sábado, 15 de diciembre de 2018

La Casa de Jack - Lars Von Trier

Título original: The House That Jack Built 

Año: 2018
Duración: 155 min.
País: Dinamarca

Dirección: Lars von Trier
Guion: Lars von Trier
Fotografía: Manuel Alberto Claro

Reparto: Matt Dillon,  Bruno Ganz,  Uma Thurman,  Riley Keough,  Sofie Gråbøl, Siobhan Fallon,  Ed Speleers,  Osy Ikhile,  David Bailie,  Yu Ji-tae,  Marijana Jankovic, Robert G. Slade

Productora: Zentropa Productions / Radio (DR) / Film I Väst

Todo lo que Jack quiere es un proyecto de vida, todo lo que necesita es crear una obra magnífica, como el arquitecto construye una casa en la que vivir, obra y refugio, forma de vida. Pero lo que Jack tiene para contar no es bonito. Es anhedonia, muerte, sadismo y filosofía espesa, bastante aburrida. Todo esto nos cuenta Lars Von Trier en el camino de su personaje principal –Matt Dillon- al infierno, guiado por Verge –Bruno Ganz-, un Virgilio que en este viaje no será emisor sino receptor de los infiernos personales de su acompañante.

El director, fiel a su lirismo retorcido, embarca al espectador en un viaje en el que los trastornos atormentan a su protagonista, y a sí mismo, para hacernos partícipes de la agonía de la creación desde la enfermedad mental. Depresión, ansiedad, trastorno obsesivo compulsivo, irrealidad, son brochazos de un cuadro de la locura que revela el carácter del personaje ficticio y del que está detrás de la cámara, que aparece de forma implícita y explícita en la cinta.

Así que Von Trier nos lo deja claro, es de él de quien habla, y quiere hacerlos partícipes de su habilidad para contar una historia formalmente impecable –guión, dirección de actores, fotografía- e interesantísima, a la vez que nos suelta sus diatribas mentales. Pura egolatría consciente.

Gran conocedor de los aspectos formales de la psicología, estructura su obra como una sesión de psicología, donde el protagonista vierte toda suerte de ocurrencias, tanto aspectos concretos de la centralidad de su relato -5 escenarios de crimen-, como divagaciones generales.  Verge (y el espectador) debe aguantar pacientemente las digresiones filosóficas que solo parecen divertir al protagonista. Sadismo cinematográfico con un toque de autocompasión, como si quisiera jodernos con sus cortes de ritmo pero también mostrarnos lo que tiene que aguantar de sí mismo todos los días de su vida.


La casa es un elemento clave en términos psicológicos y crecimiento del protagonista. Jack intenta construir varias casas convencionales, pero no consigue culminarlas. Porque la casa que Jack necesita es distinta, y le llevará allí donde pertenece, quemado por una culpabilidad que no consigue sentir pero que le rodea y atormenta desde todas partes, menos desde su interior.
Lars, en un bello canto a la oscuridad, se lanza al más profundo de los infiernos.

Autora: @SihayaKynes
Valoración:10/10
Trailer:

viernes, 14 de diciembre de 2018

Los Extraños: Cacería Nocturna - Johannes Roberts

Título original: The Strangers: Prey at Night

Año: 2018
Duración: 85 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Johannes Roberts
Guion: Bryan Bertino, Ben Ketai
Música: Adrian Johnston
Fotografía: Ryan Samul

Reparto: Christina Hendricks,  Bailee Madison,  Martin Henderson,  Lewis Pullman, Leah Roberts,  Emma Bellomy,  Damian Maffei,  Lea Enslin,  Preston Sadleir

Productora: Intrepid Pictures / Mandate Pictures / Relativity Studios / thefyzz

Un matrimonio decide pasar unos días en un camping, propiedad de unos familiares, con sus dos hijos antes de dejar a la más joven, problemática, en un internado.
Esperan pasar juntos unas jornadas de paz y tranquilidad, dado lo desierto del lugar por la época en la que acuden, pero nada más lejos de la realidad.
En la penumbra se ocultan y esperan tres enmascarados, dispuestos a jugar con ellos al gato y el ratón en una noche de sangrienta cacería.

Johannes Roberts, un director capaz de grandes fiascos como "El Bosque de los Malditos" o grandes aciertos como "A 47 Metros", dirige esta secuela que llega una década después de que "Los Extraños" de Bryan Bertino sorprendiera e inquietara a partes iguales.

Esta nueva entrega resulta aceptable en cuanto a sus discretas interpretaciones y el buen uso del espacio elegido para su desarrollo, un camping que se torna laberinto y trampa mortal.

Sin embargo, tiene demasiados elementos en su contra que consiguen que, en esta ocasión, la fórmula no funcione con la misma efectividad. Por una parte, el guión, lleno de agujeros e incoherencias argumentales y situaciones notablemente inverosímiles, hace aguas penalizando la verosimilitud de la propuesta. Por otro lado, tantas han sido las cintas que han adoptado, a lo largo de estos diez años, el formato de slasher y home invasion, que el relato se siente manido y sobre explotado. Esta nueva entrega de "Los Extraños" no contiene nada lo suficientemente novedoso o sorprendente que la eleve sobre esta legión de competidoras.

Aceptable para pasar el rato, si no la analizamos en profundidad ni la tomamos muy en serio. Un producto para consumir y automáticamente olvidar.

Enoch
Valoración:4/10
Trailer:

jueves, 13 de diciembre de 2018

The Wind - Emma Tammi

Título original: The Wind

Año: 2018
Duración: 86 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Emma Tammi
Guion: Teresa Sutherland
Fotografía: Lyn Moncrief

Reparto: Caitlin Gerard,  Ashley Zukerman,  Julia Goldani Telles,  Miles Anderson, Dylan McTee,  Martin Patterson

Productora: Divide / Conquer / Soapbox Films

Una mujer se establece con su marido en la frontera norteamericana. Allí tratarán de construir su vida y su familia, alejados de todo y de todos, con la única compañía de unos lejanos vecinos y de la inmensa soledad de los páramos infinitos.
Sin embargo una presencia oscura y amenazante se filtrará en sus vidas, en sus mentes y emociones, un ente maléfico que pugna por acabar con su cordura y sus vidas.

Emma Tammi debuta con esta cinta que bebe del western y el terror a partes iguales para fusionarlos de una peculiar manera que ha atraído la atención sobre la cinta y le ha permitido participar en festivales como Toronto o la 29 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, entre otros.

A favor de "The Wind" apuntaremos las grandes maneras que demuestra en su realización. Visualmente estamos ante un gran trabajo que saca el máximo provecho de la inmensidad de los lugares donde se desarrollan, asfixiando a sus protagonistas con ellos, aplastándolos con la soledad a la que llaman, cortando su ánimo con el viento, letal cuchilla que rasga la cordura, que no halla barreras ni aún en los muros del hogar. Una gran fotografía y una eficiente gestión de sus escenas más terroríficas dan poder a la película y coge esta aún más fuerza con el trabajo de su correcto elenco protagonista que sabe llevar bien a sus espaldas este viaje que nace esperanzado y se torna descenso a los infiernos.


Sin embargo, y pese a las grandes ideas y las buenas formas de llevarlas a cabo, "The Wind" se lastra por un ritmo excesivamente pausado, una gestión de los tiempos demasiado dilatada y un tanto arrítmica, que hace que las tensiones conseguidas se disipen hacia una cierta y puntual sensación de tedio. Su fortalezas hubieran rubricado un mediometraje espectacular e impactante, pero los chirriantes vacíos que pueblan su duración acaban minando el entretenimiento y disfrute de la película.

Con sus pros y sus contras, "The Wind" tiene elementos más que suficientes para poner a Emma Tammi en el punto de mira por sus aciertos y carisma narrativo y consigue que, pese a ser imperfecta, su visionado merezca la pena.

Enoch
Valoración:6/10
Trailer:

miércoles, 12 de diciembre de 2018

Piercing - Nicolas Pesce

Título original: Piercing

Año: 2018
Duración: 81 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Nicolas Pesce
Guion: Nicolas Pesce (Novela: Ryû Murakami)
Fotografía: Zack Galler

Reparto: Mia Wasikowska,  Marin Ireland,  Christopher Abbott,  Laia Costa,  Maria Dizzia, Wendell Pierce,  Olivia Bond,  Dakota Lustick

Productora: BorderLine Films / Borderline Presents / Memento Films International / Paradise City / YL Pictures. Distribuida por Universal Pictures

"Piercing" nos presenta a un joven ejecutivo, padre y esposo. Tras despedirse de su familia para lo que, en apariencia, es un viaje de trabajo, descubriremos sus verdaderas intenciones. Estas no son otras que contratar un servicio de scort y acabar con la vida de la prostituta de sangrienta y calculada forma.

Nicolas Pesce, aquel que sorprendiera con la sobria y tenebrosa película "The Eyes of my Mother" da un giro radical a sus formas sin abandonar la macabra oscuridad de su tono narrativo en este proyecto del que también es guionista y que le ha permitido participar en diversos festivales, como Sitges o la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, entre otros.

La responsabilidad del buen funcionamiento de esta obra, prácticamente teatral,  recae en gran manera sobre su pareja protagonista y la bien llevada y bizarra química entre ellos. Christopher Abbott (Llega de Noche) en el papel del ejecutivo asesino sabe dotar de un interesante aura de enfermo misterio a su personaje, aunque quizás Mia Wasikowska (Alicia en el País de las Maravillas) encarnando a la prostituta de personalidad al límite lo eclipsa por lo extremo y potente de su creación.


Pese a lo muy reducido de los escenarios donde se desarrolla la película, es reseñable el buen tratamiento visual con el que Pesce viste a la integridad de su película, con muy medidos detalles que estilizan la producción en gran manera. Igualmente agradables son muchos de los giros de guión que va planteando a lo largo de su breve metraje manteniendo al espectador siempre alerta.

Sin embargo, y pese a todas sus virtudes, la película se queda quizás demasiado pequeña dejando la sensación de que, pese a haber sido agradable, perversamente divertida y creativa, podía haber llegado a ser algo mucho más transgresor, grande y memorable. Pese a ello, y sumando lo logrado con "Piercing" a su anterior trabajo, Nicolas Pesce se erige como un director con voz propia a tener en cuenta y seguir la pista.

Enoch
Valoración:6/10
Trailer:

martes, 11 de diciembre de 2018

The Witch: Part 1. The Subversion - Park Hoon-jung

Título original: The Witch: Part 1. The Subversion

Año: 2018
Duración: 125 min.

País: Corea del Sur
Dirección: Park Hoon-jung
Música: Mowg

Reparto: Choi Woo-sik,  Jo Min-Su,  Da-mi Kim,  Park Hee-soon

Productora: Peppermint, Company

Una niña escapa de las garras de una misteriosa organización, tan herida y traumatizada que será víctima de un trastorno amnésico. Años después, ya adulta, lleva una vida discreta con sus padres adoptivos, pero su participación en un popular concurso de talentos llevará su imagen a todos los rincones.
Esta situación hará que su oscuro pasado regrese poniendo en peligro el presente que tanto le ha costado construir, así como hará descubrir a la joven quien realmente es y de lo que es capaz.

Desde Corea del Sur llega esta película, dirigida por Park Hoon-jung (V.I.P, The Tiger...etc) que se presenta como punto de partida de una saga, pero que lejos de ser una mera introducción, es muy disfrutable, compleja y completa en sí misma.

Uno de los apartados más vistosos y trabajados de esta producción es el visual. Técnicamente bien rodada y sacando el mejor partido de sus imágenes, brilla especialmente en sus secuencias de acción, maravillosamente coreografiadas, un deleite tanto para la adrenalina del espectador, como para su retina.

Su otro punto fuerte reside en la historia que guarda su guión, un laberinto de misterios bien trazados y sabiamente dosificados a lo largo de su extenso metraje, revelando lo que se oculta tras las incógnitas inicialmente planteadas de una forma inteligente que maximiza el interés y entretenimiento de principio a fin.

Nada desdeñable es la buena labor de su elenco de intérpretes, que dotan de gran carisma a sus creaciones, sobre todo la actriz protagonista, que sabe dar forma a un personaje que evoluciona, crece y cambia de forma notable al mismo ritmo que su propia historia.

En conclusión, estamos ante un más que agradable thriller que atrapa con sus misterios, oculta una trama lo suficientemente compleja para estimular el intelecto a la par que entretiene con sus giros y buen ritmo. Interesante.

Enoch
Valoración:7/10
Trailer:

lunes, 10 de diciembre de 2018

Amityville: El Despertar - Franck Khalfoun

Título original: Amityville: The Awakening

Año: 2017
Duración: 85 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Franck Khalfoun
Guion: Franck Khalfoun
Música: Robin Coudert
Fotografía: Steven Poster

Reparto: Bella Thorne,  Cameron Monaghan,  Mckenna Grace,  Jennifer Jason Leigh, Jennifer Morrison,  Taylor Spreitler,  Thomas Mann,  Kurtwood Smith, Hunter Goligoski,  Dan Martino,  Brian Breiter

Productora: Blumhouse Productions / Dimension Films / Miramax

Una familia se traslada a un caserón con la intención de estar más cerca de sus parientes y los servicios médicos que necesitan para el cuidado de uno de sus miembros, un adolescente que se halla en coma.
Pronto comenzarán a sucederse extraños e inexplicables acontecimientos, que se irán ligando a una sobrenatural mejoría en el joven. La oscuridad y la amenaza comenzará a cernirse sobre todos ellos atrapados en lugar legendario y maldito como es la casa de Amityvillle.

Franck Khalfoun escribe y dirige esta película, una secuela más en la lista de films ligados a esta casa icono del terror. "El Despertar" se une, sin demasiadas pretensiones, y con un espíritu de serie B, a sus predecesoras con una historia concreta y aislada, sin deseos de dar grandes giros a la saga.

Destacaremos entre su insulso reparto la presencia de Jennifer Jason Leigh, que sabe presentarse tan dulce como inquietante en la piel de una madre tan volcada en el cuidado de un hijo más allá de toda posibilidad de curación, que su amor puede resultar letal, y la actriz consigue vender ese doble filo de la manera solvente a la que nos tiene acostumbrados.

Llena de guiños cinéfilos a los seguidores de la saga, pero sin aprovechar muchos de los clichés que la han marcado a lo largo de las décadas, la película fluye sin ahorrarse sobresaltos, atmósfera malsana e inquietud, pero, a la par, sin tomar riesgo alguno ni salirse de la norma. Igualmente evita grandes alardes visuales, nutriéndose del ya conocido imaginario colectivo ligado con la casa como elemento de sugestión más allá de lo explícito.

Con todo ello estamos ante una película sencilla, directa y sin mucho misterio. Un producto de digna factura para el lúdico entretenimiento y fácil consumo. Pasable.

Enoch
Valoración:5/10
Trailer:

domingo, 9 de diciembre de 2018

Satanás - The Black Cat - Edgar G. Ulmer

Título original: The Black Cat

Año: 1934
Duración: 65 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Edgar G. Ulmer
Guion: Edgar G. Ulmer, Peter Ruric (Historia: Edgar Allan Poe)
Música: Heinz Roemheld
Fotografía: John J. Mescall (B&W)

Reparto: Boris Karloff,  Bela Lugosi,  David Manners,  Julie Bishop,  Egon Brecher, Harry Cording,  Lucille Lund

Productora: Universal Pictures

Una pareja de recién casados viaja por tierras húngaras durante su luna de miel. Querrá el destino que se vean forzados a compartir su compartimento del tren con un extraño personaje, un doctor de sospechosa actitud. A partir de ese momento se unirán sus caminos y en una noche de oscura tormenta, debido a un trágico accidente, deberán refugiarse en un caserón donde les aguardan funestos misterios.

Edgar G. Ulmer dirigió en 1934 esta interesante adaptación de una historia de Edgar Allan Poe que pone frente a frente a dos titanes del terror de la época, ni más ni menos que Bela Lugosi y Boris Karloff, poderosos titiriteros que moverán los hilos de una inquietante y trabajada historia.

Uno de los factores más llamativos y espectaculares del film, más aún para la época en la que fue realizado, es el estupendo diseño de producción. El diseño de la casa que es ratonera y trampa mortal para sus protagonistas se contrapone diametralmente por su extremo modernismo y arquitectura a los escenarios al que el terror acostumbraba a retratar. Su uso como lugar contenedor del mal en estado puro, el culto y la satánica tradición hace del film algo atemporal y visionario.


Muy acertada es "The Black Cat" en el fluir de us historia. El guión es sabio y va dosificando sus elementos a lo largo de su escaso metraje, despejando misterios, y erigiendo a sus dos notables protagonistas, Karloff y Lugosi como figuras tan similares como antagónicas que como Dios y el Diablo juegan con la vida de los mortales a su antojo.

Con todo ello, tras revisionarla no podemos sino reclamar su rescate del olvido, reivindicar una obra de fondo y forma hipnóticas que atrapan de principio a fin pese al tiempo que nos separa de su rodaje. Recomendable.

Enoch
Valoración:7/10
Trailer:

sábado, 8 de diciembre de 2018

The Field Guide to Evil

Título original: The Field Guide to Evil

Año: 2018
Duración: 117 min.
País: Nueva Zelanda

Dirección: Ashim Ahluwalia,  Can Evrenol,  Severin Fiala,  Veronika Franz,  Katrin Gebbe, Calvin Reeder,  Agnieszka Smoczynska,  Peter Strickland,  Yannis Veslemes

Guion: Elif Domanic, Can Evrenol, Severin Fiala, Veronika Franz
Música: Stefan Will, Nicholas Brawley
Fotografía: Meryem Yavuz, Márk Gyõri, Kuba Kijowski

Reparto: Sarah Navratil,  Claude Duhamel,  Naz Sayiner,  Sureyya Kucuk,  Birgit Minichmayr, Jilon Ghai,  Fatma Mohamed,  Thomas Schubert,  Niharika Singh,  Kannon Hicks, Lili Epply,  Andrzej Konopka,  Károly Hajduk,  Péter Jankovics,  László Konter, Luzia Oppermann,  Marlene Hauser

Productora: EchoWolf Productions / Legion M / Timpson Films

"The Field Guide to Evil" reúne a varios de los más emblemáticos directores y directoras de cine fantástico y de terror de los últimos tiempos. Cada uno de ellos dirigirá un segmento de la película, una historia independiente a la que imprimirán su personal sello. Todas ellas tienen como común denominador explorar la cultura, mitología y folklore de dispares lugares y momentos históricos. Con esta fórmula tratarán así de crear un caleidoscopio de terroríficas perspectivas arraigadas en la tradición multicultural, con el mal como único protagonista compartido.

Tal y como suele suceder con este tipo de películas de episodios sin relación entre ellos más allá de la concatenación de cortometrajes de similar temática, nos encontraremos con unos resultados más que diversos.

Al tener tras las cámaras a un elenco de cineastas de caracteres tan dispares y de tanto carisma cinematográfico, resulta inevitable conectar mucho más con el lenguaje narrativo de unos que de otros, siempre en función del espectador y sus gustos. Más aún difiriendo tanto el tono del relato, la puesta en escena, que aquí encontraremos engalanada de recreación histórica, emulación de cine clásico, o incluso teatral, dependiendo del segmento.

Particularmente nos gustaría subrayar el buen hacer de los dos primeros episodios, el primero de ellos, cocido a fuego lento por Veronika Franz y Severin Fiala (Goodnight Mommy), en un misterioso estudio sobre el pecado en otros tiempos, y el segundo, dirigido por Can Evrenol (Baskin, Housewife) tan breve, conciso, y centrado en el terrorífico poder del mal, que es el que más se graba a fuego en la memoria cinéfila. Lástima que los que les siguen no alcancen la misma calidad, dejando así un sabor de boca agridulce y la sensación de que la película ha ido de más a menos.

Esta guía sobre el mal queda así como una propuesta tan exótica como curiosa, para disfrutar y sufrir a tramos, irregular, pero interesante en su planteamiento.

Valoración:5/10
Trailer:

viernes, 7 de diciembre de 2018

Monstrum - Huh Jong-Ho

Título original: Mul-goe

Año: 2018
Duración: 105 min.

País: Corea del Sur
Dirección: Huh Jong-Ho
Música: Mowg

Reparto: Choi Woo-sik,  Kim In-Kwon,  Kim Myeong-min,  Lee Hyeri,  Lee Kyung Young, Park Hee-Soon,  Seong-Woong Park

Productora: Taewon Entertainment. Distribuida por AMC

Corre el siglo XVI en Corea, tiempos de sufrimiento se ciernen sobre el pueblo, bajo el yugo de un gobierno ajeno a sus problemas y, a la par, amenazados por la presencia de una criatura monstruosa devoradora de seres humanos.
Ante tal extrema situación, varios grupos de guerreros se unirán, pese a pertenecer a distintas ideologías, para dar caza a la mitológica criatura. Su búsqueda, y las batallas de desatará, sacarán a la superficie no sólo lo mejor y lo peor de cada guerrero, sino misterios ocultos arraigados en la historia de un reino lleno de secretos.

Hung Jong-Ho dirige esta monster movie histórica que con su curioso planteamiento le ha abierto la puerta a participar en numerosos festivales de género, como Sitges o la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián con una aceptable acogida.

La película, como tantas otras realizadas en Corea del Sur, cumple las expectativas en cuanto a su vertiente visual, regalándonos una vez más un producto con una excelente labor de vestuario, fotografía y dirección artística. La recreación histórica y a la fantasía se dan la mano, y las imágenes que lo retratan son un regalo para la retina.

Los intérpretes, por su parte, saldan de forma solvente su labor, con la difícil tarea de mezclar le épica necesaria de sus heroicidades con un tono latente de humor que se va filtrando a lo largo de todo el metraje.

Es quizás el guión de "Monstrum" su punto más flaco, a nuestro entender. La citada mezcla de drama y humor se siente un tanto forzada, y el ritmo y pulso con el que desarrolla la obra se se antoja irregular, hilando tramos de máximo entretenimiento con otros que poco aportan si no lastran el caminar de la historia.

Con todo ello estamos ante una película agradable, bien realizada en lo visual y discreta en lo narrativo, para pasar un rato de evasión y entretenimiento. Aceptable.

Enoch
Valoración:6/10
Trailer:

jueves, 6 de diciembre de 2018

He's Out There - Quinn Lasher

Título original :He's Out There

Año: 2018
Duración: 89 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Quinn Lasher
Guion: Mike Scannell
Música: Nathan Whitehead
Fotografía: Ed Wild

Reparto: Yvonne Strahovski,  Justin Bruening,  Abigail Pniowsky,  Julian Bailey,  Anna Pniowsky, Ryan McDonald,  Stephanie Costa

Productora: Screen Gems / Unbroken Pictures

Una familia se dirige a pasar sus vacaciones a la casa familiar junto al lago, en un paraje tranquilo y aislado.
Esperan pasar unos días pacíficos lejos del mundanal ruido, descansar y relajarse, pero nada más lejos de la realidad.
En el lugar les aguarda una oscura presencia, un asesino dispuesto a reclamar el lugar como propio y borrar su presencia del la faz de la Tierra de la manera más sangrienta posible.

Quinn Lasher dirige esta película llena de lugares comunes, un film que bebe del slasher y home invasion para tratar de hacer pasar un mal rato a su adiencia. Clausura de la 29 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, despertó las iras del respetable por su discutible calidad y nula aportación al género.

Uno de los pilares de todo film, el guion, aquí obra de Mike Scannell, se tambalea por los cuatro costados. Una historia mal planteada, mal desarrollada y cerrada, con enormes agujeros faltos de necesaria explicación y más de una situación absurda en sus escenas, logra hacer caer al film y no enganchar a una audiencia cuyo interés jamás conecta con la cinta.

Técnicamente el film tampoco resulta lucido. El trabajo de fotografía del mismo es extraño, con un abanico cromático que desubica al espectador y no se aprovecha en absoluto para dar más poderío a la amenaza del asesino o sacar mejor partido al estupendo lugar donde se desarrollan los hechos.

Yvonne Strahovski, al frente del reparto, es lo único que nos parece aceptable dentro de esta propuesta cinematográfica. La actriz, por muchos conocida por su gran labor en la serie "El Cuento de la Criada" se torna aquí digna scream queen, lástima que el producto no esté a la altura de su buen hacer.

En conclusión, una película fallida, mal contada y realizada que no despierta interés, no logra entretener, innovar ni convencer en modo alguno. A evitar.

Enoch
Valoración:3/10
Trailer:

miércoles, 5 de diciembre de 2018

Heartstone, Corazones de Piedra - Guðmundur Arnar Guðmundsson

Título original: Hjartasteinn (Heartstone) 

Año: 2016
Duración: 129 min.
País: Islandia

Dirección: Guðmundur Arnar Guðmundsson
Guion: Guðmundur Arnar Guðmundsson
Música: Kristian Eidnes Andersen
Fotografía: Sturla Brandth Grøvlen

Reparto: Baldur Einarsson,  Blær Hinriksson,  Arnar Jónsson,  Søren Malling, Nína Dögg Filippusdóttir,  Sveinn Ólafur Gunnarsson,  Nanna Kristín Magnúsdóttir, Diljá Valsdóttir,  Katla Njálsdóttir,  Daniel Hans Erlendsson,  Gunnar Jónsson, Jónína Þórdís Karlsdóttir

Productora: Join Motion Pictures / SF Studios

"Heartstone" nos lleva a un área rural islandesa, donde entraremos en la íntima relación de dos amigos adolescentes. Con ellos descubriremos el estilo de vida del lugar, sus relaciones familiares y con otros jóvenes del área. Pero, sobre todo, nos sumergiremos en la amistad entre ambos, un lazo difuso que flirtea con el amor y el deseo. La vida es dura y una lucha en tierras agrestes, y para ambos ha llegado el momento de descubrir la sexualidad, la responsabilidad y el salto al vacío que representa cruzar la puerta hacia la edad adulta.

Guðmundur Arnar Guðmundsson escribe y dirige esta película, tan personal como universal, que representa su puesta de largo tras una carrera como cortometrajista. La indiscutible calidad de su film disparó su carrera por innumerables festivales donde recogió un nutrido grupo de merecidos galardones.


La inevitable primera parada de nuestro análisis es el aspecto visual de la película. Como suele ocurrir con las cintas llegadas de Islandia, el paisaje cobra un protagonismo inusual, y se erige como un personaje más, catalizador de las emociones de aquellos que lo habitan. En este caso, la impecable fotografía lo embellece aún más, subrayando su inmensidad (a la par que empequeñece y enfatiza la soledad de los personajes) y amenazante hermosura. Pero el buen hacer se extiende más allá de los retratos de postal, colándose en un cuidado trato de la imagen en interiores, donde mimados detalles hacen de los planos más íntimos verdadera delicia.

Atendiendo al trabajo interpretativo, todo el elenco se encuentra perfectamente en su lugar, creando una galería de personajes tan extremos como verosímiles, tan rotos como esperanzados. Nos gustaría remarcar entre ellos, la labor de Blær Hinriksson, el actor que encarna a Christian, la mitad de la pareja protagonista. Quizás sea más silencioso, más sutil, pero la emoción de su mirada y el valor que confiere a cada uno de sus gestos le imprimen una pasión y verdad que logra conmover.

La última, pero no menos importante, parada de nuestro análisis, recala en el guión firmado por el propio director, un trabajo que encontramos sobresaliente. Lo que puede parecer una historia sencilla, simple y conocida, se desgrana aquí en tantas capas y con tantas lecturas, que su riqueza hace que su extenso metraje esté más que justificado. De lo explícito a lo metafórico,  de la sonrisa al doloroso desgarro, siempre hilando desde el detalle lejos de la grandilocuencia y desde la intimidad personal llena de verdad, sus páginas deslumbran dibujando vidas, personajes y emociones que traspasan la pantalla. Sabio es su relato en la sutileza, logrando que un pequeño gesto, una robada caricia, tenga más potencia, pasión y significado de lo que el cine suele expresar.

En conclusión, estamos ante una película tan bella como dolorosa, tan deslumbrantemente rodada como bien escrita e interpretada, un canto al triunfo del ser humano al madurar, un llanto por la infancia e inocencia perdidas. Una joya que llega de tierras gélidas que consigue encender el fuego de las emociones.

Enoch
Valoración:8/10
Trailer:


martes, 4 de diciembre de 2018

Verano del 84 - Anouk Whissel, François Simard y Yoann-Karl Whissell

Título original: Summer of 84

Año: 2018
Duración: 105 min.
País: Canadá

Dirección: Anouk Whissell,  François Simard,  Yoann-Karl Whissell
Guion: Matt Leslie, Stephen J. Smith
Música: Le Matos
Fotografía: Jean-Philippe Bernier

Reparto: Graham Verchere,  Judah Lewis,  Caleb Emery,  Cory Gruter-Andrew,  Tiera Skovbye, Rich Sommer

Productora: Brightlight Pictures / Gunpowder, Sky

Corre el verano de 1984, tiempo el el que un grupo de amigos adolescentes, despreocupados, disfrutan de su tiempo libre, juegos, imaginación e inocencia. Sin embargo, la aparición de un asesino en serie despierta sus alarmas, y uno de ellos comienza a sospechar de que un vecino, policía, puede estar tras los crímenes. La pandilla se embarcará entonces en una peligrosa aventura para desenmascarar la verdad tras los funestos acontecimientos.

Los responsables de la exitosa "Turbo Kid" vuelven a abrir el cajón de la nostalgia para dar vida a una cinta que nos retrotraiga en el tiempo y devuelva al presente un modo de vivir (y hacer cine) ya perdido.



La película, que pretende retomar un estilo narrativo cercano a lo que fueron "Los Goonies", y recubrirlo de un envoltorio quizás más oscuro, tiene sus pros y sus contras...

A su favor juega la buena ambientación y la galería de nostálgicos guiños que nos regala. Igualmente acertada es su historia y los inesperados giros finales de la misma.
En su contra, sin embargo, pesa la sobresaturación de este tipo de cine "retro" en los últimos tiempos y que su propuesta no destaca sobre el resto, como sí lo hizo su más arriesgada predecesora. Mejorable resulta también la labor interpretativa de su elenco protagonista, que es correcto pero no logra la empatía suficiente para crear tensión alguna entre el público sobre su destino.

Con todo ello estamos ante una propuesta, que si bien no es mala y es moderadamente disfrutable, se erige como una cierta decepción ante lo que pudo ser y no fue. Entretiene, pero comienza a olvidarse tan pronto como se abandona la sala, una pena.

Enoch
Valoración:5/10
Trailer:

lunes, 3 de diciembre de 2018

Blind Spot - Tuva Novotny

Título original: Blindsone

Año: 2018
Duración: 98 min.
País: Noruega

Dirección: Tuva Novotny
Guion: Tuva Novotny
Fotografía: Jonas Alarik

Reparto: Anders Baasmo Christiansen,  Pia Tjelta,  Oddgeir Thune,  Per Frisch, Nora Mathea Øien,  Carl Munck,  Teodor Barsnes-Simonsen,  Marianne Krogh, Hilde Linseth Stømer,  Ellen Heyerdahl

Productora: Nordisk Film Production AS

"Blindsone" nos acerca primero a la figura de una adolescente para luego introducirnos en la intimidad de su hogar y su familia. Todo parece terriblemente normal y sosegado hasta que el suicidio hace su aparición lanzando a todos los personajes por una pendiente de desesperación. El torrente de emociones y el dolor desgarrado se desata ante lo inexplicable.

Tuva Novotny debuta en la dirección adaptando un guión propio para dar vida a esta atípica e impactante película que provoca reacciones encontradas entre el público y la crítica, polarizando opiniones. Su participación en el 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián no fue una excepción, pero la rendición fue unánime ante el buen hacer de su actriz protagonista, Pia Tjelta, que se alzó con el galardón a la mejor interpretación.

Uno de los ingredientes más potentes y arriesgados de la cinta es la forma en la que está rodada. "Blind Spot" se presenta como un continuado plano secuencia de principio a fin de su metraje. Esta opción no sólo rubrica un gran buen hacer en su pulso narrativo y visual, sino que consigue una inmersión emocional en lo contado rara vez vista, al vivir la tragedia en absoluta primera persona y tiempo real.

La temática tratada es otro de sus grandes aciertos. La película trata de dar visibilidad ese área de la medicina llena de "puntos ciegos", como es el que atañe a las enfermedades mentales, y sobre todo aquellos trastornos que pueden llevar a intentar terminar con la propia vida. Su acercamiento al tema es natural y verosímil, de tal forma que la empatía del espectador con los protagonistas y su forma de vivir la situación, es automática.

Todo su elenco está correcto, pero reverencia merece el titánico trabajo de su actriz protagonista. Su labor es un auténtico tour de force de agonía y desgarro, un viaje emocional a la rabia, desesperación, incomprensión e impotencia ante una cadena de acontecimientos que escapan a su control y amenazan con destrozarla por completo. Pia Tjelta se come la pantalla y hace nuestro su dolor de una forma impresionante.

Por supuesto las formas de este film pueden provocar rechazo en gran parte de la audiencia, por su ritmo que a tramos puede hacerse tedioso, por lo explícito del desgarro emocional, por las interrogantes sin respuesta que un caso como el narrado presenta...etc. Todo ello hace de Blind Spot una película en absoluto fácil, pero para quien aquí escribe, un absoluto acierto, arriesgado y valiente, cine que es bofetada y que se queda en el recuerdo.

Valoración:7/10
Trailer:

domingo, 2 de diciembre de 2018

El Doble Asesinato en la Calle Morgue - Robert Florey

Título original: Murders in the Rue Morgue

Año: 1932
Duración: 61 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Robert Florey
Guion: John Huston, Tom Reed, Dale Van Every, Robert Florey (Relato: Edgar Allan Poe)
Fotografía: Karl Freund

Reparto: Bela Lugosi,  Sidney Fox,  Leon Ames,  Bert Roach,  Arlene Francis,  Noble Johnson, Brandon Hurst,  Herman Bing

Productora: Universal Pictures

El Doctor Mirakle desea por todos los medios demostrar las teorías de la evolución del mono al hombre. Para ello lleva a cabo descabellados experimentos en los que inyecta sangre de gorila a jóvenes damas que secuestra de las calles de París, todos ellos con fatídico resultado. Querrá el azar que una joven pareja entre en contacto con el científico, poniéndose así en peligro y quedando el destino de todos ellos inexorablemente unido.

Robert Florey se inspira en un relato de Edgar Allan Poe para dar vida a esta inmortal película de 1932 que nos sumerge en un París decadente y nebuloso, tras cuyos oscuros recovecos palpitan amenazas de muerte y locura.

Sobre todas las cosas, es más que remarcable el trabajo del siempre peculiar Bela Lugosi encarnando al villano, un doctor más allá de la razón y la moral dispuesto a todo, tan bizarro como seductor. Todo el film parece girar en torno a su creación que todo lo emponzoña.

Más allá del abismo temporal que nos separa del rodaje de esta cinta de poco más de una hora de duración, si conseguimos retrotraernos a otros tiempos, disfrutaremos enormemente de su gran uso de los escenarios en que se desarrolla la acción y lo bien recreados que se hallan. La feria, los amenazantes morgue y laboratorio, e incluso los exteriores, están cuidados al detalle para que la atmósfera del relato sea notablemente efectiva.

Un interesante viaje al pasado más remoto del cine de terror, bien pensado, interpretado y ejecutado, del que muchas de sus descendientes han bebido. Interesante, más formal que argumentalmente.

Enoch
Valoración:6/10
Trailer:

sábado, 1 de diciembre de 2018

High Life - Claire Denis

Título original: High Life

Año: 2018
Duración: 110 min.
País: Francia

Dirección: Claire Denis
Guion: Claire Denis, Jean-Pol Fargeau, Geoff Cox
Música: Stuart Staples, Tindersticks
Fotografía: Yorick Le Saux, Tomasz Naumiuk

Reparto: Robert Pattinson,  Juliette Binoche,  Mia Goth,  André Benjamin,  Lars Eidinger, Agata Buzek,  Claire Tran,  Ewan Mitchell,  Gloria Obianyo,  Victor Banerjee

Productora: Coproducción Francia-Alemania-Reino Unido-Polonia-Estados Unidos; Alcatraz Film / Pandora Film / Andrew Lauren Productions (ALP) / Apocalypse Films Company / Madants / Canal+ / arte France Cinéma / BFI Film Fund

High Life nos lleva a la soledad y aislamiento más  extremos, a lo más profundo del espacio. Allí, en una nave solitaria, conviven una serie de personas, presidiarios sacados del corredor de la muerte para ser recluidos en esta nueva cárcel. Serán ello conejillos de indias para una serie de experimentos.
El entorno y su tipo de vida pondrán a prueba su capacidad de convivencia, y, sobre todo, su capacidad de supervivencia en una existencia que a diario pone a prueba su cordura.

Claire Denis salta al vacío con esta arriesgadísima propuesta que desde la ciencia ficción se introduce en el lado más oscuro del ser humano. Su trabajo le ha permitido participar en numerosos festivales,  levantando controversia a su paso, y logrando el éxito a su paso por la 66 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde obtuvo el premio Fipresci.


Visualmente estamos ante una película claustrofóbica y asfixiante. que enfrentando sus agobiantes escenarios a la inmensidad del espacio, ahoga a sus protagonistas y público. Sorprende el estilo "low cost" de sus recursos escenográficos (factor que ha muchos ha incomodado), una curiosa elección, pero que lejos de sacarnos de la historia, la dota de una cierta teatralidad que no hace sino subrayar que lo importante no es su vertiente más fantasiosa, sino la parte más humana de su relato.

Inesperado hemos encontrado el buen trabajo realizado por su protagonista, un Robert Pattinson inusualmente inspirado que crea un personaje con una notable evolución y amplio abanico de emociones. Junto a él, destacaremos a una brillante Juliette Binoche, que borda un rol turbio y malsano, regalándonos varias escenas para el recuerdo.

El último factor que rubrica el buen hacer de la cinta, y su valentía, es el guión en que se asienta. Su pausado ritmo y desarrollo hace que este plato de sórdida incomodidad se cocine a fuego lento, pero cargado de interesantes sabores ponzoñosos que sumergen a la audiencia de pleno en su potente y extraña historia

Con todo ello estamos ante un producto no apto para todos los gustos, que ofrece en su riesgo algo distinto por lo que dejarse llevar, con lo que ir más allá de la superficie y analizar. Muy interesante.

Valoración:7/10
Trailer:

viernes, 30 de noviembre de 2018

The Third Wife - Ash Mayfair

Título original: The Third Wife

Año: 2018
Duración: 96 min.
País: Vietnam

Dirección: Ashleigh Mayfair
Guion: Ashleigh Mayfair
Música: An Ton That
Fotografía: Chananun Chotrungroj

Reparto: Tran Nu Yên-Khê,  Mai Thu Hường,  Nguyễn Phương Trà My,  Nhu Quynh Nguyen

Productora: An Nam Productions

Una niña de catorce años se traslada al hogar de un terrateniente debido a un matrimonio concertado con el mismo. Del juego y la despreocupación propia de su edad pasará a vincularse a las obligaciones propias de su nuevo status, el de tercera esposa. Deberá así aprender a convivir con los otros miembros de la familia y utilizar sus armas para labrarse un sitio empoderado dentro de la misma.

Ashleigh Mayfair escribe y dirige esta escabrosa pero delicada película que le hizo alzarse con el premio al mejor film asiático en el Festival de Toronto y el galardón "TVE Otra Mirada" en la 66 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián donde participó en el marco de la sección Nuev@s Director@s.


Muchas son las virtudes de esta cinta. Comenzaremos por subrayar su poderío visual, aderezado por una gran y naturalista fotografía de Chananun Chotrungroj, que cubre tanto de belleza a los parajes en que se desarrolla, como de sensualidad a sus escenas más íntimas. Un estupendo uso de los espacios y de la dirección artísticas terminan de dar calidad artística a la factura estética de esta película, sumergiéndonos del todo en la remota y ajena cultura con un filtro de hermosura pese a no apartar la mirada de los factores más duros de su relato.

Necesario para el buen funcionamiento de la propuesta es el buen hacer de su elenco, sobre todo de aquellas que forman el triunvirato de esposas, núcleo argumental, y todas ellas brillan con la sutileza y minimalismo de sus creaciones, transmitiendo a la audiencia un tan contenido como desgarrado abanico de emociones.


Finalmente, Ash Mayfair consigue lo más complejo de su trabajo hilando con inteligencia fondo y forma, creando una historia contada con calma pero si pausa, sin juicios de valor, pero desde la mirada de una niñez rota. Un gran trabajo de guión que con poética cadencia y sin estridencia logra transmitir su mensaje.

Una pequeña joya llegada desde Vietnam que merece visionado y análisis, cine necesario tan disfrutable para el entretenimiento como interesante para el debate.

Valoración:7/10
Trailer:

jueves, 29 de noviembre de 2018

Viaje a Nara - Vision - Naomi Kawase

Título original: Vision

Año: 2018
Duración: 109 min.
País: Japón

Dirección: Naomi Kawase
Guion: Naomi Kawase


Reparto: Juliette Binoche,  Masatoshi Nagase,  Mari Natsuki

Productora: Coproducción Japón-Francia; Kumie / Slot Machine

Una escritora viaja al corazón de Japón. Su camino le llevará a la región de Nara, donde investigará sobre Visión, una planta de místicas propiedades. Pero querrá el destino que sus pesquisas enreden sus emociones, no sólo con el lugareño que la acogerá, sino con el corazón mismo del lugar que le susurra desde cada árbol, cada planta, cada ser vivo del mágico mundo de la naturaleza.

Naomi Kawase (Una Pastelería en Tokio, Aguas Tranquilas...etc) escribe y dirige esta extraña e hipnótica propuesta con la que regresó al Festival Internacional de Cine de San Sebastián a la sección competitiva de su 66 Edición, dejando a público y crítica descolocados con su propuesta.

Curiosa y de agradecer es la presencia de la siempre magnética e interesante Juliette Binoche al frente del reparto (secundada por un agradable Masatoshi Nagase), aunque este papel no lo hallamos destacable frente a otros roles que nos ha regalado la actriz, pues a tramos su interpretación parece tan desubicada como lo está el público ante el despliegue de reflexiones inconexas y metafísicas.

Ahí se encuentra el punto más débil del film, pues se suma a un ritmo y cadencia poéticas, que puede llegar a exasperar al público por su lentitud, una narrativa extraña, desorganizada, que superpone ideas, líneas temporales y pensamientos etéreos y ecologistas en un caótico caleidoscopio cuya imagen resultante es, cuanto menos, confusa.

A su favor juega la vertiente más visual de la cinta. Kawase demuestra su maestría en el juego de imágenes y saca el máximo partido a los espacios naturales, cubriéndolos de un manto de pura magia sobrenatural que seduce a los sentidos. Es ahí, cuando dejamos de tratar de entender algo y nos dejamos llevar por la poesía de las imágenes, cuando podremos conectar con Vision y comenzar a disfrutarla.

Un experimento peculiar que no termina de funcionar del todo, atrevido en sus formas de pura belleza, pero tambaleante en su estructura interna. Curiosa pero imperfecta.

Valoración:5/10
Trailer:

miércoles, 28 de noviembre de 2018

Roma - Alfonso Cuarón

Título original: Roma

Año: 2018
Duración: 135 min.
País: México

Dirección: Alfonso Cuarón
Guion: Alfonso Cuarón
Fotografía: Alfonso Cuarón, Galo Olivares (B&W)

Reparto: Yalitza Aparicio,  Marina de Tavira,  Marco Graf,  Daniela Demesa,  Latin Lover, Enoc Leaño,  Clementina Guadarrama

Productora: Coproducción México-Estados Unidos; Participant Media / Esperanto Filmoj. Distribuida por Netflix

Corren los inicios de la década de los setenta, la película nos lleva a Roma, un barrio de clase media de Ciudad de México. Allí seguiremos el devenir de la existencia de Cleo, una sirvienta doméstica cuya existencia está dedicada a la gran familia a la que sirve. Su día a día será la excusa para conocer la realidad social y política de una época, pero también será sentido homenaje del director a las mujeres que dieron forma a su infancia erigiéndose como oda al recuerdo.

Alfonso Cuarón da un giro a su estilo cinematográfico para regalarnos un relato tan íntimo como épico, cine tan mínimo como grandioso en una película que le ha reportado innumerables reconocimientos y galardones, entre los que destacaremos el León de Oro conseguido en el Festival de Venecia y su aplaudido posterior paso por la sección de Perlas del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.


Cuarón viste el recuerdo de blanco y negro, subrayando no sólo la nostalgia, sino también los claroscuros de una época y las emociones de unos atesorados recuerdos como son aquellos que pertenecen a la infancia, la familia, y aquellos que esculpieron su carácter y forma de mirar la vida... y el cine.

"Roma" es una película de detalles, una experiencia voyeur que nos sumerge de pleno en un núcleo familiar cargado de mil recovecos y pequeñas historias y sentimientos, diarias aventuras, ilusiones y desengaños. Para ello la perspectiva de su cámara y su fluir es notablemente sabia, el buen hacer de su elenco llena la pantalla de realismo, y el potente uso del sonido se hace latir de emoción e inmersión en su microcosmos.

Un gran acierto de la película es hilar lo íntimo de la historia de Cleo y la familia con los convulsos acontecimientos sociales y políticos acontecidos a su alrededor, dotando así de ritmo a su quizás demasiado dilatado metraje (que puede espantar a un amplio sector del público), y haciendo que lo mínimo, lo íntimo y personal encaje en un marco aún mayor.  Esta dicotomía la encontramos también en la mezcla de tramos contemplativos, serenos y calmos, enfrentados a otros frenéticos o de pura tensión (como la imborrable y espectacular escena de la playa, puro cine).

En conclusión, estamos ante un proyecto atípico, tan aparentemente pequeño en su propuesta como grande es su resultado. Una película que puede pecar de demasiado extensa y agotadora a tramos, pero que en su conjunto, funciona.

Valoración:7/10
Trailer:



martes, 27 de noviembre de 2018

Cafarnaúm - Nadine Labaki

Título original: Capharnaüm - Capernaum

Año: 2018
Duración: 120 min.
País: Líbano

Dirección: Nadine Labaki
Guion: Nadine Labaki (Historia: Labaki Jihad Hojeily)
Música: Khaled Mouzanar
Fotografía: Christopher Aoun

Reparto: Zain Al Rafeea,  Yordanos Shiferaw,  Boluwatife Treasure Bankole, Kawthar Al Haddad,  Fadi Kamel Youssef,  Cedra Izam,  Alaa Chouchnieh, Nadine Labaki,  Nour el Husseini,  Elias Khoury

Productora: Les Films des Tournelles

Un niño de 12 años llevará a sus padres a los tribunales, demandándolos por haberle dado la vida. A partir de ese punto conoceremos su historia de lucha y miseria, su triste existencia entre sus muchos hermanos, la pelea por salvar de la desgracia a una de ellas y su batalla por salir adelante en un mundo que no le tiene reservada oportunidad alguna.

Nadine Labaki (Caramel, ¿Y ahora adónde vamos?) escribe y dirige esta durísima película que le valió el Premio del Jurado en el Festival de Cannes y su participación en la sección de Perlas en la 66 Edición del Festival de Cine de San Sebastián donde estuvo cerca de volver a alzarse con el premio del público.

Labaki, como es habitual en su cine, nos acerca a las minorías invisibles, da voz al mísero y rechazado. Sin embargo, si bien sus anteriores trabajos se caracterizaban por una latente esperanza y subyacente sonrisa, ahora en Cafarnaúm nos ofrece la otra cara de la moneda, la absoluta tristeza de quienes se saben condenados desde el momento en que acceden al mundo por la puerta de pobreza.

La película nos sumerge, de forma directa y sin tapujo alguno, en los suburbios más míseros y las vidas más descastadas. No aparta la mirada de la absoluta indefensión de la infancia que habita en este entorno y la impune crueldad que se ejerce hacia ella. Este recurso ha levantado en su audiencia voces contrapuestas, quien aplaude la visibilidad que aporta y quien critica su opción como pornografía efectista de la miseria.

A favor del trabajo de Labaki juega una clara mejora en su cinematografía, más sofisticada que en propuestas anteriores, a la par que una gran labor de dirección de actores no profesionales que consigue que brillen por su autenticidad. Muchos de sus recursos narrativos dramáticos dan en la diana, mientras que otros se sienten un poco forzados y sobrecargados de trucos.

Con todos estos factores contrapuestos concluímos que estamos ante una película polémica, que si bien tiene buen hacer en su cine, resulta excesiva y peca de ser demasiado manipuladora en su fondo y formas.

Valoración:6/10
Trailer:

lunes, 26 de noviembre de 2018

In Fabric - Peter Strickland

Título original: In Fabric

Año: 2018
Duración: 118 min.
País: Reino Unido

Dirección: Peter Strickland
Guion: Peter Strickland
Fotografía: Ari Wegner

Reparto: Gwendoline Christie,  Sidse Babett Knudsen,  Marianne Jean-Baptiste,  Caroline Catz, Julian Barratt,  Hayley Squires,  Leo Bill,  Richard Bremmer,  Steve Oram, Susanna Cappellaro,  Sara Dee,  Eugenia Caruso,  Jaygann Ayeh,  Pano Masti, Terry Bird,  Simon Manyonda,  Derek Barr,  Fatma Mohamed,  Barry Adamson

Productora: Rook Films

Las rebajas de unos muy peculiares grandes almacenes ingleses atraen a las masas. Dentro de sus afamadas ofertas una prenda llama la atención, un elegante vestido rojo que parece susurrar desde sus pliegues un nuevo cuerpo, una nueva alma, a los que cubrir... y destruir. Un lugar maldito poblado de una galería de dependientas extrañas, un objeto embrujado que hará la vida de sus propietarios un infierno de dolor y destrucción nos abren la puerta al universo "In Fabric"

Peter Strickland (Katalin Varga, Berberian Sound Studio) escribe y dirige esta bizarra propuesta inclasificable que por su impacto y buen hacer le ha permitido participar en festivales como Sitges o la sección competitiva del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde despertó amores y odios en igual medida.


Desde los iniciales títulos de crédito, que son ya una declaración de intenciones, sabremos que nos hallamos ante una película fuera de la norma. Su estilo visual, heredero directo del giallo, saturará nuestros sentidos con una imaginería colorista y un tenebroso abanico de puestas en escena e interpretaciones de onírica pesadilla.

Narrativamente, "In Fabric" se estructurará en dos partes diferenciadas, dos historias independientes pero ligadas por el fluir de la tela del vestido protagonista, roja, hecha una con la sangre y el dolor de quienes se aventuran en su suavidad. Su lenguaje, por su parte, es un cocktail de puro terror con el más ácido humor británico, una mezcla tan extraña como eficaz, que subraya el latir de surreal sueño febril que es "In fabric"

Sin duda estamos ante una apuesta arriesgada y distinta, un soplo de aire tóxico cinematográfico que envenena e hipnotiza, haciendo de su visionado un disfrute si se es capaz de conectar y dejarse llevar con su extraño latir.

Valoración:7/10
Clip:

domingo, 25 de noviembre de 2018

Beautiful Boy - Felix Van Groeningen

Título original: Beautiful Boy

Año: 2018
Duración: 111 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Felix Van Groeningen
Guion: Luke Davies, Felix Van Groeningen (Memorias: David Sheff, Nic Sheff)
Fotografía: Ruben Impens

Reparto: Steve Carell,  Timothée Chalamet,  Maura Tierney,  Amy Ryan,  Christian Convery, Kaitlyn Dever,  Oakley Bull,  Amy Forsyth,  Stefanie Scott,  Julian Works, Jack Dylan Grazer,  Kue Lawrence,  Marypat Farrell,  Mandeiya Flory

Productora: Big Indie Pictures / Plan B Entertainment / Starbucks Entertainment / Amazon Studios

"Beautiful Boy" nos narra el descenso a los infiernos de un joven atrapado en la adicción a las drogas, sus caídas, sus intentos de rehabilitación... A la par, nos cuenta el impacto que este destructivo viaje tiene sobre su familia, cómo, en un caso de estas características, no sólo arrastra al enfermo, sino a todos aquellos que le rodean y quieren.

Felix Van Groeningen dirige esta cinta que, adaptando una biografía concreta, trata de mostrar un relato universal sobre un problema tan serio como la drogadicción. El buen hacer de sus protagonistas le abrió la puerta a la sección competitiva del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián donde pasó sin pena ni gloria, dejando una cierta sensación de decepción frente a expectativas en público y crítica.


La película, aunque potente en sus ideas, no consigue atrapar a la audiencia en sus emociones. Quizás este "no entrar en la historia" se produce por una estructura narrativa reiterativa y sin apenas crescendo emocional, repite en bucle la misma estructura rellena de clichés y recursos manidos que da un aspecto un tanto impostado a un tema que a priori debía ser de automática empatía e inmersión. Su lenguaje parece adecuarse más a una campaña televisiva anti drogas que a una propuesta cinematográfica, y ahí reside su mayor debilidad.

Capítulo aparte merece la labor de sus dos protagonistas, Steve Carell y  Timothée Chalamet. Ambos intérpretes son lo más salvable de la cinta. Carell es un digno padre sufridor e impotente ante los hechos, Chalamet encarna con algún que otro momento brillante al joven destruido por la adicción... correctos trabajos que se ven limitados por los fallos de la obra y que bien podían haber trascendido más bajo un guión que les permitiera un desarrollo más completo y contundente.

En conclusión, "Beautiful Boy" prometía gran cine y resulta un panfleto que si bien se consume con facilidad, no tiene el impacto emocional que necesitaría para que verdaderamente su mensaje trascienda. Decepción.

Valoración:4/10
Trailer:

sábado, 24 de noviembre de 2018

La Espía Roja - Trevor Nunn

Título original: Red Joan

Año: 2018
Duración: 105 min.
País: Reino Unido

Dirección: Trevor Nunn
Guion: Lindsay Shapero
Fotografía: Zac Nicholson

Reparto: Judi Dench,  Sophie Cookson,  Tom Hughes,  Tereza Srbova,  Kevin Fuller, Laurence Spellman,  Robin Soans,  Simon Ludders,  Steven Hillman,  Phill Langhorne, Adrian Wheeler,  Ciarán Owens,  Irfan Shamji,  Stephen Samson

Productora: Trademark Films. Distribuida por Lionsgate 

Joan es una anciana de pacífica existencia cuya vida se pondrá del revés cuando es arrestada por haber traicionado a su país ejecutando labores de espionaje durante su juventud. Esta acusación nos llevará a revivir los hechos, la época universitaria de Joan, cuando, por azares del destino, se cruzó en el camino de un grupo de comunistas con los que estableció estrechas relaciones afectivas. Sus nuevos amores y amistades le descubrieron un nuevo mundo ideológico, inmersa en el cual tuvo que decidir sus lealtades entre su patria y aquellos a los que amaba.

Trevor Nunn (Noche de Reyes, Lady Jane) se pone tras las cámaras para dirigir este drama inspirado en hechos y personajes reales capitaneado por la siempre estupenda Judi Dench encarnando a La Espía Roja que da título al film. Gracias a ella y al Premio Donostia que le fue otorgado durante la 66 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, la película pudo verse en este marco privilegiado.

El guión de Lindsay Shapero, que nos narrará la historia de Joan viajando entre el presente y su juventud, se estructura de forma sencilla y asequible para cualquier tipo de público. No obstante, el peso que otorga a las relaciones de la supuesta espía copa demasiada atención, dejando el factor político en un plano demasiado lejano, haciendo así perder contundencia a la propuesta.

Técnicamente la película es intachable, con una estupenda labor de ambientación, con una dirección artística y vestuario que hacen del viaje al pasado algo verosímil y bien llevado. En cuando a su elenco, el desempeño general es correcto, aunque sin gran brillo para tan apasionados caracteres como pretende mostrarnos. Es ella, la gran Judi Dench, quien otorga más vida a la cinta, recuperando toda la atención y emoción cada vez que reaparece en pantalla, aunque sus intervenciones sean más cortas de lo deseado.

En conclusión, estamos ante un film menor (pese al gran director y gran actriz que posee en su haber), de fácil consumo e inmediato olvido, con buenos ingredientes, pero escasamente aprovechados. Tan pasable como poco memorable.

Valoración:5/10
Clip:

viernes, 23 de noviembre de 2018

Leto / Summer - Kirill Serebrennikov

Título original: Leto

Año: 2018
Duración: 120 min.
País: Rusia

Dirección: Kirill Serebrennikov
Guion: Lily Idov, Mikhail Idov, Kirill Serebrennikov
Fotografía: Vladislav Opelyants

Reparto: Irina Starshenbaum,  Teo Yoo,  Roman Bilyk, Anton Adasinsky

Productora: Hype Film / KinoVista

"Leto" nos lleva a principios de la década de los ochenta, a Leningrado. Allí, la escena del Rock comenzó a fraguarse, bajo la influencia de iconos como David Bowie o Led Zeppelin.
En este entorno conoceremos a un grupo de jóvenes, algunos ya influyentes dentro del rock local, otros, desconocidos, que lucharán por lograr su espacio y el reconocimiento del público. Descubriremos sus sueños, sus miedos, sus relaciones, a ritmo de rock.

Kirill Serebrennikov dirige esta peculiar propuesta donde el drama y la música se funden en una historia que le permitió competir en Cannes y participar en la sección de Perlas del 66 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

"Leto" nos transporta en el tiempo a un lugar donde la juventud halla en la música refugio en una época convulsa. Para ello, además de realizar un estupendo trabajo de ambientación, reviste su puesta en escena de la sobriedad del blanco y negro que subraya, aderezado por una buena fotografía, el dramatismo y los claroscuros de las vivencias de una juventud perdida pero con ansias de lucha y mejora.


La película funciona de forma mucho más hábil y efectiva en sus partes más ligadas a su vertiente musical que a las dramáticas. Varios de sus números, sobre todo los que acontecen en un tren y un autobús, son una experiencia visual magníficamente elaborada, mientras que otros, más discretos, lastran un poco el ritmo de su narrativa.

El desarrollo de sus personajes y las relaciones entre ellos tienen sus altibajos e interesan de forma desigual por lo desorganizado de su narrativa y el difuso trazo para dibujar sus trasfondos, personalidades e inquietudes .

En conjunto "Leto" es una propuesta disfrutable, que si bien no es redonda, sí apunta buenas maneras e intenciones. Sobrada de metraje no aprovechado al máximo, pero custodia de grandes momentos musicales y cinematográficos, es un digno viaje a un ayer a recordar.

Valoración:6/10
Trailer: