Exists (Eduardo Sánchez)

Valoración:4/10

Un grupo de jóvenes se interna en lo más profundo del bosque para pasar un fin de semana lejos de todo y de todos, divirtiéndose, disfrutando de la mutua compañía, de la juerga, y la naturaleza.

Allí se alojarán en la cabaña de caza del tildado de excéntrico familiar de uno de ellos.

Todo irá según lo previsto hasta que el grupo, indefenso en su soledad, se vea atacado por una criatura desconocida y feroz que hará que se replanteen si la existencia del “bigfoot” va más allá de la mera leyenda como todos pensaban…

Eduardo Sánchez, el que fuera uno de los responsables del éxito del cine de terror “El proyecto de la bruja de Blair”, y pionero con él de un subgénero que ha sido más que prolífico desde entonces, el “found footage”, regresa al formato de sus orígenes, a la cámara en mano en busca de un híper realismo que haga de la película una experiencia inmersiva y auténtica para la audiencia.

Con “Exists”, la película trata de acercarse al mito del Bigfoot, una de las leyendas más queridas por su director, “cariño” que se nota en la narrativa del film y el tratamiento de una criatura.

Su historia y el desarrollo de la misma se encuentran bastante carente de sorpresas, siguiendo un muy básico y manido esquema tanto en la selección de personajes principales y sus rasgos, como en la evolución de sus relaciones y reacciones.

Un punto que llama poderosamente la atención es el calco de ciertos recursos y escenas de “El Proyecto de la Bruja de Blair” en “Exists”, como, por poner un ejemplo, el hecho de arrastrar a los personajes a un incierto destino por seguir la voz agonizante de su amigo desaparecido que les llama desde el corazón de la oscuridad. Estos detalles generan la duda razonable… está así filmado para homenajear a su anterior éxito, incluso ligar ambos sucesos narrados?  O acaso es una falta de recursos e imaginación y opta por el camino conocido y que sabe efectivo? No queda claro en absoluto.

Pese a todos los “peros”, que son muchos y hacen de esta película algo bastante olvidable, reconoceremos que, comparada con muchos de los recientes films de “metraje encontrado”, eleva la media y se nota la experiencia y buen hacer de sus responsables. Indudablemente entretiene, pero no perdura, su falta absoluta de originalidad consigue que se comience a diluir en la memoria según aparecen los títulos de crédito a su fin… 

Enoch

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Mommy ( Xavier Dolan )

Valoración: 8/10

En un futuro es aprobada una polémica ley por la que los aquellos que tengan hijos con problemas emocionales o psicológicos tendrán la potestad de dejarlos ingresados en hospitales, donde serán aislados y educados.
En esta coyuntura conoceremos a Diane, una viuda que trata con todas sus fuerzas de salir adelante junto a su hijo, un joven problemático con diversos desórdenes mentales al que ama pero que pone continuamente a prueba su paciencia.
En la vida de esta explosiva familia entrará la figura de Kyla, su vecina, una mujer extraña, llena de secretos, con la que establecerán vínculos más misteriosos aún.
Viajaremos con este peculiar triángulo por su experiencia vital, sus emociones, disputas, triunfos y derrotas...

Xabier Dolan, el enfant terrible del cine canadiense, realizador de éxitos del calibre de "Yo maté a mi madre", "Los amantes imaginarios", "Tom á la ferme"o "Laurence Anyways" nos presenta con "Mommy" una de sus películas más humanas y de mayor calado emocional sin  perder su personal firma.

El film asienta su intrincado y ambiguo guión (realizado por el mismo director) sobre el pilar de tres interpretaciones de máxima calidad. Anne Dorval borda el papel de feroz madre coraje, Antoine-Olivier Pilon encarna a un adorable y odioso hijo con mucha verdad y Suzanne Clément brilla en su misteriosa y magnética creación de la vecina, Kyla.

Dos elementos clave se unen a los notables ya nombrados. En primer lugar, el uso de la música en el film cobra especial importancia subrayando momentos, en apariencia intrascendentes, pero claves para el desarrollo de la historia. Utiliza para ello temas  pop-rock muy conocidos por la audiencia, que lejos de distraer emiten a todo volumen el justo mensaje que Dolan quiere transmitir. En segundo lugar, otro elemento destacado es el formato de la imagen utilizada en la película. Sólo utilizará una franja vertical para mostrarnos el devenir de sus personajes, como si filmada con un móvil estuviera. De esta forma la atención de la audiencia queda centrada en lo que el director desea mostrar, en loque desea focalizarla, obviando así toda elemento intrascendente. Este formato extraño varía y se transmuta a lo largo del metraje, en unos momentos y de una forma claves, cargada de inteligente significado.

