miércoles, 31 de enero de 2018

Cult of Chucky - Don Mancini

Título original: Cult of Chucky

Año: 2017
Duración: 91 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Don Mancini
Guión: Don Mancini
Música: Joseph LoDuca
Fotografía: Michael Marshall

Reparto: Brad Dourif,  Fiona Dourif,  Michael Therriault,  Zak Santiago,  Elisabeth Rosen, Jennifer Tilly,  Alex Vincent,  Adam Hurtig,  Grace Lynn Kung,  Summer H. Howell, Ali Tataryn,  Marina Stephenson Kerr

Productora: Universal 1440 Entertainment

Nica, tras los funestos acontecimientos sucedidos en "La Maldición de Chucky" es recluida en una institución psiquiátrica.  La pesadilla ligada al muñeco diabólico parece haber quedado atrás, pero la inclusión del mismo como parte de la terapia desatará no sólo el pavor de la joven, sino una cadena de sangrientos asesinatos...

Don Mancini regresa a la conocida saga escribiendo y dirigiendo esta nueva entrega diseñada a medida de los fans de un incombustible y maleficamente creativo Chucky, acompañando la acostumbrada galería de macabros crímenes de un sinfín de guiños a sus predecesoras, tan remarcables como retomar la figura de Tiffany, la novia del despiadado muñeco, o a Andy, quien fuera protagonista de las primeras cintas de la saga.

El film, una producción de escasas pretensiones, trata de sacar partido a su vertiente más sangrienta, tratando de poblar su desarrollo con una concatenación de sádicas muertes que funcionan de manera desigual.

Sin embargo, hilvanar la línea narrativa, continuando en el punto en el que quedó la anterior entrega, con la recuperación de icónicos personajes de la saga, y la justificación argumental del nuevo abanico de víctimas de Chucky, resulta caótica. El guión del film sufre de incontables incongruencias y sin sentidos, lo que ligado a un trabajo actoral bastante cuestionable hace que se vea notablemente penalizada la calidad del producto final.

Diseñada por y para fanáticos de las andaduras del asesino encarnado en infantil muñeco, hará las delicias de sus acérrimos con el cariño que trata al personaje y su microcosmos. Pese a no tomarse demasiado en serio a sí misma, cosa acertada, resulta insuficiente para funcionar por sí sola y conquistar al público general.

Enoch
Valoración:4/10
Trailer:

martes, 30 de enero de 2018

Trauma - Lavender - Ed Gass-Donnelly

Título original: Lavender

Año: 2016
Duración: 92 min.
País: Canadá

Dirección: Ed Gass-Donnelly
Guión: Colin Frizzell, Ed Gass-Donnelly
Música: Sarah Neufeld, Colin Stetson
Fotografía: Brendan Steacy

Reparto: Abbie Cornish,  Dermot Mulroney,  Justin Long,  Diego Klattenhoff,  Peyton Kennedy, Lola Flanery,  Sarah Abbott,  Mackenzie Muldoon

Productora: South Creek Pictures / 3 Legged Dog Films

Una mujer sufre de pérdidas de memoria a raíz de un aparatoso accidente de tráfico. En busca de reconciliarse con su yo interior y recuperar sus recuerdos, viajará con su familia a sus orígenes, a la casa donde pasó su infancia. Pero lejos de encontrar la paz, entre sus sombras le aguardan presencias, fenómenos inexplicables que le susurran secretos olvidados y verdades ocultas sobre el lugar, sobre sí misma y los suyos.

Ed Gass-Donnelly, el que fuera responsable de la olvidable secuela de "El último exorcismo" no abandona el panorama del terror, mas gira hacia un planteamiento más sutil, en esta cinta canadiense que oscila entre el thriller psicológico y el horror sobrenatural, con discretos resultados.

Entre los puntos fuertes de la película encontramos un sólido trabajo de su plantel de actores y actrices, sobresaliendo entre ellos la habitualmente interesante Abbie Cornish, en el papel protagonista, cuyo viaje emocional entre el presente y el pasado, lo real y lo espectral, resulta convincente y lleno de matices.

Agradable en su factura técnica y visual, aunque sin genio alguno. Es en su esqueleto argumental donde pierde enteros. Su relato carece a tamos de cierta coherencia y, a la par, muchos de sus giros son fácilmente predecibles por los amantes del género, tantos lugares comunes como toca en su desarrollo.

En conclusión, nos hallamos ante una sencilla propuesta sin novedad alguna que aportar pero agradable para pasar el rato dejándonos llevar por sus (poco trabajados) secretos y una buena labor actoral en esta cinta de puro pasatiempo y olvido.

Enoch
Valoración:5/10
Trailer:

lunes, 29 de enero de 2018

Lago Shimmer - Oren Uziel

Título original: Shimmer Lake

Año: 2017
Duración: 83 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Oren Uziel
Guión: Oren Uziel
Música: Joseph Trapanese
Fotografía: Jarin Blaschke

Reparto: Rainn Wilson,  Benjamin Walker,  Wyatt Russell,  Adam Pally,  Stephanie Sigman, Ron Livingston,  Rob Corddry,  John Michael Higgins,  Mark Rendall,  Julie Khaner, Karl Campbell,  Angela Vint,  Matt Landry,  Neil Whitely,  Adam Saunders

Productora: Footprint Features / Writ Large

El robo de un banco en un tranquilo pueblo, torpemente planeado y ejecutado, terminará de forma sangrienta e inesperada. Pero este final no será sino el principio de una historia narrada de forma invertida, que, viajando atrás en el tiempo, nos irá descubriendo los personajes y motivaciones tras este hecho a la par que presentándonos a los descastados habitantes de un lugar con más sombras que luces.

Oren Uziel escribe y dirige este film de arquetípico argumento pero atípicas formas narrativas tratando, con su relato del revés, despertar la máxima curiosidad de la audiencia sobre la raíz, el germen que lleva a sus personajes, en apariencia grises en su normalidad,  a tan fatídico destino.

La película se nutre de un abanico de personajes fracasados, hastiados de unas vidas marcadas por las rencillas y los sueños rotos. Lástima que el grupo de intérpretes que les dan vida no aportan pasión alguna a sus creaciones, dando forma a unos papeles que llaman a la indiferencia con nula implicación emocional frente a sus vivencias y devenires.

El guión, curioso por su narrativa inversa, tiene un ritmo que funciona de forma desigual, desgranando revelaciones, algunas de dudoso interés, que nos sumergen en la sordidez (no suficientemente bien explotada) de unas vidas rotas. Sus giros hacia atrás no funcionan igual de bien en todos los tramos de la película, llamando, a tramos, al hastío, logrando así que el espectador tenga la sensación de estar viendo una película mucho más larga de lo que realmente es.

Si bien en ciertas propuestas cinematográficas esta estructura funcionó y cautivó a la audiencia, como sucedió con "Memento", tan sabia como era dosificando pistas y subtramas, en "Lago Shimmer" no se siente del todo justificada más allá del atractivo formal por lo inusual de la misma.

