Lo Tuyo y Tú - Hong Sang-soo

Título original: Yourself and Yours

Año: 2016
Duración: 86 min.
País: Corea del Sur

Director: Hong Sang-soo
Guión: Hong Sang-soo
Música: Dalpalan
Fotografía: Park Hong-yeol

Reparto: Kim Joo-hyuck, Lee You-young, Kwon Hae-hyo, Yu Jun-sang, Kim Eui-sung

Productora: Jeonwonsa Film Company

Un pintor y su novia tienen una tremenda discusión. Ella es dada a salir demasiado, beber de más, y lo que es peor, hay rumores de que, en esa situación, se acerca más de lo correcto a otros hombres. El debate ofende a la joven que abandona la casa de su novio amenazando con no regresar. A partir de ese punto viviremos la experiencia de los dos personajes. Él, desesperado, la busca por doquier. Ella, o su gemela, o una mujer idéntica a ella, deambula en la noche conociendo hombres y bebiendo con ellos hasta perder la conciencia.

Hong Sang-soo escribe y dirige esta peculiar película, una historia pequeña y cercana narrada desde el humor y el absurdo para acercarnos a la relación de pareja y sus fantasmas. Su particular resultado le ha llevado a diversos festivales de primera categoría y a alzarse con el (discutido) galardón al mejor director en el 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

"Lo Tuyo y Tú" sorprende por cómo sabiamente sabe girar el drama hacia la sonrisa, por cómo traduce la confusión de sus protagonistas en situaciones de surreal enredo, metáfora que dinamiza la narrativa y hace del film algo vivo y ameno.

Su puesta en escena es parca y sencilla, reduciendo los elementos visuales al mínimo, lejos del preciosismo al que el cine coreano nos tiene acostumbrados, cerrando y centrando así la atención de la audiencia en sus personajes y conversaciones, nada más allá.

La labor de sus intérpretes es también discreta, siendo su protagonista femenina quien realiza el trabajo más remarcable con sus numerosos giros de actitud y desdoblamientos de personalidad que sabe dotar de simpático divertimento.

Con todo ello "Yourself & Yours" resulta una película agradable, simpática para pasar un rato de entretenimiento, pero en absoluto trascendente. Una propuesta original de fácil consumo y olvido. Pasable.

Valoración:5/10
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Un Monstruo Viene a Verme - J. A. Bayona

Título original: Un monstruo viene a verme - A Monster Calls)

Año: 2016
Duración: 108 min.
País: España

Director: J.A. Bayona
Guión: Patrick Ness (Novela: Patrick Ness)
Música: Fernando Velázquez
Fotografía: Oscar Faura

Reparto: Sigourney Weaver, Felicity Jones, Lewis MacDougall, Liam Neeson, Toby Kebbell, Geraldine Chaplin, James Melville, Garry Marriott, Joe Curtis, Kai Arnthal, Max Gabbay

Productora: Coproducción España-Estados Unidos; Apaches Entertainment / Telecinco Cinema /
Participant Media / RiverRoad Entertainment / Lionsgate

Connor es un niño forzado a madurar antes de tiempo. Tras la separación de sus padres permanecerá viviendo con su madre, quien lucha día a día con un agresivo cáncer, lo que fuerza al pequeño a llevar las riendas del hogar con la sola ayuda de una autoritaria abuela que pugna por ser ella quien se encargue del niño. Sólo en la fantasía encontrará Connor refugio, y en esa frontera entre la realidad y lo onírico conocerá a un gigante, un monstruo amenazador que habita en un cementerio cerca de su casa. Este traerá a su puerta relatos, historias que harán al pequeño enfrentarse con su propia realidad y los verdaderos monstruos de su entorno e interior.

J.A. Bayona toma como base la afamada novela de Patrick Ness para con "Un monstruo viene a verme" cerrar la trilogía que comenzara con "El Orfanato" y "Lo Imposible", tres historias bien diferentes pero unidas por un común nexo, las relaciones materno - filiales, y pone con esta el broche con tremendo acierto y éxito.