Por todo ello, "Mommy" se alza como una muy interesante propuesta de cine de autor que trata temas universales, que se asoma sin miedo al amor, pero también a lo más oscuro de las relaciones. Grandes interpretaciones y peculiares formas, hacen de esta película algo muy recomendable y toda una experiencia cinematográfica donde el espectador será voyeur y partícipe. Recomendable para espectadores deseosos de romper la rutina cinéfila.

Enoch
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Niebla - Haemoo (Shim Sung-bo - Haemu - Sea Fog)

Valoración:7/10

Un Viejo barco pesquero y el grupo de hombres para los que es herramienta de sustento y segundo hogar están pasando un mal momento. Necesitan dinero para subsistir y mantenerse en el negocio, y sólo fuera de la legalidad podrán conseguirlo. Su opción será colaborar (por una sustanciosa cantidad) para introducir clandestinamente a inmigrantes chinos en Corea.

Como tantas veces, se adentrarán en alta mar, donde en esta ocasión, en su bodega el pescado será sustituido por humanos. Todo va sobre ruedas, pero la tragedia parece flotar en la niebla.

Shim sung-bo, el que fuera guionista de “Memories of a Murder” salta a la dirección con este contundente proyecto de cuyo guión también es responsable junto a Bong Joon-ho (peso pesado del cine coreano, pues firma la dirección de películas de la talla de “The Host”, “Snowpiercer”, “Mother”, o la propia “Memories of a Murder”, entre otras). La calidad obtenida por el tándem de creadores ha conseguido que el barco de “Haemoo” navegue mucho más allá de las coreanas fronteras anclando en los más diversos puertos y festivales de primera categoría, como Toronto o el 62 Festival Internacional de San Sebastián donde compitió en su Sección Oficial.

“Haemoo” es una trepidante historia con unos muy peculiares personajes que nos pueden parecer incluso caricaturescos, pero salvando el abismo de diferencia cultural, están eficientemente dibujados para clarificar sus roles y despertar odios o simpatías en el relato. Su tono narrativo busca siempre el entretenimiento y la captura de atención del espectador, cosa que consigue más que sobradamente de principio a fin pese a su larga duración. No obstante, el guión sabe tener la sutileza suficiente para intercalar entre el divertimento o la tensión, elementos de interés social o cultural, enriqueciendo así la obra (y en algún caso, complicando para el público occidental la completa comprensión de algunas escenas en toda su magnitud).

Destacaremos su buena ambientación, aderezada por una interesante banda sonora y una estupenda fotografía de Kyung-Pyo Hong que, lejos del preciosismo al que el cine coreano nos tiene acostumbrados, busca una imagen sucia, turbia y gris muy adecuada para el tono general de una película que cabalga entre el drama social y el más oscuro y sangriento thriller.

Una propuesta intensa, diferente y muy interesante. Recomendable, más no para paladares cinéfilos sensibles.

Enoch

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Loreak (Jose María Goenaga y Jon Garaño)

Valoración:8/10

“Loreak” nos introducirá en las vidas y sentimientos de tres mujeres. Ellas tienen edades, estilos de vida y formas de ser y, sobre todo, de expresar los sentimientos, muy diferentes.
Nada parecen tener en común, pero un nexo unirá sus vidas, las flores. Su belleza caduca acompañará sus andaduras, erigiéndose como punto de inflexión que trunca y redirige el sentido de sus destinos. Serán aquellas que dan título al film metáfora y gráfica representación de aspectos cruciales de unas mujeres en apariencia sencillas pero cargadas de matices y emociones.

Jose María Goenaga y Jon Garaño dirigen con acierto esta película intimista cargada de tristeza, delicadeza y, sobre todo, personalidad. El carisma y calidad del film les ha abierto la puerta a diversos festivales, como el 62 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde compitió obteniendo el favor de público y crítica, aunque no le sonriera el palmarés y obtuviera en ese campo más fortuna y reconocimiento en otros eventos.