En conclusión, un film bastante mejorable en lo interpretativo, narrativo y visual, que si bien no aburre demasiado, no termina de entretener tanto como debiera.

Enoch
Valoración:4/10
Trailer:

domingo, 28 de enero de 2018

Don't Knock Twice - Caradog W. James

Título original: Don't Knock Twice

Año: 2016
Duración: 93 min.
País: Reino Unido

Dirección: Caradog W. James
Guión: Mark Huckerby, Nick Ostler
Música: James Edward Barker, Steve Moore
Fotografía: Adam Frisch

Reparto: Katee Sackhoff,  Lucy Boynton,  Richard Mylan,  Nick Moran,  Pascale Wilson, Javier Botet,  Pooneh Hajimohammadi,  Sarah Buckland,  Jordan Bolger,  Ania Marson, Callum Griffiths,  Lee Fenwick,  David Broughton-Davies

Productora: Red, Black Films / Seymour Films

Una adolescente pone a prueba su valentía jugando con la leyenda urbana ligada a una casa abandonada en la que, supuestamente llamando a su puerta, se consigue que su difunta habitante, una poderosa bruja, persiga a quien la perturbe. Acosada por lo sobrenatural, la joven se refugiará junto a su madre, una recuperada adicta que abandonó todo, incluida su familia, para centrarse en el mundo del arte. Así, esta mujer cargada de culpa, y su hija, llena de reproches y desconfianza, habrán de aliarse contra las fuerzas oscuras.

Caradog W. James, quien alcanzara el reconocimiento por su película "The Machine" en diversos festivales y en los premios BIFA, se adentra ahora en el terreno del terror sobrenatural tratando de conquistar a la audiencia con esta película que hila el drama con el horror.

A favor de este film podemos apuntar la esforzada y efectiva labor de sus intérpretes, correctos en sus creaciones, sobre todo una Katee Sackhoff encarnando a una madre que ha de lidiar no sólo con la culpa, sino con el escepticismo ante unos hechos que le superan y una amenaza que hace temblar todo aquello por lo que lucha. Igualmente interesante es el tratamiento visual de la cinta, que consigue imágenes de verdadera pesadilla.

En su contra juega un guión de torpe construcción. En él encontraremos demasiadas referencias a otras películas de género que, a tramos, nos hace tener la sensación de estar viendo un refrito de clichés del cine de terror, concatenando recursos ya vistos, perdiendo así fuerza la propuesta. Pese a poblarse de sobresaltos y situaciones aterradoras, no hay sutileza alguna en el tratamiento de la historia, las relaciones y la inquietud.

En conclusión, una película que pudo haber sido mucho mejor de lo que realmente resulta, una propuesta en la que Caradog W. James apunta maneras, pero no consigue el éxito tan irregulares como son los ingredientes que forman su propuesta.

Enoch
Valoración:4/10
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sábado, 27 de enero de 2018

Hasta los Huesos - Marti Noxon

Título original: To the Bone

Año: 2017
Duración: 107 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Marti Noxon
Guión: Marti Noxon
Música: Fil Eisler
Fotografía: Richard Wong

Reparto: Lily Collins,  Keanu Reeves,  Lili Taylor,  Carrie Preston,  Liana Liberato,  Brooke Smith, Kathryn Prescott,  Ciara Bravo,  Michael B. Silver,  Hana Hayes,  Rebekah Kennedy, Alex Sharp,  Maya Eshet,  Yindra Zayas,  Joanna Sanchez

Productora: Sparkhouse Media / Netflix

Una adolescente sufre de una anorexia que amenaza terminar con su vida. En un intento de mejorar, se inscribe en un atípico tratamiento para el que tiene que trasladarse a la casa de un peculiar doctor a convivir con otros jóvenes que sufren de diversos trastornos alimenticios. En "To The Bone" la acompañaremos en su viaje, ora destinado a la curación, ora a la destrucción, viviremos sus relaciones, sus miedos y esperanzas...

Marti Noxon escribe y dirige esta película estrenada en Netflix que pretende poner foco en un serio problema del que procura concienciar desde la perspectiva de aquellos que lo sufren.

Reseñable encontramos el trabajo de su actriz protagonista, una Lily Collins comprometida con su personaje, una exitosa labor con la que sabe dar credibilidad y profundidad a un rol en absoluto fácil. Igualmente acertado hallamos el rodearla de un grupo de afectados por este tipo de trastornos (con desigual resultado interpretativo) en distintas etapas de la enfermedad y diferentes afecciones de la misma, ampliando así la repercusión de su mensaje.

Sin embargo, el desarrollo del film se lastra por un guión demasiado convencional, que roza el formato de telefilm restándole impacto y potencia a la historia. A lo largo del mismo mezcla situaciones cercanas y verosímiles con las que la empatía es automática,  con recursos tan estrafalarios que llegan a rozar el ridículo y restan intensidad dramática al film sacando al espectador de su inmersión emocional.

Con todo ello, estamos ante una propuesta aceptable para pasar el rato, pero escasamente arriesgada y falta de fuerza,  lo que le aleja del verdadero impacto que necesitaba aportar para que su mensaje tuviera el calado necesario.

Enoch
Valoración:5/10
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martes, 23 de enero de 2018

12 Feet Deep - Matt Eskandari

Título original: 12 Feet Deep - The Deep End

Año: 2016
Duración: 85 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Matt Eskandari
Guión: Matt Eskandari, Michael Hultquist
Música: Todd Haberman
Fotografía: Byron Werner

Reparto: Nora-Jane Noone,  Alexandra Park,  Diane Farr,  Christian Kain Blackburn,  Tobin Bell, Donald Prince,  Matthew Ryan Michaels,  Dogen Eyeler

Productora: Citizen Skull Productions

Dos hermanas se verán atrapadas en una piscina olímpica, cuando, de manera accidental y pensándola desierta, queda sellada por una cubierta de fibra de vidrio con ellas en su interior. El frío, el cansancio, la soledad y la claustrofobia se apoderará de ellas mientras tratan de sobrevivir a una noche que se antoja eterna.

Matt Eskandari (Victim, The Gauntlet) escribe y dirige esta película que se inspira en hechos reales para narrarnos una historia asfixiante de supervivencia en un entorno familiar, como es una piscina, que trata de tornar en extremo y letal.

Visualmente nos encontramos ante un producto discreto, tanto como se restringe el espacio en el que se desarrolla el relato. En estos casos, el juego y perspectiva de la cámara para recrear la sensación de claustrofobia es vital, y "12 Feet Deep" no brilla en ese aspecto como sí lo hicieron otras de similares características (recordemos "Buried" y el máximo partido que puede sacarse de un espacio cerrado y diminuto como un ataúd).

Otro factor vital es la interpretación de sus protagonistas, que en el caso que nos ocupa resulta bastante insípido y de escasa credibilidad. Es más, curiosamente resulta más interesante el trabajo interpretativo de la tercera figura que aparece en escena, una Diane Farr que da bastante vida a la película con su personaje al límite de la razón.

El guión del film también hace aguas, marcando un ritmo que no sabe multiplicar la amenaza del entorno según avanza el tiempo, que se pierde y rellena metraje con rencillas familiares y reproches que poco o nada aportan y esconde más de un diálogo y situación que roza el absurdo y el ridículo.

Pese a todas sus debilidades, que no son pocas, la película no aburre en extremo cuando ya conseguimos desterrar toda intención de verosimilitud en su relato y personajes y no tratamos de buscarle lógica o credibilidad alguna. Para pasar el rato, consumir y olvidar.

Enoch
Valoración:4/10
Trailer:

lunes, 22 de enero de 2018

Million Yen Women

Título original: 1,000,000 yen no Onnatachi (TV)

Año: 2017
Duración: 24 min.
País: Japón

Dirección: Michihito Fujii,  Hirotoshi Hara,  Kenji Kuwajima
Guión: Yoshitatsu Yamada, Yoshimiko Murooka, Yuuya Nakazono (Historia: Shunju Aono)
Música: Shinco, Yusuke Tsutsumi

Reparto: Noda Yojiro,  Matsui Rena,  Fukushima Rila,  Takeda Rena,  Wagatsuma Miwako, Araki Yuk,  Lily Franky,  Yamanaka Takashi,  Nakamura Tomoya,  Ikeda Tetsuhiro, Endo Yuy,  Yoshimura Kaito,  Hoshi Moeka

Productora: TV Tokyo / ImageField. Distribuida por TV Tokyo / Netflix

Shin es un escritor frustrado, que persigue un éxito esquivo con sus obras mientras vive a la sombra de la negra fama que le confiere ser hijo de un renombrado asesino. De la nada surgirán cinco hermosas mujeres que, tras recibir una invitación de origen desconocido,  se trasladarán a vivir  a su hogar, aportando cada una de ellas una ingente cantidad de dinero por el alquiler y el cuidado que él habrá de proporcionarles. Shin no puede entrar en sus habitaciones ni está permitido hablar del pasado, el misterio está servido.

Desde Japón llega esta original propuesta dirigida por Michihito Fujii,  Hirotoshi Hara y Kenji Kuwajima, tres personales firmas que se arremolinan en este relato, espiral de secretos, mentiras y misterios por resolver.


Atendiendo al reparto de la serie, agradable resulta el trabajo de todo el equipo, creando roles extremadamente dispares entre sí, pero que, gracias al trabajo de cada uno de los actores y actrices, combinan a la perfección a la par que cada cual mantiene su propio carácter y oculta sus propios y atrayentes secretos.

El guión sobre el que se asienta la historia es también un gran acierto. Resulta hábil en lo que cuenta y cómo lo cuenta, sabiendo dosificar las revelaciones y despejar los misterios de una forma pausada, concatenada y ascendente, atrapando así no sólo el entretenimiento del espectador, sino también avivando capítulo a capítulo su curiosidad.

Con una más que correcta factura visual, interpretativa y narrativa, "Million Yen Women" es un agradable producto con el que dejarse llevar, en el que resulta atractiva la historia central del escritor taciturno, pero más aún el ir desgranando, uno a uno, el secreto que se oculta tras cada una de las mujeres que con él se sientan a la mesa cada noche, hasta lograr llegar al nudo que les ha atado a todos ellos en esta aventura de literatura, amor y muerte.  Interesante.

Enoch
Valoración:7/10
Trailer:

domingo, 21 de enero de 2018

Desengaño - William Wyler

Título original: Dodsworth

Año: 1936
Duración: 96 min.
País: Estados Unidos

Dirección: William Wyler
Guión: Sidney Howard (Novela: Sinclair Lewis)
Música: Alfred Newman
Fotografía: Rudolph Maté (B&W)

Reparto: Walter Huston,  Ruth Chatterton,  Mary Astor,  David Niven,  Paul Lukas,  John Payne, Maria Ouspenskaya,  Spring Byington

Productora: The Samuel Goldwyn Company

Samuel es un hombre de negocios de éxito que ha amasado su fortuna partiendo de lo más bajo y construyendo su imperio piedra a piedra, con esfuerzo y dedicación máxima. Decidirá hacer un paréntesis y partir con su mujer en un crucero que sea una segunda luna de miel y centrar en ella su atención. Sin embargo, su esposa, acostumbrada a la libertad y la ausencia, tendrá otros planes, y la noche y el flirteo serán su principal dedicación, sellando con ello su infidelidad. Roto por los celos y el dolor del fracaso de su matrimonio, Samuel perderá toda esperanza. Pero el destino pondrá en su camino a una nueva mujer que vuelva a inculcarle la voluntad de vivir y luchar por la felicidad, lo que despertará la fuerza en el empresario de luchar por un matrimonio que quizás no tenga salvación alguna.

William Wyler adapta la novela de Sinclair Lewis en una película tan sobresaliente como nos tiene acostumbrados, un torbellino de emociones y afilados diálogos, sublime radiografía atemporal del ser humano, sus miedos y deseos.

Este melodrama se nutre de las sobresalientes interpretaciones de todos y cada uno de los pobladores de su elenco. Cada uno de ellos sabe transmitir a cámara un potente abanico de emociones, poniendo sobre la mesa las cartas del abandono, el hastío, el dolor, la pasión apagada, la esperanza... de una manera verosímil y apasionada. "Desengaño", en cuanto a lo interpretativo se refiere, es impecable, Wyler saca lo mejor de cada uno de los intérpretes y eso ensalza el producto a un nivel de calidad óptimo.

Por su parte, el guión, es magistral. La película desgrana poco a poco a lo largo de su metraje, cada ingrediente del matrimonio condenado por el paso del tiempo, la rutina y la falta de verdadero amor, degollado por el paso del tiempo y la ausencia de mutuo cuidado. Su análisis de la ruptura es brutal, lleno de claroscuros y detalles milimetradamente pensados. Para ello dota de un ritmo a la narrativa pausado pero constante, poblándola de situaciones y diálogos espectaculares que crean el impactante laberinto de emociones nacidas del instante en que sus personajes se detienen a analizar sus vidas y relaciones y decidir cómo continuar por sus respectivos caminos.

Todo lo apuntado se termina de engalanar con una puesta en escena sumamente elegante, una cámara pausada pero certera, y un uso de los espacios que profundiza y aporta aún más a las emociones y sentimientos que su perfecto retrato de personajes pretende transmitirnos.

Una película redonda, con grandes intérpretes, formas visuales y argumentales, altamente recomendable.

Enoch
Valoración:8/10
Clip:

sábado, 20 de enero de 2018

Errementari, El Herrero y el Diablo - Paul Urkijo

Título original: Errementari

Año: 2017
Duración: 96 min.
País: España

Dirección: Paul Urkijo Alijo
Guión: Asier Guerricaechevarría, Paul Urkijo Alijo
Música: Xabat Lertxundi
Fotografía: Gorka Gómez Andreu

Reparto: Eneko Sagardoy,  Itziar Ituño,  Josean Bengoetxea,  Gorka Aguinagalde, Urko Olazabal,  Kandido Uranga,  Almudena Cid,  Ramón Agirre,  Gotzon Sánchez, Zigor Bilbao,  Uma Bracaglia,  Maite Bastos,  Ander Pardo,  José Ramón Argoitia, Iñigo de la Iglesia,  Naia Garcia

Productora: Gariza Produkzioak / Ikusgarri Films / Kinoskopik s.l

Corre el siglo XIX, las Guerras Carlistas han quedado atrás y la tranquilidad parece haberse apoderado de un pequeño pueblo vasco. Sin embargo, la llegada de un funcionario del estado perturbará su paz. El extraño llega para investigar un caso ligado al herrero del lugar, un ermitaño que vive apartado de todos y al que envuelven negras leyendas y habladurías tildándolo incluso de aliado del diablo. Pero no será el recién llegado, sino una pequeña niña del pueblo quien se adentrará primero en los dominios de la herrería, descubriendo allí sus más oscuros secretos.

Paul Urkijo, tras el cortometraje "El Bosque Negro", que ya apuntaba grandes maneras, salta al largo con "Errementari", de cuya dirección y guión es responsable, firmando una historia que flirtea con el terror y la fantasía en un tono de agradable cuento macabro. Su trabajo le ha reportado el aplauso en el circuíto de festivales de género, siendo reconocido en Sitges con la mención especial de los Blogos de Oro y alzándose con el máximo galardón, el premio del público, en la 28 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián.

La película se engalana de recursos técnicos de calidad, con una dirección artística estupenda que nos sumerge en parajes de leyenda que nos hacen viajar al pasado, inquietantes exteriores y detallados y opresivos espacios cerrados hasta llevarnos hasta las mismas puertas del infierno. Agradable resulta también su trabajo de fotografía, donde la calidez y el peligro del fuego crepitan en cada plano. Por último pero no menos importante, a destacar encuentro el trabajo de maquillaje que da forma a una criatura fantástica para el recuerdo, tan expresiva como aterradora.

A nivel interpretativo reseñaremos el buen hacer de Kandido Uranga, bajo la piel del herrero, y, sobre todos los demás, la labor de Eneko Sagardoy, brutal en su encarnación de Sartael, lo más inolvidable del film gracias su carismática creación. Sin embargo es en este apartado donde la película tiene, a mi entender, su talón de Aquiles, pues la interpretación de los niños que encontramos a lo largo de su metraje resulta demasiado forzada y a todas luces, inverosímil.

La historia que esconde su guión es otro de sus puntos fuertes, desmarcándose del estilo del cine de terror de los últimos tiempos, para llevarnos a un terreno más cercano a la fantasía, al cuento y la oscura leyenda, con reminiscencias al clásico "Legend" de Ridley Scott, un acierto que si bien puede tildarse de no muy original, sí que resulta efectivo, inmersivo y entretenido de principio a fin.

En conclusión, nos encontramos ante una película, que si bien no es redonda, sí que merece el reconocimiento de un trabajo realizado con mimo y amor al género, una pasión que se transmite y contagia a la audiencia si se presta a sentarse en la butaca y dejar que se le cuente un cuento, una fábula que les acompañe a sus sueños... y pesadillas. Interesante.

Enoch
Valoración:7/10
Trailer:

viernes, 19 de enero de 2018

El Síndrome de Berlín - Cate Shortland

Título original: Berlin Syndrome

Año: 2017
Duración: 116 min.
País: Australia

Dirección: Cate Shortland
Guión: Shaun Grant (Libro: Melanie Joosten)
Música: Bryony Marks
Fotografía: Germain McMicking

Reparto: Teresa Palmer,  Max Riemelt,  Lucie Aron,  Matthias Habich,  Cem Tuncay, Maia Absberg,  Emma Bading,  Kristina Kostiv,  Charly Thorn,  Vitus Wieser, Thuso Lekwape,  Elmira Bahrami,  Lara Marie Müller,  Claude Heinrich, Nadine Peschel

Productora: Aquarius Films / DDP Studios / Entertainment One / Film Victoria / Fulcrum Media Finance / Memento Films International / Screen Australia

Una joven australiana pasa sus vacaciones en la ciudad de Berlín, abierta a nuevas experiencias y sumergirse en sus costumbres y gentes. Su destino se cruzará con el de un hombre con quien la atracción es inmediata. Juntos se divertirán, conversarán y se amarán. Todo es idílico, hasta que la atracción se torna obsesión, posesión, y las paredes del piso que él habita se transforman en prisión para la joven.

Cate Shortland, la responsable de éxitos de crítica como Lore o Somersault, adapta la novela de Melanie Joosten adentrándonos con acierto en la psique de unos marcados personajes, víctima y verdugo, su relación, y el impacto del encierro y el sometimiento entre ambos.

Capitaneando el reparto tenemos a una interesante pareja protagonista, Teresa Palmer (Hasta el último Hombre, Nunca Apagues la Luz) y el gran Max Riemelt (Sense8, La Ola, Somos la Noche) quienes bordan unos personajes muy matizados y cargados de trasfondos. Ambos saben dotar a sus creaciones de un caleidoscopio de emociones que es efectivo motor del film.

Interesante encuentro también el trabajo de guión, notable en su presentación de los personajes y en cómo nos muestra sus personalidades y cómo se enreda su relación desde los inicios. Sabio en el retrato de un mal sin razón y en la desesperación de quien se torna víctima del mismo, funciona en su mayor parte, siendo quizás sólo criticable en cuánto dilata ciertas situaciones haciendo perder cierto ritmo y tensión a la cinta y en una resolución de la trama algo mejorable.

En conclusión, estamos ante una película de muy agradable visionado, un juego del gato y el ratón bien construido sobre una sólida historia y personajes encarnados por intérpretes notables. Interesante.

Enoch
Valoración:6/10
Trailer:

jueves, 18 de enero de 2018

Awaiting - Mark Murphy

Título original :Awaiting

Año: 2015
Duración: 95 min.
País: Reino Unido

Dirección: Mark Murphy
Guión: Mark Murphy
Música: Simon Webb
Fotografía: Hong Manley

Reparto: Tony Curran,  Diana Vickers,  Rupert Hill,  Peter Woodward,  Adrian Bouchet, Charley Mcdougall,  Sophie Lovell Anderson

Productora: Green Screen Productions / Solar Productions

Un aparatoso accidente de tráfico dejará perdido en mitad de ninguna parte a un joven. De la nada, un buen samaritano acudirá en su ayuda, llevándolo a su casa. Sin embargo, este taciturno individuo está lejos de querer ayudar al joven, para el que comenzará una sangrienta pesadilla, atrapado sin salida junto a su supuesto salvador y su hija en un infierno de tortura que amenaza terminar, primero con su cordura, y luego con su vida.

Mark Murphy (La Cripta) escribe y dirige esta película que se cuece a fuego lento, caldeando el ambiente en sus inicios al más puro estilo de thriller rural para luego ir girando hacia una suerte de torture porn donde el gore y la crueldad se sirven sin medida para el deleite de los fans del género.

El film tiene, entre sus puntos fuertes, algo no muy habitual en este tipo de películas, y es la gran labor de su trío de intérpretes, que nos regalan un trabajo intenso y creíble. En su favor juegan lo claustrofóbico de su propuesta y varios de sus giros argumentales, acertados (otros, no tanto), así como la falta de pudor a la hora de destapar sus cartas más crueles y sanguinolentas.

Sin embargo, varios elementos restan enteros a la producción. Su ritmo algo torpe y tramposo y varias incongruencias bastante inverosímiles de su guión en lo que se refiere a las acciones y reacciones de sus protagonistas ante ciertos hechos, rompen la atmósfera e implicación del espectador con lo que le es mostrado, mermando así la empatía y sufrimiento al que era sometido.

Con todo, estamos ante un producto de aceptable factura, bien interpretado y que, aunque pudiera estar mejor contado, entretiene y oculta tal inesperado festín de sangre que distrae la atención de sus flaquezas. Pasable.

Enoch
Valoración: 6/10
Trailer:

miércoles, 17 de enero de 2018

Sueño Lúcido - Kim Joon-seong-I

Título original: 루시드 드림 Lusideu Deulim - Lucid Dream

Año: 2017
Duración: 102 min.
País: Corea del Sur

Dirección: Kim Joon-seong-I
Guión: Kim Joon-seong-I
Fotografía: Park Hyun-Chul

Reparto: Sol Kyung-Gu,  Ko Soo,  Kang Hye-Jung,  Park Yoo-Chun,  Park In-Hwan, Cheon Ho-Jin,  Jun Suk-Ho,  Lee Shi-A,  Kim Kang-Hoon, Hwa-Yeong Lim (Voz: Nico Birnbaum)

Productora: Rod Pictures. Distribuida por Netflix

Dae Ho es un periodista cuyo hijo ha desaparecido, secuestrado mientras ambos disfrutaban juntos de un día en el parque de atracciones. Desesperado, buscará la ayuda de un detective, pero será su colaboración con una psiquiatra lo que parezca acercarle a las respuestas que busca. Juntos explorarán las técnicas experimentales del sueño lúcido, una inmersión en el subconsciente en busca de los recuerdos y detalles olvidados que puedan darle la pista definitiva de lo ocurrido.

La película, escrita y dirigida por Kim Joon-seong-I, se constituye como un thriller frenético que toma prestados recursos de pura ciencia ficción para sumergirnos en un onírico mundo donde los recuerdos, los sueños y la realidad se funden.

La propuesta, con su atípico planteamiento, resulta bastante entretenida en su desarrollo pese a tener serias irregularidades de ritmo narrativo. Sin embargo, requiere de tal suspensión de lógica, coherencia y realidad por parte del espectador para aceptar lo que le está siendo contando, que pierde veracidad y fuerza.

Por otra parte, los personajes se sienten un tanto unidimensionales y planos, sin demasiada pasión en sus interpretaciones ni claroscuro alguno en sus trasfondos. Este factor, unido a unos giros de guión que pretenden sorprender, pero que se anticipan sin demasiado esfuerzo, resta enteros a la calidad global del film.

Sin embargo, y pese a todas sus debilidades, estamos ante un producto digno para abandonarse durante algo más de hora y media a su propuesta y dejarnos entretener, eso sí, sin encender nuestro raciocinio ni analizarla demasiado.  Pasable.

Enoch
Valoración:5/10
Trailer:

martes, 16 de enero de 2018

Awaken The Shadowman - J.S. Wilson

Título original: Awaken the Shadowman

Año: 2017
Duración: 90 min.
País: Estados Unidos

Dirección: J.S. Wilson
Guión: Skyler Caleb, Woodrow Wilson Hancock III, James Zimbardi
Música: Douglas Pipes
Fotografía: J.S. Wilson

Reparto: James Zimbardi,  Skyler Caleb,  Jean Smart,  Emily Somers,  Andrea Hunt, Robert R. Shafer,  Raam Weinfeld,  Grace Van Dien,  Sophie Labelle,  Casey Kramer

Productora: Wild Story Productions. Distribuida por Gravitas Ventures [USA]

Una pareja, junto a su bebé, deberá trasladarse al hogar de la infancia del marido, pues su madre ha desaparecido.
Este hecho le reunirá con todo aquello que dejó atrás, despertando antiguos demonios, heridas sin cerrar. En la investigación sobre el posible paradero de la abuela, descubrirán aspectos de la vida de esta que les son desconocidos, así como les pondrá en contacto con un grupo de personas que, empeñados en hacerles sentir mejor frente su pérdida, amenazarán con arrastrarlos al infierno.

J.S Wilson dirige esta película de terror de pulso pausado y ritmo creciente, que pretende sumergirnos en una historia cada vez más oscura y llena de secretos. A tramos lo consigue, pero el conjunto se tambalea.

De agradecer es que el film se esfuerce por salirse de los cánones del género y trate de trabajarse una atmósfera opresiva a medida que detalles oscuros se van revelando sobre lo que se pensaba terreno conocido y seguro, el entorno familiar.

Lamentablemente, este esfuerzo no logra la suficiente calidad en su desarrollo como para llegar a atrapar el ánimo ni despertar la inquietud suficiente para que funcione la fórmula. Su pulso narrativo es demasiado lento y los giros, sorpresas y descubrimientos no están presentados con la suficiente intensidad como para arrancar el bostezo del rostro del espectador.

Este factor, unido a una labor más que discreta por parte de su elenco protagonista, con unas interpretaciones grises y apagadas, no consigue sumergirnos del todo en la atmósfera ni empatizar demasiado con las desventuras de esta familia maldita.

Una película que es un ejercicio de buenas intenciones, con buenas ideas y varias escenas brillantes, pero que en su conjunto no logra funcionar ni entretener tanto como se esperaba de ella. Fallida.

Enoch.
Valoración:4/10
Trailer:


lunes, 15 de enero de 2018

My Man - Kazuyoshi Kumakiri

Título original: Watashi no otoko (My Man)

Año: 2014
Duración: 129 min.
País: Japón

Dirección: Kazuyoshi Kumakiri
Guión: Takashi Ujita
Música: Jim O'Rourke
Fotografía: Ryuto Kondo

Reparto: Tadanobu Asano,  Fumi Nikaidou,  Tatsuya Fuji

Productora: Nikkatsu Corporation

Hana es una niña,  la única superviviente de su familia tras una devastadora tragedia. Un tsunami ha quebrado su mundo dejándola completamente sola e indefensa.
Será acogida por Jungo, un hombre solitario relacionado con su familia, quien se encargará de su educación y con el que vivirá como padre e hija.
Ambos, descastados, solitarios y rotos por dentro, desarrollarán una relación obsesiva, de máxima dependencia y devoción, hasta traspasar la línea donde las emociones y la piel se funden.

El film de Kazuyoshi Kumakiri, triunfador del festival de Moscú donde se alzó con el galardón de mejor actor y película, sedujo con su prohibida propuesta a la crítica, logrando también participar en la sección oficial del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

"My Man" se nutre de una gran interpretación por parte de su pareja protagonista. Ambos brillan al saber transmitir el dolor de unos personajes quebrados, con un mundo interior roto por una vida marcada por la pérdida. Su malsana relación es creada por ambos con maestría, destilando deseo y obsesión, así como amenaza frente a todos aquellos que osen tratar de acercarse a su microcosmos.

Otra virtud del film reside en su tratamiento visual. La mayor parte de la historia se desarrolla en parajes gélidos, cubiertos de nieve, aislados como los propios personajes, franqueados por insondables y letales barreras de hielo. Todo ello conecta de forma directa con las emociones y es reflejo de la vida interior de una pareja prohibida, peligrosa para los demás, y para ella misma.


En su contra juegan su quizás demasiado dilatado metraje y un epílogo un tanto cuestionable, no en contenido, sino en formas. Por lo demás, nos hallamos ante una película valiente, potente en lo visual y las interpretaciones y doliente en su contenido, muy interesante.

Enoch
Valoración:7/10
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domingo, 14 de enero de 2018

Call Me By Your Name - Luca Guadagnino

Título original: Call Me by Your Name

Año: 2017
Duración: 130 min.
País: Italia

Director: Luca Guadagnino
Guión: Luca Guadagnino, James Ivory, Walter Fasano (Novela: André Aciman)
Música: Sufjan Stevens
Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom

Reparto: Timothée Chalamet,  Armie Hammer,  Michael Stuhlbarg,  Amira Casar,  Esther Garrel, Victoire Du Bois

Productora: Frenesy Film Company

Elio pasa las vacaciones de verano de 1983 en una gran villa del norte de Italia junto a su familia. Su padre, un erudito de la historia y la literatura, invitará a un joven becario, Oliver,  a pasar los meses estivales con ellos, para que trabaje en su doctorado.
El verano transcurre entre la pereza, la música, los libros y los paseos sin rumbo por la naturaleza. Los personajes se relacionarán, divagarán y matarán el tiempo soñando despiertos. En este entorno, la relación entre los dos jóvenes, Elio y Oliver, se hará más y más intensa, despertando la adoración y el deseo de forma inexorable, cambiando su forma de vivir la vida para siempre...

Luca Guadagnino, director y guionista (junto a James Ivory, nada menos) del film, adapta la intensa novela de André Aciman a la gran pantalla con tal mimo que le ha reportado el éxito en el circuito de festivales así como una innumerable (y merecidísima) galería de reconocimientos, nominaciones y galardones tanto para la película como para sus intérpretes.

Guadagnino retoma la atmósfera que tan bien consiguiera con su anterior obra (Cegados Por el Sol) en la que el verano se filtra bajo la piel de sus protagonistas y se transmite a la audiencia. Consigue, con su paleta fotográfica de cálidos colores, su ambientación musical y la seducción de sus cámara, arrastrarnos en el tiempo a veranos sin fin con días cálidos e interminables donde el ocio y el abandono a las sensaciones más primarias son la única preocupación abriendo así la puerta a las más desbocadas emociones.

Ineludible es la alabanza a sus intérpretes principales. Tanto Timothée Chalamet, encarnando al joven Elio, como Armie Hammer, en la piel del becario visitante que pone la vida de todo su entorno del revés, son para quitarse el sombrero. Ambos han sabido dotar a sus creaciones de una verdad y una sensibilidad inusitadas, dando forma a unos personajes con los que la empatía es automática y que quedan grabados en el recuerdo cinéfilo con inmensa ternura.

La otra piedra angular del film es su guión, una maravillosa adaptación de la novela que sabe trasladar la densidad de sus páginas al lenguaje del fotograma. Su contenido relato no está falto de ritmo, siendo sabio en el dibujo no sólo del lugar y sus costumbres, sino en el universo interior de sus habitantes. Las relaciones están elaboradas de manera sublime, las amistades, los romances, la familia, todo brilla. El despertar a lo prohibido, el deseo incontenible y el autodescubrimiento a través de los anhelos, logros y decepciones están narrados de una forma tan milimetrada y sincera, que impresiona lo auténtico de las emociones que muestra. Igualmente para aplaudir son los diálogos que fluyen entre sus personajes, escondiendo verdaderas joyas (especialmente las protagonizadas por el padre de Elio) que hacen de varias escenas un deleite que no necesita más que las palabras en ella vertidas.


Con todo ello, estamos, a mi parecer, ante una de las mejores películas de la temporada. Delicada, sensual y sencilla en su sincera complejidad, nos hace no sólo viajar en el tiempo a décadas pasadas, sino conectar con un pasado en que la inocencia y los sueños eran dueños del timón de unas vidas aún sin rumbo. Deliciosa.

Enoch
Valoración:9/10
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sábado, 13 de enero de 2018

Skyline, el último crucero - Zao Wang

Título original: The Precipice Game

Año: 2016
Duración: 94 min.
País: China

Dirección: Zao Wang
Guión: Doudou, Zhou He, Rebecca Wang
Música: Greg Yu
Fotografía: Joewi Verhoeven

Reparto: Ruby Lin,  Peter Ho,  Mr. Black,  Wang Ji,  Scar Kim,  Li Lin,  Li Shangyi,  Ji Wang, Gai Yuexi

Productora: Fundamental Films

Anualmente, un exclusivo juego se realiza a bordo de un crucero de lujo. En él, un reducido grupo de elegidos se embarcan para competir en una aventura de búsqueda del tesoro que esconde un suculento premio. Para la sorpresa de una inocente joven, ella y su novio serán seleccionados para la nueva edición. Subirán a bordo llenos de esperanza y altas expectativas, sin saber que, en el juego que les aguarda, el premio se halla en la supervivencia. Comenzará entonces una carrera contra el tiempo y entre los propios participantes.

Zao Wang dirige esta película de origen chino que comienza centrada en los devenires de un romance para pronto tornarse intenso y claustrofóbico thriller con una estructura y narrativa que bien podría formar parte del universo de la saga "Saw" por su lúdica y sangrienta maldad.

El film, en su mayor parte, sigue las reglas del juego. Reúne personajes desconocidos entre sí entre los que las desconfianzas y sospechas serán elemento necesario para la continuidad de la trama y que ellos mismos sean trampas mortales para el grupo. Concatena escenarios que pondrán a prueba su inteligencia y capacidad deductiva, auténticas "scape rooms" que habrán de superar para no sólo no perder el supuesto premio, sino la propia vida.

Técnicamente la película es correcta, creativa en el uso de sus escenarios e inteligente en los elementos que incluye a cada escalón de este juego mortal. Sin grandes alardes, solventa de forma agradable el crescendo de la acción en lo visual.

Interpretativamente nada destaca, con una galería de personajes bastante adscritos al cliché, potentemente diferentes entre ellos, pero sin grandes matices. Es el guión sobre el que asienta, quien, aunque tramposo, logra convencer y, sobre todo, entretener con sus giros de principio a fin, logrando algo complicado en este tipo de películas, que es sorprender.

En conclusión, una película para pasar un rato agradable atrapado en las garras del juego mortal que propone y los secretos que oculta. Correctamente realizada y un vehículo de entretenimiento más que digno. Agradable.

Enoch
Valoración:6/10
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viernes, 12 de enero de 2018

Matar a Dios - Caye Casas y Albert Pintó

Título original: Matar a Dios

Año: 2017
Duración: 90 min.
País: España

Dirección: Caye Casas,  Albert Pintó
Guión: Caye Casas, Albert Pintó
Fotografía: Miquel Prohens

Reparto: Itziar Castro,  Eduardo Antuña,  Boris Ruiz,  David Pareja,  Emilio Gavira

Productora: Alhena Production

Una familia, que no atraviesa el mejor de los momentos y entre cuyos miembros palpitan peligrosas tensiones se reúne en un caserón lejos de todo para celebrar el fin de año. De la nada surgirá un extraño visitante, un hombre que proclama ser Dios y llega para anunciar el Apocalipsis de la raza humana y comunicar a los reunidos que en ellos recae la responsabilidad de elegir qué dos únicas personas han de quedar con vida tras el fin de los tiempos para comenzar de nuevo. El debate y las situaciones extremas están servidas...

La película, dirigida y escrita por Caye Casas y Albert Pintó, fresca en su propuesta, le ha abierto las puertas a festivales como la 28 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián o Sitges, donde se alzó con el gran premio del público de la sección de largometrajes.

"Matar a Dios", con su puesta en escena discreta y restringida en espacios, salda su factura técnica sin alardes pero con efectividad, con un agradable trabajo de fotografía y una dirección artística austera pero certera centrando todo el foco de atención en sus personajes e interacciones.

En ellos, el quinteto protagonista, recae gran parte del peso de la película. Todos y cada uno bordan unas interpretaciones a la altura de lo interesante a la par que cercano de sus personajes, unos roles con los que el espectador no encontrará dificultad alguna para empatizar y compartir sus dudas, miedos y elucubraciones. Pese al buen trabajo general, no puedo dejar de subrayar la gran labor de Itziar Castro y Emilio Gavira, que copan toda la atención con unas interpretaciones para quitarse el sombrero.

El otro pilar sobre el que se asienta  "Matar a Dios" es su guión. En él encontraremos no sólo una fresca y simpática idea sobre la que gira el argumento del film, sino una telaraña de subtramas basadas en las relaciones y diálogos entre los habitantes de sus páginas que fluyen con simpatía, agradable humor negro e inteligencia.

Pese a lo aparente pequeño del proyecto, la película es eficaz, divertida y un soplo de aire fresco con el que dejarse llevar, entretener y disfrutar. Caye Casas y Albert Pintó nos demuestran que con pequeños recursos se puede hacer una notable película, y, en lo interpretativo, Itziar Castro y Emilio Gavira nos recuerdan que un papel memorable no depende de tallas ni estaturas sino de la calidad de un trabajo bien hecho.

Enoch
Valoración: 7/10
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jueves, 11 de enero de 2018

Meatball Machine Kodoku - Yoshihiro Nishimura

Título original: Kodoku: Mîtobôru mashin

Año: 2017
Duración: 108 min.
País: Japón

Dirección: Yoshihiro Nishimura
Guión: Sakichi Satô, Yoshitaka Nishimura
Música: Takashi Nakagawa
Fotografía: Keizo Suzuki, Keizô Suzuki

Reparto: Eihi Shiina,  Masanori Mimoto,  Takumi Saitô,  Yôji Tanaka,  Ami Tomite,  Riri Kôda, Maki Mizui,  Miho Wakabayashi,  Yôta Kawase,  Tomori Abe,  Takashi Nishina, Kentarô Shimazu,  Hiroko Yashiki,  Yurisa,  Miyuki Torii,  Yoji Tanaka

Productora: Ark Entertainment / King Records / Nishimura Motion Picture Model Makers Group

¿Qué puede haber más deprimente que un gris cobrador del frac de mediana edad, poco efectivo ante los deudores y reprimido ante las exigencias de su distante madre? El único gozo del día llega en su librería preferida, cuando apenas intercambia unas palabras de cortesía con la amable y joven vendedora. Todo esto  explotará el mismo día en que le diagnostican un cáncer y, además, una sombra se cierne sobre la ciudad infestándola de extrañas criaturas.

Yoshihiro Nishimura firma aquí la continuación de Meatball Machine (2005), película igualmente de serie Z japonesa, en la que fue el artífice de los efectos especiales. Parece que la idea le enamoró y el director de Tokio Gore Police se metió a fondo en la charcutería para dar rienda suelta a esta descerebrada propuesta. 

Lo verdaderamente atractivo de esta cinta de monstruos es el desenfreno de situaciones, seres, armas y demás artimañas de gomaespuma que la plagan de principio a fin. Un desfile de lo grotesco y bizarro que mantiene vivo al fandom del bajo presupuesto nipón que nació con series como Ultraman, Goldar o Bioman y continúan el legado con un cine de calificación R gamberro.

Puede considerarse esta aventura de criaturas espaciales como una fantasía para el hombre medio japonés: el protagonista, hombre de mediana edad con un trabajo poco satisfactorio y una vida social inexistente, se encuentra ante la circunstancia de tener que salvar a la humanidad con unos poderes no solicitados, y esto le redescubrirá un nuevo carácter duro y decidido.

Un final muy loco y divertido coronará la cinta para terminar desternillados tras esta orgía de vísceras y erotismo barato tentacular.

Sihaya Kynes
Valoración: 6/10
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miércoles, 10 de enero de 2018

Darkness Rising - Austin Reading

Título original: Darkness Rising

Año: 2017
Duración: 81 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Austin Reading
Guión: Vikram Weet
Música: Thomas Gamble
Fotografía: Adam Biggs

Reparto: Tara Holt,  Bryce Johnson,  Katrina Law,  Heather Mazur,  Ted Raimi,  Myk Watford, Christian Ganiere

Productora: Storyboard Entertainment / Compass Entertainment / Bump in the Night / Liquid Theory. Distribuida por IFC Films [USA]

Tres amigos regresan a la que fue el hogar de una de ellos, un lugar que esconde para la joven traumáticos recuerdos ligados a su familia y la violencia. Lo que comienza como un doloroso viaje a los recuerdos se tornará presente pesadilla cuando la casa despierte de su silencio y oscuras fuerzas regresen a la vida con la intención de añadir tres nuevas víctimas a su sangrienta historia.

Austin Reading da vida a un guión de Vikram Weet en esta película de bajo presupuesto que se adscribe al subgénero de las casas encantadas para tratar de aterrar a la audiencia con sus sobresaltos y giros de guión. Lamentablemente, el resultado no reviste la calidad buscada.

Pese a disponer para el desarrollo del film de una buena localización, un laberíntico caserón lleno de posibilidades, no se explota con la maestría que hubiera sido deseable. El mal uso de los espacios sumado a un trabajo de fotografía de escasa calidad, hace que "Darkness Rising" resulte fallida en su vertiente técnica y visual.

Una labor insípida de su trío de intérpretes tampoco ayuda a levantar el film. Sus papeles, ya acartonados por un guión con un pobre retrato de personajes y trasfondos, lastrados por unos diálogos y reacciones absurdos y poco creíbles, poco tenían que ofrecer, y la escasa calidad interpretativa que ellos aportan terminan de redondear el desastre.

Las páginas de esta historia se llenan de lugares comunes del terror, giros ya vistos hasta la saciedad y escasa o nula sorpresa, que si bien no aburre, tampoco interesa ni atrapa de forma alguna.

Todos estos factores hacen de esta propuesta algo totalmente prescindible, que aunque no resulta pésima, sí altamente olvidable tan pronto como asoman los títulos de crédito.

Enoch
Valoración:3/10
Trailer:

martes, 9 de enero de 2018

Hounds of Love - Ben Young

Título original: Hounds of Love

Año: 2016
Duración: 108 min.
País: Australia
Dirección: Ben Young
Guión: Ben Young
Música: Dan Luscombe
Fotografía: Michael McDermot

Reparto: Emma Booth,  Ashleigh Cummings,  Stephen Curry,  Susie Porter, Damian de Montemas,  Harrison Gilbertson,  Fletcher Humphrys,  Steve Turner, Holly Jones,  Michael Muntz,  Marko Jovanovic,  Liam Graham,  Lisa Bennet, Eileen Colocott,  Kingsley Judd

Productora: Factor 30 Films

Una joven camina de noche, sola, por la carretera. Una pareja se ofrecerá a llevarla en coche, pero una parada que se suponía momentánea en el hogar de estos, será el final del trayecto. Allí la adolescente será retenida contra su voluntad, secuestrada y agredida a voluntad de un individuo perturbado que cuenta con la ayuda de su amante e inestable esposa. Escasas son las esperanzas de la familia de la desaparecida, horror profundo es el que experimenta ella misma, desorientación la que sufre una policía que no da con la pista correcta, placer malsano el que disfruta la pareja secuestradora... cuatro hilos que se trenzan en una espiral de violencia y miedo.

Muchas son las virtudes de esta potente obra de Ben Young, responsable de la dirección y el guión de la película, inquietante y perturbadora, tanto que le han abierto la puerta a participar en diversos festivales obteniendo el favor de crítica y público, como en Sitges o la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián.

La muy personal mirada de este director eleva la calidad visual de "Hounds of Love" a un alto nivel. El regodeo de sus ojos, en inquietante cámara lenta, por el entorno de caza de la pareja, su ambiente y posibles víctimas, nos predispone desde el inicio mismo a un estado de ánimo suspendido entre la fascinación y el terror. La perspectiva de su cámara, alternando la visión de poder de los captores y trasladándonos a la desesperada indefensión de la víctima encerrada, alternativamente, es tan sabia que hace de la experiencia de su visionado algo totalmente inmersivo, voyeur y desgarrador.

Tanta sensación de verdad se ve subrayada y reforzada por la espectacular interpretación de su elenco protagonista, en especial, la de aquellos que interpretan a la despiadada y perturbada pareja secuestradora. Su relación, su devenir psicológico, su inestabilidad y la peligrosidad de una personalidad al límite de la cordura se retratan con tal nivel de detalle e intensidad, tal verosimilitud, que resulta escalofriante. Un trabajo para quitarse el sombrero.

Bien es cierto que "Hounds of Love" nos acerca una historia mil veces contada en el cine, pero lo hace de una forma tan milimetrada, cuidada y estudiada en lo visual, narrativo e interpretativo, que tiene como resultado una película de alta calidad de las que dejan poso en la memoria y consiguen que el nudo en el estómago que logra atar en la audiencia, les acompañe más allá de la salida de las puertas de la sala de cine. Recomendable.

Enoch
Valoración:8/10
Trailer:

lunes, 8 de enero de 2018

7 Witches - Brady Hall

Título original: 7 Witches

Año: 2017
Duración: 75 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Brady Hall
Guión: Brady Hall, Ed Dougherty
Música: Brady Hall
Fotografía: Ryan Purcell

Reparto: Persephone Apostolou,  Megan Hensley,  Mike Jones,  Macall Gordon, Danika Golombek,  Nancy Frye,  Bill Ritchie,  Ben Van Dusen,  Kris Keppeler, Rory Ross,  Lorraine Montez

Productora: GMMG Films

Dos jóvenes, de muy distintos estilos y orígenes, han decidido unir sus destinos para siempre en matrimonio. Para celebrar su boda, se desplazarán a una isla lejos de todo, donde la familia de una de las jóvenes tiene su hogar y les espera para conocerse y proceder con los ritos. El lugar, inhóspito y gris, y sus habitantes, misteriosos y siniestros, les reciben con los brazos abiertos prestos a celebrar un ritual que no es el que los visitantes jamás podrían imaginar.

La película, escrita y dirigida por Brady Hall, trata, con sus escasos recursos, de adentrarnos en un ambiente malsano y amenazante en el que, con una buena idea de partida, inquietar al espectador con una historia en la que, desde el comienzo, se masca la tragedia...

"7 Witches" trata de insuflar a su relato una atmósfera siniestra a través de un trabajo de fotografía gris, plomizo y oscuro, tanto que satura y pierde parte de efectismo ante la falta de matices y el abuso y falta de contraste. El mismo tratamiento da a los oscuros habitantes de la isla, exagerando su hieratismo y rictus, restando naturalidad a la interacción de personajes y perdiendo verosimilitud mostrando una situación que, pese a lo inquietante, no resulta en ningún momento creíble.

La labor del grupo de actores y actrices que pueblan esta propuesta tampoco ayuda a la veracidad de lo narrado, con una galería de interpretaciones cercanas a lo amateur, factor que termina de conseguir que la audiencia no se sumerja en los avatares de su funesto destino.

Hay innumerables casos en los que la falta de medios económicos para la realización de un film no es impedimento para que brille el talento y la creatividad, pero "7 Witches" no está entre ellos. Errónea en su realización formal e interpretativa, sólo la encuentro salvable en la vertiente argumental, donde tenía una interesante historia como base que no ha sabido explotar como merecía. Fallida.

Enoch
Valoración:3/10
Trailer: