jueves, 25 de noviembre de 2010

El Imaginario del Doctor Parnassus

Valoración: 8/10

    The imaginarium of Dr. Parnassus
    En la mente de Terry Gilliam

    ¿Volvería Terry Gilliam a recuperar la magia después del desastre de Tideland? Esa era la inevitable pregunta que todos los seguidores del director se repetían a medida que El hombre que mató a Don Quijote se iba al garete y éste otro proyecto se encontraba con más y más dificultades para salir adelante. Una vez superados todos los contratiempos ya podemos decir que la espera ha merecido la pena. Y es que aunque The imaginarium of Dr. Parnassus está muy lejos de ser perfecta si que es puro Terry Gilliam. Con sus excesos, defectos y contradicciones, pero Terry Gilliam al fin y al cabo.

    La historia de la película es digna del mejor Neil Gaiman. El Dr. Parnassus y su compañía de actores recorren las calles de Londres con un espectáculo ambulante propio de otros tiempos. Lo que parece ser un estrafalario y decrepito guiñol de cartón piedra esconde en realidad una entrada a los sueños de los espectadores a través del espejo mágico del Dr. Parnassus. La función no es gratuita: Todos los que se adentran en el espejo deben poner a prueba las virtudes de su alma si quieren regresar al mundo real. Por desgracia, el anciano hizo un pacto con el Diablo y éste quiere cobrárselo llevándose a su hija a no ser que consiga derrotarle en su propio terreno, el de las apuestas.

    La película rescata todos los tópicos del cine fantástico del Terry Gilliam, personajes excéntricos, fantasías dalinianas y un argumento que deja la verdadera interpretación de la historia a la imaginación del espectador. Uno puede pensar tanto que todo lo que cuenta es cierto como que solamente se ha tratado de un sueño delirante en la cabeza de un vagabundo en busca de su hija fugada. El director recupera así un imaginario cercano al de Las aventuras del barón Münchausen (ahí está Charles McKeown ayudando con el guión) que incluso se permite tomar prestadas las bifurcaciones alegóricas de El progreso del peregrino de John Bunyan o el surrealismo de los Monty Python pero que siempre regresa a esa ciudad decadente de la que es imposible escapar. Siempre hay otra cara de la moneda, realidad y fantasía, los diferentes rostros de un Diablo con principios o un altruista que solo esconde codicia.

    Merece la pena comentar la originalidad técnica con la que se han recreado los universos fantásticos porque los efectos especiales de esta película están completamente fuera de las tendencias infográficas del cine actual. Evidentemente, algunas escenas como la del templo -ese impecable acercamiento a vista de pájaro tras la música de los hermanos Michael y Jeff Danna- ceden a la espectacularidad pero en otras nos encontramos con ideas tan originales como un mundo en purpurina a lo anuncio de perfume o ese otro compuesto de verdes praderas en stop motion y escaleras infinitas que casi nos recuerda a un videojuego retro. Una manera muy interesante de entender los trucos digitales ahora que muchas películas deberían replantearse el precio de su preponderancia.

    Casi se puede decir que la película reúne a una pequeña muestra generacional de intérpretes. Empezamos por los veteranos, unos impecables Christopher Plummer y Tom Waits, seguimos con la magnética presencia de Heath Ledger y el diminuto Verne Troyer y terminamos con la juventud de los prometedores Andrew Garfield y Lily Cole. Todos están divertidísimos. Pero eso no es todo. Tal y como nos indica el cierre de la película, The imaginarium of Dr. Parnassus es ante todo una película de Heath Ledger y amigos. Así, al fallecido actor le sustituyen dentro del espejo Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell en una serie de apariciones fugaces que no solo han servido para poder completar el film sino que también representan un último reconocimiento al joven intérprete. Es un homenaje presencial, completamente fuera de la pantalla, aunque casi podríamos añadir su estampa a esas otras de la princesa Diana, Rodolfo Valentino o James Dean que en uno de los mundos imaginarios se llevan los barcos por el río de la inmortalidad.

    Aunque visualmente apabullante, el trabajo de Terry Gilliam tiene sus puntos en contra. A su película le falta ritmo y una buena dosis de congruencia narrativa pero aún con todos sus defectos es una obra única de un autor que no admite comparaciones. Los detractores del universo Gilliam pueden restarle una estrella al resultado final sin problemas. Una nueva pregunta queda en el aire: Aunque parece que la ausencia de Ledger se ha suplido convenientemente uno no puede evitar preguntarse en qué medida ha trastocado el guión original del film, sobre todo cuando en su segunda parte el argumento se tambalea peligrosamente. En cualquier caso, puede que esta no sea la película que el director quería hacer en un principio pero no cabe duda de que sigue siendo su película.
Keichi

El Exorcismo de Emily Rose

Valoración: 9/10

    El film narra la historia del juicio al que es sometido un sacerdote por haber fallecido la joven a la estaba practicando un exorcismo. A través de las declaraciones de los diversos testigos revive los últimos días de vida de Emily Rose, su plenitud, su supuesta posesión y su muerte. El film, pleno de virtudes se apoya sobre dos pilares. El primero se basa en unas interpretaciones sublimes que lo hacen muy verosímil y evitan la utilización de grandes maquillajes o complejos efectos digitales, Emily Rose sabe dar miedo por sí misma con su interpretación. El segundo sustento del éxito de la película es la narración de todos los acontecimientos en una doble vertiente, por un lado la de aquellos que tratan de dar una explicación del todo racional a lo ocurrido y la de aquellos que creen que Emily realmente estaba poseída por fuerzas más allá de la razón.

    Esta estructura dota al film de un realismo que consigue estimular la mente del espectador y generar el beneficio de la duda, hecho que hace más fácil anidar al miedo entre el público.

    Quizás lo único reprochable de la película es su final, el desenlace no es para todos los paladares, por pecar quizá de condescendiente y romper un poco el estilo del resto del film. Aún y todo me parece una obra de mucha calidad y una pieza de buen cine.
    ENOCH

El Fin del Mundo en 35 mm. (Cigarette Burns - Masters of Horror)

Valoración: 7/10

    Estamos ante la contribución de John Carpenter a la primera temporada de mediometrajes de la saga "Masters of Horror".

    En ella se nos relata la historia de un joven que se gana la vida buscando peliculas raras para coleccionistas. En esta ocasión ha de localizar un film "El Absoluto fin del mundo" que se proyectó en los comienzos del festival de Sitges y que despertó tal violencia y muertes entre el público que fue retirada de todo circuito comercial e incluso se duda de su conservación hasta la actualidad.

    El film nos lleva con el protagonista a través de la busqueda, nos arrastra con él en sus visiones, en su descenso a la locura hasta encontrarnos cara a cara con la tan ansiada copia, donde el mal supremo amenaza la cordura del espectador y despierta su lado más oscuro.

    Esta película, una de las mejores de la saga, recuerda mucho a otra anterior de su director, "En la boca del Miedo" y, aunque sabe a poco y deja varios cabos sueltos, resulta muy interesante, viciada, extraña... algo fuera de la mediocridad que puebla demasiados episodios de "Masters of Horror". Recomendable.
Enoch

El Internado (Saint Ange - Sanatorium)

Valoración: 7/10

    Este film francés (dirigido por Pascal Laugier antes de asombrar al gran público con su polémica y ya de culto "Martyrs") nos cuenta la extraña historia de una joven embarazada que se traslada a trabajar a un internado que está cerrando sus puertas. Allí se queda ella en compañía de la cocinera y una interna ya crecida con aparente demencia. A partir de ese momento comienzan las visiones y los acontecimientos extraños.

    El film no está cargado de mucho terror, sino de sutiles pinceladas de inquietud y algún que otro susto. Quizás como película de terror no sea recomendable, pero sí como thriller psicológico, su guión, su conclusión y su ambigüedad traen a la mente la obra "Otra vuelta de tuerca", no nos da concesión de qué es real, qué está sólo en la mente de la protagonista, siendo este, a mi entender uno de los puntos de mayor interés de la película.

    Lo mejor: Las localizaciones y el uso de la luz y las sombras.
    Lo peor: Se le puede tachar de film lento, bastante lento

Enoch

El Exorcismo de Isabella (Blackwater Valley Exorcism)

Valoración: 1/10

    Film desconocido, de título prometedor... pero uno de los mayores fiascos en los que he invertido mi tiempo últimamente.

    A la sombra de las dos grandes películas sobre el tema, como "El Exorcista" y "El exorcismo de Emily Rose", esta película, que no es nada más allá de un telefilm barato, nos aburre por completo.

    Nos cuenta la historia de Isabelle, una joven poseída por un demonio y cómo repercute ello en su propia familia y lo que han de sufrir por ayudarla. Entre escena y escena de la joven poseída el film se transforma en el más puro culebrón barato de sobremesa con el sacerdote liado con la hermana, la madre con el amigo del padre, el padre con...

    Delirante, mal interpretada, con un maquillaje amateur...
    Sólo tengo una palabra para definir esta hora y media que se hace llamar película: CUTRE.
Enoch

El Grito 2 (The Grudge 2)

Valoración: 7/10

    Representa esta película la sexta adaptación del director Takashi Shimizu de su historia "La Maldición".

    La historia en ella es sencilla, la hermana de Sarah Michelle Gellar acude a Tokyo al enterarse de las desventuras ocurridas en la primera entrega, comienza a investigar y el mal se desata de nuevo.

   Lo que resulta más de agradecer en esta película es que no calca la secuela oriental (La Maldición2) tal y como ocurrió con su predecesora, con lo que el factor sorpresa se mantiene hasta el final.

    El interés lo mantiene también con sus desordenes temporales, su mezcla de varias líneas argumentales de las distintas historias haciendo tejerlas al espectador en su cabeza intentando adelantar el desenlace.

    En su contra diré que creo que el director ha optado por unas soluciones visuales para las apariciones fantasmales demasiado obvias en esta ocasión, apenas deja nada a la imaginación y con ello el terror disminuye.
    Por otro lado, se aprecian también guiños a otros films orientales, como "Shutter".

   En conclusión, en estos tiempos de sequía de buen cine del género, este segundo grito y la recuperación de Toshio como poblador de nuestras pesadillas no tiene un resultado despreciable, no está nada mal, aunque no sea ninguna joya. Interesante.
Enoch

El Incidente (The Happening)

Valoración: 4/10

M.Night Shyamalan vuelve a filmar una película atípica, fuera de todo convencionalismo…

    Nos cuenta en esta ocasión cómo, en distintos lugares y sin previo aviso comienzan a sucederse suicidios colectivos a los que nadie es capaz de dar explicación. Se especula sobre armas químicas, ataques terroristas… pero las incógnitas no se despejan, y la oleada de muertes se va expandiendo cada vez a mayor escala.
    Dentro de este entorno, el director nos arrastra en la aventura de supervivencia de un matrimonio en crisis (Mark Wahlberg & Zooey Deschanel) junto a su amigo (John Leguizamo) y su hija pequeña mientras intentan escapar de este fenómeno que parece amenazar con no dejar ser humano vivo sobre la faz de la tierra.

    El argumento es bien atractivo, y las explicaciones que no podemos expresar aquí (para no estropear una de las pocas cosas buenas que tiene la película) y que responden a las claves del film son bien interesantes… Incluso diremos que tiene varias escenas verdaderamente impresionantes que perduran en la memoria del espectador…

    Pero, pero, pero… en este apocalíptico entorno el director ha decidido insertar dosis de un humor que desluce totalmente el conjunto, elegir una serie de actores secundarios que provocan la carcajada del espectador incluso en la situación más supuesta seria, y qué decir de los protagonistas… Mark Wahlberg permanece todo el metraje con la misma expresión, se desarrolle ante sus ojos la tragedia o alegría que sea… Zooey D. es lo más aterrador del metraje, con esa mirada perdida y ese look de paranoide continuo…Todo este cocktail evita que el espectador empatice con los personajes, que entre en la historia y sufra con ellos… inclina a ratos al bostezo, a ratos a la carcajada y sólo posee momentos sueltos brillantes… Para mi gusto, estamos ante otro patinazo del señor Shyamalan…

    En conclusión, recomendable únicamente para acérrimos de este director, y sobre todo para aquellos que adoraron su película “Señales”, muy al estilo… 

El Increíble Hulk (Hulk 2)

Valoración: 6/10

    Años después de que Ang Lee trajera a nuestras pantallas la atípica adaptación de las aventuras del super héroe cargado de mala leche y verde "Hulk" con una manera de hacer cine y contar una historia de estas características bien diferente a lo acostumbrado por aquellas fechas, llega ahora su continuación firmada por Louis Leterrier ("Transporter").

    Muchas son las diferencias con su predecesora además de su director y de su reparto (cambio de Eric Bana a Edward Norton, de Jennifer Connelly por una insulsa Liv Tyler), se cambia el estudio humano de los personajes por el espectáculo infográfico, se sustituye un ritmo pausado y de novedosas formas por el frenetismo de un espectáculo de parque de atracciones a ritmo de videoclip... y un largo etcétera que hacen de estas dos películas pos extremos opuestos.

    En esta ocasión la historia que nos narra se centra en la búsqueda del antídoto que destierre a Hulk, a la furia, de la vida del protagonista. Por otro lado el gobierno persiste en encontrarlo y no dudará en realizar experimentos con lo que generó la mutación original para crear un rival que sea capaz de detener al héroe enfurecido...

    Esta entrega va al grano, a la acción, al espectáculo, y en ese sentido cumple perfectamente su misión de entretener y divertir al espectador. Hará las delicias te todos aquellos que odiaron a su predecesora por lenta o densa... El guión sobre el que se basa "El increíble Hulk" está bien formado, posee un buen ritmo y regala las justas dosis de interrogantes y explicaciones a la vez que está al servicio de una historia "a la carrera" donde lo que más importa es no dejar un segundo de respiro ni a la mente ni a la retina del espectador.

    En mi opinión, si de algo adolece esta película es de un sobreuso de los efectos digitales, que si bien nos dan un espectáculo impresionante, desnaturalizan hasta un extremo la historia que le hace perder cierta verosimilitud. Por lo demás, una aceptable película de acción con unos protagonistas más que correctos, (tanto el héroe como el villano) para pasar un buen rato, una montaña rusa de efectos, persecuciones... Entretenida sin ser inolvidable (cosa que sí fue su predecesora, a la que se adoraba u odiaba).
Enoch

El Fantasma del Lago (Drowning Ghost)

Valoración: 5/10

    Mikael Hafstrom, antes de saborear las mieles del éxito dentro del cine de terror con su "Habitación 1408" nos trajo desde su natal Suecia esta película.

    La historia se sitúa en una residencia de estudiantes, parte del momento en el que una de ellas se suicida saltando desde la azotea del edificio... pero la vida sigue para todos ellos. Todo comienza a torcerse cuando una de las estudiantes comienza a realizar un trabajo sobre una leyenda urbana local, según la cual, en el lago cercano hay un fantasma, el de un granjero que años atrás había asesinado brutalmente a tres estudiantes, y que regresa anualmente a la institución. Su investigación le lleva a realizar hallazgos más reales que fantasmagóricos y mientras el círculo de sospechosos se cierra más y más, los crímenes se suceden y queda patente que son más de temer los vivos que habitan en la residencia que los fantasmas que supuestamente les acechan.

    Un film sin muchas pretensiones, correctamente realizado y escrito... aunque en lo que al terror se refiere acaba resultando bastante flojo. Mirándolo como un thriller, como una película de mero suspense, resulta mucho más aceptable para entrar en ese juego de adivinación sobre quién se esconde tras los crímenes. Prescindible.
Enoch

El Ilusionista

Valoración: 7/10

    Del director y guionista, Neil Burger, nos llega está película en la que Edward Norton interpreta a Eisenheim, el mago más increíble que jamás existió capaz de hacer tambalearse al imperio austrohúngaro por su enfrentamiento con el príncipe heredero Leopold a principios del siglo XX.

    Ambos se convierten en rivales por el amor de Sophie. El príncipe manda a Uhl (Paul Giamatti), un policia, a que desenmascare a Eisenheim. Mientras tanto este último se prepara para ejecutar el acto más prodigioso de toda su vida.

    Cabe destacar las interpretaciones de Norton y Giamatti, la buena ambientación que tiene el film y la fotografía y vestuario.
    El principal problema es que el final es demasiado previsible, dan demasiadas pistas obvias y ciertas ilusiones no son creíbles.

    Aún así, es recomendable, es una amena historia de amor.
May

El Laberinto del Fauno

Valoración: 8/10

    Es una película de género fantástico, escrita y dirigida por Guillermo del Toro.

    La historia comienza en 1944, tras la victoria de Franco, Ofelia inicia el viaje acompañando a su madre, Carmen, convaleciente a causa de un avanzado estado de gestación. Se trasladan hasta un pequeño pueblo en el que se encuentra el nuevo marido de ésta, Vidal, un cruel capitán del ejército franquista por el que la niña no siente ningún afecto. Una noche, Ofelia descubre las ruinas de un laberinto y allí se encuentra con un fauno quien le dice que en realidad una princesa.

    Guillermo Del Toro hace entender como nunca, con todos sus efectos especiales y maquillajes, la crueldad de las dictaduras y su capacidad para anular con ideología la vida humana.

    Es una película inteligente, profunda, y mágica. Un cuento de hadas que en ningún momento se pretende para públicos infantiles. Cuenta con un muy buen reparto: Sergi López, Maribel Verdú, Aridna Gil, entre otros. Muy recomendable
May

El canibal de Rotemburgo (Grimm Love Story)

Valoración: 9/10

    El film alemán, dirigido por Martin Weisz (venido del mundo del videoclip), viene avalado por un premio a la mejor fotografía, a la mejor interpretación masculina ex aequo para sus dos protagonistas y el de la mejor dirección en el festival de Sitges.

    La película nos relata los hechos reales acontecidos en Alemania hace unos años y que conmocionaron a la opinión pública. Nos cuenta, a través de la investigación de una estudiante americana, la macabra historia de cómo un hombre busca a través de Internet la compañía de otro para devorarlo. Nos habla de otro hombre que a través de Internet busca a quien lo devore.

    Un relato de un encuentro, de un ¿crimen?, de una relación de tal unión que se consuma comiéndose al ser amado, siendo así uno.

    El film está muy elegantemente rodado, sin truculencias pero consiguiendo llegar a las entrañas del espectador. Se echa quizás un poco en falta un mayor desarrollo de la relación de la pareja protagonista después de su encuentro y previo al desenlace fatal, pero no desmerece al conjunto.

    Muy recomendable para pasar un mal rato, ver hasta donde puede llegar el ser humano y hacer una visita al lado oscuro de la mente, donde lo macabro es hermoso.
    Altamente recomendable.
Enoch

El Cuento de Haeckel (Masters of Horror)

Valoración: 6/10    

 Del director John McNaughton, nos llega esta película que forma parte de la serie Masters of Horror, cuyo guión es del propio Mick Garris y está basado en una historia de Clive Barker.

    Un joven se adentra en un oscuro bosque durante una lluviosa noche accediendo a la morada de una pérfida nigromante. El joven, absorto en su locura tras la muerte de su esposa, le pide a la vieja mujer que la traiga entre los muertos mediante el uso de sus poderes arcanos. Pero antes, él deberá escuchar la historia de Haeckel, un joven médico revividor.

    Podría decirse que es una especie de relato gótico en el que se mezclan la nigromancia, los zombies y la necrofilia.

    Lo que empieza como un cuento macabro desemboca en un festival erótico. Se podría esperar más del film pero se deja ver, es entretenido y tiene momento de auténtica risa....
May

El Diablo Viste de Prada

Valoración: 7/10

     En el mundo de la moda en Nueva York, la revista Runway es la más importante. Dirigida por Miranda Priestly (Meryl Streep), el diablo personificado en la editora más poderosa, exigente, influyente y caprichusa que ha visto la industria de la moda. Runway es un terrible reto para todo aquel que quiera triunfar en este mundo. Trabajar como ayudante de Miranda podría abrir cualquier puerta a Andy Sachs (Anne Hathaway), una chica desaliñada recientemente graduada.
    
    El guión en sí no es muy brillante, aunque la idea de partida no está mal: una jovencita recién licenciada intenta abrirse camino en la moda de Nueva York.
    
    Es una película dinámica, aunque también algo exagerada, pero también porque el contexto lo merece. Lo más destacable es la perfecta interpretación de Meryl Streep.
    Recomendable para pasar un rato agradable.
May

El Corazón del Ángel

 Valoración: 10/10

    Harry Ángel (Mickey Rourke) es un detective privado que trabaja en Nueva Orleans. Un día es contratado por un misterioso cliente (Robert De Niro) para que encuentre a un hombre llamado Jhonny Favourite. Y así comienza esta historia...

    Realmente no sé ni por dónde empezar. Para mi es una obra maestra, llena de intriga, terror y suspense. La película da algunos giros concretos que no te esperas, y te mete en la espiral de desesperación e incomprensión que sufre el protagonista mientras busca a Jhonny Favourite.
    En esta película se mezclan maravillosamente el cine negro y la santería.

    No quisiera contar más por miedo a irme de la lengua y destriparos la película, pero os la recomiendo encarecidamente. Haced palomitas, acurrucaros en el sofá y disfrutad de una gran obra de culto.
   
Por cierto, deciros que si os gusta la peli, y además también disfrutáis leyendo, tenéis la novela "Corazón de Ángel" de William Hjortsberg, de donde se ha sacado este pequeño gran diamante del cine.
BlackCat

Eden Lake

Valoración: 6/10

  Desde el Reino Unido llega está polémica, controvertida y laureada producción firmada por el director James Watkins (también guionista del film) dispuesta a hacer sufrir a los espectadores…

    Para ello nos cuenta la historia de Steve y Jenny, una pareja que decide pasar un fin de semana romántico junto a un lago, buscando la soledad, la tranquilidad en comunión con la naturaleza… pero nada más lejos de lo que allí encontrarán.
    El remanso de paz pronto se ve quebrado por la aparición de un grupo de adolescentes que no paran de molestarles e incomodarles. El enfrentamiento es inevitable, y un accidente con la mascota del grupo dispara una espiral de violencia en la que la pareja protagonista se verá acosada, perseguida… y el lugar aislado que prometía paz se transformará en campo de batalla por la supervivencia.

    Por el argumento en el que se basa podréis ya imaginar que la película no destaca por su tremenda originalidad narrativa, en ella podemos ver claros paralelismos a otros films “ya vistos” como pueden ser “Ils” o “El Rey de la Montaña”, no obstante, sobresale frente a ellas apoyándose en el frenetismo de su ritmo, y en la ensañada crueldad de muchas de sus escenas, tanto en lo visual como en lo psicológico.

    El elenco de actores están bien correctos en sus respectivos papeles y la elección de localizaciones y su ambientación también son aceptables, así como otros aspectos técnicos como el maquillaje… lo único criticable puede ser quizás lo previsible de varias situaciones y lo inverosímil de otras…

    No obstante lo que verdaderamente destaca de esta película y la saca de lo vulgar es que es una de las más agresivas en su discurso, en su crítica social. Crítica a una generación adolescente aburrida de todo, sin aprecio por la vida ajena y con una nulidad de escrúpulos y valores que les lleva a buscar el sufrimiento ajeno como divertimento, que utiliza los móviles para filmar palizas, que pone a prueba la hombría de los jóvenes en función de las vejaciones que sean capaces de infligir a los indefensos adultos… crítica a los padres de esa generación, cómo consienten a sus infantes, cómo la disciplina queda olvidada… ¿quiénes son los culpables?¿quiénes las víctimas?.

    En conclusión, un ameno y cruel film donde quedar agotado con sus protagonistas escapando de los villanos más terroríficos y cotidianos de la sociedad actual… sin grandes sorpresas ni grandes innovaciones ni técnicas ni argumentales, pero con un interesante discurso ideológico de fondo. No es para tirar cohetes, pero sí una película a tener en cuenta.
Enoch

El Amanecer de los Zombies (House of the Dead 2)

Valoración: 4/10

    “El amanecer de los Zombies” es la secuela de la (merecidamente) criticada y descalificada “House of The Dead” de Uwe Boll (Basada en el videojuego del mismo nombre).

    En esta ocasión la acción se centra en un campus universitario, donde un experimento realizado sobre un zombie venido de la isla de la muerte (donde se desarrolló la primera parte) se tuerce y la infección se dispara. El campus se llena entonces de animadoras, estudiantes, bibliotecarias…etc. convertidos en muertos vivientes. Pronto llegará un equipo de elite formado por soldados y científicos para erradicar el mal.

    En justicia hay que decir que la película es mala, muy mala. Un maquillaje deficiente, unos personajes de pura caricatura y estereotipo, un guión infumable, unos efectos especiales catastróficos (impagable el momento del misil, ni en el peor telefilme televisivo…) todo hacen de ella una película que no puede ser calificada ni como “de serie B”, en conclusión, una calidad cinematográfica pésima. Bien es cierto que tomándola como un tanto paródica del género, sentándose a verla con colegas y unas cervezas (vino o lo que surja en su defecto) acaba resultando bastante graciosa de tan mala que resulta, virtud que no tenía su predecesora que resultaba soporífera.
    Recomendable UNICAMENTE para ver con colegas, coñas y alcohol, abstenerse en el resto de ocasiones.
Enoch

El Caballero Oscuro (Batman Begins 2)

Valoración: 9/10

    Tras la resurrección de la saga "Batman" con "Batman Begins", Christopher Nolan ("Memento", "El truco final: El Prestigio", "Batman Begins"...) termina de reinventarla retomando la historia con esta exitosa secuela, "El caballero Oscuro".
    En esta ocasión, tanto el héroe como la ciudad se alejan más de la estética oscura y gótica que tuviera en sus inicios. Ahora Gotham podría ser una moderna gran ciudad cualquiera, ahora Batman se acerca más a un estilo "James Bond" que a la figura de un mutante superhéroe. Con ello pierde un cierto encanto estético, pero gana en verosimilitud.

    El argumento de esta entrega se centra en el acercamiento de Batman (de nuevo Christian Bale) al teniente Jim Gordon (Gary Oldman, correctísimo, como siempre) y al fiscal del distrito Harvey Dent (Aaron Eckhart, muy digno en su controvertido papel). Este triángulo unirá sus fuerzas para limpiar la ciudad de Gotham de criminales, pero uno muy peculiar y poderoso ha hecho acto de presencia, un perturbado mas inteligente Joker (impresionante Heath Ledger) les pondrá en la cuerda floja.

    Muchas son las cosas a destacar en esta producción cuidadísima al detalle, pero la más importante de ellas reside en la calidad de las interpretaciones del elenco de estrellas que la protagonizan. Además de los cuatro protagonistas ya mencionados la película cuenta con secundarios de lujo, como Michael Caine, Morgan Freeman, Cillian Murphy, y con otros cuyo papel no alcanza el nivel de sus compañeros, como Maggie Gyllenhaal o Eric Roberts. Entre tal abanico sobresale una actuación sobre el resto, y es la del nuevo Joker, el recientemente fallecido Heath Ledger. Muy complicado lo tenía dado lo inolvidable de la interpretación que regaló Jack Nicholson en el primer Batman cinematográfico bajo las ordenes de Tim Burton... sin embargo, el joven Ledger, lejos de realizar una imitación, reinventa el personaje, crea un Joker absolutamente malsano, demente, enfermizo, hipnótico, y lo transforma en uno de los pilares de la película, ha dejado un legado con este personaje que no podría ser mejor despedida.

    A nivel técnico la película desborda calidad, su vestuario, maquillaje, efectos especiales... todo está más que correcto al servicio de un larguísimo metraje que no pierde interés en ningún momento y resulta trepidante prácticamente en su totalidad. Pero no sólo es espectáculo, no se queda en la agotada fórmula ser una película "montaña rusa" de efectismos y show, no. El caballero oscuro tiene muchos trasfondos, toca muchos aspectos morales, éticos, políticos... mezcla la acción con el drama, la intriga... lucha por crear una película muy completa y compleja, y sin duda lo consigue.

    Un conjunto de alta calidad que ha sabido ganarse el favor de la crítica y, por supuesto, del público, que con su masiva asistencia a las salas está haciendo ascender a esta producción al Olimpo de ser una de las más taquilleras de la historia. Muy recomendable.
Enoch

El Baile de la Victoria

 Valoración: 6/10

    El baile de la victoria
    Como jinete sin cabeza


    Siete años después de El embrujo de Shangai Fernando Trueba vuelve a probar suerte en el campo de la ficción con una nueva adaptación cinematográfica de una novela. En esta ocasión se trata del libro del escritor chileno Antonio Skármeta galardonado con el premio Planeta en 2003. No cabe duda de que el director de Belle Epoque y La niña de tus ojos ha querido en todo momento trasladar a la gran pantalla la magia literaria de El baile de la victoria pero es una lástima que su esperado regreso cristalice una película indiscutiblemente fallida.

    La omnipresente figura de la cordillera de los Andes envuelve esta historia. Con la llegada de la democracia a Chile se decreta una amnistía general y muchos presos son excarcelados. Dos de los afortunados son el inofensivo Ángel y Nicolás Vergara Grey, un ladrón de guante blanco muy popular por sus hazañas delictivas. Arrojados a las calles de Santiago, Nicolás trata de recuperar una vida perdida junto a su mujer y su hijo mientras que Ángel vagabundea por la capital en busca de un gran golpe. Sus vidas cambiarán cuando el chico conozca a Victoria, una mendiga huérfana y muda que sobrevive encerrada en un silencioso baile sin futuro.

    No hace falta haber leído el texto de Antonio Skármeta para darse cuenta de que nos hallamos ante una adaptación que se adivina demasiado fiel. Trabajar con un guión que entremezcla diversas tramas dotadas de un halo de romanticismo y aventura es una empresa tremendamente ambiciosa y arriesgada que se ha cobrado su precio. Todo el guión y sus personajes son de lo más novelescos, un lirismo que no termina de cuajar demasiado con una cruda realidad de las calles más propia del cine negro que de un cuento de hadas. Esta suerte de realismo mágico tan característico de la literatura latinoamericana deriva necesariamente en el maniqueísmo que la crítica especializada ya reprochaba a la novela original.

    Como no podía ser de otro modo, la película está llena de excesos. Por citar alguno podríamos mencionar un flash back del protagonista merendándose una sandía a la luz de la luna, la conversación en off entre Nicolás y su mujer para simbolizar su ruptura definitiva o todas esas escenas en la que el caballo va de un lado para otro recorriendo más millas que el corcel de Gandalf. Para terminar de rematar la faena, El baile de la victoria es una película terriblemente arrítmica y errática. No es de recibo que la historia tarde tanto tiempo en arrancar para luego resolver toda la parte del robo en una rápida escena que a esas alturas no interesa demasiado. Aunque el film tiene muchas cosas que contar uno se queda con la sensación de que le sobran minutos.

    Evidentemente, las interpretaciones de los personajes también son excesivas y esto hace que sus historias no resulten creíbles. Que en una película de estas características el público no comprenda a los protagonistas o enfatice con ellos es un defecto gravísimo. Abel Ayala ofrece una interpretación caricaturesca tratando de dar vida sin demasiado carisma a un personaje que no termina de funcionar en su eterno optimismo y su ingenuidad canalla. Todo aquel que haya visto El polaquito sabe que el personaje de Ángel no hace justicia a sus dotes interpretativas. Algo parecido le sucede a Miranda Bodenhöfer, una actriz no profesional forzada al mutismo que Trueba encontró de casualidad en la escuela del Ballet Nacional de Santiago de Chile. Ricardo Darín, un actor que sale airoso de todo lo que le echen, es el único que se salva de la quema interpretando a un personaje que le viene como anillo al dedo. Ariadna Gil encabeza un reparto de secundarios a los que se debiera haber dado más importancia entre los que destacan Mario Guerra, la famosa coreógrafa y bailarina Marcia Haydée o el propio Skármeta en un breve papel como crítico de danza.

    Aunque los defectos de éste film son muchos, quizás haya que encontrar su origen en un único problema: El baile de la Victoria es un trabajo excesivamente apasionado, tan sobreactuado, con un romanticismo tan de teatrillo, que no llega. Haciendo balance, uno siente tener que redactar una crítica tan destructiva, porque a pesar de todos estos puntos negros tan palpables la película se deja ver con interés, arranca alguna sonrisa y no aburre demasiado. Al menos uno tiene la sensación de que Trueba es completamente sincero en sus buenas intenciones y simplemente se ha dejado subyugar por el espíritu de la novela hasta el punto de no saber controlar los sentimientos de una historia que le ha quedado demasiado grande. Con todo, una malvada voz interior me recuerda que quizás no haya nada peor que aprobar a una película por pena…
Keichi

miércoles, 24 de noviembre de 2010

Dying Breed

Valoración: 5/10

Jody Dwyer nos trae desde Australia un nuevo ejemplo de cine de terror tan prolífico en los últimos tiempos en este país. Lástima que este nuevo producto queda a la sombra de otros de la misma nacionalidad, recientes en el tiempo y de mucha mayor calidad, como es el caso de “Wolf Creek”, “Rogue”…

    En esta ocasión la acción nos conduce a lo más profundo de los bosques de la mano de un grupo de cuatro amigos que se adentran en la espesura con la intención de investigar el mítico tigre de Tasmania. Una vez allí, los depredadores más terroríficos no serán los tigres, sino un clan caníbal dispuesto a hacer de ellos… su cena… ¿o quizá algo más?

    El film cae en uno de los más típicos errores del cine de terror actual, presentarnos una cuadrilla de jóvenes cuyos caracteres y actitudes no calan en el espectador sino que lo dejan indiferente tornándolo prácticamente a desear que los villanos sean quienes venzan en la historia.

    La trama se desarrolla de una manera en exceso típica, nada queda a la sorpresa y muy escasas situaciones se hacen imprevisibles. Apenas si inquieta a la audiencia y ni siquiera la truculencia que promete su cartel es tal, se queda a medio camino y termina siendo un producto un tanto mediocre en su forma y planteamiento.

    Si bien algo es destacable en esta producción es, una vez más en un film australiano, la fotografía y los tremendos paisajes naturales donde se desarrolla la acción y que acaban siendo un elemento tan importante como los protagonistas de la película.

    En conclusión, muchas son las debilidades de esta producción, muchas sus deficiencias y demasiados su tópicos, mas en su favor diremos que, globalmente, resulta medianamente entretenida, quizá más para una tarde de domingo en el sofá de casa que para una sala de cine. Prescindible.
Enoch

Dracula de Bram Stoker

Valoración: 10/10    

En 1897 el escritor irlandés Bram Stoker publicaba Drácula, una de las novelas más influyentes de la literatura moderna. Precedido por otros autores como Polidori o Sheridan Le Fanu, el texto de Stoker asentaría definitivamente el arquetipo del vampiro en el imaginario colectivo. Drácula supone pues el origen incontestable de muchas de las historias sobre este ser de las tinieblas, especialmente las cinematográficas. Casi cien años más tarde, el director Francis Ford Coppola quiso regresar a ese punto de partida para rodar uno de sus mejores trabajos.

    La historia es conocida por todos, no así sus orígenes. En esta película el Conde fue antaño un poderoso caballero defensor de la fe cristiana que tras la injusta muerte de su enamorada abrazó los poderes de la oscuridad. Siglos más tarde nos reenganchamos al argumento original de la novela con la llegada del abogado inglés Jonathan Harker a las brumosas tierras de Transilvania. Harker se convierte progresivamente en un prisionero dentro del castillo del Conde pero el destino se interpone cuándo el vampiro descubre una fotografía de su prometida, un calco exacto de su perdida Elisabeta.

    Es menester empezar esta reseña sentenciando que el título de la película es intencionadamente engañoso. Si bien Drácula se vende como una adaptación fiel de la novela de Stoker, lo cierto es que esta fidelidad es meramente formal. En efecto, el film reproduce de manera casi anecdótica los extractos de diarios y cartas que forman la estructura del libro. Ante todo, Coppola y el guionista James V. Hart quisieron presentar a su vampiro no como un muerto viviente sediento de sangre, sino cómo un ser atormentado y desesperadamente vivo, casi un antihéroe romántico podría decirse, una humanización del monstruo apoyada además en un intercambio de personalidades con su antagonista, el profesor Van Helsing.

    De otra parte, Coppola no teme introducir en la historia una clara alegoría acerca de la sexualidad reprimida. No es nada forzado si se piensa en las connotaciones metafóricas del vampirismo y la sangre. A nadie se le escapa el papel sumiso de la mujer en la sociedad victoriana, reprimida en sus impulsos por una férrea educación religiosa y moral. El desconcierto de Mina y Lucy al observar un Kamasutra se opone a las lúbricas apariciones de las vampiresas. Dicho de otro modo, cuando Mina huye de su prometido para arrojarse a los brazos del Conde, escapa también de un futuro gris, de toda esa muerte espiritual y pasional (no solo física) que le aguarda. Paradójicamente, para ella la verdadera vida se encuentra en la no-vida que el vampiro le ofrece.

    El trabajo de los actores es excepcional. No es de extrañar si se tiene en cuenta que inicialmente la película estaba concebida cómo si de una obra de teatro minimalista se tratase, una idea que se fue diluyendo tras profundas reestructuraciones en las que el propio reparto colaboró. Gary Oldman firma aquí la interpretación de su vida dando vida a un Drácula que inspira terror y piedad, respondido por una Winona Ryder en estado de gracia. Algo más discutibles resultan los trabajos de un poco carismático Keanu Reeves o del histriónico Anthony Hopkins. Completan el reparto los secundarios Sadie Frost, Bill Campbell, Richard E. Grant, Cary Elwes y el cantante Tom Waits cómo Renfield en una sorprendente interpretación. Los más observadores también podrán reconocer a Monica Belucci en uno de sus primeros papeles.

    Drácula es en si misma un hermoso homenaje al séptimo arte. La película está plagada de referencias cinematográficas, destacando los guiños a Kurosawa y al cine japonés en general. No es casualidad, ya que Coppola fue uno de sus introductores en Estados Unidos. Así, podemos reconocer fragmentos del Kwaidan de Kobayashi en los siniestros ojos que observan el tren desde el cielo o escuchar ecos de las batallas de Kagemusha en la crepuscular lucha de sombras chinas que abre la película. Como no podía ser de otro modo, también se nos aparece en ocasiones la sombra del Nosferatu de Murnau. Es imposible olvidarse de la inquietante y maravillosa banda sonora de Wojciech Kilar, acompañada en los créditos por la voz de Annie Lennox. Siguiendo con la influencia del país del sol naciente, el contundente vestuario de Eiko Ishioka viste de geisha a una pálida novia vampiro o se da el lujo de aludir a Klimt en sus diseños de vestuario.

    Pero quizás el homenaje más llamativo de la película sea el que toca a la elaboración de sus efectos especiales. Coppola quiso hacer uso de todos los trucos tradicionales del cine clásico en el centenario de su nacimiento, una tarea titánica que acabó con parte del equipo de especialistas en la calle. Recurriendo a maquetas, juegos de espejos, un espectacular maquillaje y otros trucos no digitales se consiguió una recargada atmósfera barroca y en ocasiones claramente operística. Podemos ver algunos de estos primeros inventos en esa escena -completamente inexistente en la novela- en la que el Conde visita el cinematógrafo. La analogía entre vampirismo y cine es hermosamente precisa: Al igual que el vampiro, el cine tiene algo de sobrenatural, reproduce la vida pero la deforma, hipnotizando a quienes lo contemplan con su belleza engañosa.

    A pesar de un discreto palmarés en los Oscars (cuatro nominaciones de las cuales ganó las de mejor maquillaje, vestuario y edición de sonido) y una recepción controvertida, la película obtuvo un notable éxito en taquilla y devolvió a su director no solo el crédito artístico perdido en los últimos años, sino también una estabilidad económica mermada después de numerosos fracasos comerciales. Vilipendiada por los más acérrimos seguidores de la novela, apasionada hasta la incoherencia e irregular en su desarrollo, detrás de la cámara se intuye en todo momento la megalomanía de un visionario amante del cine. No cabe duda de que Drácula, de Bram Stoker es ante todo el Drácula de Francis Ford Coppola.
Keichi