Freakdog - Paddy Breathnach

Título original: Freakdog (Red Mist)

Año: 2008
Duración: 82 min.
País: Reino Unido

Dirección: Paddy Breathnach
Guión: Spence Wright
Música: Stephen Warbeck
Fotografía: Ruairi O'Brien

Reparto: Arielle Kebbel,  Sarah Carter,  Stephen Dillane,  Andrew Lee Potts,  Alex Wyndham, Katie McGrath

Productora: Generator Entertainment / Geronimo Films / Framestore CFC / Northern Ireland Screen

Un joven estudiante de medicina, extraño, asocial y aislado, sufre las burlas y vejaciones de sus compañeros. Una noche de fiesta volverá a ser víctima de sus bromas, pero en esta ocasión, irán demasiado lejos haciendo que el joven caiga en un coma de dudoso retorno. Una de las culpables, acosada por su conciencia, tratará de ayudarlo por todos los medios, y para ello se arriesgará a suministrarle unas drogas experimentales, que lo que despertarán será, no su consciencia, sino su ira, permitiendo a la víctima tornarse verdugo, y saliendo de su propio cuerpo, acabar con aquellos que le han llevado a tan triste situación.

Paddy Breathnach, el que fuera responsable de la cinta "Cabeza de Muerte (Fungus Mortalitas)" continuó con Freakdog su carrera por el cine de terror adolescente tratando de darle un giro de tuerca tornando a la víctima ejecutor y eliminando todas las limitaciones físicas tirando del factor sobrenatural para su desarrollo.

Un factor de interés en "Freak Dog" es la ausencia de inocentes entre sus personajes, lo que rompe el habitual esquema de este tipo de películas, ni siquiera la supuesta buena samaritana a quien remuerde la conciencia está libre de culpa, o aquel víctima de la letal broma. Además de ello, el modus operandi de el "villano" de este slasher, también resulta original, con lo cual, el trabajo de guión resulta agradable dentro del género.

Nada reseñable encontramos dentro del apartado interpretativo de una película plagada de rostros jóvenes sin demasiado carisma ni pasión en sus creaciones de unos personajes bastante vacíos y sin demasiado interés. Otro factor a tener en cuenta a la hora de valorar una cinta de estas características es la creatividad de las muertes que se van sucediendo en pantalla, y "Freak Dog", a este respecto es aceptable, no más.

Todos estos ingredientes hacen de "Freak Dog" una película de fácil consumo, un entretenimiento digno para los amantes del slasher por sus toques diferenciadores, aunque sin mucho genio en el cuerpo en sus apartados técnicos ni interpretativos. Para pasar el rato.

Valoración:5/10
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The Blind Goddess - Harold French

Título original: The Blind Goddess

Año: 1948
Duración: 87 min.
País: Reino Unido

Dirección: Harold French
Guión: Muriel Box, Sydney Box (Obra: Patrick Hastings)
Música: Bernard Grun
Fotografía: Ray Elton

Reparto: Eric Portman,  Anne Crawford,  Hugh Williams,  Michael Denison,  Nora Swinburne, Raymond Lovell,  Claire Bloom,  Frank Cellier,  Clive Morton,  Elspet Gray, Maurice Denham,  Philip Saville,  Martin Benson,  Thora Hird

Productora: Gainsborough Pictures

Un joven descubrirá una trama de malversación de fondos a cargo de unos aristócratas que no dudará en denunciar ante el primer ministro en busca de justicia. Los acusados, por su parte, no tardarán en tratar de ridiculizarlo denunciando su argumentario como difamatorio. La trama se complica con el suicidio, o asesinato, de la figura que podía aportar las pruebas necesarias para resolver la trifulca, así como complicará el caso las implicaciones amorosas del joven con la esposa del acusado y la hija del abogado defensor de este.

Harold French ("Rob Roy", "El Expreso de París, "Adán y Ella"...etc) dirige en 1948 esta entretenida pieza de cine, melodrama judicial sobre la corrupción inspirada en la obra de Patrick Hastings, asentada sobre un estupendo guión de Sydney y Muriel Box. La película ha regresado a la gran pantalla, setenta años después de su estreno, gracias a la retrospectiva dedicada a esta última en el marco del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

El film focaliza toda su atención en sus personajes y relaciones entre ellos, en el juego de sospechas, acusaciones y tretas. Para ello reduce sus escenarios a la mínima expresión y mantiene un tono casi teatral en todo su metraje, donde diálogos e interpretaciones son la clave.

Su elenco de intérpretes salda con efectividad su labor, imprescindible para el buen funcionamiento de la cinta, pero es su inteligente guión quien hace que el entretenimiento que ofrece "The Blind Goddess" atrape de principio a fin. Su ritmo, su modo de dosificar la información y los giros argumentales capturan la atención con simpatía e interés. Agradable resulta cómo no deja de sentirse el susurro de una mano femenina tras sus líneas en unos tiempos que no favorecían esta circunstancia.

Con todo ello estamos ante un interesante pedazo de cine ideal para dejarse llevar a otros tiempos, a otra forma de hacer películas.

Valoración:6/10

First Man, El Primer Hombre - Damien Chazelle

Título original: First Man

Año: 2018
Duración: 133 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Damien Chazelle
Guión: Nicole Perlman, Josh Singer (Libro: James R. Hansen)
Música: Justin Hurwitz
Fotografía: Linus Sandgren

Reparto: Ryan Gosling,  Jason Clarke,  Claire Foy,  Kyle Chandler,  Corey Stoll, Pablo Schreiber,  Lukas Haas,  Brian d'Arcy James,  Aurelien Gaya,  Ciarán Hinds, Ethan Embry,  Patrick Fugit,  Shea Whigham,  Christopher Abbott,  Cory Michael Smith, Brady Smith,  Perla Middleton,  J.D. Evermore

Productora: Universal Pictures / DreamWorks SKG / Temple Hill Entertainment / Perfect World Pictures

Le película se centra en la misión de la NASA dedicada a enviar al hombre a la luna. Desarrollada su historia entre 1961 y 1969, nos narrará la gestación y evolución de la misma, sus aciertos, riesgos y errores hasta conseguir que el primer astronauta posara sus pies sobre el satélite. El relato se focaliza en este, en la figura de Neil Armstrong, su trasfondo familiar, su entrega al proyecto, sus miedos y logros.

El joven Damien Chazelle, tras su meteórico éxito con Whiplash y La La Land, da un giro temático para centrarse en la narración de estos tan conocidos hechos reales para embarcarnos en un viaje a la ambición humana y la entrega a las metas marcadas.

La principal virtud de la película reside en su parte más técnica, con un milimetrado trabajo de ambientación para recrear la época y los lugares donde evoluciona la historia. Sin grandes alardes de efectos visuales consigue sumergir al espectador de forma verosímil, en cada paso de los acontecimientos. Su punto más fuerte, una vez más, resulta el magnífico uso del sonido, apabullante, así como del silencio, igualmente atronador.

El reparto está más que correcto, destacando una notable Claire Foy encarnando a la mujer del astronauta, responsable del mayor peso emocional del film. Ryan Gosling, por su parte, en su rol protagonista, crea un personaje sobrio, focalizado y hermético, quizá incluso demasiado, rozando la fina línea de poder ser tildado de inexpresivo.

Lo que quizá pesa más en su contra es el tono de su narrativa, que a tramos roza un cariz casi documental, haciendo de sus más de dos horas de duración un trayecto que puede resultar demasiado alargado para el espectador. Esa frialdad, si bien dota de veracidad a lo narrado, anula la épica y la emoción, lo que puede resultar decepcionante para un amplio espectro de la audiencia.

Estamos con todo ello, ante una película realizada con maestría, brillante en lo técnico y formal, pero con la que puede resultar difícil apasionarse.

Valoración:6/10
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Neon Heart - Laurits Flensted-Jensen

Título original: Neon Heart

Año: 2018
Duración: 89 min.
País: Dinamarca

Dirección: Laurits Flensted-Jensen
Guión: Laurits Flensted-Jensen
Música: Peter Peter
Fotografía: Balthazar Hertel

Reparto: Christian Andersen Busk,  Niklas Herskind,  Kevin Lakomy,  Mikkel Haagerup Lund, Noah Skovgaard Skands,  Victoria Carmen Sonne

Productora: Walenciak Film. Distribuida por Walenciak Film

Neon Heart sigue las andanzas de tres personajes atormentados por los avatares del destino en lucha por un mañana mejor. Laura, una mujer desencantada por su experiencia en el mundo de la pornografía que regresa al hogar y trata de labrarse una nueva vida. Niklas, su antigua pareja, un ex adicto que trata de encarrilarse centrándose en su trabajo con discapacitados mentales. Por último, Frederik, hermano de Niklas, un adolescente conflictivo en busca de la notoriedad adscribiéndose a grupos violentos...

Laurits Flensted-Jensen, director y guionista de esta película, acerca al espectador a situaciones y vivencias incómodas, desagradables incluso, obligándole a mirar las vidas que nadie quiere observar, enfrentándolo a la dura realidad, con unas historias cruzadas, narrativa y forma de hacer cine que le abrieron la puerta a la participación en el 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián en su sección Nuev@s Director@s.

Neon Heart tiene a su favor un buen trabajo actoral, jóvenes promesas que se sumergen a conciencia bajo la piel de unos personajes en absoluto fáciles ni cómodos. Igualmente interesante es el trabajo de fotografía de Balthazas Hertel, creando atmósferas que logran invertir la sensaciones, logrando tornar escenas, a priori, desagradables o incómodas, en enternecedoras. 

En su contra, sin embargo, juega un guión que dista de ser redondo. Su estructura resulta demasiado sencilla y un tanto irregular. No todas las historias funcionan igual de bien ni con la misma intensidad, sólo la de Niklas impacta en su conjunto, quedando las otras dos, como accesorias y apenas esbozadas. Acierta en su valentía, pero su narrativa es difusa.

En conclusión, una película que consigue atrapar la atención, bien interpretada y realizada, pero con un relato cuyas piezas no completan el puzzle dejándonos con el sabor de boca de que podía haber llegado a más.

Valoración:6/10
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Smallfoot - Karey Kirkpatrick y Jason Reisig

Título original: Smallfoot

Año: 2018
Duración: 96 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Karey Kirkpatrick,  Jason Reisig
Guión: Karey Kirkpatrick, Clare Sera, John Requa, Glenn Ficarra (Libro: Sergio Pablos)
Música: Heitor Pereira

Reparto: Channing Tatum,  James Corden,  Zendaya,  Common,  LeBron James, Danny DeVito,  Gina Rodriguez,  Yara Shahidi,  Ely Henry,  Jimmy Tatro

Productora: Warner Bros. / Warner Animation Group / Warner Bros. Animation / Zaftig Films

Los Yetis viven felices aislados en su aldea de las cimas más altas de las montañas, más allá del océano de nubes. Sin embargo, su armónica existencia se verá perturbada por la llegada de un ser, para ellos, mitológico, el ser humano. Este hecho hará que un grupo de jóvenes comiencen a cuestionarse sus creencias y decidan investigar si realmente hay algo más allá de su microcosmos, algo diferente, si algo se oculta en lo que para ellos es la nada infinita...

Warner Bros apuesta por esta producción de animación presentada en la 66 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, una cinta familiar de ligero entretenimiento llena de mensaje.

"Smallfoot" mantiene la estructura clásica de films de animación para todos los públicos, tratando de buscar un entretenimiento que pueda satisfacer a grandes y pequeños. Para ello dota al relato de una rica imaginería e imaginación, creando un mundo paralelo donde habitan las supuestamente abominables criaturas (inmensamente entrañables, por supuesto), una galería visual que se viste de un lujoso trabajo de animación cuidado al detalle.

No pueden faltar las canciones, de variado tono y ritmo, también vehículo narrativo para el desarrollo de la historia que, amenas y agradables, no lastran el relato. Los personajes, aunque adscritos al cliché, dan forma a una extensa galería de roles con la que no es difícil empatizar y simpatizar.

En cuanto a la narrativa, es dinámica, llena de aventuras, humor y ternura, no dejando espacio alguno para el aburrimiento o el tedio. Entre todo ello, no falta una notable dosis de conciliador mensaje abogando por la tolerancia y respeto al diferente, sin dejar de subrayar el necesario examen de conciencia por un bagaje histórico que hace a hombres y bestias, depredadores de lo desconocido, factor a cambiar. Apunta a la moral y los valores, pero no empalaga con ello, algo muy de agradecer.

Con todo ello estamos ante una película digna para todo aquel que quiera pasar un rato de despreocupado entretenimiento, sencilla pero imaginativa, y con una estupenda factura técnica, ideal para toda la familia.

Valoración:6/10
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29 Acacia Avenue - Henry Cass

Título original: 29 Acacia Avenue

Año: 1945
Duración: 83 min.
País: Reino Unido

Dirección: Henry Cass
Guión: Sydney Box, Muriel Box
Música: Clifton Parker
Fotografía: Robert Huke, Ernest Palmer (B&W)

Reparto: Gordon Harker,  Betty Balfour,  Jimmy Hanley,  Carla Lehmann,  Hubert Gregg, Jill Evans,  Henry Kendall,  Dinah Sheridan,  Megs Jenkins,  Noele Gordon, Guy Middleton

Productora: Boca Productions / Columbia British Productions

Los Robinson son una familia acomodada y bien avenida. El matrimonio decide concederse unas vacaciones en familia y partir a relajarse lejos del hogar. Sus hijos, sin embargo, rehusarán acompañarles, por diversas razones. El hijo, por haber comenzado una tortuosa relación con una mujer casada. La hija, para aprovechar el vacío del hogar para experimentar la vida en pareja con su prometido. Pero querrá el destino que nada salga como habían planeado... ninguno de ellos.

Henry Cass (The Hand, La Sangre del Vampiro...etc) dirige esta comedia de familiares enredos asentada sobre un guión de Sydney y Muriel Box, una película presentada dentro del ciclo dedicada a esta última en el marco del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

"29 Acacia Avenue" es un retrato casi teatral y en clave de humor de una familia, sus relaciones, secretos y personalidades. Una radiografía de la moral de una época y sus usos y costumbres llevada a la pantalla con un grupo de solventes actores y actrices que crean unos personajes entrañables que saben hacer de la audiencia cómplice de sus correrías y sacar en todo momento una sonrisa.

Es sin duda el guión el pilar más fuerte sobre el que se asienta la propuesta, sabio a la hora de mantener el ritmo de gags y situaciones cómicas de enredo en enredo, de mentira en mentira. Un humor que mezcla los recursos más básicos con otros más incisivos hace del visionado de la película un rato ameno y simpático. Agradable.

Valoración: 6/10

Cold War - Pawel Pawlikowski

Título original: Zimna wojna

Año: 2018
Duración: 88 min.
País: Polonia

Dirección: Pawel Pawlikowski
Guión: Pawel Pawlikowski, Janusz Glowacki
Fotografía: Lukasz Zal

Reparto: Joanna Kulig,  Tomasz Kot,  Agata Kulesza,  Borys Szyc,  Cédric Kahn,  Jeanne Balibar, Adam Woronowicz,  Adam Ferency,  Adam Szyszkowski

Productora: MK2 Productions / Apocalypso Pictures / Film4 / Opus Film / Protagonist / BFI Film Fund

Corren los años de la Guerra Fría, en el corazón de Europa. Jóvenes de las áreas rurales, virtuosos de la música tradicional serán reclutados para realizar un espectáculo itinerante sobre su arte. Allí entrarán en contacto Wiktor, uno de los seleccionadores y tutores del proyecto, con Zula, una joven de dudoso origen e intenciones, y la química entre ellos será instantánea. A partir de ese punto, viviremos su historia de amor, encuentros y desencuentros a medida que la historia del viejo continente, y su música, avanzan, de ciudad en ciudad, de emoción en emoción.

Pawel Pawlikowski se reafirma como un muy potente director tras el éxito de "Ida" pese a lo alto que puso el listón aquella. Vuelve a vestir su arte de clásico blanco y negro, a envolver su cine de pura elegancia en cada fotograma, y consigue rendir a público y crítica a sus pies, como ha sucedido a su paso por el festival de Cannes o la sección de Perlas del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

La película, además de lucir en su caleidoscopio de grises, gracias a la potente fotografía de Lukasz Zal, enriquece su factura formal con un estupendo trabajo de ambientación, con una dirección artística y un vestuario que redondean el viaje en el tiempo al que somete al espectador.

Interpretativamente, ambos protagonistas brillan en su pasión por la vida y por el otro. Sin embargo, es la actriz Joanna Kulig quien sobresale sobre el resto, envolviendo a su personaje de una decadente aura de misterio, evolucionando y cambiando de forma profundamente a lo largo del metraje y dando así vida a una mujer digna del recuerdo.

Omnipresente es la música en la nueva película de Pawlikowski, un personaje más de su historia. Es más, una canción será el hilo conductor de principio a fin, un canto que, como sus personajes, evoluciona, cambia, se adapta a los tiempos de una Europa en plena revolución.

Con todo ello podemos afirmar que nos hallamos ante una película de suma elegancia y buen hacer artístico, una delicia que nace de un continente y unos personajes heridos de guerra, pero con la fuerza de seguir peleando por una mañana y un amor mejor.

Valoración:7/10
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Viaje al Cuanto de una Madre - Celia Rico

Título original: Viaje al cuarto de una madre

Año: 2018
País: España

Dirección: Celia Rico
Guión: Celia Rico
Fotografía: Santiago Racaj

Reparto: Anna Castillo,  Lola Dueñas,  Pedro Casablanc,  Adelfa Calvo,  Marisol Membrillo, Susana Abaitua,  Ana Mena,  Silvia Casanova,  Maika Barroso,  Noemí Hopper

Productora: Coproducción España-Francia; Amorós Producciones / Arcadia Motion Pictures / Canal Sur Televisión / Noodles Production / Pecado Films / Sisifo Films AIE / Televisión Española (TVE)

Estrella y Leonor, madre e hija, habitan en un hogar marcado por la pérdida de la figura paterna y son piedra angular la una de la existencia de la otra.
La joven Leonor se ve asfixiada por la situación, que sumada a una vida monótona en el pueblo, le lleva a mirar a nuevos horizontes ardiendo en deseos de volar. Estrella, por su parte, teme con pavor la partida de su hija, aunque igualmente es consciente de que no puede encadenarla a su pena.

Celia Rico escribe y dirige esta ópera prima, una película pequeña e íntima de relaciones materno-filiales y lo hace con certera puntería en las emociones más sinceras y cotidianas, sin grandilocuencias, sino con verdad. Su buen hacer le ha permitido conectar con el público y alzarse con el merecido Premio de la Juventud del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde participó en la sección Nuevos Directores.

El film se asienta sobre dos pilares de peso, la labor de sus dos intérpretes principales. Anna Castillo da vida a la joven con total naturalidad y credibilidad, transmitiendo sabiamente toda la galería de turbulentas emociones por las que pasa su personaje. Por su parte, Lola Dueñas, en el papel de doliente madre, se come la pantalla con un abanico de sentimientos desbordantes en cada palabra, gesto y silencio, una interpretación poderosa en un personaje de pura realidad. Espectaculares las dos.

Minimizando escenarios y situaciones, de una forma casi teatral, el guión, obra de la propia directora, se focaliza en los personajes, sus relaciones y emociones, y esta perspectiva, sin artificios, consigue enganchar a la perfección y genera una empatía tan automática, que logra que su historia, si bien es pequeña, atrape.

En conclusión, estamos ante una película íntima, hermosa en su sencillez y autenticidad, estupendamente escrita e interpretada, de muy agradable visionado.

Valoración:7/10
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Ha Nacido Una Estrella - Bradley Cooper

Título original: A Star Is Born

Año: 2018
Duración: 135 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Bradley Cooper
Guión: Will Fetters, Bradley Cooper, Eric Roth, Dorothy Parker, Alan Campbell, Robert Carson (Historia: William A. Wellman)
Música: Lady Gaga, Bradley Cooper
Fotografía: Matthew Libatique

Reparto: Bradley Cooper,  Lady Gaga,  Sam Elliott,  Andrew Dice Clay,  Bonnie Somerville, Dave Chappelle,  Michael Harney,  William Belli,  Rafi Gavron,  Rebecca Field, Anthony Ramos,  D.J. Pierce,  Steven Ciceron,  Andrew Michaels,  Jacob Taylor, Geronimo Vela,  Frank Anello,  Germano Blanco

Productora: Malpaso Productions / Gerber Pictures / 22, Indiana Pictures / Live Nation Productions / Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Thunder Road Pictures. Distribuida por Warner Bros.

Jackson Maine es un cantante que disfruta de las mieles del éxito en la música. El azar del destino querrá que se cruce en su camino una joven artista, Ally, que sueña con triunfar como él pero cuya carrera parece destinada a nunca despegar. Ambos creadores, juntos, catapultarán a la cantante al estrellato, un camino que se prometía lleno de éxito y sonrisas, pero al que las adicciones, celos y enfrentadas personalidades, pondrán escollos que pueden resultar insuperables...

Bradley Cooper debuta en la dirección con una historia ya narrada en varias ocasiones con anterioridad en el cine, un handicap que a priori hacía desconfiar de su calidad. Sin embargo, y contra todo pronóstico, Cooper sale airoso de su proyecto y consigue rendir a público y crítica ante su buen hacer.

Buena parte de su éxito, además de por su labor en la dirección, reside no sólo en su buen papel como protagonista de la película, sino en el triunfo de su partenaire en pantalla, una Lady Gaga que sorprende por lo notable, natural y verosímil de su interpretación, una mujer llena de matices y, sobre todo, emociones, que sabe transmitir a la perfección a la audiencia.

Otro de sus puntos fuertes reside en la vertiente más musical de la película, con unos números que deleitan por la calidad de sus composiciones y puesta en escena, erigiéndose como un vehículo más de diálogo y expresión de sus personajes.

Con todos estos ingredientes se elabora un cocktail de muy agradable consumo. A su favor, una buena gestión del melodrama, y la musicalidad intrínseca de la historia aderezada por las buenas interpretaciones de la pareja (y un inspirado Sam Elliott entre los secundarios). En su contra, una duración quizás excesiva, y el inevitable regusto a "ya vista". Con sus virtudes y defectos, merece la pena.

Valoración:7/10
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Oreina - Ciervo - Koldo Almandoz

Título original: Oreina (Ciervo)

Año: 2018
Duración: 85 min.
País: España

Dirección: Koldo Almandoz

Reparto: Laulad Ahmed Saleh,  Patxi Bisquert,  Ramón Agirre,  Iraia Elias,  Erika Olaizola

Productora: Txintxua Films / ETB

Khalil es un joven inmigrante que vive en las afueras, en un lugar en el que se dan la mano los fríos e impersonales polígonos industriales y parajes naturales de gran belleza.
En este entorno le acompañaremos en su solitaria existencia, en una sociedad en la que no encaja. Su único amigo será un cazador furtivo, una figura paternal que le acompañará en silencio, un ser que porta sus propios fantasmas, cohabitando con un hermano con el que hace años no tiene relación.

Koldo Almandoz, que se alzó con esta propuesta cinemtográfica con el Premio del Cine Vasco en la 66 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, nos sumerge en su película de tono contemplativo y poético, casi documental, en un entorno de contrastes donde la fealdad se enfrenta a la posibilidad de lo hermoso, pero sus caminos no parecen cruzarse.

En Oreina destacaremos la potencia del uso de los espacios naturales, un reflejo del estado de ánimo y mundo interior de sus protagonistas. Una estupenda fotografía viste las marismas, llenas de vida y esperanza, pero también de insondable soledad, amenazadas por el gris de un mundo industrial y más salvaje aún que la naturaleza.

Curioso resulta su dibujo de personajes. El joven inmigrante, los hermanos mal avenidos, la responsable que vela por el parque natural, cuatro seres absolutamente dispares entre sí, pero unidos y entrelazados por sus deseos, sus secretos, el cariño, el ansia de venganza... y con un factor común, el silencio donde el dolor grita.

Todos estos elementos hacen de Oreina un producto de calidad pero no apto para todos los públicos por su estilo narrativo. La poesía un tanto hermética que presenta, sus personajes encerrados en sí mismos y el pulso de un tiempo que parece detenido pueden resultar demasiado agrestes para el espectador pese al buen retrato de los protagonistas, hijos de una tierra donde la expresión de los sentimientos es vedada.

Peculiar, distinta y un tanto distante, "Oreina" se presenta como una personal película, fría, pero con alma. Curiosa.

Valoración:6/10
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