lunes, 5 de diciembre de 2016

La Doncella - The Handmaiden - Park Chan-wook

Título original: Ah-ga-ssi (The Handmaiden)

Año: 2016
Duración: 145 min.
País: Corea del Sur

Director: Park Chan-wook
Guión: Park Chan-wook, Jung Seo-kyung (Novela: Sarah Waters)
Música: Cho Young-wuk
Fotografía: Chung Chung-hoon

Reparto: Ha Jung-woo, Kim Min-hee, Jo Jin-woong, Kim Tae-ri, Moon So-ri, Kim Hae-suk

Productora: Moho Film / Yong Film

Un estafador y su joven cómplice se infiltran en la mansión de unos adinerados bohemios amantes del arte y la literatura. Él, emulando a un conde, ella, como la doncella personal de la señora de la casa, una joven heredera sumida en el melancólico misterio. Una vez allí, comenzarán a tejer su red de mentiras y engaños, sin saber que, entre los muros donde conspiran, subyacen secretos aún más oscuros que pueden poner en peligro sus vidas, sus pasiones y más profundas emociones.

Park Chan-wook, el afamado director de películas tan destacadas como Oldboy, Stoker o Thirst, entre otras, vuelve a conseguirlo, seduciendo al espectador con una intoxicante belleza, y doblegándolo, junto a la crítica, a sus pies. Muchos son los reconocimientos, nominaciones y galardones recibidos por este film, entre los que se encuentra el Premio del Público y el Premio de la Crítica de los Blogos de Oro en su paso por el festival de Sitges de 2016.

El film se inspira en la novela de Sarah Waters "Fingersmith", pero traslada en el tiempo la acción y a sus personajes además de envolverlos en la delicada belleza que sólo el cine coreano puede crear,  reforzando así la iconografía de la historia, con lo que logra que no sólo el fondo, sino también la forma, sean brillantes.

Imprescindible es el buen hacer del elenco protagonista para dar veracidad y vida al relato, y todos ellos en "The Handmaiden" destacan por su gran labor, sobre todo sus dos intérpretes femeninas protagonistas, estupendas.

Todo en lo formal impresiona en "La Doncella", la cálida y acariciante fotografía, la labor de maquillaje y peluquería y, sobre todo, un diseño de producción para quitarse el sombrero. Esta factura visual dota al film  de una sublime, deliciosa y venenosa belleza y elegancia, que se extrapola incluso a las explícitas escenas eróticas, en las que el espectador será hipnotizado y sutil voyeur.

Con todo ello y sus casi dos horas y medias de duración que en absoluto se hacen pesadas, sino al conrario, Park Chan-wook da de nuevo en la diana rubricando un producto cinematográfico de primera categoría altamente recomendable, cuidado al extremo en su guión, interpretaciones y factores técnicos. Deliciosa.

Enoch
Valoración:8/10
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jueves, 1 de diciembre de 2016

Lady Macbeth - William Oldroyd

Título original: Lady Macbeth

Año: 2016
Duración: 89 min.
País: Reino Unido

Director: William Oldroyd
Guión: Alice Birch (Novela: Nikolai Leskov)
Música: Dan Jones
Fotografía: Ari Wegner

Reparto: Florence Pugh, Christopher Fairbank, Cosmo Jarvis, Naomi Ackie, Bill Fellows, Ian Conningham, Paul Hilton, Joseph Teague, Golda Rosheuvel, Rebecca Manley

Productora: Protagonist Pictures / Sixty Six Pictures

Corre el siglo XIX, en la Inglaterra rural, conoceremos a Katherine, una joven, poco más que una niña, que ha sido forzada a casarse con un hombre mucho mayor que ella, cohabitar con él y sufrir el desprecio de su familia. No hay amor alguno en la relación, al contrario, la apatía y el desdén pueblan la rutina de la mal avenida pareja. Pero la pasión no tardará en llamar a las puertas del corazón de la joven, pero no por su esposo, sino por un trabajador de la hacienda donde habita. Este hecho desatará una cadena de hechos incontrolables.

William Oldroyd, cortometrajista, da el salto al largometraje con esta adaptación de la obra de Nikolai Leskov, logrando alzar una voz tan personal que le ha abierto las puertas de diversos festivales de renombre, como el 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde compitió en su Sección Oficial y recibió más que correctas críticas.

"Lady Macbeth", si bien en lo visual se viste de unas galas de cine clásico de época, frío y académico, tiene un palpitar bajo su piel bien diferente a lo que este tipo de cine nos tiene acostumbrados. Pese a las pasiones, los ricos vestuarios, la melancolía de los páramos nublados... hay un fuego oculto, el deseo, la rabia y la ira de unos personajes magistralmente creados  todo lo pueden, y, desde su silencio y las miradas rotas gritan, aman y odian más allá de toda duda.

Pero si algo brilla por encima de todo en esta producción es la brillante labor de su actriz protagonista, una absoluta revelación. Florence Pugh se mete bajo la piel de esa joven que desde la quietud y sumisión más absoluta veremos evolucionar en pantalla hacia su apoteosis final de una forma tan sutil como efectiva, devorando la cámara con una mirada capaz de enternecer y aterrar a un tiempo.

Extraña en sus formas narrativas, malvada y susurrante, esta película es una experiencia cinematográfica diferente, un viaje al silencio de una mente llena de gritos al borde de la explosión, magníficamente interpretada y narrada con notable personalidad y carisma. Muy interesante.

Valoración:7/10
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miércoles, 30 de noviembre de 2016

En El Bosque - Patricia Rozema

Título original: Into the Forest

Año: 2015
Duración: 101 min.

País: Estados Unidos
Director: Patricia Rozema
Guión: Patricia Rozema (Novela: Jean Hegland)

Reparto: Ellen Page, Evan Rachel Wood, Max Minghella, Callum Keith Rennie, Michael Eklund, Sandy Sidhu, Jordana Largy, Bethany Brown, Simon Longmore, Brittany Willacy

Productora: A24

Una familia vive en lo más profundo del bosque, pero no por ello de manera austera, ya que disfrutan de las últimas tecnologías con las que ocupan su tiempo. Pero un hecho inesperado cambiará forzosa y radicalmente su modus vivendi, un apagón generalizado destruirá toda fuente de energía y comunicaciones, tornando así su aislamiento completo. En esta nueva realidad, todos ellos deberán aprender a vivir de una forma totalmente nueva, llena de interrogantes, miedos y amenazas, deberán luchar contra los elementos, contra los demás y contra si mismos.

Patricia Rozema dirige y es responsable del guión (adaptado de la novela de Jean Hegland) de esta película pequeña en formas pero que habla de cosas tan grandes como la familia, las relaciones, las necesidades y lo que verdaderamente tiene valor en la existencia humana.

A favor de esta producción encuentro un agradable trabajo de fotografía y ciertos detalles de la ambientación visual de la película, así como la sencilla pero efectiva partitura musical que acompaña las emociones narradas. Pero sobre todo ello, y como sostén principal de la propuesta, he de subrayar la buena labor de sus dos actrices protagonistas. Evan Rachel Wood, encarnando a la hermana mayor, bailarina frustrada y obsesiva pero responsable y Elle Page, la benjamina, más alocada y plena de vida, pero custodia de grandes sentimientos. Ambas están brillantes y destilan pasión en su creación de unos personajes complejos y atractivos.

Sin embargo otros elementos juegan en contra de un buen resultado final satisfactorio. Todos ellos no puedo evitar achacarlos a un guión y montaje desaprovechados. La película mezcla diversos estilos cinematográficos, géneros incluso, sin mucho acierto, sin terminar de calar desorientando el ánimo de un espectador que a tramos no sabe muy bien a dónde le quieren arrastrar los hechos narrados. Igualmente encontramos en su desarrollo diversas situaciones que rozan lo inverosímil por no estar tan correctamente planteadas o razonadas como sería necesario, factor que también pienso que afecta al desenlace mismo del film, en mi opinión, mejorable.

Con todo ello, "En el bosque" es una película agradable que pasa ante la retina sin demasiada pena ni gloria, con unas interpretaciones grandes y esforzadas pero que no terminan de salvar un film que se queda demasiado discreto en su conjunto para lo potente que se presentaba su propuesta.

Valoración:5/10
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martes, 29 de noviembre de 2016

Your Name - Makoto Shinkai

Título original: 君の名は。Kimi no na waaka

Año: 2016
Duración: 106 min.
País: Japón

Director: Makoto Shinkai
Guión: Makoto Shinkai
Música: Radwimps

Productora: CoMix Wave Films

Taki y Mitsuha son dos adolescentes que jamás se han visto, no se conocen, no habitan en el mismo lugar... sin embargo, una extraña fuerza sobrenatural los une.  El inusitado hecho es que, ciertos días, uno despierta en el cuerpo del otro y ha de vivir otra existencia radicalmente dispar a la suya. Con el tiempo, los sorprendidos jóvenes comenzarán a comunicarse a través de notas, descubriendo así cada vez más del otro, lo que les llevará a una aventura cargada de emociones para las que nada podía prepararlos.

Makoto Shinkai escribe y dirige esta obra maestra de la animación y la imaginación, un relato plagado de funcionales elementos y emociones que le han llevado al absoluto éxito y le hicieron un hueco entre las proyecciones especiales de la Sección Oficial de la edición 2016 del Festival Internacional de Cine de San Sebastián sorprendiendo gratamente al público.

En "Your Name" se combinan muy diversos elementos argumentales y géneros cinematográficos. El drama, la ciencia ficción y la comedia se hilan con maestría consiguiendo, pese a lo imaginativo de su fantasía, crear un universo cercano, unos personajes con los que es sencilla tarea empatizar, con los que resulta apasionante viajar en pos de respuestas a las incógnitas planteadas divirtiéndonos en un proceso lleno de que tampoco dejan fuera las lágrimas y la emoción.

Su frenética y recargada narrativa se adereza con numerosos tramos musicales que lejos de lastrar al producto, lo dinamizan y predisponen el ánimo de una audiencia entregada al misterio, implicada con el destino de sus protagonistas.

Su colorista e imaginativa puesta en escena da forma a una calidad de animación de primera, que si bien no busca el realismo, ni se pierde en lo onírico, sí que resulta efectiva como disfrute visual y se adapta perfectamente al tono narrativo simpático y muy vivo.

En conclusión, "Your Name" es una propuesta animada altamente disfrutable para cualquier espectro de edad y gustos, tantos temas como toca y tan variopintos tonos como adopta en su discurso. Recomendable como vehículo evasivo, un producto de primer nivel de espectacular entretenimiento animado.

Valoración:8/10
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lunes, 28 de noviembre de 2016

Huérfana - Orpheline - Arnaud des Pallières

Título original: Orpheline

Año: 2016
Duración: 111 min.
País: Francia

Director: Arnaud des Pallières
Guión: Christelle Berthevas, Arnaud des Pallières
Fotografía: Yves Cape

Reparto: Gemma Arterton, Adèle Exarchopoulos, Adèle Haenel, Sergi López, Nicolas Duvauchelle, Jalil Lespert, Solène Rigot, Olivier Loustau, Mehdi Meskar, Rayan Rabia

Productora: Les Films Hatari / Arte France Cinéma / Les Films d'Ici

"Huérfana" nos narra la historia de cuatro mujeres, cuatro luchadoras que son una, zarandeadas por la vida, por un destino cruel, que desde la más tierna infancia moldea una personalidad, una forma de ser fuera de la norma y la normalidad. Seremos testigos de la continua huída a la que se ve forzada, los hombres que encontrará en su camino y serán causa de triunfos y heridas, piezas de un puzzle, de una vida, rota.

Arnaud des Pallières dirige este incómodo rompecabezas de peculiar narrativa y apasionadas interpretaciones que provoca intensas emociones y se aleja de la indiferencia, logrando con él abrirse paso a la Sección Oficial competitiva del 64 Festival de Cine de San Sebastián, donde pasó sin pena ni gloria y frías críticas.

A su favor juega, sin lugar a dudas, la gran labor de su elenco protagonista femenino. Las diversas actrices encarnan con inusitada intensidad las duras épocas vitales de una mujer, los hitos de su desarrollo, puntos de inflexión marcados por la tragedia, la violencia y el dolor, y saben transmitir al público no sólo sus heridas, sino la fuerza que late bajo la piel de sus sangrantes personajes.

En su contra pesa el arma de doble filo que es su estructura narrativa. El guión, que pretende alzarse como diferente, se presenta como un puzzle en el que, a medida que navegamos por el relato, ninguna pieza encaja, para más tarde, vislumbrar cómo nos hallamos ante un espejismo donde no hay piezas, no hay puzzle, sino una única imagen, una única vida, deshecha. La idea es buena, interesante y un reto a la audiencia, pero la realización de la misma no la encuentro tan efectiva, ni tan inteligentemente realizada como hubiera sido deseable. Durante demasiado metraje deja al espectador a la deriva, perdido, para ir capturando su interés a intervalos, sin llegar a absorber su emoción e implicación pese a la intensidad de los hechos contados.

Con todo ello, "Orpheline" es una propuesta de cine diferente, bien interpretado, pero cuya fórmula formal no acaba de cuajar. Pretende provocar y retar, pero la sensación obtenida va poco más allá del frío entretenimiento e inmediato olvido. Pudo ser y no fue.

Valoración:5/10
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domingo, 27 de noviembre de 2016

Toni Erdmann - Maren Ade

Título original: Toni Erdmann

Año: 2016
Duración: 162 min.
País: Alemania

Director: Maren Ade
Guión: Maren Ade
Fotografía: Patrick Orth

Reparto: Peter Simonischek, Sandra Hüller, Lucy Russell, Trystan Pütter, Hadewych Minis, Vlad Ivanov, Ingrid Bisu, John Keogh, Ingo Wimmer, Cosmin Padureanu, Anna Maria Bergold, Radu Banzaru, Alexandru Papadopol, Sava Lolov, Jürg Löw, Miriam Rizea

Productora: Komplizen Film / Coop99 Filmproduktion / KNM

Ines es una joven de éxito, una ejecutiva establecida en Bucarest dueña de su propia vida y adicta al trabajo. Todo en su existencia está planificado y milimetrado, hasta que un elemento desestabilizador aparece de improvisto, su padre. El extravagante caballero observa la vida de su hija y le formula una pregunta que hará tambalear los asentados cimientos "¿Eres feliz?".  A partir de ese punto, padre e hija se embarcarán en una serie de estrambóticas situaciones que a ambos llevarán, entre la emoción, la carcajada y la vergüenza, a analizar sus propias existencias, plantearse sus relaciones con los demás, consigo mismos y entre ellos.

Maren Ade, directora y guionista de esta peculiar película, radiografía al ser humano en clave de ácido humor, logra la reverencia de crítica y público allá por donde pasa, habiéndose alzado con su diferente propuesta con un amplio abanico de importantes galardones y nominaciones.

Además del gran trabajo de Ade como directora, dos son los grandes pilares sobre los que se asienta el éxito de la película.

En primer lugar, la inmensa labor de sus dos actores protagonistas, padre e hija, bordan dos personajes antagónicos. Ella, la encorsetada ejecutiva, calculadora, fría y cortante. Él, la pura bohemia fuera de toda norma. El titánico choque de ambas personalidades y formas de vida es una delicia que saben llevar sabiamente logrando hibridar la emoción con la carcajada y el dolor.

En segundo lugar, el guión sobre el que se desarrolla el film. Pese a su extensísima duración, "Toni Erdmann" logra entretener, interesa, conmueve, divierte y llama a la reflexión a partes iguales en su instantánea de un ciclo vital narrado a través de este viaje paterno filial tan intenso como amable, tan absurdo como cerebral, un acierto.

Con todo ello, la película se erige como una propuesta cinematográfica diferente, un ejercicio humanístico tanto para el análisis como para el divertimento, un producto bien realizado, dirigido e interpretado para pasar un buen rato de buen cine.

Valoración:7/10
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sábado, 26 de noviembre de 2016

The Neon Demon - Nicolas Winding Refn

Título original: The Neon Demon

Año: 2016
Duración: 117 min.
País: Francia

Director: Nicolas Winding Refn
Guión: Nicolas Winding Refn, Mary Laws, Polly Stenham
Música: Cliff Martinez
Fotografía: Natasha Braier

Reparto: Elle Fanning, Jena Malone, Keanu Reeves, Christina Hendricks, Bella Heathcote, Abbey Lee, Karl Glusman, Desmond Harrington, Cody Renee Cameron, Chris Muto, Lucas Di Medio, Jamie Clayton, Charles Baker, Taylor Marie Hill, Sophie Mazzaro

Productora: Coproducción Francia-Estados Unidos-Dinamarca; Space Rocket Nation / Vendian Entertainment / Bold Films

Jesse es una hermosa joven que lo deja todo para perseguir sus sueños, trasladarse a Los Ángeles y tratar de labrarse una carrera como modelo. Su inocencia y belleza harán que no tarden todas las miradas en recaer en ella abriéndole camino hacia el estrellato. Sin embargo, junto a la admiración, despertará envenenadas envidias, celos y rabia en sus competidoras. Su viaje hacia su personal meta puede hacer de su sueño pesadilla y su rostro de ángel llamar a los mismos demonios.

Nicolas Winding Refn (Drive, Sólo Dios Perdona, Valhalla Rising, Pusher...etc) lleva con esta obra sus muy peculiares formas de hacer cine al extremo, habiendo despertado con ella entre audiencia y crítica las más enfrentadas reacciones, apasionado odio y deleitadas reverencias. Su lenguaje narrativo y visual crea debate y polémica, y eso, en los tiempos que corren, ya es de agradecer en sí mismo.


Al frente del reparto encontramos a una Elle Fanning en estado de gracia a la que Refn ha sabido sacar lo mejor de si. Su evolución a lo largo del film es notable y bien llevada a través de una gran galería de matices, así como su capacidad para sobrellevar los primeros planos y transmitir un abanico de emociones extremas son remarcables. Pero no sólo ella lleva el peso del film a nivel interpretativo, pues el resto del elenco, sobre todo el femenino, capitaneado por la obsesiva maquilladora, Jena Malone, contribuyen a crear con su labor una genial telaraña de opresivas emociones y oscuros deseos. El trabajo de todas ellas se refuerza con lo acertado de muchas de las escenas (claves, varias de ellas) que fueron improvisadas durante el rodaje rubricando así el carisma interpretativo de las actrices y la buena batuta de Refn guiándolas.

Pero si en algo brilla con luz propia este Demonio de Neón es en lo sensorial. En primera instancia, la película es apabullante en lo visual, plagada de escenas oníricas y metafóricas creadas con inusitado virtuosismo tejiendo la belleza con lo macabro, lo hermoso con lo repugnante o terrorífico, todo ello pintado con una paleta de colores que deslumbran la retina. Ligado a todo ello destaca la ambientación sonora del film, con una bso de Cliff Martinez inquietante, malsana, tan armónica como cacofónica que marca de forma ideal el pulso de la acción y emoción.

Todos estos elementos citados crean una atmósfera sublime que hacen que incluso la narración misma quede en segundo plano y el espectador ceda a una onírica sensación de hipnosis subyugado por unas imágenes, unos sonidos, tan perversos como placenteros. "The Neon Demon" es barroca en lo sensitivo y la única manera de disfrutarla es ceder a su hechizo en ese aspecto.

Con todo ello "The Neon Demon" es una película de difícil recomendación, es extraña, bizarra, tan hermosa como terrorífica, no apta para todos los paladares cinéfilos pero una indudable experiencia cinematográfica para todos aquellos espectadores que ruegen por algo que les saque de la indiferencia e impacte. "La belleza no lo es todo, es lo único" es la frase clave del film, y no puede ser para el director mayor declaración de intenciones.

Valoración:8/10
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miércoles, 23 de noviembre de 2016

Bar Bahar . Entre dos Mundos - Maysaloun Hamoud

Título original: Bar bahar - In Between

Año: 2016
Duración: 96 min.
País: Israel

Director: Maysaloun Hamoud
Guión: Maysaloun Hamoud
Música: Mg Saad
Fotografía: Itay Gross

Reparto: Mouna Hawa, Shaden Kanboura, Sana Jammalieh

Tres jóvenes mujeres palestinas comparten piso en Tel Aviv. La relación entre ellas es fluida pese a lo muy distintas que son entre ellas, representando cada una mundos distintos, con diferentes orientaciones sexuales, radicalmente opuesto apego a la tradición, antagónica manera de relacionarse con el mundo y los que lo habitan... Sin embargo, un fuerte lazo las une, la férrea voluntad de pelear por sus vidas, por su libertad, y labrarse un futuro donde sean ellas y no la familia, la sociedad o la religión quienes impongan sus destinos.

Maysaloun Hamoud escribe y dirige esta potente propuesta cinematográfica presentada en la 64 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde se alzó con nada menos que cuatro galardones además de protagonizar una de las ovaciones cerradas más largas y emocionantes del certamen tras su premier.

Bar Bahar mira de frente a la mujer atrapada en una ciudad, una sociedad, y unas tradiciones que inexorablemente tratan de mediatizar su crecimiento, relaciones y, en definitiva, su vida. Desde las situaciones más cercanas y universales, trabaja la empatía con la audiencia desde distintas perspectivas de forma muy sabia, haciendo sentir al espectador un compañero más de ese piso donde cohabitan distintas personalidades con un único deseo, vivir en libertad. Sin giros espectaculares ni efectismos baratos, Hamoud borda una historia llena de verdad en la que teje dolor y esperanza denunciando el espejismo de la normalidad en la mujer árabe de nuestros tiempos.

Además de un guión estupendo que hila las tres historias a la perfección con sus paralelismos y diferencias, que dibuja tres personajes memorables y llenos de matices y nos narra su historia con un ritmo sin tregua capturando interés y entretenimiento, no podemos dejar de subrayar el buen hacer de sus tres actrices protagonistas. Todas ellas toman el material de base y lo hacen carne, lágimas y sonrisas realizando unos memorables trabajos por su realismo, cercanía y autenticidad.

Con todo ello, Bar Bahar se erige como una película tan necesaria como disfrutable, una propuesta que llama a la reflexión y denuncia sin grandilocuencias, pero dando en el clavo con su discurso. Justo equilibrio de buen cine con buen mensaje. Recomendable.

Valoración:8/10
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lunes, 21 de noviembre de 2016

Frantz - François Ozon

Título original: Frantz

Año: 2016
Duración: 113 min.
País: Francia

Director: François Ozon
Música: Philippe Rombi
Fotografía: Pascal Marti

Reparto: Pierre Niney, Paula Beer, Cyrielle Clair, Johann von Bülow, Marie Gruber, Ernst Stötzner, Anton von Lucke

Productora: Mandarin Films / X-Filme Creative Pool

"Frantz" nos lleva a una Alemania derrotada tras la I Guerra Mundial. Allí conoceremos a una joven, rota por la pérdida de su prometido durante el conflicto, a cuya tumba acude a diario a depositar flores. Para su sorpresa, allí hallará, llorando sobre la misma lápida que ella visita, a un desconocido, un joven francés. El extraño entrará de esta doliente forma en la vida de esta viuda prematura y la de la familia del fallecido como un rayo de esperanza para revivir el recuerdo. Pero nada puede preparar a ninguno de ellos para los secretos que guarda el visitante sobre su amado Frantz.

El prolífico y siempre original director François Ozon se atreve con un remake de la película "The Broken Lullaby" de 1932, actualizando su historia cargándola de intrincadas sensibilidades y capas de emoción y misterio magistrales.

En Frantz encontraremos numerosos ingredientes que hacen de ella una gran y cuidada película.

Comenzando por lo interpretativo, destacaremos la gran labor de todo su elenco, con unos intachables Paula Beer y Pierre Niney como principales protagonistas con una notable carga dramática llena de matices, pero no podemos dejar de elogiar el trabajo de todos los secundarios que los rodean, sobresaliendo entre todos ellos a aquellos que encarnan a los padres del fallecido y roban la emoción del espectador a cada intervención.

En cuanto a lo visual, Ozon ha logrado una hermosa puesta en escena, que reviste la obra de un clásico blanco y negro que sabe acentuar los claroscuros de una historia profunda en su dramatismo así como regalar pinceladas de color que en lugar de chirriar, son igualmente conductoras de la narración y la emoción. Genial ambientación y espectacular fotografía terminan de aderezar el producto deleitando a la retina.

Finalmente, apuntaremos dos fortalezas más que hacen de esta película una agradable experiencia. Por una parte, la banda sonora de Philippe Rombi, habitual colaborador en la filmografía de Ozon, que regala una delicia de partitura que bien sabe marcar el ritmo del relato y el pulso de su sentimiento, y, finalmente, un guión que captura la atención desde el primer instante y es sumamente sabio en su forma de jugar con el misterio y la emoción al atrapar el interés de la audiencia y arrastrarla por sus revelaciones hasta el final mismo del film.

En conclusión, una película redonda, agradable, hermosa y elegante, tan interesante en su vertiente dramática como en sus misterios, un viaje al cine de otros tiempos aderezado con lo mejor del celuloide actual. Una experiencia cinematográfica recomendable, eso sí, para adentrarse en su historia sabiendo cuanto menos, mejor.

Valoración:8/10
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domingo, 20 de noviembre de 2016

As You Are - Miles Joris-Peyrafitte

Título original: As You Are

Año: 2016
Duración: 105 min.
País: Estados Unidos

Director: Miles Joris-Peyrafitte
Guión: Madison Harrison, Miles Joris-Peyrafitte
Música: Patrick Higgins, Miles Joris-Peyrafitte
Fotografía: Caleb Heymann

Reparto: Owen Campbell, Charlie Heaton, Amandla Stenberg, John Scurti, Scott Cohen, Mary Stuart Masterson, Andrew Polk, Annemarie Lawless, John Romeo, Billy Thomas Myott

Productora: Votiv Films / Buffalo 8 Productions / Heretical Reason Productions

Jack es un joven diferente y solitario que vive con su madre soltera y apenas se relaciona con el mundo que le rodea. Todo ello cambiará cuando se traslade a vivir con ellos el nuevo novio de su madre, acompañado de Mark, su hijo. Ambos jóvenes entablarán una estrecha relación que no tardará en tornarse triángulo al unirse a ellos Sarah, una adolescente fuera de la norma. Lo que era soledad ahora es felicidad compartida, pero de frágil estabilidad, al, con el paso del tiempo, cambiar las relaciones entre ellos y emerger los más ocultos deseos y miedos.

Miles Joris-Peyrafitte debuta en la dirección de una forma potente y llamativa con esta película con la que se alzó con el premio especial del jurado en el festival de Sundance y le abrió las puertas a la sección oficial competitiva del 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián por donde pasó despertando encontradas opiniones.

La película navega, en su relato, por diversos e intrincados temas, saltando del drama al thriller de forma continua y centrándose no sólo en el laberinto de la adolescencia y sus demonios, sino también en la soledad, la incomprensión y la desesperanza de unos personajes en continua lucha consigo mismos y el mundo que les rodea. Un caleidoscopio de emociones y vivencias con las que la empatía resulta sencilla y que pese a que contiene algún que otro patinazo en su guión, absorbe la atención y la emoción de principio a fin con sus giros.

Muy destacable me resulta el trabajo de sus dos jóvenes protagonistas masculinos, brillantes en la creación de unos personajes tan vivos como atormentados, ejes del film. Igualmente remarcable me ha parecido la recuperación de Mary Stuart Masterson (Tomates Verdes Fritos) para la gran pantalla, muy intensa en su papel de una madre imperfecta pero amante.

Miles Joris-Peyrafitte, aunque presa de algún que otro desliz en su dirección, sobrecargando narrativamente varios aspectos del film, sorprende con su primer trabajo de impacto, una película que pese a no ser redonda, apunta grandes maneras y resulta un producto altamente disfrutable y debatible. Interesante.

Valoración:7/10
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