Unhinged - Dan Allen

Título original: Unhinged
Año: 2017
Duración: 93 min.
País: Reino Unido

Dirección: Dan Allen
Guion: Dan Allen, Scott Jeffrey
Música: Aaron Strefford
Fotografía: Edward Lui
Reparto: Kate Lister, Lucy-Jane Quinlan, Becca Hirani, Lorena Andrea, Michelle Archer, Zak Russell-Jones, Louisa Warren, Faye Goodwin, Emily McQueen
Productora: ChampDog Films, Proportion Productions

Un grupo de chicas americanas viajan en coche por Inglaterra camino de la boda de una de ellas por carreteras secundarias. Un fatídico y violento encuentro será para ellas el comienzo de su desgracia. Se verán forzadas a buscar refugio en una casa solitaria donde una mujer les ofrece su ayuda, pero esa decisión será la llave a una pesadilla mortal para el grupo. 

Dan Allen escribe y dirige esta película que, con un escaso presupuesto y poco más que buenas intenciones, realiza un remake de la obra del mismo título, una película de terror de los Ochenta, desconocida para muchos. 

Esta nueva version de "Unhinged" se tambalea por los cuatro costados. Comenzaremos por apuntar que arranca ya con la inverosimitud de la nacionalidad americana de su grupo protagonista, que en pocos fotogramas notaremos más que falsa, para después ir encadenando una serie de situaciones y diálogos pobres y escasamente creíbles, víctimas de un guión bastante deficiente. 

A estas debilidades no podemos dejar de sumar la muy cuestionable calidad del trabajo de su elenco, con unas interpretaciones desnaturalizadas y acartonadas, dando vida a unos personajes descerebrados que invitan al espectador a la absoluta indiferencia ante sus oscuros destinos. 

Aunque, a tramos, puede resultar entretenida para los amantes del cine de terror, su escasa calidad en tantos aspectos pesa demasiado. No hay sorpresa alguna en su metraje, todo es chirriantemente predecible, no se saca provecho a su vertiente más sangrienta, no llama a la nostalgia del tono del film original, ni saca partido a actualizar la historia... Un producto demasiado pobre y básico para ver y olvidar. 

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Daniel No Es Real - Adam Egypt Mortimer

Título original: Daniel Isn't Real
Año: 2019
Duración: 96 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Adam Egypt Mortimer
Guion: Brian DeLeeuw, Adam Egypt Mortimer (Novela: Brian DeLeeuw)
Música: Clark
Fotografía: Lyle Vincent
Reparto: Miles Robbins, Sasha Lane, Hannah Marks, Patrick Schwarzenegger, Faith Logan, Jacqueline Honulik, Lynn Marocola, Katie Chang, Chukwudi Iwuji, Jamar Greene, Cara Ronzetti, Michael Cuomo, Andrew Ayala, Andrew Bridges, Daniel Marconi, Nathan Chandler Reid, Madeleine Mfuru, Rosanne Ma, Roger Brenner, Mary Stuart Masterson
Productora: SpectreVision, Ace Pictures, ACE Pictures Entertainment

Luke, durante su solitaria infancia, creó a Daniel, su amigo imaginario, con el que llenar su horas de juegos y diversión. Décadas después, con un Luke ya adulto, la necesidad de enfrentarse a duras y dolorosas situaciones le llevará a recurrir a su olvidado compañero, que vuelve a materializarse, con su arrolladora y valiente personalidad, para ser su sostén y llevarle a terrenos insospechados...

Adam Egypt Mortimer dirige esta interesante película que con su narrativa y personajes nos adentra en lo más recóndito y oscuro de la mente humana y sus mecanismos de defensa.

Gran parte de la fuerza del film se asienta en la labor de sus dos actores principales, tan antagonistas como complementarios, un duelo que saldan con la mejor de sus interpretaciones con la que consiguen atraparnos en su onírico mundo de doliente locura. 

La película cuida su aspecto visual durante su metraje, mezclando imágenes tan realistas como oníricas, reflejo tanto de la realidad que se vive, como aquel lugar donde esta se tergiversa y retuerce, la mente. 

Sin embargo, ciertos cabos sueltos del film y ciertos tramos donde su apuesta podría haber sido más valiente y arriesgada, hacen que no la percibamos como una película redonda. Pese a ello, su elegancia en la creación de atmósferas y personajes y el interesante e inmersivo viaje que propone, hacen de ella un estimable producto con carisma y atractivo. Interesante. 

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Hasta Siempre, Hijo Mío - Wang Xiaoshuai

Título original: Di jiu tian chang aka - So Long, My Son
Año: 2019
Duración: 180 min.
País: China

Dirección: Wang Xiaoshuai
Guion: Mei Ah, Wang Xiaoshuai
Música: Dong Yingda
Fotografía: Kim Hyun-seok
Reparto: Ai Liya, Du Jiang, Zhao Yanguozhang, Li Jingjing, Qi Xi, Xu Cheng, Wang Jingchun, Roy Wang, Mei Yong
Productora: Dongchun Films

"Hasta Siempre, Hijo Mío" nos lleva hasta los años setenta, momento en el que, la muerte de un niño, marcará el devenir de la existencia de varias familias a lo largo de décadas. Sus triunfos, sus miserias, sus relaciones y sus almas lucharán con el paso del tiempo, las emociones y los altibajos de un país en continuo cambio. 

Wang Xiaoshuai dirige esta monumental película, un ambicioso proyecto que, a través de sus tres horas de metraje, nos relata una historia tan épica como íntima, tan exótica como cercana. 

El film se asienta sobre un intrincado guión del propio director junto a Mei Ah. Un relato que viaja atrás y adelante en el tiempo para demostrarnos cómo los avatares de la vida, la propia, y la del entorno, esculpen la existencia de sus personajes y dan forma a sus personalidades y emociones. En sus páginas se esconde una magnífica radiografía del ser humano, con sus luces y sus sombras, y realiza un estupendo estudio de las relaciones, del duelo, la superación, la amistad, la familia y el amor. 

Para que tal intensidad narrativa funcione, necesita de un elenco que esté a la altura de la propuesta, y, en esta película, la calidad de sus interpretaciones brilla por lo convincente y veraz de las mismas. Sus laureados protagonistas logran llevar lo particular a lo universal y llaman con su trabajo a la empatía de un espectador que fácilmente conecta con sus emociones.  

Además de todo ello, la factura técnica del film es impecable, con un estupendo tratamiento de sus imágenes y su fotografía, que nos llevan de la belleza a la miseria, que hila miradas grandilocuentes con íntimos acercamientos a lo más mínimo. 

Con todos estos ingredientes, estamos ante una película llamada a ser un clásico por lo cuidado de todas sus vertientes y tan bien engarzadas como están en un todo que es un verdadero viaje no sólo cinematográfico sino emocional. 


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Insaciable - Chuck Konzelman y Cary Solomon

Título original: The Insatiable
Año: 2007
Duración: 110 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Chuck Konzelman, Cary Solomon
Guion: Cary Solomon, Chuck Konzelman, J.R. McGarrity
Música: Christopher Tin
Fotografía: Mike Washlesky
Reparto: Sean Patrick Flanery, Michael Biehn, Charlotte Ayanna, Jon Huertas, Josh Hopkins, Boyd Kestner, Brad Rowe, Amanda Noret, Tiya Sircar
Productora: Animation House, Hippo Films, Numenorean Films

Harry, un hombre de gris, solitaria y monótona existencia, presencia una noche un terrible crimen. El asesinato, perpetrado por una atractiva joven que degüella y succiona la sangre de la víctima, revelará ante sus ojos la existencia del vampirismo. Este hecho, cuyo relato nadie cree, obsesionará a Harry, generándole una continua sensación tanto de rechazo como de fascinación, y no cesará hasta encontrar a la misteriosa depredadora...

Chuck Konzelman y Cary Solomon dirigen esta película que se acerca al mito del vampirismo sin tener muy claro si su aproximación se realiza desde el horror o desde el humor dando forma a un producto de muy cuestionable calidad sólo apto para una sobremesa de duermevela. 

Lo excesivamente básico de su puesta en escena y la escasa calidad de su apuesta visual se suman a una labor de sus intérpretes notablemente pobre encarnando a unos personajes que chirrían por su patetismo y escasa fuerza. Todos estos cuestionables elementos se ponen al servicio de una historia demasiado pobre y plana a la que no le faltan incongruencias y giros que generan más de una situación de "comedia involuntaria". 

Con todo ello estamos ante una película fallida, descuidada y muy prescindible que ni logra alcanza el nivel de entretenimiento más básico. A evitar. 

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La Residencia - Narciso Ibáñez Serrador

Título original: La residencia
Año: 1969
Duración: 98 min.
País: España

Dirección: Narciso Ibáñez Serrador
Guion: Narciso Ibáñez Serrador (Historia: Juan Tébar)
Música: Waldo de los Ríos
Fotografía: Manuel Berenguer
Reparto: Lilli Palmer, Cristina Galbó, John Moulder-Brown, Cándida Losada, Maribel Martín, Pauline Challoner, Mary Maude, Paloma Pages, Teresa Hurtado, Blanca Sendino
Productora: Anabel Films

Una joven es internada en una apartada residencia de señoritas para su educación. Pronto descubrirá cómo el lugar es regido por una directora que impone estrictas normas y rígida disciplina, sirviéndose de la cómplice ayuda de varias de sus alumnas predilectas. Tal ambiente de tensión lleva a varias internas a escapar, logro en absoluto fácil en una institución cargada de oscura crueldad y sangrientos secretos. 

El gran Narciso Ibáñez Serrador, tras el éxito de sus "Historias Para No Dormir", continuó caminando por los senderos del cine de terror para dar forma a este icónico largometraje de tóxico ambiente y asfixiante atmósfera. Un clásico del género, prueba de su maestría y buen hacer. 

"La Residencia" asienta su fuerza en las interpretaciones de un elenco de actrices capitaneadas por una inspirada Lilli Palmer, así como en una magnífica ambientación que cubre todo el bien medido y rítmico relato con un aura de victoriana estética (gracias a la tan lujosa como decadente labor de dirección artística, vestuario y fotografía). 

Una película tan elegante como cruel, tan valiente como atrevida tratando temas en pantalla, que aunque mirándolos desde el día de hoy puedan parecer llenos de recursos manidos, en su momento resultaron de impacto. Un hito en cine de terror a reivindicar y revisionar, un oscuro cuento de pesadilla delicioso. 

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El Amor Nunca Muere - Andrew Lloyd Webber

Título original: Love Never Dies
Año: 2012
Duración: 121 min.
País: Australia

Dirección: Brett Sullivan, Simon Phillips
Guion: Andrew Lloyd Webber, Glenn Slater, Frederick Forsyth, Ben Elton (Personajes: Gaston Leroux, Charles Hart)
Música: Glenn Slater, Charles Hart, Andrew Lloyd Webber
Reparto: Ben Lewis, Anna O'Byrne, Simon Gleeson, María Mercedes, Sharon Millerchip, Paul Tabone, Emma J. Hawkins, Dean Vince, Jack Lyall
Productora: Distribuida por Universal TV. Coproducción Australia-Reino Unido; The Really Useful Theatre Company, Steam Motion & Sound

El fantasma de la Opera ha logrado escapar y se oculta entre las atracciones de feria y los fenómenos de Coney Island durante una década. Pero el pasado no ha sido olvidado, y la inminente llegada de su eternamente amada Christine, acompañada de su marido y su hijo, desatará las emociones. El ángel de la música resurge de sus cenizas, rompe el silencio, sale de las tinieblas dispuesto a reclamar lo que es suyo y desafiar al destino. 

Andrew Lloyd Webber nos presenta con "Love Never Dies" la continuación de su inmortal musical, retomando sus personajes originales y regalándonos el desenlace definitivo de su atormentada historia. 

Para ello, mantiene la atmósfera oscura y amenazante, a la par que opulenta y barroca, cambiando el escenario de la ópera por el de la fastuosa pero decadente feria. Sus personajes, con el paso del tiempo, han acumulado también capas y capas de tinieblas, revistiendo ahora sus roles más profundidad, y entrando en juego factores como la ludopatía, el alcoholismo y la eterna y malsana obsesión. 

Este musical hereda la grandilocuencia y efectismos de su predecesor, siendo rico en sus cambios de escenografía y en los ambientes que con ellas crea (guardando sorpresas en varias de ellas), muy vívidos y dinámicos. Sus intérpretes están sin duda a la altura, factor muy de agradecer ante el reto que presuponía volver a dar vida a tal elenco de personajes. 

Todo su aspecto visual, incluida la labor de maquillaje, vestuario, iluminación... resulta muy cuidado, y, por supuesto, su partitura musical no decepciona, aunque, en honor a la verdad, sí que alguno de sus temas debiera emocionar más de lo que lo hace. 

Un espectáculo ideal para amantes del mito teatral y cinematográfico que es "El Fantasma de la Ópera", una fantasía con la que dejarse llevar a un mundo de oscuridad, imaginación y clásico amor doliente y atormentado. Una trágica y deliciosa historia que representa una inesperadamente digna continuación.

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Leprechaun: La Noche Del Duende - Mark Jones

Título original: Leprechaun
Año: 1993
Duración: 92 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Mark Jones
Guion: Mark Jones
Música: Robert J. Walsh, Kevin Kiner
Fotografía: Levie Isaacks
Reparto: Warwick Davis, Jennifer Aniston, Ken Olandt, Mark Holton, Robert Gorman, Shay Duffin, John Sanderford, Pamela Mant
Productora: Trimark Pictures

Un hombre regresa de Irlanda habiendo robado el caldero cargado de oro de un duende. El pequeño ser hará lo que sea necesario para recuperar su tesoro, acabando con todo aquel que se ponga en su camino. El ladrón logra contenerlo, pero su encierro no será eterno, la llegada a la casa de una nueva familia lo despertará, y con él regresará su feroz voluntad de recuperar lo que es suyo...

Mark Jones escribe y dirige esta película que funde horror y humor, un proyecto que, contra todo pronostico y pese a sus más que cuestionables resultados, resultó siendo el origen de toda una saga sobre las sangrientas andanzas del Leprechaun.

La película cuenta con un elenco escasamente inspirado y carismático (donde sorprende hallar a una joven y desorientada Jennifer Aniston) que encarna al abanico de unidimensionales personajes protagonistas que avanzan a trompicones por una historia mucho más básica (y con más incongruencias) de lo deseado. 

Si bien el Leprechaun puede resultar macabramente simpático y más de una de las muertes que ejecuta resultan oscuramente divertidas y creativas, no termina siendo suficiente para hacer del film algo aceptable, ni para los adeptos al terror. Su alocada propuesta comienza siendo entretenida, pero su problema reside en que, a partir de cierto punto del film, comienza a hacerse reiterativa y agotadora, dando la sensación de que su metraje es mucho más extendido de lo que realmente es. 

Un film anecdótico, que no molesta demasiado, pero que resulta del todo prescindible. 

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Doce Hombres Sin Piedad - Sidney Lumet

Título original: 12 Angry Men
Año: 1957
Duración: 95 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Sidney Lumet
Guion: Reginald Rose
Música: Kenyon Hopkins
Fotografía: Boris Kaufman (B&W)
Reparto: Henry Fonda, Lee J. Cobb, Jack Warden, E.G. Marshall, Martin Balsam, Ed Begley, John Fiedler, Robert Webber, Jack Klugman, George Voskovec, Joseph Sweeney, Edward Binns, Billy Nelson, John Savoca, Rudy Bond, James Kelly
Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Orion-Nova Productions.

Un joven es acusado de haber asesinado a su padre a sangre fría. Tras el juicio, los doce miembros del jurado popular habrán de encerrarse en una sala para decidir su veredicto. Todos menos uno de ellos están convencidos de su culpabilidad, pero, como el resultado ha de ser unánime arrancará así un debate que diseccionará el caso criminal, pero también las motivaciones de cada uno de sus jurados. 

Sidney Lumet dirige esta laureada película, un hito de la historia del cine, con absoluta maestría, eligiendo la discusión en sí misma como eje central de un relato que no nos permite, ni apartar los ojos de la pantalla, ni relajar nuestra atención, del primer al último de sus fotogramas. 

"12 Hombres Sin Piedad" funde la teatralidad y el celuloide de una manera magistral. Sin apenas moverse su cámara más allá de las fronteras de un habitáculo, Lumet da una lección de cine con una perspectiva en su mirada absolutamente milimetrada, atendiendo a cada detalle, para dar forma a una atmósfera claustrofóbica, a un ánimo caldeado, una tensión palpable y una inteligencia sobresaliente. 

Loable es igualmente la labor de su íntegro elenco de intérpretes, si bien Fonda es el detonante de la acción, la labor coral del grupo de actores que forman este jurado encaja a la perfección, doce piezas, doce personalidades, doce roles complejos a descubrir con la discusión como camino a seguir para desnudar el alma de sus personajes. 

Unos diálogos cuidados, perfectamente medidos y estructurados, nos conducirán por su narrativa cautivando el interés, destapando la sorpresa y satisfaciendo el paladar más exigente con su fluido y sabio desarrollo. 

Con todos estos ingredientes, la película, pese a lo aparentemente pequeño de su propuesta, triunfa y conquista, instalándose en la memoria cinéfila para siempre. 

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Blood Fest - Owen Egerton

Título original: Blood Fest
Año: 2018
Duración: 92 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Owen Egerton
Guion: Owen Egerton
Fotografía: David Blue Garcia
Reparto: Zachary Levi, Tate Donovan, Seychelle Gabriel, Robbie Kay, Jacob Batalon, Barbara Dunkelman, Olivia Grace Applegate, Paul Ogola, Nicholas Rutherford, Chris Doubek, Isla Cervelli, Tristan Riggs, Ron Cho, Southern Longoria, Stan Taylor
Productora: Rooster Teeth Productions

Tres jóvenes, devotos amantes del cine de terror, acudirán a un festival que promete ser el máximo exponente de diversión ligada al género que tanto adoran, un parque temático lleno de actividades ligadas con el cinematográfico horror. 

Sin embargo, los organizadores del evento tienen otros planes más allá de la diversión de los asistentes y, una vez queden cerradas las puertas del recinto, comenzará la indiscriminada matanza.

Owen Egerton escribe y dirige esta curiosa película, que desde el cariño por el cine de terror, trata de regalar tantas carcajadas como escalofríos a la audiencia. No logra destacar en ninguna de sus dos vertientes, pero su simpatía la mantiene a flote. 

"Blood Fest" nos presenta un trío protagonista sin excesivo carisma dando vida a unos personajes un tanto acartonados y plenos de cliché, que funcionan pero no sorprenden ni acaparan nuestra empatía. 

En esta experiencia de "metaterror" los rodearán de todo tipo de criaturas sobrenaturales y asesinos, a medida que avanzan por un parque que guarda un área para cada subgénero del terror. Esto hará de su viaje algo anecdótico y divertido, aunque de la mayoría de sus paradas queda la sensación de que podría haberse sacado mejor partido. 

Con todo ello, estamos ante una película que cumple su cometido de entretenimiento, que sacará en varios momentos la sonrisa de los amantes del cine de terror, pero que no innova, trasciende ni impacta. Aceptable para pasar el rato. 

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Los Perros No Llevan Pantalones - J-P Valkeapää

Título original: Koirat eivät käytä housuja - Dogs Don’t Wear Pants
Año: 2019
Duración: 106 min.
País: Finlandia

Dirección: J-P Valkeapää
Guion: J-P Valkeapää, Juhana Lumme
Música: Michal Nejtek
Fotografía: Pietari Peltola
Reparto: Krista Kosonen, Pekka Strang, Oona Airola, Iiris Anttila, Antons Baronskis, Armands Bergis, Amos Brotherus, Marat Efendijev, Laine Kate Ertmane, Aleksandrs Garins, Ester Geislerova, Ilona Huhta, Viivi Ihalainen, Aleksandrs Jercenko, Sofia Kaipainen, Ellen Karppo, Helmi Lahti, Marta Lapekina, Iveta Medne, Ingrida Nagle, Taio Olsbo, Ludmila Petrova, Andris Reikovskis, Armands Reinis, Genadijs Rusanovs, Tomi Salmela, Samuel Shipway, Eeva Soivio, Zane Ticmane, Ilkka Vanne, Janis Veiksans, Onni Vesikallio, Jani Volanen
Productora: Helsinki Filmi Oy, Tasse Film

Un hombre sufre una traumática experiencia que pone su vida del revés y tras el cual su existencia pierde el rumbo, el sentido y la ilusión. Querrá el destino que entre en contacto con el universo sadomasoquista, y, para su sorpresa, hallará en el dolor el disparador de sus ganas de vivir, y en este entorno de oscuridad, una posible salvadora que le devuelva a la luz. 

J-P Vakeapää escribe y dirige esta atrevida propuesta cinematográfica, una historia valiente y diferente a la hora de narrarnos los sinuosos caminos de la redención y la esperanza mientras camina entre sombras, cuero y luces de neón. 

La propuesta se nutre de dos muy inspirados trabajos de su pareja protagonista, dos intérpretes que brillan en sus potentes roles, atípicas figuras que saben transmitirnos sus emociones de una forma tan poco convencional en la gran pantalla, con un lenguaje distinto, lejos del diálogo. 

Interesante hallamos también la atmósfera que envuelve al producto, con una gran factura visual, una cámara sabia que se engrandece en el detalle y no se recrea en el morbo sino que mira más allá (sin apartar tampoco sus ojos de los momentos más duros y grotescos). Su paleta cromática, predispone emociones y nos retrata cómo la luz puede ser el infierno y el escarlata y negro la redención, cómo el individuo es único y no se ata a los clichés esperados. 

Con todos estos elementos estamos ante una película altamente interesante, bien construída, contada e interpretada, no apta para todos los paladares, pero ideal para aquellos que agradecen que las historias del celuloide no aparten la mirada de los rincones oscuros del alma humana. 

Trailer: