jueves, 27 de noviembre de 2014

Corazón Silencioso - Silent Heart (Stille Hjerte - Bille August)

Título original: Stille hjerte
Año: 2014
Duración: 97 min.
País: Dinamarca

Director: Bille August
Guión: Christian Torpe
Música: Annette Focks
Fotografía: Dirk Brüel

Reparto: Ghita Nørby, Morten Grunwald, Paprika Steen, Danica Curcic, Jens Albinus, Pilou Asbæk, Vigga Bro, Oskar Sælan Halskov

Valoración:8/10

Tres generaciones de una misma familia se reúnen en el apartado hogar de los abuelos, la casa junto al lago, retiro de paz. Mas poco sosiego revestirá una reunión que gira en torno a la figura de la matriarca, una anciana sobre la que muerte extiende sus inexorables garras en forma de letal enfermedad y que quiere despedirse de cada miembro de la familia y decidir por sí misma cuándo apagar su existencia de una forma digna. Tan controvertida situación tendrá las emociones de todos los asistentes a flor de piel, y no tardarán en, además de las melancólicas lágrimas y sonrisas, surgir las rencillas subyacentes.

El afamado director danés Bille August, responsable de éxitos como “Pelle, el conquistador”, “La Casa de los Espíritus” o “Las Mejores Intenciones”, entre otros muchos, lleva a la gran pantalla, a través de un guión de Christian Torpe, este retrato familiar, que más allá de diseccionar con hábil lenguaje  las relaciones entre parientes, enfrenta sin miedo un tema tan controvertido como de eterna actualidad como es el de la eutanasia. Su buen hacer le reafirma como el gran director que es, y le abrió la puerta a “Silent Heart” a participar en la Sección Oficial del 62 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde una de sus protagonistas alzó el trofeo a la mejor actriz.

Pese a lo pequeño de su formato, la película tiene diversos factores a destacar. Comenzaremos por una fotografía espectacular de Dirk Brüel, que sabe sacar partido de los espacios abiertos con un preciosismo fantástico, así como de los momentos más íntimos y concretos dentro del hogar. Sumaremos un guión muy equilibrado que sabe no sólo dibujar con inteligencia el abanico de personajes, sus trasfondos y claroscuros, sino que destaca en lo equilibrado de las emociones que consigue transmitir, con la justa dosis de humor alocado y el justo volumen de lágrimas para generar verosimilitud y cercanía, sabe manipular al espectador, llevarlo a su terreno y sobrecoger su ánimo con verdad.

Y por último, mas no por ello menos importante, está el factor interpretativo, que en “Silent Heart” es simplemente brillante. Todos y cada uno de los actores y actrices están sobresalientes en sus creaciones, factor absolutamente necesario para que la narrativa resulte creíble y el espectador pueda empatizar con ellos. No obstante me gustaría resaltar el trabajo de dos de las actrices que me parecen especialmente llamativos. Por un lado el de Ghita Norby, encarnando a esa madre y abuela nexo entre todos ellos cuya vida se apaga. Su labor resulta impecable, tanto en su vertiente más simpática como en la más desgarrada. Pero es una de sus hijas en la ficción, Paprika Steen (“Celebración”, “Fear me not”, “Te quiero para siempre”, ect.) quien realiza el trabajo más rico en matices. Su personaje es el que más evoluciona, más cambia, más se arriesga, adapta y convence. El jurado del 62 Festival de San Sebastián le otorgó una muy discutida Concha de Plata a la mejor actriz que causó controversia, pero que desde aquí aplaudimos, pues sin duda el trabajo de Paprika es para quitarse el sombrero y nos convenció completamente.

“Silent Heart” es en conclusión, un pequeño drama familiar magníficamente escrito e interpretado cargado de intensas emociones. Recomendable para todos aquellos cinéfilos que gusten de cine cercano, que hace pensar, y más aún, sentir.

Enoch
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Violento (Andrew Huculiak - Violent)


Valoración:8/10

Dagny es una joven que habrá de enfrentarse cara a cara con la muerte, y, para ello se enfrentará también al recuerdo de diversas etapas de su corta vida, revisitará personas, lugares y situaciones cruciales en su existencia. Con la cadencia de un poema, “Violent” sumerge al espectador en aguas ora turbulentas, ora calmas, donde hermosas imágenes del entorno noruego donde se desarrolla la historia se mezclarán con otras mucho más grises del día a día de la protagonista así como con otras mucho más oníricas y fantásticas, donde el umbral de realidad y ficción, vida y muerte, es más fino.  

Andrew Huculiak dirige este atípico proyecto escrito en colaboración con otros guionistas y que le ha llevado de su Canada natal a sumergirse en los parajes de la fría Noruega a rodar una onírica y extraña película que estimula tanto el pensamiento como los sentidos con su lírica narrativa. Tal originalidad le ha abierto las puertas a diversos festivales como el de San Sebastián, e incluso a ser galardonado en algunos como el de Karlovy Vary o Vancouver.

El film está protagonizado por Dagny Backer Johnsen, una joven que dota de gran verdad a su personaje y es espina dorsal de la historia pues su rostro y su mirada son la tinta que susurra al espectador en este existencialista poema.  Los versos del guión se aderezan, se adornan con una expresiva y notable fotografía (brillante sobre todo en las oníricas imágenes que desafían la lógica –y la gravedad-), una selección impoluta de localizaciones y un juego estupendo de sonido e imagen abstracta que subrayan perfectamente los textos enlazando los diversos capítulos, episodios de una vida que conducen a una muerte.

Es “Violent” un compendio de reflexiones y simbólicas metáforas, un canto tanto a la vida como a la muerte, una mirada desesperanzada a las relaciones entre los desapegados y siempre egoístas individuos y una espiritual mirada a lo trascendente del alma humana.

Una película rompedora, inusual, emocional y emocionante, pero a la par, no apta para todos los paladares dado lo complejo, metafórico y poco habitual de su tono, narrativa y puesta en escena. Ideal para buscadores de nuevas experiencias cinematográficas, Huculiak se erige como una voz a escuchar, un director con una creatividad a tener en cuenta y observar.

Enoch
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miércoles, 26 de noviembre de 2014

The Canal (Ivan Kavanagh)

Valoración:4/10

Oscuros acontecimientos sacudirán la tranquila existencia de un joven, la sospecha sobre sus seres queridos y sus posibles engaños así como fenómenos inexplicables que se apoderan de su hogar y parecen seguirle dondequiera que va. Paralelamente, el joven, trabajará sobre documentos de archivo de principios del siglo, entre los que descubrirá que el que ahora es su hogar fue marco de trágicos acontecimientos, un cruento crimen cuya sangrienta sombra parece extenderse hasta el presente.

Ivan Kavanagh dirige y escribe esta producción de terror de origen irlandés que sabe hábilmente jugar con ficción y realidad, con la continua y razonable duda sobre la naturaleza de lo narrado, si pertenece a lo sobrenatural, paranormal o espiritual, o si los fantasmas no son más que los demonios de una mente desquiciada.

Que un film de estas características funcione depende mucho de la labor del actor que encarne al eje en torno al cual giran los acontecimientos. En este caso, se trata de Rupert Evans (Hellboy, Ágora, etc.) que realiza un loable trabajo aportando credibilidad y angustia a la historia. A su favor juega también su buena labor a la hora de transformar lugares de la rutina de los protagonistas, como el hogar, unos baños públicos o el canal junto al que caminan cada día, en escenarios de pesadilla.

Pero un peso pesado lastra la integridad de la película, y es la sensación de “ya visto”. Las referencias a otros films de género son infinitas y no como homenajeo guiño, sino que son utilizadas en momentos de teórico impacto y supuesta sorpresa o tensión. Muchos recursos no sólo son identificables con lo ya utilizados en otros films de terror de éxito sino que resultan ya manidos y restan tanto emoción como originalidad al film transformándolo en algo previsible y falto de personalidad.

El trabajo de Ivan Kavanagh  apunta maneras, pero de momento el resultado es fallido. Prescindible.

Enoch
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martes, 25 de noviembre de 2014

Zombeavers - Castores Zombies (Jordan Rubin)

Valoración:3/10

Un grupo de descerebradas jóvenes se dirigen a pasar un fin de semana en una cabaña del bosque junto al lago, lejos de su rutina, sus vidas y sus parejas. Mas el grupo de aún más descerebrados novios no admitirá quedarse fuera de la escapada y no tardarán en unirse a las chicas y sus planes de locas veladas desinhibidas y bañadas en alcohol. Pero la diversión se verá sangrientamente interrumpida por la aparición en escena de uno castores zombies de desarrollada inteligencia e insaciable sed de muerte y destrucción. Comenzará la batalla por la supervivencia…

En unos tiempos cinematográficos donde triunfa el humor sangriento, en el que los zombies son los reyes del panorama del terror y en el que los animales asesinos de casposa factura (léase “Sharknado”, “Piranha 3D”, etc.) acaparan espectadores, “Castores Zombies”, un proyecto firmado por el director Jordan Rubin,  sale a la luz aunando los tres ingredientes en busca de un garantizado divertimento para el espectador.

La idea, pese a que pueda resultar en primera instancia absurda, tiene su encanto teniendo en cuenta que no nos encontramos ante una película que en ningún momento pretende tomarse en serio a sí misma, pero… realmente la fórmula funciona?. Para mi personal gusto, no lo consigue.

El film comienza entreteniendo e incluso divirtiendo, pero pronto se ve que no hay mucho donde hincar el diente en esta producción que pronto gasta toda su artillería y agota lo sencillo de su parte cómica para luego concatenar chistes y situaciones risibles sin genio alguno. Pienso que del mal resultado de  “Zombeavers” no podemos culpar a su parte técnica ni a sus voluntariamente cutres efectos visuales (perfectos para una lúdica sesión de serie Z), sino que el fracaso nace del guión (del propio director junto a Al y Jon Kaplan), que no sabe sacar partido a la parodia ni brillar con originalidad alguna, menos aún hacer interesante la historia y los personajes de coeficiente intelectual inferior a los propios castores animatrónicos.

En conclusión, un film que ni funciona como terror serio ni como comedia, que resulta sólo apto para el visionado entre amigos, risas y comentarios, pero sin prestarle mucha atención. Fallida.

Enoch
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lunes, 24 de noviembre de 2014

Frío en Julio (Cold in July - Jim Mickle)

Valoración: 6/10

Corren los años ochenta, nos ubicamos en Texas, y allí conoceremos a Richard, un tranquilo padre de familia que se tornará héroe local al verse forzado a disparar a un intruso que entra en su hogar de madrugada. Su vida dará un giro de trescientos sesenta grados tras este acontecimiento y se verá inexorablemente enredado en una intrincada trama de corrupción abocada a una espiral de violencia.

Jim Mickle, responsible de films bien considerados por la crítica como “Stake Land” o “We Are What We Are”, regresa a la primera línea del cine independiente y vuelve a recorrer los festivales de género con otro producto que se sale de la norma y es digno de cosechar nuevas alabanzas.

“Frío en Julio” es un thriller inspirado en la novela de Joe R. Lansdale, guionizada por el propio director y Nick Damici que no dejará de sorprender al espectador. Nada en “Cold in July” es lo que parece, todo cambia, evoluciona, gira y acelera en una montaña rusa de acontecimientos que hacen que nada tenga que ver el final de la película con su principio en cuanto a tono narrativo, temática e impresiones que el espectador pueda tener de sus personajes principales. Conseguir este efecto es un gran mérito por sí mismo, pues la repercusión primera es la captura de atención absoluta de una audiencia que inmediatamente queda absorbida por el relato de principio a fin.

Su trío protagonista, formado por Michael C. Hall (Dexter), Sam Shepard (Elegidos para la Gloria, Black Hawk Derribado…etc) y Don Johnson (Corrupción en Miami) , realizan un agradable trabajo que refuerza la calidad de la historia gracias a la cantidad de matices con las que profundizan en sus personajes. A ello se le suma una correcta factura técnica y un montaje que dinamiza y engancha.

Una película independiente pequeña pero de calidad que reafirma el buen hacer de este director tan prometedor. Interesante.

Enoch
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