7/10
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Amityville: El Despertar - Franck Khalfoun

Título original: Amityville: The Awakening

Año: 2017
Duración: 85 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Franck Khalfoun
Guion: Franck Khalfoun
Música: Robin Coudert
Fotografía: Steven Poster

Reparto: Bella Thorne,  Cameron Monaghan,  Mckenna Grace,  Jennifer Jason Leigh, Jennifer Morrison,  Taylor Spreitler,  Thomas Mann,  Kurtwood Smith, Hunter Goligoski,  Dan Martino,  Brian Breiter

Productora: Blumhouse Productions / Dimension Films / Miramax

Una familia se traslada a un caserón con la intención de estar más cerca de sus parientes y los servicios médicos que necesitan para el cuidado de uno de sus miembros, un adolescente que se halla en coma.
Pronto comenzarán a sucederse extraños e inexplicables acontecimientos, que se irán ligando a una sobrenatural mejoría en el joven. La oscuridad y la amenaza comenzará a cernirse sobre todos ellos atrapados en lugar legendario y maldito como es la casa de Amityvillle.

Franck Khalfoun escribe y dirige esta película, una secuela más en la lista de films ligados a esta casa icono del terror. "El Despertar" se une, sin demasiadas pretensiones, y con un espíritu de serie B, a sus predecesoras con una historia concreta y aislada, sin deseos de dar grandes giros a la saga.

Destacaremos entre su insulso reparto la presencia de Jennifer Jason Leigh, que sabe presentarse tan dulce como inquietante en la piel de una madre tan volcada en el cuidado de un hijo más allá de toda posibilidad de curación, que su amor puede resultar letal, y la actriz consigue vender ese doble filo de la manera solvente a la que nos tiene acostumbrados.

Llena de guiños cinéfilos a los seguidores de la saga, pero sin aprovechar muchos de los clichés que la han marcado a lo largo de las décadas, la película fluye sin ahorrarse sobresaltos, atmósfera malsana e inquietud, pero, a la par, sin tomar riesgo alguno ni salirse de la norma. Igualmente evita grandes alardes visuales, nutriéndose del ya conocido imaginario colectivo ligado con la casa como elemento de sugestión más allá de lo explícito.

Con todo ello estamos ante una película sencilla, directa y sin mucho misterio. Un producto de digna factura para el lúdico entretenimiento y fácil consumo. Pasable.

Enoch
Valoración:5/10
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Satanás - The Black Cat - Edgar G. Ulmer

Título original: The Black Cat

Año: 1934
Duración: 65 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Edgar G. Ulmer
Guion: Edgar G. Ulmer, Peter Ruric (Historia: Edgar Allan Poe)
Música: Heinz Roemheld
Fotografía: John J. Mescall (B&W)

Reparto: Boris Karloff,  Bela Lugosi,  David Manners,  Julie Bishop,  Egon Brecher, Harry Cording,  Lucille Lund

Productora: Universal Pictures

Una pareja de recién casados viaja por tierras húngaras durante su luna de miel. Querrá el destino que se vean forzados a compartir su compartimento del tren con un extraño personaje, un doctor de sospechosa actitud. A partir de ese momento se unirán sus caminos y en una noche de oscura tormenta, debido a un trágico accidente, deberán refugiarse en un caserón donde les aguardan funestos misterios.

Edgar G. Ulmer dirigió en 1934 esta interesante adaptación de una historia de Edgar Allan Poe que pone frente a frente a dos titanes del terror de la época, ni más ni menos que Bela Lugosi y Boris Karloff, poderosos titiriteros que moverán los hilos de una inquietante y trabajada historia.

Uno de los factores más llamativos y espectaculares del film, más aún para la época en la que fue realizado, es el estupendo diseño de producción. El diseño de la casa que es ratonera y trampa mortal para sus protagonistas se contrapone diametralmente por su extremo modernismo y arquitectura a los escenarios al que el terror acostumbraba a retratar. Su uso como lugar contenedor del mal en estado puro, el culto y la satánica tradición hace del film algo atemporal y visionario.

Muy acertada es "The Black Cat" en el fluir de us historia. El guión es sabio y va dosificando sus elementos a lo largo de su escaso metraje, despejando misterios, y erigiendo a sus dos notables protagonistas, Karloff y Lugosi como figuras tan similares como antagónicas que como Dios y el Diablo juegan con la vida de los mortales a su antojo.

Con todo ello, tras revisionarla no podemos sino reclamar su rescate del olvido, reivindicar una obra de fondo y forma hipnóticas que atrapan de principio a fin pese al tiempo que nos separa de su rodaje. Recomendable.

Enoch
Valoración:7/10
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The Field Guide to Evil

Título original: The Field Guide to Evil

Año: 2018
Duración: 117 min.
País: Nueva Zelanda

Dirección: Ashim Ahluwalia,  Can Evrenol,  Severin Fiala,  Veronika Franz,  Katrin Gebbe, Calvin Reeder,  Agnieszka Smoczynska,  Peter Strickland,  Yannis Veslemes

Guion: Elif Domanic, Can Evrenol, Severin Fiala, Veronika Franz
Música: Stefan Will, Nicholas Brawley
Fotografía: Meryem Yavuz, Márk Gyõri, Kuba Kijowski

Reparto: Sarah Navratil,  Claude Duhamel,  Naz Sayiner,  Sureyya Kucuk,  Birgit Minichmayr, Jilon Ghai,  Fatma Mohamed,  Thomas Schubert,  Niharika Singh,  Kannon Hicks, Lili Epply,  Andrzej Konopka,  Károly Hajduk,  Péter Jankovics,  László Konter, Luzia Oppermann,  Marlene Hauser

Productora: EchoWolf Productions / Legion M / Timpson Films

"The Field Guide to Evil" reúne a varios de los más emblemáticos directores y directoras de cine fantástico y de terror de los últimos tiempos. Cada uno de ellos dirigirá un segmento de la película, una historia independiente a la que imprimirán su personal sello. Todas ellas tienen como común denominador explorar la cultura, mitología y folklore de dispares lugares y momentos históricos. Con esta fórmula tratarán así de crear un caleidoscopio de terroríficas perspectivas arraigadas en la tradición multicultural, con el mal como único protagonista compartido.

Tal y como suele suceder con este tipo de películas de episodios sin relación entre ellos más allá de la concatenación de cortometrajes de similar temática, nos encontraremos con unos resultados más que diversos.

Al tener tras las cámaras a un elenco de cineastas de caracteres tan dispares y de tanto carisma cinematográfico, resulta inevitable conectar mucho más con el lenguaje narrativo de unos que de otros, siempre en función del espectador y sus gustos. Más aún difiriendo tanto el tono del relato, la puesta en escena, que aquí encontraremos engalanada de recreación histórica, emulación de cine clásico, o incluso teatral, dependiendo del segmento.

Particularmente nos gustaría subrayar el buen hacer de los dos primeros episodios, el primero de ellos, cocido a fuego lento por Veronika Franz y Severin Fiala (Goodnight Mommy), en un misterioso estudio sobre el pecado en otros tiempos, y el segundo, dirigido por Can Evrenol (Baskin, Housewife) tan breve, conciso, y centrado en el terrorífico poder del mal, que es el que más se graba a fuego en la memoria cinéfila. Lástima que los que les siguen no alcancen la misma calidad, dejando así un sabor de boca agridulce y la sensación de que la película ha ido de más a menos.

Esta guía sobre el mal queda así como una propuesta tan exótica como curiosa, para disfrutar y sufrir a tramos, irregular, pero interesante en su planteamiento.

Valoración:5/10
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Monstrum - Huh Jong-Ho

Título original: Mul-goe

Año: 2018
Duración: 105 min.

País: Corea del Sur
Dirección: Huh Jong-Ho
Música: Mowg

Reparto: Choi Woo-sik,  Kim In-Kwon,  Kim Myeong-min,  Lee Hyeri,  Lee Kyung Young, Park Hee-Soon,  Seong-Woong Park

Productora: Taewon Entertainment. Distribuida por AMC

Corre el siglo XVI en Corea, tiempos de sufrimiento se ciernen sobre el pueblo, bajo el yugo de un gobierno ajeno a sus problemas y, a la par, amenazados por la presencia de una criatura monstruosa devoradora de seres humanos.
Ante tal extrema situación, varios grupos de guerreros se unirán, pese a pertenecer a distintas ideologías, para dar caza a la mitológica criatura. Su búsqueda, y las batallas de desatará, sacarán a la superficie no sólo lo mejor y lo peor de cada guerrero, sino misterios ocultos arraigados en la historia de un reino lleno de secretos.

Hung Jong-Ho dirige esta monster movie histórica que con su curioso planteamiento le ha abierto la puerta a participar en numerosos festivales de género, como Sitges o la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián con una aceptable acogida.

La película, como tantas otras realizadas en Corea del Sur, cumple las expectativas en cuanto a su vertiente visual, regalándonos una vez más un producto con una excelente labor de vestuario, fotografía y dirección artística. La recreación histórica y a la fantasía se dan la mano, y las imágenes que lo retratan son un regalo para la retina.

Los intérpretes, por su parte, saldan de forma solvente su labor, con la difícil tarea de mezclar le épica necesaria de sus heroicidades con un tono latente de humor que se va filtrando a lo largo de todo el metraje.

Es quizás el guión de "Monstrum" su punto más flaco, a nuestro entender. La citada mezcla de drama y humor se siente un tanto forzada, y el ritmo y pulso con el que desarrolla la obra se se antoja irregular, hilando tramos de máximo entretenimiento con otros que poco aportan si no lastran el caminar de la historia.

Con todo ello estamos ante una película agradable, bien realizada en lo visual y discreta en lo narrativo, para pasar un rato de evasión y entretenimiento. Aceptable.

Enoch
Valoración:6/10
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He's Out There - Quinn Lasher

Título original :He's Out There

Año: 2018
Duración: 89 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Quinn Lasher
Guion: Mike Scannell
Música: Nathan Whitehead
Fotografía: Ed Wild

Reparto: Yvonne Strahovski,  Justin Bruening,  Abigail Pniowsky,  Julian Bailey,  Anna Pniowsky, Ryan McDonald,  Stephanie Costa

Productora: Screen Gems / Unbroken Pictures

Una familia se dirige a pasar sus vacaciones a la casa familiar junto al lago, en un paraje tranquilo y aislado.
Esperan pasar unos días pacíficos lejos del mundanal ruido, descansar y relajarse, pero nada más lejos de la realidad.
En el lugar les aguarda una oscura presencia, un asesino dispuesto a reclamar el lugar como propio y borrar su presencia del la faz de la Tierra de la manera más sangrienta posible.

Quinn Lasher dirige esta película llena de lugares comunes, un film que bebe del slasher y home invasion para tratar de hacer pasar un mal rato a su adiencia. Clausura de la 29 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, despertó las iras del respetable por su discutible calidad y nula aportación al género.

Uno de los pilares de todo film, el guion, aquí obra de Mike Scannell, se tambalea por los cuatro costados. Una historia mal planteada, mal desarrollada y cerrada, con enormes agujeros faltos de necesaria explicación y más de una situación absurda en sus escenas, logra hacer caer al film y no enganchar a una audiencia cuyo interés jamás conecta con la cinta.

Técnicamente el film tampoco resulta lucido. El trabajo de fotografía del mismo es extraño, con un abanico cromático que desubica al espectador y no se aprovecha en absoluto para dar más poderío a la amenaza del asesino o sacar mejor partido al estupendo lugar donde se desarrollan los hechos.

Yvonne Strahovski, al frente del reparto, es lo único que nos parece aceptable dentro de esta propuesta cinematográfica. La actriz, por muchos conocida por su gran labor en la serie "El Cuento de la Criada" se torna aquí digna scream queen, lástima que el producto no esté a la altura de su buen hacer.

En conclusión, una película fallida, mal contada y realizada que no despierta interés, no logra entretener, innovar ni convencer en modo alguno. A evitar.

Enoch
Valoración:3/10
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Heartstone, Corazones de Piedra - Guðmundur Arnar Guðmundsson

Título original: Hjartasteinn (Heartstone) 

Año: 2016
Duración: 129 min.
País: Islandia

Dirección: Guðmundur Arnar Guðmundsson
Guion: Guðmundur Arnar Guðmundsson
Música: Kristian Eidnes Andersen
Fotografía: Sturla Brandth Grøvlen

Reparto: Baldur Einarsson,  Blær Hinriksson,  Arnar Jónsson,  Søren Malling, Nína Dögg Filippusdóttir,  Sveinn Ólafur Gunnarsson,  Nanna Kristín Magnúsdóttir, Diljá Valsdóttir,  Katla Njálsdóttir,  Daniel Hans Erlendsson,  Gunnar Jónsson, Jónína Þórdís Karlsdóttir

Productora: Join Motion Pictures / SF Studios

"Heartstone" nos lleva a un área rural islandesa, donde entraremos en la íntima relación de dos amigos adolescentes. Con ellos descubriremos el estilo de vida del lugar, sus relaciones familiares y con otros jóvenes del área. Pero, sobre todo, nos sumergiremos en la amistad entre ambos, un lazo difuso que flirtea con el amor y el deseo. La vida es dura y una lucha en tierras agrestes, y para ambos ha llegado el momento de descubrir la sexualidad, la responsabilidad y el salto al vacío que representa cruzar la puerta hacia la edad adulta.

Guðmundur Arnar Guðmundsson escribe y dirige esta película, tan personal como universal, que representa su puesta de largo tras una carrera como cortometrajista. La indiscutible calidad de su film disparó su carrera por innumerables festivales donde recogió un nutrido grupo de merecidos galardones.

La inevitable primera parada de nuestro análisis es el aspecto visual de la película. Como suele ocurrir con las cintas llegadas de Islandia, el paisaje cobra un protagonismo inusual, y se erige como un personaje más, catalizador de las emociones de aquellos que lo habitan. En este caso, la impecable fotografía lo embellece aún más, subrayando su inmensidad (a la par que empequeñece y enfatiza la soledad de los personajes) y amenazante hermosura. Pero el buen hacer se extiende más allá de los retratos de postal, colándose en un cuidado trato de la imagen en interiores, donde mimados detalles hacen de los planos más íntimos verdadera delicia.

Atendiendo al trabajo interpretativo, todo el elenco se encuentra perfectamente en su lugar, creando una galería de personajes tan extremos como verosímiles, tan rotos como esperanzados. Nos gustaría remarcar entre ellos, la labor de Blær Hinriksson, el actor que encarna a Christian, la mitad de la pareja protagonista. Quizás sea más silencioso, más sutil, pero la emoción de su mirada y el valor que confiere a cada uno de sus gestos le imprimen una pasión y verdad que logra conmover.

La última, pero no menos importante, parada de nuestro análisis, recala en el guión firmado por el propio director, un trabajo que encontramos sobresaliente. Lo que puede parecer una historia sencilla, simple y conocida, se desgrana aquí en tantas capas y con tantas lecturas, que su riqueza hace que su extenso metraje esté más que justificado. De lo explícito a lo metafórico,  de la sonrisa al doloroso desgarro, siempre hilando desde el detalle lejos de la grandilocuencia y desde la intimidad personal llena de verdad, sus páginas deslumbran dibujando vidas, personajes y emociones que traspasan la pantalla. Sabio es su relato en la sutileza, logrando que un pequeño gesto, una robada caricia, tenga más potencia, pasión y significado de lo que el cine suele expresar.

En conclusión, estamos ante una película tan bella como dolorosa, tan deslumbrantemente rodada como bien escrita e interpretada, un canto al triunfo del ser humano al madurar, un llanto por la infancia e inocencia perdidas. Una joya que llega de tierras gélidas que consigue encender el fuego de las emociones.

Enoch
Valoración:8/10
Trailer: