miércoles, 28 de diciembre de 2016

La Noche del Vírgen - Roberto San Sebastián

Título original: La noche del virgen

Año: 2016
Duración: 85 min.
País: España

Director: Roberto San Sebastián
Guión: Guillermo Guerrero
Fotografía: Adrian Hernandez

Reparto: Javier Bódalo, Miriam Martín, Víctor Amilibia

Productora: PlátanoBolígrafo

El film se sitúa en nochevieja, una velada en la que Nico, un veinteañero solitario, se halla a la deriva en un trasnochado cotillón en busca de una compañera con la que la noche termine en aventura sexual. La suerte no le acompaña hasta que se cruza en su camino Medea, una mujer madura que le invita a su casa con pícaras intenciones. Una vez allí, las cosas comienzan a torcerse, y su viaje hacia el erotismo gira hacia lo sórdido,violento y sangriento, viviendo una serie de concatenadas situaciones en las que se pondrá a prueba su cordura y resistencia ante lo más bizarro, repugnante e inesperado.

"La Noche del Vírgen", escrita por Guillermo Guerreo y dirigida por Roberto San Sebastián, se erige como una de las propuestas más gamberras y, sobre todo, escatológicas de la temporada. Su buscada provocación y nausea pugnan por la cómplice carcajada de un público amante del cine de terror más visceral donde el asco se iguale a diversión.

Lograda encontramos su ambientación, decrépita, sórdida y feista, una estupenda atmósfera sucia envuelve a unos personajes más allá de la normalidad y la cordura correctamente dibujados por los esforzados intérpretes.


Quizás el desarrollo de la historia y, sobre todo, el exceso de recursos en pos de provocar la repugnancia del espectador, se lleva demasiado lejos. En cuanto a la historia, porque a partir de cierto punto roza lo absolutamente inverosímil en las situaciones y reacciones presentadas, y en cuanto a sus escatológicos elementos, porque terminan saturando hasta el punto de perder la gracia.

Pese a sus debilidades, hemos de reconocer que es un producto valiente y arriesgado pero no apto para todos los públicos y estómagos. Visionada en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, donde se pudo disfrutar entre un público alocado dado al alarido y el inagotable comentario, se pudo tornar, a ratos, vehículo de diversión bizarra, pero visionada en otro entorno y compañía, nuestra valoración perdería incluso enteros. Curiosa, atrevida, pero fallida en su conjunto.

Enoch
Valoración: 3/10
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domingo, 18 de diciembre de 2016

El Ataúd de Cristal - Haritz Zubillaga

Título original: El ataúd de cristal

Año: 2016
Duración: 75 min.
País: España

Director: Haritz Zubillaga
Guión: Haritz Zubillaga, Aitor Eneriz
Fotografía: Jon D. Domínguez

Reparto: Paola Bontempi

Productora: Basque Films

Una actriz va a ver reconocida su carrera profesional con un galardón. Una limusina la recoge en su domicilio para ir a la gala donde lo recibirá, y lo que se promete una velada de ensueño pronto se tornará pesadilla.
El vehículo en el que inocentemente es pasajera se revelará como prisión, claustrofóbico lugar en el que no está sola, sino encerrada con alguien desconocido ansioso de venganza... no hay salida, y lo que iba a ser una noche celebrando su vida, girará hacia un análisis de sus actos, aquellos que le han conducido hasta tan terrorífico presente.

Haritz Zubillaga dirige este film pequeño pero cuidado que, con escasos ingredientes, pretende deleitar con un cocktail de misterio y angustia desarrollado en el interior de un coche del que bien ha sabido sacar el director el mejor partido.

Agradable resulta la labor de su omnipresente actriz protagonista, Paola Bontempi, que sabe cargar sobre sus espaldas todo el peso interpretativo del film, pasando en su viaje por un amplio abanico de emociones que logra transmitir de forma más que correcta.

Para un producto de estas características, tan hermético en localizaciones y personajes, el trabajo de guión resulta crucial, y en este caso, el realizado por el propio director junto a Aitor Eneriz resulta agradable, marcando un ritmo en el que la atención y el entretenimiento no decaen a medida que va mostrando los ases que guarda bajo la manga. Quizás en este aspecto, ciertos misterios se revelan con demasiada prontitud, sin haber creado una atmósfera más intensa previamente, rebajando el impacto de la sorpresa sin haber forzado a la audiencia a especular ni desorientarla.

Con todo ello, "El Ataud de Cristal" se alza como una propuesta de cine pequeña pero correcta, agradable para pasar un rato de claustrofobia atrapados en un thriller agradable aunque no demasiado memorable. Pasable.

Enoch
Valoración:5/10
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sábado, 17 de diciembre de 2016

Pet - Carles Torrens

Título original: Pet

Año: 2016
Duración: 90 min.
País: Estados Unidos

Director: Carles Torrens
Guión: Jeremy Slater
Música: Zacarías M. de la Riva
Fotografía: Timothy A. Burton

Reparto: Dominic Monaghan, Ksenia Solo, Jennette McCurdy, Da'Vone McDonald, Nathan Parsons, Janet Song, Sean Blakemore

Productora: Magic Lantern / Revolver Picture Company

Seth, un joven solitario con escasa vida más allá de su trabajo en una protectora de animales, se reencontrará por mera casualidad con una mujer a la que amó en sus días más jóvenes, Holly. Lejos de dejar pasar el momento, esta azar del destino obsesionará a Seth, que querrá tenerla a toda costa. La relación, bizarra y extraña que se establecerá entre ellos les hará cuestionarse hasta dónde se puede llegar por amor.

Carles Torrens, el que fuera responsable del brillante cortometraje "Sequence" y debutara en el largo con "Emergo" se reafirma como interesante director con este inteligente thriller que le ha abierto la puerta a diversos festivales de género logrando incluso en Sitges alzarse con el galardón al mejor guión, obra de Jeremy Slater.

Este retorcido retrato psicológico, centrado en las vivencias, pensamientos y más oscuros deseos de sus dos personajes principales, requería para su correcto funcionamiento de un buen trabajo actoral, y ambos intérpretes saldan la labor con eficiencia, destacando en ello Dominic Monaghan, que borda una creación llena de inquietantes claroscuros.

Su puesta en escena es sencilla y efectiva, focalizando la atención en sus personajes y su relación, obviando todo recurso que la distraiga, sólo matizando la atmósfera con un crescendo de tintes malsanos a medida que el lado más oscuro de los protagonistas va a saliendo a la luz.

Pero es su guión y su estupenda radiografía de unas mentes atormentadas donde más brillante resulta "Pet", regalándonos no sólo un loable dibujo de originales personajes, sino un desarrollo del thriller en que se convierte su relación que llama no sólo al entretenimiento e interés, sino que nos obliga a asomarnos al lado más oscuro del ser humano.

Bien realizada, interpretada y mejor contada, "Pet" es una propuesta diferente y altamente interesante. Recomendable.

Enoch
Valoración: 7/10
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viernes, 16 de diciembre de 2016

Kaijyu Mono - Minoru Kawasaki

Título original: Daikaijû mono - Giant Monster Mono - Kaijyu Mono

Año: 2016
Duración: 93 min.
País: Japón

Director: Minoru Kawasaki

Guión: Minoru Kawasaki, Takao Nakano

Reparto: Saki Akai, Bin Furuya, Shinzo Hotta, Kota Ibushi, Miki Kawanishi, Eiichi Kikuchi, Ryû Manatsu, Shûsuke Saitô, Minoru Suzuki


La aparición de una monstruosa criatura de inmensas dimensiones aterroriza a Japón. Sólo un científico tildado de loco parece poder aportar soluciones para detener el avance del monstruo hacia Tokio y evitar así la destrucción masiva. En sus experimentos, logrará transformar a un joven enclenque en un luchador que iguale en tamaño y fuerza a la amenaza. Una batalla de titanes se forja ante la mirada de la diminuta población.

Minoru Kawasaki dirige y escribe esta alocada película de serie Z donde se dan la mano todos los tópicos del género y se hilan con una interminable galería de gags y personajes imposibles en busca de la hilarante carcajada del público.

Sus efectos visuales se regodean en lo básico de los mismos, alejados de toda búsqueda de realismo o creatividad, se opta por la autoparodia y se alardea de lo cutre en todo cuanto atañe a la puesta en escena. Igualmente las interpretaciones de su elenco son histriónicas y exageradas al extremo, caricaturizando cada personaje.

Su línea narrativa es igualmente sencilla e inverosímil, buscando en todo momento más el divertimento que profundidad alguna.

En conclusión, "Giant Monster Mono" se erige como un producto voluntariamente casposo, dirigido a un público muy concreto,  aquellos que sepan disfrutar de un film de ínfima calidad técnica pero tan amante del género que sabe parodiarlo a la extremista perfección. Pasable para un rato de risas entre amigos y comentarios, poco más.

Enoch
Valoración:2/10
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jueves, 15 de diciembre de 2016

Train to Busan - Yeon Sang-ho

Título original: 부산행 Busanhaengaka - Bu-san-haeng

Año: 2016
Duración: 118 min.
País: Corea del Sur

Director: Yeon Sang-ho
Guión: Yeon Sang-ho
Música: Jang Young-gyu
Fotografía: Lee Hyung-deok

Reparto: Gong Yoo, Ma Dong-seok, Ahn So-hee, Kim Soo-an, Jung Yu-mi, Kim Eui-sung, Choi Woo-sik, Jung Kyung-mi, Shim Eun-kyung, Choi Gwi-hwa

Productora: Next Entertainment World

Un virus está infestando el sur de Corea, aquellos que lo contraen se transforman de forma casi inmediata en criaturas sedientas de sangre, letales depredadores. En este entorno parte un tren desde Seúl con destino a Busan, cargado de numerosos pasajeros, numerosas historias. La enfermedad, como no podía ser de otra forma, se colará entre los viajeros, y hará del trayecto trepidante pesadilla y batalla no sólo por llegar a la anhelada estación que le da título al film, sino por la supervivencia y no perder en el proceso la propia humanidad.

Yeon Sang-ho firma, en una época tan sobre saturada de productos ligados al género zombie/infectados, una película absolutamente brillante que ha sabido destacar por su gran hacer sobre todo el resto. Tal mérito le ha permitido colarse en innumerables festivales de primer nivel como Cannes y Sitges (donde recibió varios premios) y en todo tipo de certámenes de género, alzándose en numerosos de ellos con la reverencia de la crítica y, sobre todo, del público, que la ha galardona como su favorita en eventos como la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastian o Terrormolins, entre otros.

Numerosas son las virtudes de esta película. Comenzando por lo visual, es inevitable alabar su gran acabado en cuanto a efectos especiales se refiere, apabullante en calidad, cantidad y originalidad, así como agradable resulta la labor de maquillaje y caracterización en un género en el que parecía todo hecho. Sabio es igualmente el uso de los espacios, logrando hacer de un mero tren claustrofóbico laberinto.

Notable es igualmente el trabajo de su elenco de actores, que logran crear una galería de personajes, aunque arquetípica, cercana y con la que la empatía es automática, factor imprescindible para implicarse en el devenir de su tragedia y sufrir con ellos y sus destinos, a cada paso.

Pero Yeon Sang-ho ha sabido ir incluso más allá, tejiendo un guión (sumado a un impecable montaje) que consigue que sus dos horas de duración sean el más frenético viaje de entretenimiento sin decaer en momento alguno, sin dar tregua y consiguiendo no saturar, sino llevar un crescendo de emoción. Inteligente ha sido en su elección de un amplio abanico de lugares comunes y clichés del género, que, mezclados con unas formas narrativas que recuerdan al cine de catástrofes de décadas pasadas (sobre todo en el dibujo de personajes), teje y retuerce para conseguir sorprender y agradar a partes iguales.

En conclusión, el viaje que nos propone "Tren a Busán" es más que recomendable para cualquier amante de las películas de terror, de acción, de catástrofes... del cine en general. Una propuesta cinematográfica de máxima calidad técnica, interpretativa, formal y narrativa que no se debe dejar pasar.

Enoch
Valoración:8/10
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miércoles, 14 de diciembre de 2016

The Eyes of My Mother - Nicolas Pesce

Título original: The Eyes of My Mother

Año: 2016
Duración: 76 min.
País: Estados Unidos

Director: Nicolas Pesce
Guión: Nicolas Pesce
Música: Ariel Loh
Fotografía: Zach Kuperstein

Reparto: Diana Agostini, Olivia Bond, Will Brill, Joey Curtis-Green, Flora Diaz, Kika Magalhaes, Paul Nazak, Clara Wong

Productora: Borderline Presents / Tandem Pictures

Una familia habita apartada en una casa de campo alejada de la sociedad. Su paz se verá violentamente rota por la llegada de un intruso que traerá la tragedia a su hogar. Traumatizada y perturbada por los acontecimientos, la joven hija continuará su existencia atormentada por sus más oscuras pasiones y deseos, por una emponzoñada soledad que hará del dolor, propio y ajeno, el latir de su existencia.

Nicolas Pesce escribe y dirige esta personalísima película de terror que ha conseguido el favor del sorprendido público y crítica a su paso por diversos festivales de género, alzándose en la edición 2016 de Terrormolins con el premio de la crítica de los Blogos de Oro.

El ritmo y puesta en escena del film se viste de elegante y sobrio blanco y negro, con un impecable trabajo de fotografía firmado por Zach Kuperstein. Este formato, junto a un montaje de suave cadencia (que estupendamente contrasta con la violencia explícita de las imágenes) resulta hipnótico, lo que sumado a un inteligente uso de las localizaciones crea una brillante atmósfera envenenada.

Notable es igualmente el trabajo de su actriz protagonista, que sabe transmitir con habilidad su viaje a los infiernos de la locura, la hermosa demencia en la que sangre,violencia y muerte son elementos de su normalidad, externas proyecciones de un alma más y más atormentada, resquebrajada, rota y sangrante.

Sin duda estamos ante un producto atípico, lejos de todos los convencionalismos del género, un experimento narrativo y visual que se mete bajo la piel del espectador y perdura en la memoria, una bofetada cinematográfica tan cuidada en la suavidad de sus formas como en lo agresivo de su fondo. Cine diferente, perturbador, un producto y un director a tener en cuenta. Muy interesante.

Enoch
Valoración:7/10
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martes, 13 de diciembre de 2016

Shin Godzilla - Hideaki Anno & Shinji Higuchi

Título original: Shin Gojira - Godzilla: Resurgence -
Shin Godzilla

Año: 2016
Duración: 120 min.
País: Japón

Director: Hideaki Anno, Shinji Higuchi
Guión: Hideaki Anno
Música: Shirô Sagisu
Fotografía: Kosuke Yamada

Reparto: Satomi Ishihara, Hiroki Hasegawa, Yutaka Takenouchi, Akira Emoto, Kengo Kôra, Jun Kunimura, Ren Ohsugi, Mikako Ichikawa, Pierre Taki, Mark Chinnery

Productora: Toho Company / TFC

Una vez más, una mitológica criatura se alzará de los fondos oceánicos de Japón para sembrar el terror sobre la tierra nipona. Godzilla campará a sus anchas por las calles, destruyendo todo cuanto se pone a su paso mientras crece y evoluciona su poder destructor. El gobierno y sus esfuerzos por elaborar un buen plan de ataque y contención habrá de luchar primero con otro monstruo, él mismo, antes de poder enfrentarse al gigante que aterroriza a su población.

Hideaki Anno (Evangelion) y Shinji Higuchi (El Ataque de los Titanes), dos "monstruos" del cine asiático de género, unen sus fuerzas para hacer resurgir a una de las criaturas más míticas del fantástico, Godzilla, y revestir su regreso no sólo de espectáculo visual, sino también de una capa más seria ligada a la ácida crítica hacia el gobierno nipón y su capacidad de gestión.

Por una parte, sorprende  el diseño de producción ligado a la criatura, que mezcla los efectos más actuales y realistas con otros de estilo visual muy "retro", híbrido que no termina de funcionar tan bien como hubiera sido de esperar. El espectáculo de destrucción masiva provocado por el monstruo, si bien no es desdeñable, tampoco alcanza las cotas que se pudieran desear estando tras su creación un titán del caos como Higuchi.

Pero es en su guión donde encuentro un lastre más pesado para el disfrute de la película, la narrativa, obra de Hideaki Anno, se reitera hasta tal punto en la crítica a la gestión institucional de la crisis, se bucla a tal nivel en innumerables reuniones, formulismos y debates, que resulta absolutamente agotador destrozando todo entretenimiento conseguido y llamando al tedio. La idea de base resultaba brillante y atractiva, pero su ejecución tan recargada ha destrozado mi disfrute del film.

En conclusión, una película que se prometía brillante pero que termina pinchando demasiado pronto con su desequilibrado lado más serio tanto como se repite, así como chirriando alguno de sus intérpretes principales. Agradable en lo visual, sin pasarse, con buenas ideas mal ejecutadas. Prescindible.

Enoch
Valoración:4/10
Trailer:

sábado, 10 de diciembre de 2016

Yoga Hosers - Kevin Smith

Título original: Yoga Hosers

Año: 2016
Duración: 88 min.
País: Estados Unidos

Director: Kevin Smith
Guión: Kevin Smith
Música: Christopher Drake
Fotografía: James Laxton

Reparto: Harley Quinn Smith, Lily-Rose Melody Depp, Tyler Posey, Genesis Rodriguez, Johnny Depp, Natasha Lyonne, Haley Joel Osment, Justin Long, Adam, Austin Butler, Jason Mewes, Michael Parks, Tony Hale, Harley Morenstein, Ralph Garman

Productora: SModcast Pictures / Starstream Entertainment

Dos amigas inseparables, alocadas adolescentes que trabajan juntas en una tienda de ultramarinos, deberán aparcar momentáneamente sus quehaceres para luchar con una amenaza inesperada contra la que son la única esperanza, unas salchichas nazis dispuestas a todo...

El director de culto Kevin Smith firma esta bizarra propuesta, presentada como spinoff de su anterior y peculiar película, "Tusk", en la que pone al frente del reparto a dos prometedoras actrices, su propia hija y la de Johhny Depp. Lo que podía ser un vehículo de lucimiento de las jóvenes y un nuevo hito el el currículum del realizador, se torna patinazo absoluto.

Pese a tener algún guiño simpático y varios gags que funcionan, el guión, del propio Kevin Smith, hace aguas en su estructura, narrativa y relato. El absurdo alcanza tales cotas, concatenando situaciones descabelladas y diálogos sin sentido, que lo que comienza siendo carcajada termina tornándose rictus de incredulidad y cierta indignación logrando una cierta sensación de "tomadura de pelo" a la audiencia.

Pese a que en lo visual es simpática en su gamberrismo, y resulta agradable la recuperación de personajes de "Tusk" y amena la aparición de actores fetiches del director en diversos cameos, no resultan recursos suficientes para salvar de la quema a un film con unos cimientos tan desastrosos. Una absoluta decepción.

Enoch
Valoración:3/10
Trailer:

viernes, 9 de diciembre de 2016

Operación Avalancha - Matt Johnson

Título original: Operation Avalanche

Año: 2016
Duración: 94 min.
País: Estados Unidos

Director: Matt Johnson
Guión: Josh Boles, Matt Johnson
Fotografía: Andrew Appelle, Jared Raab

Reparto: Matt Johnson, Sharon Belle, Krista Madison, Samantha Michelle, Owen Williams, Tom Bolton, Chris Gonsalves, Josh Boles

Productora: Lionsgate / XYZ Films / Resolute Films and Entertainment / Zapruder Films

Corren los tiempos de la Guerra Fría, las sospechas de infiltración de espías rusos en el programa de la NASA son latentes, y en este marco un equipo de documentalistas entrará en la organización. En este entorno seremos testigos de cómo es llevado a la práctica uno de los mayores engaños sobre el que se cimenta una de las más populares teorías de la conspiración, la falsificación de la llegada del hombre a la luna.

Matt Johnson dirige esta película, a medio camino entre el documental y la ficción, tratando con acierto un tan debatido tema, y logrando con su producto abrirse paso a la secciones competitivas de festivales de cine de género fantástico de primer orden.

Para el buen funcionamiento de la película, la ambientación, piedra angular de lo visual, está lograda, resultando veraz su recreación de la época gracias a su dirección artística y la caracterización de sus protagonistas, también interpretados de forma correcta y verosímil.

Un acierto resulta el tomar como base argumental un tema como este, tan debatido a lo largo de las últimas décadas y sobre el que tanto se ha especulado. Igualmente inteligente para que la película sea un correcto vehículo de entretenimiento es su tono narrativo, partiendo de un origen casi paródico y cómico para ir tornándose, a medida que avanza su metraje, en un relato más oscuro de puro thriller.

Al contrario de lo que sucede con otros films que se adscriben a este formato, la cámara acerca a la realidad pero no abruma la retina del espectador con agotadores movimientos, su visionado es agradable, y eso es muy de agradecer.

Igualmente sucede con su mensaje, el planteamiento de la duda sobre los hechos que tomamos como verídicos cuando pueden estar sujetos a manipulaciones, tanto de las instituciones gubernamentales como de los medios de comunicación.

En conclusión, una película interesante para pasar un buen rato de entretenimiento con un contenido y unas formas cuidados. Interesante.

Valoración:6/10
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jueves, 8 de diciembre de 2016

Playground - Plac Zabaw - Bartosz M. Kowalski

Título original: Plac zabaw

Año: 2016
Duración: 82 min.
País: Polonia

Director: Bartosz M. Kowalski
Guión: Bartosz M. Kowalski, Stanislaw Warwas
Música: Kristian Eidnes Andersen
Fotografía: Mateusz Skalski

Reparto: Michalina Swistun, Nicolas Przygoda, Przemek Balinski

Productora: FILM IT

Tres niños, absolutamente dispares en sus clases sociales y entornos familiares, comparten colegio. Descubriremos las relaciones entre ellos, en sus casas, y con sus compañeros. Pero más allá de todo ello, "Playground" nos desvelará su vacío interior, la ausencia de moral y valores de una infancia para la que el mal es un concepto inexistente y por el mero entretenimiento son capaces... de cualquier cosa.

Desde Polonia, el director Bartosz M. Kowalski se arriesga a mirar fijamente donde todo el mundo mira para otro lado, con una película hiper realista y sin concesiones de cuyo guión también es responsable junto a Stanislaw Warwas, retratando el horror puro.

Su más que impactante trabajo le abrió las puertas a la Sección Oficial competitiva del 64 Festival Internacional de San Sebastián, donde su película resultó ser el producto más controvertido, comentado y debatido del certamen. En sus proyecciones levantó ampollas entre el público, que horrorizado ante lo mostrado en pantalla, abandonaba masivamente las salas. ¿Síntoma de un fiasco de película o de un triunfo absoluto de remover conciencias y forzar al espectador a asomarse a la realidad? Lo analizamos.

"Playground" toma como base distintos hechos reales acontecidos en los últimos años en distintos puntos de Europa y los introduce en su narrativa, como la vivencia normal de unos niños magníficamente interpretados por los jóvenes actores del film. Los acontecimientos se visten de crueldad absoluta, violencia extrema y explícita, no se maquillan, no hay sutileza, sino la crudeza de la realidad llevada a la pantalla sin tapujos.

La película es más que sabia en su sencilla pero altamente efectiva puesta en escena. Encuentro inteligentísima a su cámara, con la perspectiva correcta en el momento exacto. En ocasiones, haciendo del espectador voyeur de la situación, en otras, sosteniéndolo forzado a observar desde primera línea lo que nadie quiere ver pero  por ello no deja de existir.

Tan potente es en el retrato de la maldad infantil, como retadora en su discurso sobre la pasividad adulta, en la nula acción o intervención de una sociedad ante lo que acontece, factor que tampoco oculta sino subraya.

"Playground" denuncia una realidad tangible a través de unos hechos verídicos, intenta remover conciencias y forzar al debate sobre una situación que, pese a lo desagradable, existe. En este aspecto su realización es sobresaliente, logrando una de las sensaciones de más absoluto horror que no suelta el ánimo de la audiencia ni aún habiendo abandonado la sala de cine. Es dura, es brutal y bestial, pero su mensaje trasciende, y eso es un mérito indiscutible.

Además de este aspecto, otro debate se suscita, y es el que atañe a los límites de hasta qué punto es lícito en el cine el uso de la violencia y la necesidad de llevar esta al límite para una mayor catarsis. En este aspecto, las opiniones son dispares, y todas lícitas, pero en lo que atañe a "Playground" pienso que efectivamente está llevado al límite, pero no de forma gratuita y lúdica, sino al servicio de una voluntad de denuncia, logrando lo que otras muchas producciones no han hecho, trascender.

En conclusión, una película que mira al  lado más oscuro, sádico y terrorífico de la infancia y del ser humano en general, un producto no apto para paladares sensibles, pero valiente en su forma y contenido, para ver y no olvidar.

Valoración:7/10
Trailer:

lunes, 5 de diciembre de 2016

La Doncella - The Handmaiden - Park Chan-wook

Título original: Ah-ga-ssi (The Handmaiden)

Año: 2016
Duración: 145 min.
País: Corea del Sur

Director: Park Chan-wook
Guión: Park Chan-wook, Jung Seo-kyung (Novela: Sarah Waters)
Música: Cho Young-wuk
Fotografía: Chung Chung-hoon

Reparto: Ha Jung-woo, Kim Min-hee, Jo Jin-woong, Kim Tae-ri, Moon So-ri, Kim Hae-suk

Productora: Moho Film / Yong Film

Un estafador y su joven cómplice se infiltran en la mansión de unos adinerados bohemios amantes del arte y la literatura. Él, emulando a un conde, ella, como la doncella personal de la señora de la casa, una joven heredera sumida en el melancólico misterio. Una vez allí, comenzarán a tejer su red de mentiras y engaños, sin saber que, entre los muros donde conspiran, subyacen secretos aún más oscuros que pueden poner en peligro sus vidas, sus pasiones y más profundas emociones.

Park Chan-wook, el afamado director de películas tan destacadas como Oldboy, Stoker o Thirst, entre otras, vuelve a conseguirlo, seduciendo al espectador con una intoxicante belleza, y doblegándolo, junto a la crítica, a sus pies. Muchos son los reconocimientos, nominaciones y galardones recibidos por este film, entre los que se encuentra el Premio del Público y el Premio de la Crítica de los Blogos de Oro en su paso por el festival de Sitges de 2016.

El film se inspira en la novela de Sarah Waters "Fingersmith", pero traslada en el tiempo la acción y a sus personajes además de envolverlos en la delicada belleza que sólo el cine coreano puede crear,  reforzando así la iconografía de la historia, con lo que logra que no sólo el fondo, sino también la forma, sean brillantes.

Imprescindible es el buen hacer del elenco protagonista para dar veracidad y vida al relato, y todos ellos en "The Handmaiden" destacan por su gran labor, sobre todo sus dos intérpretes femeninas protagonistas, estupendas.

Todo en lo formal impresiona en "La Doncella", la cálida y acariciante fotografía, la labor de maquillaje y peluquería y, sobre todo, un diseño de producción para quitarse el sombrero. Esta factura visual dota al film  de una sublime, deliciosa y venenosa belleza y elegancia, que se extrapola incluso a las explícitas escenas eróticas, en las que el espectador será hipnotizado y sutil voyeur.

Con todo ello y sus casi dos horas y medias de duración que en absoluto se hacen pesadas, sino al conrario, Park Chan-wook da de nuevo en la diana rubricando un producto cinematográfico de primera categoría altamente recomendable, cuidado al extremo en su guión, interpretaciones y factores técnicos. Deliciosa.

Enoch
Valoración:8/10
Trailer:

jueves, 1 de diciembre de 2016

Lady Macbeth - William Oldroyd

Título original: Lady Macbeth

Año: 2016
Duración: 89 min.
País: Reino Unido

Director: William Oldroyd
Guión: Alice Birch (Novela: Nikolai Leskov)
Música: Dan Jones
Fotografía: Ari Wegner

Reparto: Florence Pugh, Christopher Fairbank, Cosmo Jarvis, Naomi Ackie, Bill Fellows, Ian Conningham, Paul Hilton, Joseph Teague, Golda Rosheuvel, Rebecca Manley

Productora: Protagonist Pictures / Sixty Six Pictures

Corre el siglo XIX, en la Inglaterra rural, conoceremos a Katherine, una joven, poco más que una niña, que ha sido forzada a casarse con un hombre mucho mayor que ella, cohabitar con él y sufrir el desprecio de su familia. No hay amor alguno en la relación, al contrario, la apatía y el desdén pueblan la rutina de la mal avenida pareja. Pero la pasión no tardará en llamar a las puertas del corazón de la joven, pero no por su esposo, sino por un trabajador de la hacienda donde habita. Este hecho desatará una cadena de hechos incontrolables.

William Oldroyd, cortometrajista, da el salto al largometraje con esta adaptación de la obra de Nikolai Leskov, logrando alzar una voz tan personal que le ha abierto las puertas de diversos festivales de renombre, como el 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde compitió en su Sección Oficial y recibió más que correctas críticas.

"Lady Macbeth", si bien en lo visual se viste de unas galas de cine clásico de época, frío y académico, tiene un palpitar bajo su piel bien diferente a lo que este tipo de cine nos tiene acostumbrados. Pese a las pasiones, los ricos vestuarios, la melancolía de los páramos nublados... hay un fuego oculto, el deseo, la rabia y la ira de unos personajes magistralmente creados  todo lo pueden, y, desde su silencio y las miradas rotas gritan, aman y odian más allá de toda duda.

Pero si algo destaca por encima de todo en esta producción es la brillante labor de su actriz protagonista, una absoluta revelación. Florence Pugh se mete bajo la piel de esa joven que desde la quietud y sumisión más absoluta veremos evolucionar en pantalla hacia su apoteosis final de una forma tan sutil como efectiva, devorando la cámara con una mirada capaz de enternecer y aterrar a un tiempo.

Extraña en sus formas narrativas, malvada y susurrante, esta película es una experiencia cinematográfica diferente, un viaje al silencio de una mente llena de gritos al borde de la explosión, magníficamente interpretada y narrada con notable personalidad y carisma. Muy interesante.

Valoración:7/10
Trailer:

miércoles, 30 de noviembre de 2016

En El Bosque - Patricia Rozema

Título original: Into the Forest

Año: 2015
Duración: 101 min.

País: Estados Unidos
Director: Patricia Rozema
Guión: Patricia Rozema (Novela: Jean Hegland)

Reparto: Ellen Page, Evan Rachel Wood, Max Minghella, Callum Keith Rennie, Michael Eklund, Sandy Sidhu, Jordana Largy, Bethany Brown, Simon Longmore, Brittany Willacy

Productora: A24

Una familia vive en lo más profundo del bosque, pero no por ello de manera austera, ya que disfrutan de las últimas tecnologías con las que ocupan su tiempo. Pero un hecho inesperado cambiará forzosa y radicalmente su modus vivendi, un apagón generalizado destruirá toda fuente de energía y comunicaciones, tornando así su aislamiento completo. En esta nueva realidad, todos ellos deberán aprender a vivir de una forma totalmente nueva, llena de interrogantes, miedos y amenazas, deberán luchar contra los elementos, contra los demás y contra si mismos.

Patricia Rozema dirige y es responsable del guión (adaptado de la novela de Jean Hegland) de esta película pequeña en formas pero que habla de cosas tan grandes como la familia, las relaciones, las necesidades y lo que verdaderamente tiene valor en la existencia humana.

A favor de esta producción encuentro un agradable trabajo de fotografía y ciertos detalles de la ambientación visual de la película, así como la sencilla pero efectiva partitura musical que acompaña las emociones narradas. Pero sobre todo ello, y como sostén principal de la propuesta, he de subrayar la buena labor de sus dos actrices protagonistas. Evan Rachel Wood, encarnando a la hermana mayor, bailarina frustrada y obsesiva pero responsable y Elle Page, la benjamina, más alocada y plena de vida, pero custodia de grandes sentimientos. Ambas están brillantes y destilan pasión en su creación de unos personajes complejos y atractivos.

Sin embargo otros elementos juegan en contra de un buen resultado final satisfactorio. Todos ellos no puedo evitar achacarlos a un guión y montaje desaprovechados. La película mezcla diversos estilos cinematográficos, géneros incluso, sin mucho acierto, sin terminar de calar desorientando el ánimo de un espectador que a tramos no sabe muy bien a dónde le quieren arrastrar los hechos narrados. Igualmente encontramos en su desarrollo diversas situaciones que rozan lo inverosímil por no estar tan correctamente planteadas o razonadas como sería necesario, factor que también pienso que afecta al desenlace mismo del film, en mi opinión, mejorable.

Con todo ello, "En el bosque" es una película agradable que pasa ante la retina sin demasiada pena ni gloria, con unas interpretaciones grandes y esforzadas pero que no terminan de salvar un film que se queda demasiado discreto en su conjunto para lo potente que se presentaba su propuesta.

Valoración:5/10
Trailer:

martes, 29 de noviembre de 2016

Your Name - Makoto Shinkai

Título original: 君の名は。Kimi no na waaka

Año: 2016
Duración: 106 min.
País: Japón

Director: Makoto Shinkai
Guión: Makoto Shinkai
Música: Radwimps

Productora: CoMix Wave Films

Taki y Mitsuha son dos adolescentes que jamás se han visto, no se conocen, no habitan en el mismo lugar... sin embargo, una extraña fuerza sobrenatural los une.  El inusitado hecho es que, ciertos días, uno despierta en el cuerpo del otro y ha de vivir otra existencia radicalmente dispar a la suya. Con el tiempo, los sorprendidos jóvenes comenzarán a comunicarse a través de notas, descubriendo así cada vez más del otro, lo que les llevará a una aventura cargada de emociones para las que nada podía prepararlos.

Makoto Shinkai escribe y dirige esta obra maestra de la animación y la imaginación, un relato plagado de funcionales elementos y emociones que le han llevado al absoluto éxito y le hicieron un hueco entre las proyecciones especiales de la Sección Oficial de la edición 2016 del Festival Internacional de Cine de San Sebastián sorprendiendo gratamente al público.

En "Your Name" se combinan muy diversos elementos argumentales y géneros cinematográficos. El drama, la ciencia ficción y la comedia se hilan con maestría consiguiendo, pese a lo imaginativo de su fantasía, crear un universo cercano, unos personajes con los que es sencilla tarea empatizar, con los que resulta apasionante viajar en pos de respuestas a las incógnitas planteadas divirtiéndonos en un proceso que tampoco deja fuera las lágrimas y la emoción.

Su frenética y recargada narrativa se adereza con numerosos tramos musicales que lejos de lastrar al producto, lo dinamizan y predisponen el ánimo de una audiencia entregada al misterio, implicada con el destino de sus protagonistas.

Su colorista e imaginativa puesta en escena da forma a una calidad de animación de primera, que si bien no busca el realismo, ni se pierde en lo onírico, sí que resulta efectiva como disfrute visual y se adapta perfectamente al tono narrativo simpático y muy vivo.

En conclusión, "Your Name" es una propuesta animada altamente disfrutable para cualquier espectro de edad y gustos, tantos temas como toca y tan variopintos tonos como adopta en su discurso. Recomendable como vehículo evasivo, un producto de primer nivel de espectacular entretenimiento animado.

Valoración:8/10
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lunes, 28 de noviembre de 2016

Huérfana - Orpheline - Arnaud des Pallières

Título original: Orpheline

Año: 2016
Duración: 111 min.
País: Francia

Director: Arnaud des Pallières
Guión: Christelle Berthevas, Arnaud des Pallières
Fotografía: Yves Cape

Reparto: Gemma Arterton, Adèle Exarchopoulos, Adèle Haenel, Sergi López, Nicolas Duvauchelle, Jalil Lespert, Solène Rigot, Olivier Loustau, Mehdi Meskar, Rayan Rabia

Productora: Les Films Hatari / Arte France Cinéma / Les Films d'Ici

"Huérfana" nos narra la historia de cuatro mujeres, cuatro luchadoras que son una, zarandeadas por la vida, por un destino cruel, que desde la más tierna infancia moldea una personalidad, una forma de ser fuera de la norma y la normalidad. Seremos testigos de la continua huída a la que se ve forzada, los hombres que encontrará en su camino y serán causa de triunfos y heridas, piezas de un puzzle, de una vida, rota.

Arnaud des Pallières dirige este incómodo rompecabezas de peculiar narrativa y apasionadas interpretaciones que provoca intensas emociones y se aleja de la indiferencia, logrando con él abrirse paso a la Sección Oficial competitiva del 64 Festival de Cine de San Sebastián, donde pasó sin pena ni gloria y frías críticas.

A su favor juega, sin lugar a dudas, la gran labor de su elenco protagonista femenino. Las diversas actrices encarnan con inusitada intensidad las duras épocas vitales de una mujer, los hitos de su desarrollo, puntos de inflexión marcados por la tragedia, la violencia y el dolor, y saben transmitir al público no sólo sus heridas, sino la fuerza que late bajo la piel de sus sangrantes personajes.

En su contra pesa el arma de doble filo que es su estructura narrativa. El guión, que pretende alzarse como diferente, se presenta como un puzzle en el que, a medida que navegamos por el relato, ninguna pieza encaja, para más tarde, vislumbrar cómo nos hallamos ante un espejismo donde no hay piezas, no hay puzzle, sino una única imagen, una única vida, deshecha. La idea es buena, interesante y un reto a la audiencia, pero la realización de la misma no la encuentro tan efectiva, ni tan inteligentemente realizada como hubiera sido deseable. Durante demasiado metraje deja al espectador a la deriva, perdido, para ir capturando su interés a intervalos, sin llegar a absorber su emoción e implicación pese a la intensidad de los hechos contados.

Con todo ello, "Orpheline" es una propuesta de cine diferente, bien interpretado, pero cuya fórmula formal no acaba de cuajar. Pretende provocar y retar, pero la sensación obtenida va poco más allá del frío entretenimiento e inmediato olvido. Pudo ser y no fue.

Valoración:5/10
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domingo, 27 de noviembre de 2016

Toni Erdmann - Maren Ade

Título original: Toni Erdmann

Año: 2016
Duración: 162 min.
País: Alemania

Director: Maren Ade
Guión: Maren Ade
Fotografía: Patrick Orth

Reparto: Peter Simonischek, Sandra Hüller, Lucy Russell, Trystan Pütter, Hadewych Minis, Vlad Ivanov, Ingrid Bisu, John Keogh, Ingo Wimmer, Cosmin Padureanu, Anna Maria Bergold, Radu Banzaru, Alexandru Papadopol, Sava Lolov, Jürg Löw, Miriam Rizea

Productora: Komplizen Film / Coop99 Filmproduktion / KNM

Ines es una joven de éxito, una ejecutiva establecida en Bucarest dueña de su propia vida y adicta al trabajo. Todo en su existencia está planificado y milimetrado, hasta que un elemento desestabilizador aparece de improvisto, su padre. El extravagante caballero observa la vida de su hija y le formula una pregunta que hará tambalear los asentados cimientos "¿Eres feliz?".  A partir de ese punto, padre e hija se embarcarán en una serie de estrambóticas situaciones que a ambos llevarán, entre la emoción, la carcajada y la vergüenza, a analizar sus propias existencias, plantearse sus relaciones con los demás, consigo mismos y entre ellos.

Maren Ade, directora y guionista de esta peculiar película, radiografía al ser humano en clave de ácido humor, logra la reverencia de crítica y público allá por donde pasa, habiéndose alzado con su diferente propuesta con un amplio abanico de importantes galardones y nominaciones.

Además del gran trabajo de Ade como directora, dos son los grandes pilares sobre los que se asienta el éxito de la película.

En primer lugar, la inmensa labor de sus dos actores protagonistas, padre e hija, bordan dos personajes antagónicos. Ella, la encorsetada ejecutiva, calculadora, fría y cortante. Él, la pura bohemia fuera de toda norma. El titánico choque de ambas personalidades y formas de vida es una delicia que saben llevar sabiamente logrando hibridar la emoción con la carcajada y el dolor.

En segundo lugar, el guión sobre el que se desarrolla el film. Pese a su extensísima duración, "Toni Erdmann" logra entretener, interesa, conmueve, divierte y llama a la reflexión a partes iguales en su instantánea de un ciclo vital narrado a través de este viaje paterno filial tan intenso como amable, tan absurdo como cerebral, un acierto.

Con todo ello, la película se erige como una propuesta cinematográfica diferente, un ejercicio humanístico tanto para el análisis como para el divertimento, un producto bien realizado, dirigido e interpretado para pasar un buen rato de buen cine.

Valoración:7/10
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sábado, 26 de noviembre de 2016

The Neon Demon - Nicolas Winding Refn

Título original: The Neon Demon

Año: 2016
Duración: 117 min.
País: Francia

Director: Nicolas Winding Refn
Guión: Nicolas Winding Refn, Mary Laws, Polly Stenham
Música: Cliff Martinez
Fotografía: Natasha Braier

Reparto: Elle Fanning, Jena Malone, Keanu Reeves, Christina Hendricks, Bella Heathcote, Abbey Lee, Karl Glusman, Desmond Harrington, Cody Renee Cameron, Chris Muto, Lucas Di Medio, Jamie Clayton, Charles Baker, Taylor Marie Hill, Sophie Mazzaro

Productora: Coproducción Francia-Estados Unidos-Dinamarca; Space Rocket Nation / Vendian Entertainment / Bold Films

Jesse es una hermosa joven que lo deja todo para perseguir sus sueños, trasladarse a Los Ángeles y tratar de labrarse una carrera como modelo. Su inocencia y belleza harán que no tarden todas las miradas en recaer en ella abriéndole camino hacia el estrellato. Sin embargo, junto a la admiración, despertará envenenadas envidias, celos y rabia en sus competidoras. Su viaje hacia su personal meta puede hacer de su sueño pesadilla y su rostro de ángel llamar a los mismos demonios.

Nicolas Winding Refn (Drive, Sólo Dios Perdona, Valhalla Rising, Pusher...etc) lleva con esta obra sus muy peculiares formas de hacer cine al extremo, habiendo despertado con ella entre audiencia y crítica las más enfrentadas reacciones, apasionado odio y deleitadas reverencias. Su lenguaje narrativo y visual crea debate y polémica, y eso, en los tiempos que corren, ya es de agradecer en sí mismo.


Al frente del reparto encontramos a una Elle Fanning en estado de gracia a la que Refn ha sabido sacar lo mejor de si. Su evolución a lo largo del film es notable y bien llevada a través de una gran galería de matices, así como su capacidad para sobrellevar los primeros planos y transmitir un abanico de emociones extremas son remarcables. Pero no sólo ella lleva el peso del film a nivel interpretativo, pues el resto del elenco, sobre todo el femenino, capitaneado por la obsesiva maquilladora, Jena Malone, contribuyen a crear con su labor una genial telaraña de opresivas emociones y oscuros deseos. El trabajo de todas ellas se refuerza con lo acertado de muchas de las escenas (claves, varias de ellas) que fueron improvisadas durante el rodaje rubricando así el carisma interpretativo de las actrices y la buena batuta de Refn guiándolas.

Pero si en algo brilla con luz propia este Demonio de Neón es en lo sensorial. En primera instancia, la película es apabullante en lo visual, plagada de escenas oníricas y metafóricas creadas con inusitado virtuosismo tejiendo la belleza con lo macabro, lo hermoso con lo repugnante o terrorífico, todo ello pintado con una paleta de colores que deslumbran la retina. Ligado a todo ello destaca la ambientación sonora del film, con una bso de Cliff Martinez inquietante, malsana, tan armónica como cacofónica que marca de forma ideal el pulso de la acción y emoción.

Todos estos elementos citados crean una atmósfera sublime que hacen que incluso la narración misma quede en segundo plano y el espectador ceda a una onírica sensación de hipnosis subyugado por unas imágenes, unos sonidos, tan perversos como placenteros. "The Neon Demon" es barroca en lo sensitivo y la única manera de disfrutarla es ceder a su hechizo en ese aspecto.

Con todo ello "The Neon Demon" es una película de difícil recomendación, es extraña, bizarra, tan hermosa como terrorífica, no apta para todos los paladares cinéfilos pero una indudable experiencia cinematográfica para todos aquellos espectadores que ruegen por algo que les saque de la indiferencia e impacte. "La belleza no lo es todo, es lo único" es la frase clave del film, y no puede ser para el director mayor declaración de intenciones.

Valoración:8/10
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miércoles, 23 de noviembre de 2016

Bar Bahar . Entre dos Mundos - Maysaloun Hamoud

Título original: Bar bahar - In Between

Año: 2016
Duración: 96 min.
País: Israel

Director: Maysaloun Hamoud
Guión: Maysaloun Hamoud
Música: Mg Saad
Fotografía: Itay Gross

Reparto: Mouna Hawa, Shaden Kanboura, Sana Jammalieh

Tres jóvenes mujeres palestinas comparten piso en Tel Aviv. La relación entre ellas es fluida pese a lo muy distintas que son entre ellas, representando cada una mundos distintos, con diferentes orientaciones sexuales, radicalmente opuesto apego a la tradición, antagónica manera de relacionarse con el mundo y los que lo habitan... Sin embargo, un fuerte lazo las une, la férrea voluntad de pelear por sus vidas, por su libertad, y labrarse un futuro donde sean ellas y no la familia, la sociedad o la religión quienes impongan sus destinos.

Maysaloun Hamoud escribe y dirige esta potente propuesta cinematográfica presentada en la 64 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde se alzó con nada menos que cuatro galardones además de protagonizar una de las ovaciones cerradas más largas y emocionantes del certamen tras su premier.

Bar Bahar mira de frente a la mujer atrapada en una ciudad, una sociedad, y unas tradiciones que inexorablemente tratan de mediatizar su crecimiento, relaciones y, en definitiva, su vida. Desde las situaciones más cercanas y universales, trabaja la empatía con la audiencia desde distintas perspectivas de forma muy sabia, haciendo sentir al espectador un compañero más de ese piso donde cohabitan distintas personalidades con un único deseo, vivir en libertad. Sin giros espectaculares ni efectismos baratos, Hamoud borda una historia llena de verdad en la que teje dolor y esperanza denunciando el espejismo de la normalidad en la mujer árabe de nuestros tiempos.

Además de un guión estupendo que hila las tres historias a la perfección con sus paralelismos y diferencias, que dibuja tres personajes memorables y llenos de matices y nos narra su historia con un ritmo sin tregua capturando interés y entretenimiento, no podemos dejar de subrayar el buen hacer de sus tres actrices protagonistas. Todas ellas toman el material de base y lo hacen carne, lágimas y sonrisas realizando unos memorables trabajos por su realismo, cercanía y autenticidad.

Con todo ello, Bar Bahar se erige como una película tan necesaria como disfrutable, una propuesta que llama a la reflexión y denuncia sin grandilocuencias, pero dando en el clavo con su discurso. Justo equilibrio de buen cine con buen mensaje. Recomendable.

Valoración:8/10
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lunes, 21 de noviembre de 2016

Frantz - François Ozon

Título original: Frantz

Año: 2016
Duración: 113 min.
País: Francia

Director: François Ozon
Música: Philippe Rombi
Fotografía: Pascal Marti

Reparto: Pierre Niney, Paula Beer, Cyrielle Clair, Johann von Bülow, Marie Gruber, Ernst Stötzner, Anton von Lucke

Productora: Mandarin Films / X-Filme Creative Pool

"Frantz" nos lleva a una Alemania derrotada tras la I Guerra Mundial. Allí conoceremos a una joven, rota por la pérdida de su prometido durante el conflicto, a cuya tumba acude a diario a depositar flores. Para su sorpresa, allí hallará, llorando sobre la misma lápida que ella visita, a un desconocido, un joven francés. El extraño entrará de esta doliente forma en la vida de esta viuda prematura y la de la familia del fallecido como un rayo de esperanza para revivir el recuerdo. Pero nada puede preparar a ninguno de ellos para los secretos que guarda el visitante sobre su amado Frantz.

El prolífico y siempre original director François Ozon se atreve con un remake de la película "The Broken Lullaby" de 1932, actualizando su historia cargándola de intrincadas sensibilidades y capas de emoción y misterio magistrales.

En Frantz encontraremos numerosos ingredientes que hacen de ella una gran y cuidada película.

Comenzando por lo interpretativo, destacaremos la gran labor de todo su elenco, con unos intachables Paula Beer y Pierre Niney como principales protagonistas con una notable carga dramática llena de matices, pero no podemos dejar de elogiar el trabajo de todos los secundarios que los rodean, sobresaliendo entre todos ellos a aquellos que encarnan a los padres del fallecido y roban la emoción del espectador a cada intervención.

En cuanto a lo visual, Ozon ha logrado una hermosa puesta en escena, que reviste la obra de un clásico blanco y negro que sabe acentuar los claroscuros de una historia profunda en su dramatismo así como regalar pinceladas de color que en lugar de chirriar, son igualmente conductoras de la narración y la emoción. Genial ambientación y espectacular fotografía terminan de aderezar el producto deleitando a la retina.

Finalmente, apuntaremos dos fortalezas más que hacen de esta película una agradable experiencia. Por una parte, la banda sonora de Philippe Rombi, habitual colaborador en la filmografía de Ozon, que regala una delicia de partitura que bien sabe marcar el ritmo del relato y el pulso de su sentimiento, y, finalmente, un guión que captura la atención desde el primer instante y es sumamente sabio en su forma de jugar con el misterio y la emoción al atrapar el interés de la audiencia y arrastrarla por sus revelaciones hasta el final mismo del film.

En conclusión, una película redonda, agradable, hermosa y elegante, tan interesante en su vertiente dramática como en sus misterios, un viaje al cine de otros tiempos aderezado con lo mejor del celuloide actual. Una experiencia cinematográfica recomendable, eso sí, para adentrarse en su historia sabiendo cuanto menos, mejor.

Valoración:8/10
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domingo, 20 de noviembre de 2016

As You Are - Miles Joris-Peyrafitte

Título original: As You Are

Año: 2016
Duración: 105 min.
País: Estados Unidos

Director: Miles Joris-Peyrafitte
Guión: Madison Harrison, Miles Joris-Peyrafitte
Música: Patrick Higgins, Miles Joris-Peyrafitte
Fotografía: Caleb Heymann

Reparto: Owen Campbell, Charlie Heaton, Amandla Stenberg, John Scurti, Scott Cohen, Mary Stuart Masterson, Andrew Polk, Annemarie Lawless, John Romeo, Billy Thomas Myott

Productora: Votiv Films / Buffalo 8 Productions / Heretical Reason Productions

Jack es un joven diferente y solitario que vive con su madre soltera y apenas se relaciona con el mundo que le rodea. Todo ello cambiará cuando se traslade a vivir con ellos el nuevo novio de su madre, acompañado de Mark, su hijo. Ambos jóvenes entablarán una estrecha relación que no tardará en tornarse triángulo al unirse a ellos Sarah, una adolescente fuera de la norma. Lo que era soledad ahora es felicidad compartida, pero de frágil estabilidad, al, con el paso del tiempo, cambiar las relaciones entre ellos y emerger los más ocultos deseos y miedos.

Miles Joris-Peyrafitte debuta en la dirección de una forma potente y llamativa con esta película con la que se alzó con el premio especial del jurado en el festival de Sundance y le abrió las puertas a la sección oficial competitiva del 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián por donde pasó despertando encontradas opiniones.

La película navega, en su relato, por diversos e intrincados temas, saltando del drama al thriller de forma continua y centrándose no sólo en el laberinto de la adolescencia y sus demonios, sino también en la soledad, la incomprensión y la desesperanza de unos personajes en continua lucha consigo mismos y el mundo que les rodea. Un caleidoscopio de emociones y vivencias con las que la empatía resulta sencilla y que pese a que contiene algún que otro patinazo en su guión, absorbe la atención y la emoción de principio a fin con sus giros.

Muy destacable me resulta el trabajo de sus dos jóvenes protagonistas masculinos, brillantes en la creación de unos personajes tan vivos como atormentados, ejes del film. Igualmente remarcable me ha parecido la recuperación de Mary Stuart Masterson (Tomates Verdes Fritos) para la gran pantalla, muy intensa en su papel de una madre imperfecta pero amante.

Miles Joris-Peyrafitte, aunque presa de algún que otro desliz en su dirección, sobrecargando narrativamente varios aspectos del film, sorprende con su primer trabajo de impacto, una película que pese a no ser redonda, apunta grandes maneras y resulta un producto altamente disfrutable y debatible. Interesante.

Valoración:7/10
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sábado, 19 de noviembre de 2016

Ouija El Origen del Mal - Mike Flanagan

Título original: Ouija: Origin of Evil

Año: 2016
Duración: 99 min.
País: Estados Unidos

Director: Mike Flanagan
Guión: Mike Flanagan, Jeff Howard
Música: The Newton Brothers
Fotografía: Michael Fimognari

Reparto: Annalise Basso, Elizabeth Reaser, Lulu Wilson, Henry Thomas, Kate Siegel, Doug Jones, Lin Shaye, Alexis G. Zall, Sam Anderson, Ele Keats, Parker Mack, Lincoln Melcher, Eve Gordon, Chelsea Gonzalez, Gary Patrick Anderson, Bob Gebert

Productora: Allspark Pictures / Blumhouse Productions / Hasbro

Una madre y sus dos hijas salen adelante, tras la muerte del padre de las pequeñas, organizando fraudulentas sesiones de espiritismo. La inclusión del tablero Ouija en ellas se suponía un elemento de ambientación y sugestión más, pero algo real y sobrenatural responderá a su llamada al más allá. ¿Puede ser el padre fallecido quien trata de comunicarse? ¿o acaso algo más oscuro y siniestro trata de abrirse paso a través de ellas a este lado de la realidad? Un peligro de otro mundo les acecha y amenaza.

Mike Flanagan, el que fuera director de propuestas tan interesantes del género como Absentia, Before I Wake, Oculus o Hush, se consolida con esta película como un peso pesado del terror por su buen hacer cinematográfico. Todo jugaba inicialmente en su contra, al tratarse este film de una inesperada precuela de "Ouija" (2014), un producto de dudosa calidad e interés. Sin embargo, no se ve lastrada por ello, superando a su predecesora en todos los sentidos y erigiéndose como una propuesta de máximo interés en si misma.

En "Ouija: El Origen del Mal" disfrutaremos, en primera instancia, de un viaje en el tiempo a la década de los sesenta, para lo que cuenta con un diseño de producción y caracterización de personajes de primera con cuidado detalle lo que nos contextualiza a la perfección.  Esta atmósfera, aderezada por una fantástica y cálida fotografía, no sólo queda en lo estético, sino que se filtra a la manera misma de narrar la historia, preocupándose no sólo por plasmar el terror en imágenes de pesadilla mediante una perfectamente medida utilización del maquillaje y los efectos especiales, sino también por una notable galería de trasfondos, con un buen trabajo de personajes, situaciones y diálogos.

Destacable resulta también el trabajo de su elenco protagonista, centrado en el triángulo de actrices centrales, que saben dotar de profundidad a sus creaciones y transmitir más allá de la pantalla no sólo el dolor de la pérdida, sino su fortaleza y la mella que el miedo puede hacer en ella.

Con todo ello, "Ouija" se erige como un nuevo acierto dentro del currículum de un director a tener muy en cuenta en el panorama del horror, una película bien realizada a nivel narrativo y formal digna de habitar en las pesadillas de los amantes del género y del cine en general.

Enoch
Valoración:7/10
Trailer:

Conoce a Jorge Sanz de "La Reina de España" con #pelisytuits

El próximo martes 22 de noviembre a las 20:00 en el Irish Rover de Madrid, en la Avda. Brasil nº 7, los @blogosdeoro en colaboración con los amigos de @silencio_sala y varios blogs de cine, os invitamos al noveno #PelisyTuits donde podréis conocer ni más ni menos que a Jorge Sanz, protagonista de "La Reina de España" que se estrena la semana que viene.


Si le queréis conocer y charlar con él en persona enviad un email a pelisytuits@gmail.com lo más rápido posible antes de completar aforo. Animaros!


jueves, 17 de noviembre de 2016

El Extraño - The Wailing - Na Hong-jin

Título original: Goksung - 

The Wailing - Gokseong
Año: 2016
Duración: 156 min.
País: Corea del Sur

Director: Na Hong-jin
Guión: Na Hong-jin
Música: Jang Young-gyu, Dalpalan
Fotografía: Hong Kyung-pyo

Reparto: Hwang Jung-min, Kwak Do-won, Chun Woo-hee, Jo Han-cheol, Jun Kunimura, Jang So-yeon

Productora: 20th Century Fox Korea

Un ermitaño japonés se instala en las inmediaciones montañosas de un pueblo de la Corea profunda, y comienzan una serie de asesinatos, desapariciones y sucesos extraños que mantienen a la policía en jaque. A pesar de los esfuerzos por avanzar, la falta de experiencia en materia tan siniestra les lleva a oscilar por hipótesis dispares y de naturaleza cada vez más lúgubres. ¿Qué relación tendrá el extraño del monte con las desgracias que se encarnizan en los pobres aldeanos? ¿Será un chamán o algún otro mediador espiritual la respuesta para alejar los males aparentemente sobrenaturales?

Na Hong-jin nos presenta desde Corea del Sur este thriller pausado y de tensión ascendente, con dosis de humor, costumbrismo, folclore, terror y con un fondo de crítica o análisis social no moralizante muy interesante.

La puesta en escena es elegante, minuciosa y muy profusa en detalles, de manera que una posterior investigación acerca de los simbolismos de escenarios, ritos y referencias religiosas permiten al espectador entrar en los detalles de las implicaciones de los acontecimientos, probablemente más obvios para el público de Asia Oriental. Hay incluso varios vídeos de debate e hipótesis sobre la película.

Esto no implica que si no hay especial interés por investigarlo no se pueda disfrutar de la cinta, aunque puedan quedar incertidumbres, ya que la propia ejecución en términos de thriller y terror está llevada de forma magistral, con los contrapuntos justos, y todo ello compuesto por un elenco de actores estupendo del que probablemente en este lado del planeta reconozcamos en especial al japonés Jun Kunimura (Shin Gojira, Kill Bill, Audition).

En mi opinión una película impecable, aunque es posible que a alguno que otro se le pueda hacer larga a ratos en sus 2h 36min.

@SihayaKynes
Valoración: 9/10
Trailer:

miércoles, 16 de noviembre de 2016

Sadako Vs. Kayako - Kôji Shiraishi

Título original: Sadako vs. Kayako

Año: 2016
Duración: 98 min.
País: Japón

Director: Kôji Shiraishi
Fotografía: Hidetoshi Shinomiya

Reparto: Mizuki Yamamoto, Tina Tamashiro, Aimi Satsukawa, Misato Tanaka, Masahiro Kômoto, Masanobu Andô, Rina Endo, Maiko Kikuchi, Elly Nanami, Rintaro Shibamoto

Productora: Kadokawa / NBCUniversal Entertainment

Dos adolescentes compran en una tienda de segunda mano un vídeo VHS en cuyo interior inesperadamente encuentran la cinta maldita que ha hecho que a lo largo de los años Sadako haya terminado con la vida de aquellos que la han visto y la han tornado leyenda urbana. Por otra parte, una joven se traslada junto a su familia a un nuevo hogar. Frente a él, una casa abandonada parece atraerla sin remedio, seducirla con su oscuridad. En ella desaparecerá un grupo de niños y la joven no podrá resistirse a investigar sin saber que Kayako, el famoso espíritu vengativo y letal, la espera en su interior. Ambas líneas se cruzarán inexorablemente y quizás sólo el enfrentamiento de dos leyendas del terror pueda salvarlos a todos...

Kôji Shiraishi dirige esta cinta que bebe de dos de las sagas de terror más conocidas e influyentes en los últimos tiempos en Japón, "La maldición" (Ju-on) y "The Ring" (Ringu), retomando sus bases, mitología e iconografía y trazando una historia que une a las máximas villanas de cada una de ellas en pantalla.

Dadas las caracterísiticas argumentales del proyecto, quizás lo más sencillo y habitual hubiera sido que el producto se tornara caricatura de sí mismo y girara del terror hacia la hilarante comedia, como ya ocurriera con otra de este mismo estilo que enfrentara a dos mitos del terror, "Freddy contra Jason", pero nada más lejos de la realidad.

"Sadako Vs. Kayako" no omite un cierto humor negro subyacente, pero no busca la carcajada fácil ni el absurdo. La película es fiel a las premisas en las que se inspira, y pretende, como aquellas, conseguir el escalofrío del espectador.

Para ello, cuenta con, si no muy sorprendentes, sí agradables, giros de guión, que entretienen de principio a fin (contra todo pronóstico dado lo aparentemente agotado de la fórmula), además de envolverlos con una estética visual más que aceptable llena de efectos acertados que harán las delicias de los amantes del género.

En conclusión, estamos ante una secuela que, a estas alturas, tenemos que calificar de más que digna. Curiosa.

Enoch
Valoración:5/10


lunes, 14 de noviembre de 2016

The Unseen - Geoff Redknap

Título original: The Unseen

Año: 2016
Duración: 104 min.
País: Canadá

Director: Geoff Redknap
Guión: Geoff Redknap
Música: Harlow MacFarlane
Fotografía: Stephen Maier

Reparto: Aden Young, Camille Sullivan, Julia Sarah Stone, Ben Cotton, Max Chadburn, Alison Araya, Maxwell Haynes, Kurt Ostlund, Eugene Lipinski, Nickolas Baric, Linda Darlow, Scott Lyster, Tseng Chang, Bart Anderson, Lillian Lim, Kurt Max Runte

Productora: Goonworks Films

Un hombre vive sumido en la tristeza, alejado de la mujer de la que se ha separado, apartado de una hija que dejó atrás, y sumido en una enfermedad que le consume. Él está desapareciendo, su cuerpo, músculo a músculo, hueso a hueso, se va tornando traslúcido. Su ánimo parece doblegado ante un aciago destino, pero la voluntad de lucha por el futuro de su propia hija hará que reúna fuerzas para comenzar un viaje físico y personal y salvarla de un mañana aún peor que el suyo propio.

Geoff Redknap dirige y escribe esta película a caballo entre el thriller, el fantástico y el drama familiar con irregulares resultados.


En términos técnicos, la puesta en escena cumple, con un correcto trabajo de fotografía y unos muy efectivos efectos visuales, que dibujan el tema de la invisibilidad de una forma novedosa y alejada de lo conocido hasta el momento. Como bien versa el cartel del film, estamos ante un hombre invisible y una maldición visible, dado el aspecto siniestro que han sabido darle a su metamorfosis, un acierto.

Por el contrario, una labor interpretativa de su elenco que no está a la altura del drama de sus vivencias resta intensidad al conjunto, pero es quizás su guión el elemento más chirriante del producto, con una narrativa desacompasada, incapaz de atrapar el interés y ánimo del espectador, con demasiados cabos sueltos y resoluciones insatisfactorias.

En conclusión, una idea discreta con buenas maneras visuales pero en absoluto funcional en su formas resultando un relato más digno de una sesión televisiva de cine de sobremesa que de medianoche. Fallida.

Enoch
Valoración: 4/10