En “Loreak”, el guión, realizado por los mismos directores junto a Aitor Arregi, consigue atrapar tanto el ánimo como la atención de la audiencia con su sutil narrativa. Se nos presenta como una aparente historia sencilla, cercana, pero con brillante inteligencia nos hace viajar, tanto con sus diálogos, como con sus silencios, por una galería de matices y capas tan reales como la vida misma de la que es espejo. Triunfa en su relato, desde distintas perspectivas, sobre el amor intenso pero no compartido en todas sus formas.

Mas nada de lo expuesto en el anterior párrafo llegaría a buen puerto sin un elenco que diera no sólo vida, sino verdad, al fantástico texto. En ese campo, “Loreak” brilla mucho más de lo esperado, el equipo de actrices protagonistas realiza un trabajo sobresaliente que consigue hacer la historia aún más grande. La empatía que logran es automática, y la credibilidad de cada una de ellas, absoluta, aún en los largos primeros planos de los que salen más que airosas. Las tres actrices principales, Itziar Aizpuru (Tere) Nagore Aranburu (Ane) e Itziar Ituño (Lourdes) e incluso la sencudaria Ane Gabarain (Jaione) brillan con luz propia y componen un ramo de interpretaciones frondoso, matizado, variado… crean papeles vivos, que como las flores que siempre las acompañan, se nos muestran tanto en su plenitud como en el estado más marchito y desgarrado. Estupendas, todas. 

El resto de elementos técnicos del film son de correcta y efectiva factura, regalándonos una fotografía más que agradable, un montaje que, sobre todo en la segunda mitad, sostiene al espectador en un puño  y lo arrastra en un emocional viaje, y una cuidada banda sonora (igualmente mejor gestionada en el segundo bloque de la película)…

Un cocktail de elementos discretos y destacados que hacen de un film pequeño, intimista, como “Loreak”,  una de las sorpresas cinematográficas más agradables de la temporada. Por lo que cuenta, por cómo lo cuenta, y, sobre todo, por el calado que tiene su narrativa. Es una película para ver, sentir, analizar y comentar, un espejo de la vida en el cine sin miedo a mostrar lo que, a veces, no queremos enfrentar. Muy recomendable. 

Enoch
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Interstellar ( Christopher Nolan )

Valoración:9/10

La existencia de la raza humana sobre la Tierra avanza hacia su inexorable y cercano fin. Diversos fenómenos naturales van consumiendo y destruyendo los recursos necesarios para la continuidad de la vida, y el día a día de los hombres es una continua lucha, una carrera de obstáculos cada vez más insalvables.
La única esperanza para la supervivencia es hallar un nuevo hogar, un planeta no baldío. Para ello un grupo de valientes, sin certeza alguna de si será factible su regreso, habrán de arriesgarlo todo abandonando la Tierra. Volarán hacia un “Quizás” más allá de la incertidumbre, la incógnita de un agujero de gusano que promete vida pero puede significar la más atroz de las muertes no sólo para aquellos que lo cruzan, sino para los que, sobre la faz de una agonizante Tierra, rezan no sólo por su retorno de los astronautas, sino por el éxito de una misión cuyo premio es la pervivencia de la especie.

Christopher Nolan (Trilogía de “El Caballero Oscuro”, “Origen”, “Memento”…etc) firma con “Interstellar” la que probablemente sea su película más completa, incluso quizás más redonda, hasta el momento. Gran parte de su éxito se debe a su guión, que firma el mismo director junto a Jonathan Nolan, basado en una historia de Kip Thorne. En él logran tejer tramas y subtramas, acción con emoción, Tierra y espacio, presente y futuro… logrando un todo, un tapiz magnífico. Esta virtud, unida con unos muy inteligentes edición y montaje, hace que no sólo sus casi tres horas de duración no se hagan largas, sino que, con su crescendo a todos los niveles, pasen en un suspiro.

El apartado técnico es intachable, además de la edición ya citada, destaca el trabajo de efectos especiales, creando imágenes y parajes difícilmente olvidables para la mente cinéfila, así como escenas de verosímil y trepidante acción. Por su parte, la fotografía, obra de Hoyte van Hoytema, es muy efectiva y trabajada, y encuentro un acierto que huya del preciosismo visual en su mayor parte, para que el espectador no se pierda en lo contemplativo y centre su atención en la humana historia. Redondeando la ambientación encontramos un fantástico trabajo de Hans Zimmer con las partituras de una banda sonora que acompaña y subraya la acción haciendo un muy inteligente contraste con el uso del “silencio espacial”, contundente y sobrecogedor.

En el apartado interpretativo, el trabajo de su trío protagonista, Matthew McConaughey, Anne Hathaway y Jessica Chastain está al nivel de la calidad a la que nos tienen acostumbrados, pero no podemos dejar de remarcar la gran labor del amplio abanico de secundarios de primer nivel como John Lithgow, Michael Caine, Matt Damon…etc. entre los que destacaremos a la benjamina del reparto, Mackenzie Foy, y la más veterana, Ellen Burstyn, con una intervención que tiene tanto de breve como de intensa. Entre todos ellos logran un trabajo coral sobresaliente, en el que, si bien no hay  una interpretación que destaque por encima de la otra, sí deja una sensación de credibilidad y buen trabajo a nivel de elenco estupendas.

En conclusión, “Interstellar” es una película que nos recuerda la grandeza a la que el cine puede llegar. Tiene espectáculo, tiene aventura y acción, pero también tiene una sólida historia tras todo ello así como un alma en su lado más humano que llama a la emoción y la inmediata empatía con la audiencia. Tiene entretenimiento, diversión, tensión, pero también una galería de ideas científicas, filosóficas y éticas que darán al espectador que hablar y que debatir. Con todo, este viaje que nos propone Christopher Nolan es un lujo que sabe sacar lo mejor de las distintas partes que conforman su equilibrada armonía, CINE con mayúsculas que se ve, se vive y no se olvida.

Enoch
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Otras críticas de “Insterstellar” para #ElClubDelCinéfilo:
Delirios Literatura Cómics Películas
Coleccionista de Instantes Cinematográficos
Cine de PatioOcio en pocas palabras
Blog del Fricky
El Blog de Ivan Rúmar
Calle Baker
MOTEL PURGATORIO

El Cuento de La Princesa Kaguya (Kaguya Hime No Monogatari - Isao Takahata)

Valoración:8/10

Este melancólico cuento nos narra cómo una pareja de ancianos agricultores descubren a una niña nacida dentro de una caña de bambú y la adoptan como si fuera su propia hija. Pronto crecerá y será querida por todos aquellos que comparten su tiempo en la aldea, pero su peculiar origen y su inusitada belleza depararán a la joven un destino más elevado, el de ser una princesa. Pero ella misma sabe que un ser así no puede ser de este mundo…

Isao Takahata (“La Tumba de las Luciérnagas”) dirige este laborioso proyecto del estudio Ghibli para cuyo desarrollo ha necesitado ocho años de arduo trabajo. Su creación e inspiración nacen en un cuento popular anónimo del siglo IX llamado “El Cortador de Bambú”, que el mismo director ha adaptado guionizándolo junto a Riko Sakaguchi.

Pese a su fracaso en taquilla en su Japón natal, la película ha sabido hacerse un hueco a nivel internacional consiguiendo participar y rendir a la crítica a sus pies en festivales como Annecy, Cannes, Sitges o San Sebastián, logrando de esta forma su distribución en diversos países.

“La Princesa Kaguya” representa un regreso a las raíces de la animación, no sólo por la fuente del cuento clásico del que bebe, sino por lo artesano, cuidado y artístico de sus formas, mucho más cerca de lo pictórico que del realismo digital imperante hoy en día. Sus formas y estética dotan a la narración de un tono mágico, que mezclado con el fantástico trabajo musical de Joe Hisaishi termina tornando la fábula en lírico poema para los sentidos.

Quizás, para parte de su potencial audiencia, pueda jugar en su contra su extensa duración (que, a mi juicio, podría haberse aligerado un tanto recortando escenas demasiado alargadas de la parte central de su metraje), que unida a un ritmo pausado en su discurso pueda llevar a un cierto tedio o desconexión de la mágica línea argumental.

A mi entender, una laboriosa joya de la animación en la que, si bien hay que adentrarse bien despejado y con tiempo por delante, es una delicia perderse y disfrutar de su poesía, del gran trabajo tras ella y de la atemporalidad de su relato. Muy interesante.

Enoch

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