Uno de los aspectos más cuidados y llamativos de esta producción es el visual. La galería de efectos especiales que reviste el mundo de fantasía e imaginación que nos es presentado y su interacción con la gris realidad es magnífica. Tanto el diseño del monstruo en sí mismo, como las escenas de masiva destrucción son de máxima calidad, pero no podemos olvidar ni dejar de reseñar lo potente de los recursos usados para ilustrar las historias que la criatura narra al joven Connor, puro arte delicia para la retina.

Otro factor indispensable para el buen funcionamiento de la cinta es la labor de sus intérpretes y esta es sobresaliente, las nominadas al Oscar Sigourney Weaver y Felicity Jones, encarnando a la abuela y la madre, respectivamente, están brillantes e intensas en sus creaciones, pero es el protagonista del film, el joven Lewis MacDougall, quien más sostiene sobre sus espaldas el peso de la película, y resulta su trabajo imponente sorpresa por su profundidad, impecable.

Fernando Velázquez vuelve a colaborar con Bayona para poner notas musicales a su película, partitura y guión se dan la mano para conseguir que el relato fluya con buen ritmo, capture el interés, maximice el entretenimiento y termine sosteniendo las emociones de la audiencia en un puño.

En su contra lo único que juega es quizás la escasa sutileza con la que, con tan buenos recursos, trata de manipular y guiar la sensibilidad del espectador, subrayar cuándo la lágrima debe precipitarse. Este factor es indiferente para quien adore dejarse llevar y perderse en la película y el océano de sensaciones que propone, pero un tanto molesto para la parte de la audiencia más crítica que no gusta de verse mediatizada.

Con todo ello, pensamos que J. A. Bayona ha realizado una película de primera, destinada a seducir al público y perdurar, un film que sabe conjugar a la perfección fantasía y realidad, un trágico cuento agridulce maravillosamente realizado en lo visual e intrepretativo, un cuidado producto inmersivo y emocionante. Recomendable.

Valoración:7/10
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Yo No Soy Madame Bovary (Feng Xiaogang)

Título original: I Am Not Madame Bovary - Wo bu shi Pan Jinlian

Año: 2016
Duración: 128 min.
País: China

Director: Feng Xiaogang
Guión: Liu Zhenyun (Novela: Liu Zhenyun)
Música: Wei Du
Fotografía: Luo Pan

Reparto: Fan Bingbing, Dong Chengpeng, Fan Wei, Guo Tao, Li Zonghan, Zhang Yi, Liu Hua, Zhang Jiayi, Yu Hewei, Zhao Lixin

Productora: Sparkle Media / Huayi Brothers

Li Xuelian es una mujer cargada de rabia. Tras organizar un falso divorcio para obtener un nuevo apartamento y entonces contraer de nuevo nupcias con su exmarido, este le abandona. Tras estos hechos comenzará para ella un vital viaje y lucha por reivindicar lo que considera sus derechos. Para ello habrá de probar el montaje que fue su divorcio, pero no será fácil su camino, no recibiendo la razón por parte de los locales tribunales y viéndose obligada a viajar para recurrir a las más altas instancias durante años tornándose pesadilla para las autoridades y celebridad para el pueblo.

Esta atípica película, de curiosas formas narrativas y formales, se alzó con el premio Fipresci en Toronto y con el máximo galardón, la concha de oro, en el 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián y el premio a la mejor actriz (Fan BingBing) en el mismo certamen.

Su principal poderío reside en lo visual, sorprendiendo a la audiencia al mostrar sus imágenes mezclando el habitual formato con el cuadrado, y, en mayor medida, el circular. Este recurso, mezclado con un hábil uso de la fotografía, dota al film de un aspecto peculiar y, a tramos, artístico, aunque, dada su injustificadamente alargada duración, llega a resultar un tanto cansino y abusado.

Su guión esconde también notables sorpresas al constituirse no sólo un clásico y formal drama, sino hilarante comedia donde lo cómico de las situaciones da un respiro al espectador y ameniza su visionado. Sin embargo, lo innecesariamente dilatado del relato y los excesivos giros que da sobre sí mismo, merman el entretenimiento y disipan la atención e interés.

Por su parte, el elenco protagonista realiza un aceptable trabajo, destacando sobre todos ellos su protagonista femenina. Fan BingBing es un huracán de registros e intensidad que lleva a sus espaldas todo el peso del film y sale victoriosa.

En conclusión, una película curiosa, interesante en su parte más artística (aunque más esperaba en este aspecto), jocosa en su tono, bien realizada e interpretada, pero que no acaba de apasionar ni por lo que cuenta, ni por cómo (ni durante cuánto tiempo) lo hace. Pasable.

Valoración:5/10
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Waldstille - Martijn Maria Smits

Título original: Waldstille

Año: 2016
Duración: 90 min.
País: Países Bajos

Director: Martijn Maria Smits
Guión: Martijn Maria Smits
Música: Rutger Reinders
Fotografía: Frank van den Eeden

Reparto: Thomas Ryckewaert, Jelka van Houten, Maartje van de Wetering, Zinsy de Boer

Productora: Circe films / VPRO

Una joven pareja con una niña verá truncada su felicidad cuando la tragedia se cruce en su camino. Una noche de juerga tendrá un funesto desenlace cuando en la carretera sufran un fatal accidente en la que la joven perderá la vida y por el que su marido, Ben, será culpado y encarcelado. Una vez que recupera su libertad, el regreso al hogar será tremendamente duro, pues es en la mirada de sus familiares, conocidos y conciudadanos donde brilla con fiereza la eterna condena. Allí, además de luchar por empezar de cero habrá de enfrentarse a sus suegros, quienes obtuvieron, tras la tragedia, la custodia de su hija.

Martijn Maria Smits dirige este drama que compitió en la sección Nuev@s Director@s de la 64 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián con una fría acogida.

Técnicamente, "Waldstille" tiene una agradable realización, con un hábil uso y perspectiva de la mirada de su cámara y una dulce paleta de colores de su trabajo en fotografía.

Sin embargo, no podemos evitar encontrarle demasiados "peros". Por una parte, el trabajo de su elenco y, sobre todo, de su protagonista masculino, nos resulta demasiado gélido para una historia de estas características y potencia, una mayor galería de matices, y, sobre todo, de intensidad, debiera haber revestido sus creaciones. Igualmente fallida encontramos la elección de casting para encarnar a la hija del protagonista, totalmente inexpresiva pese a los acontecimientos que la rodean.

Dicha flaqueza se destila igualmente del guión sobre el que se desarrolla la narrativa, "Waldstille" nos cuenta una historia de culpa y tensión, y de sus páginas se tenía que haber traducido a la pantalla un relato más apasionado, más intenso, más rabioso... y salvo puntos muy concretos, no consigue trasladarlo al celuloide, quedando la narrativa demasiado aséptica y glacial sin lograr emoción alguna.

En conclusión, una película con buenas intenciones pero demasiado discretos y fríos resultados. Fallida.

Valoración:4/10
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Elle - Paul Verhoeven

Título original: Elle

Año: 2016
Duración: 130 min.
País: Francia

Director: Paul Verhoeven
Guión: David Birke (Novela: Philippe Djian)
Música: Anne Dudley
Fotografía: Stéphane Fontaine

Reparto: Isabelle Huppert, Laurent Lafitte, Anne Consigny, Charles Berling, Virginie Efira, Lucas Prisor, Christian Berkel, Alice Isaaz, Jonas Bloquet, Vimala Pons

Productora: Coproducción Francia-Alemania-Bélgica; SBS Productions / Entre Chien et Loup

La pacífica vida de Michelle se ve desgarrada cuando un enmascarado irrumpe en su hogar y abusa de ella. El miedo comenzará a habitar bajo su piel mientras trata de retomar su vida al añadir este acontecimiento a su lista de turbadoras experiencias. Continuará trabajando con su equipo del que tras cada rostro se esconde la sospecha, la relación con su disfuncional familia, amigos y vecinos... el frío temor palpita, así como las ansias de venganza.

Paul Verhoeven, el director de ya clásicos del cine como Robocop, Instinto Básico o Desafío Total, vuelve a dar el campanazo con esta película inspirada en la novela de Philippe Djian y guionizada por David Birke, con la que ha conseguido un más que notable éxito de taquilla en su país de origen y abrirse las puertas a los grandes festivales logrando la reverencia de la crítica.

Diversas y numerosas son las virtudes que hacen de esta película algo altamente disfrutable y un producto de máxima calidad. Pero entre todas ellas es la más destacable la labor realizada por su protagonista, una Isabelle Huppert en estado de gracia que borda un papel lejos de toda normalidad, con continuos giros y matices, dotándole de un oscuro carácter único y pleno de carisma, creando un personaje que perdurará largamente en la memoria cinéfila.

Pero no sólo ella brilla en este film, todo el elenco que la rodea no queda en su sombra, sino que realizan remarcables interpretaciones, dando vida a una galería de roles ambiguos y llenos de claroscuros, donde lo mejor y lo peor de cada uno no se esconde, sino que florece y estalla para el deleite del espectador.

"Elle" tiene una estructura narrativa que hace de su dilatado metraje una delicia que se siente fugaz. El guión está cargado no sólo de sorpresas, trabajados trasfondos y detalles, sino también de brillantes e hilarantes escenas (con una cámara ágil y de pícara perspectiva) cargadas del más ácido y ponzoñoso humor negro que hacen de lo más sórdido y tabú malvada sonrisa. Para mayor deleite, las líneas de sus diálogos son las más afiladas armas, constructoras de una historia contada de una forma perversamente deliciosa.

Con todo ello, no podemos sino quitarnos el sombrero ante un Verhoeven en plena forma aún capaz de lo mejor y recomendar este caramelo envenenado en forma de largometraje que es "Elle". No apta para todas las sensibilidades, pero sí imprescindible para los amantes del buen cine arriesgado y valiente.

Valoración:8/10
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La Reconquista - Jonás Trueba

Título original: La reconquista

Año: 2016
Duración: 108 min.
País: España

Director: Jonás Trueba
Guión: Jonás Trueba
Fotografía: Santiago Racaj

Reparto: Itsaso Arana, Francesco Carril, Aura Garrido, Candela Recio, Pablo Hoyos

Productora: Los Ilusos Films

Olmo y Manuela son dos jóvenes que se reencuentran tras más de una década de separación. De adolescentes fueron pareja, y el poso del primer amor, su intensidad y sus promesas aún laten en el fondo de sus almas. Sus vidas han cambiado, evolucionado, y poco o nada queda de aquellos niños, pero sí mucho de qué hablar. Lo que se recuerda, lo que no, los sueños que se han cumplido, los que se han roto... ambos pasan una velada que se torna paréntesis de sus realidades, un viaje en el tiempo, en la memoria, un juego de palabras y gestos, hechos y omisiones...

Jonás Trueba (Los Exiliados Románticos, Los Ilusos...) escribe y dirige esta melancólica y reflexiva película que le ha abierto la puerta a la participación en la sección oficial a concurso del 64 Festival de Cine de San Sebastián, que con su formato que bien recuerda a "Antes del Amanecer" ha despertado filias y fobias entre la crítica.

Pese a lo atractivo de su idea, y la fácil empatía que despiertan las historias de este tipo, tan universales como son en su planteamiento, "La Reconquista" se ve lastrada por un ritmo narrativo desigual, que alarga innecesariamente situaciones de escaso interés y no profundiza en otras que capturan más la atención. Su estructura tampoco me ha parecido acertada, dado que deja una sensación de ir "de más a menos" resultando mucho más agradable su primera mitad que su desenlace, lo que contribuye a un más amargo sabor de boca tras su visionado.

La labor de sus actores tampoco me ha parecido destacable, dada su falta de intensidad e incluso de credibilidad a tramos, sobre todo en los intérpretes de la pareja en su etapa adolescente. Este factor impacta directamente en el disfrute y verosimilitud de la película restándole enteros a su resultado.

En conclusión, una película sencilla, que pese a tener una buena idea de base y varios tramos brillantes en su fondo y texto sobre el que se asientan, no termina de funcionar por el tedio al que invoca con su lentitud, reiteración y ritmo. Para nuestro personal gusto, fallida.

Valoración:4/10
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Neruda - Pablo Larraín

Título original: Neruda

Año: 2016
Duración: 107 min.
País: Chile

Director: Pablo Larraín
Guión: Guillermo Calderón
Música: Federico Jusid
Fotografía: Sergio Armstrong

Reparto: Luis Gnecco, Gael García Bernal, Mercedes Morán, Alfredo Castro, Pablo Derqui, Marcelo Alonso, Alejandro Goic, Antonia Zegers, Jaime Vadell, Diego Muñoz, Francisco Reyes, Michael Silva, Victor Montero

Productora: Coproducción Chile-Francia-España-Argentina; AZ Films / Fabula / Funny Balloons / Participant Media / Setembro Cine / TELEFE

Corre 1948, un año difícil para Pablo Neruda. Es entonces cuando es considerado un traidor por el estado chileno y puesto en busca y captura por el gobierno. En esa etapa pasará a la clandestinidad, escribirá su "Canto General". La película nos narra estos hechos y la curiosa relación entre el policía encargado de la investigación y persecución y el propio poeta, estableciéndose entre ambos un peculiar vínculo.

Pablo Larraín, el carismático director de "El Club" nos acerca en poética clave a la figura de Neruda colaborando, como ya hiciera en "No", con el actor Gael García Bernal, un tándem que se ratifica altamente funcional.

La película, presentada con éxito en la sección de Perlas del 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, acompañando su proyección a la entrega del primer premio del cine Latino Jaeger-LeCoultre a Gael García Bernal, trató de conquistar a la audiencia con su peculiar lenguaje argumental y formal.

"Neruda" nos acerca a la figura del poeta desde dos puntos de vista. En primer lugar, la perspectiva del propio Neruda y su entorno, sus relaciones, sus creaciones, triunfos y vicisitudes. Por otro, a través de la percepción del polícía encargado de su búsqueda y captura. Dos hombres que se repelen tanto como admiran, que se crean y se leen mutuamente en un mundo entre la realidad y el ensueño.

Larraín, si bien en su anterior trabajo, "El Club", minimizaba lo visual en pos de una mayor atención al fondo,  en "Neruda" la puesta en escena es rica, destacando el buen hacer de sus dirección artística en la creación de ambientes y, sobre todo, en el buen uso de los exteriores y la naturaleza como importante elemento enfatizador de sus versos. Es quizá en esta parte más lírica donde la película pueda llegar a sobrecargar un tanto a la audiencia, desnaturalizando el discurso y haciéndolo un tanto tedioso en ciertas partes del film diezmando el entretenimiento conseguido.

Es, en resumen, "Neruda" una película de buena factura técnica en sus formas y un tanto farragosa en su discurso que consigue un disfrute irregular de la misma. Artística e interesante pero menos disfrutable que otros proyectos de este gran director.

Valoración:6/10
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El Porvenir - Mia Hansen-Løve

Título original: L'avenir - Things to Come

Año: 2016
Duración: 100 min.
País: Francia

Director: Mia Hansen-Løve
Guión: Mia Hansen-Løve
Fotografía: Denis Lenoir

Reparto: Isabelle Huppert, Edith Scob, Roman Kolinka, André Marcon, Sarah Le Picard, Solal Forte, Elise Lhomeau, Lionel Dray, Marion Ploquin

Productora: Arte France Cinéma

Nathalie es una mujer madura con una vida más que asentada. Felizmente casada, con unos hijos ya crecidos y un trabajo estable. Sin embargo, todo está destinado a cambiar. La ruptura con su marido,  devolverá a esta mujer una libertad olvidada y hará que comience su interior búsqueda, un giro absoluto a su existencia en el que habrá de emprender su propio camino para seguir adelante apoyada en el bastón de la filosofía y su debate que siempre ha sido el motor de su pensamiento.

Mia Hansen-Løve, la responsable de films como Eden o Un Amour de Jeunesse, escribe y dirige este reflexivo largometraje que le ha abierto la puerta de grandes festivales como Berlín o San Sebastián.

Entre sus virtudes encuentro destacable la labor de su protagonista, una Isabelle Huppert inspiradora en la creación de un personaje en absoluto fácil, a través de cuya mirada veremos reflejado el cambio inevitable al que le arrastran los avatares de la vida. A subrayar también resulta el texto sobre el que se asienta en cuanto a las reflexiones vitales y filosóficas que se entretejen a lo largo de todo su metraje.

Donde sin embargo no termina de triunfar "El Porvenir" es en las emociones, su discurso se siente tan académico y aséptico en cuanto al dolor, que la forzosa liberación de esta mujer madura pasa ante nuestros ojos sin que llegamos a sentir gran empatía ni identificación con el personaje. Encuentro que quizás esto venga dado por la separación entre los temas que trata a nivel personal y los que desarrolla a nivel filosófico, que divergen cuando hubieran funcionado mucho mejor si avanzaran hasta fundirse y formar un todo único.

Este factor, a mi entender, impacta de forma negativa sobre el entretenimiento e implicación que reviste el relato, dejando la película como un producto muy correcto formalmente, pero de escaso disfrute, implicación y posterior poso. Interesante, pero mejorable.

Valoración: 5/10
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Florence Foster Jenkins - Stephen Frears

Título original: Florence Foster Jenkins

Año: 2016
Duración: 110 min.
País: Reino Unido

Director: Stephen Frears
Guión: Nicholas Martin
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Danny Cohen

Reparto: Meryl Streep, Hugh Grant, Simon Helberg, Nina Arianda, Rebecca Ferguson, Neve Gachev, Dilyana Bouklieva, John Kavanagh, Jorge Leon Martinez, Danny Mahoney, Paola Dionisotti, David Menkin, Tony Paul West, Philip Rosch, Sid Phoenix

Productora: Qwerty Films / Pathé / BBC Films

Florence Foster Jenkins es una mujer amante de las artes escénicas, extravagante en su modus vivendi y despreocupada del dinero al haber recibido una notable herencia que le ha permitido adecuar su existencia y actividades a su capricho. En su madurez, despierta en ella el ansia de triunfar como soprano, con lo que contrata a un conocido profesor de canto y un pianista y está dispuesta a llenar con su arte los grandes teatros. Sólo falla una cosa, canta terriblemente mal... pero el dinero, todo lo puede... o no?

Stephen Frears vuelve a marcarse un tanto con la adaptación a la gran pantalla de la alocada historia real de una mujer, Florence Foster Jenkins, consiguiendo el entretenimiento y sonrisa cómplice de la audiencia.

La película, como era de esperar, tiene una muy cuidada puesta en escena, con una dirección artística, vestuario y caracterización espléndidos para recrear la época y la sociedad que retrata, así como los ambientes donde se desarrolla la acción.

A nivel interpretativo tampoco defrauda, con una Meryl Streep, como siempre, soberbia en la creación de tan ambiguo personaje. Desde su amplia galería de matices, sabe conseguir la carcajada más incontrolada al tiempo que llamar a la ternura más genuina, un triunfo más en su haber. La sorpresa en este campo salta con el trabajo realizado por Simon Helberg (Big Bang), encarnando al pianista que acompaña a la artista, de gran calidad, que consigue la automática complicidad de la audiencia y es culpable de muchas de las risas conseguidas.

En conclusión, estamos ante una película plena de buen hacer cinematográfico y gran sentido del humor, un entretenimiento ligero, pero bien realizado, ideal para pasar un buen rato y terminar su visionado con un incuestionable buen humor.

Valoración: 6/10
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Los Siete Magníficos - Antoine Fuqua

Título original: The Magnificent Seven

Año: 2016
Duración: 132 min.
País: Estados Unidos

Director: Antoine Fuqua
Guión: Richard Wenk, Nic Pizzolatto (Historia: Akira Kurosawa, Shinobu Hashimoto, Hideo Oguni)
Música: James Horner, Simon Franglen
Fotografía: Mauro Fiore

Reparto: Denzel Washington, Chris Pratt, Ethan Hawke, Vincent D'Onofrio, Byung-hun Lee, Manuel García-Rulfo, Martin Sensmeier, Haley Bennett, Peter Sarsgaard, Matt Bomer, Luke Grimes, Cam Gigandet, Kevin Wayne, Thomas Blake Jr., Miles Doleac, Jonathan Joss

Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Sony Pictures / Village Roadshow Pictures

Rose Creek es un pueblo que cae bajo el control del villano Bartholomew Bogue. Su poder se impone mediante el terror, acabando con las vidas de numerosos habitantes del lugar y manteniendo bajo continua amenaza a los restantes. En esta situación, una mujer, viuda desde la llegada de Bogue, contratará a un grupo de variopintos forajidos para ejecutar su venganza y terminar con la tiranía de horror. En un principio, los siete descastados se verán atraídos por la recompensa que implica la misión, pero pronto no tardará en hacerse algo personal.

Antoine Fuqua (Training Day) se pone tras las cámaras asumiendo el reto y riesgo de realizar un remake de uno de los más clásicos títulos del western, acompañándose de dos de sus actores fetiche en la aventura, Ethan Hawke y Denzel Washington.

Pero no sólo ellos son renombradas estrellas en el reparto de esta película, el elenco se plaga de conocidos nombres de la industria, aportando su buen hacer y personal carisma cada cual. Entre ellos nos gustaría destacar la buena labor de Peter Sarsgaard como el villano, oscuro en su creación. Por su parte, aquel que quizás nos ha chirriado un poco es Chris Pratt, que vuelve a encarnar un personaje jocoso, como ya hizo en Jurassic World o Guardianes de la Galaxia, perdiendo así personalidad propia su rol.

La película fue presentada en el marco del 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián acompañando la entrega del Premio Donostia a uno de sus intérpretes, Ethan Hawke, y recibiendo una discreta acogida por parte de la prensa y crítica.

En nuestra opinión, "Los Siete Magníficos" no resulta apasionante, pero sí un más que digno vehículo de entretenimiento y diversión. Encontramos  agradable su factura técnica, subrayando el trabajo de fotografía y banda sonora (a cargo del siempre efectivo James Horner), el buen hacer de sus numerosas escenas de acción, su ágil narrativa que hace que su larga duración no se sienta excesiva, y el cómo su guión actualiza la historia y la diversifica matizando personajes de distinto carisma, origen y raza.

En conclusión, estamos ante una película ideal para pasar el rato, consumir y olvidar, digno cine de entretenimiento y palomitas, intrascendente pero de agradable consumo.

Valoración:6/10
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