Repo! The Genetic Opera

Valoración: 8/10

    Twisted Pictures vuelve a contar con el director Darren Lynn Bousman para esta producción (tras hacerlo con varias entregas de la saga “Saw”). En esta ocasión, el director da un giro de 360º a su estilo para ofrecernos un bizarro musical basándose en un cortometraje que él mismo realizó en 2006.

    La película nos narra cómo, en el siglo XXI, una epidemia está devastando la vida humana provocando fallos orgánicos que conducen a la muerte a la avanzada sociedad. Dentro de ese contexto surge la empresa Geneco, que alcanza un enorme poder poniendo a disposición de la ciudadanía trasplantes y cirugías… pero todo tiene su doble filo, y si quien utiliza los servicios de la empresa incumple el contrato o evita los pagos, Geneco se reserva el derecho de recuperar los organos a cualquier precio a través de RepoMan, el ejecutor…

    Este mundo está poblado por excéntricos personajes, como el interpretado por Alexa Vega, una joven infectada que no puede salir de su casa, la diva ciega, el propietario de Geneco y sus indecentes herederos, el señor del cementerio… una amalgama de contrapuestas personalidades, contrapuestos intereses, radicales estéticas…

    Desde sus origenes, “Repo! The Genetic Opera” ha tenido una campaña de marketing de lo más interesante, tanto su promoción a través de internet, como otros muchos detalles: pases en festivales con medidas de seguridad contra piratería que ninguna otra proyección tenía, estrenos limitadísimos… todo ello dirigido a generar una imagen de exclusividad, de “película de culto” aún antes de su estreno. Este hecho es un factor efectivo pero peligroso, pues genera unas altísimas expectativas en los espectadores que condicionan su opinión y su nivel de exigencia a la hora del visionado de la cinta.

    Si en algo destaca esta bizarra película es en su puesta en escena, en el cuidado del detalle en cada escenario, en cada maquillaje, en la elección de cada prenda de vestuario… nos presenta un mundo futurista, gótico, industrial, ciber… mil etiquetas para un universo que desborda la mirada del espectador con una calidad rompedora.

    Otro de sus puntos fuertes, como no podía ser de otra manera, es su banda sonora… no olvidemos que no estamos ante un “típico musical”, sino ante una opera rock, con lo que debemos olvidarnos de cancioncillas pegadizas de fácil estribillo a recordar, no, Repo! Está narrada casi íntegramente a través de las canciones y se ha de vivir como una ópera, no como un musical., o la decepción está garantizada.

    En cuanto a su variopinto reparto diremos que prácticamente en su totalidad bordan sus interpretaciones, incluso Paris Hilton no se hace del todo insorportable (quizás por interpretar a un personaje paródico de sí misma, un guiño fresco y cargado de humor para el público), bajo mi punto de vista la más lograda resulta la de Sarah Brighman, que regresa al musical encarnando a la diva ciega, un personaje misterioso, de gótica apariencia y que destila oscuridad en cada plano, a mi entender, lo más inolvidable de la película.

    Pero “Repo! The Genetic Opera” tiene también cosas en su contra… no podemos olvidar su origen de cortometraje, y en más de un punto de la película eso pesa, el argumento gira a ratos demasiado sobre sí mismo y la orgía visual ofrecida no siempre consigue hacernos olvidar ese punto, pienso que esta es una de sus mayores debilidades.

    No obstante, por lo altamente innovadora, diferente y arriesgada, esta película merece ser visionada, dejarse llevar a este mundo de oscuridad, sangre, decadente glamour… a este mundo onírico de pesadilla poblado de enfermas criaturas que nos cantan a ritmo de rock… ¿estamos ante la nueva película de culto que pretendía ser? Alta es la controversia entre aquellos que la hemos visto ya… y ante una pregunta así, es un hecho que le beneficia… Personalmente, aunque no la encuentro perfecta, la disfruté y la recomiendo a buscadores de nuevas experiencias cinéfilas.

Enoch

Martyrs

Valoración: 8/10

    Pascal Laugier, quien ya dirigiera la película “Saint Ange” (Titulada en nuestro país “El internado”), protagonizada por Virginie Ledoyen, volvió  al panorama del terror con la propuesta más controvertida, transgresora y comentada del panorama del cine de género del 2008.

    En ella nos narra la historia de dos jóvenes. La primera de ellas tiene un pasado extremadamente doloroso, fue secuestrada y torturada al límite, hasta el punto en que no sólo su cuerpo sufre las secuelas, sino que su mente misma tiene heridas irreparables. La segunda, su amiga inseparable, no puede sino ver cómo se gesta el mal en ella, cómo la venganza se convierte en un monstruo sediento que sólo puede ser saciado con sangre. En esta búsqueda de muerte y redención pronto dará con sus antiguos captores. El secreto que ocultan, el por qué de sus vejaciones a adolescentes traerá al presente un dolor aún mayor que el que había quedado atrás.

    La película viene presentada en dos partes claramente diferenciadas. La primera de ellas resulta trepidante, totalmente teñida de sangre y seres de pesadilla, algunos imaginarios, otros de carne y hueso… un ritmo intenso que encoge el corazón del espectador mientras transcurre en pantalla. Tras él, encontramos un cambio de tono… la violencia se extiende más allá de lo físico, se ralentiza a la vez que se hace más cruel, amargo martirio a ritmo de una dulce música que no hace sino intensificar lo cruento de las imágenes a las que acompaña.

    Muchas son las bazas de esta producción, no sólo el perturbador maquillaje que ya le hiciera merecedora de un premio otorgado en el festival de Sitges, sino también la interpretación de sus dos protagonistas, un guión lleno de sorpresas y un cuidado uso de la música y otros pequeños detalles que hacen de este film algo innovador.

    En su contra opino que juega ese salto que se produce a mitad del metraje, ese cambio de tono, de ritmo… en mi opinión consigue generar dos partes totalmente complementarias, pero el recurso ha generado controversia. Como ya ocurriera con “Rec”, su publicidad es su mayor enemiga… desde su presentación en Sitges se vendió como “lo nunca visto en violencia”, enseñándonos ambulancias en los cines, contándonos los vómitos vertidos desde el público y demás… una publicidad que lleva al espectador a sin quererlo juzgar la película por el “asco” que ha pasado o por lo fuerte de sus escenas de violencia… olvidando por completo juzgar la película en su conjunto. Gran error, nada mejor que enfrentarse a “Martyrs” con la mente abierta y sin esperar nada, sólo así generará el impacto deseado.

    Como personalmente pudimos comentar con su director, “Martyrs” es pura catarsis, un ejercicio de contracultura no destinado a vender un gran mensaje, sino a despertar las dormidas mentes (y estómagos) de los espectadores de cine de terror actual, un film con ánimo de romper moldes… y, bajo mi modesta opinión, con salvedades, lo consigue, sino únicamente hay que echar un vistazo a las encontradísimas críticas recibidas, hay quien la tilda de obra maestra del terror/gore y quien la etiqueta como pura basura.

    Un servidor la disfrutó, y aunque le encontré factores discutibles, pienso que es una buena película que fuerza al cine de género a revisarse a si mismo. Recomendable para todos aquellos que busquen algo fuerte, agresivo y rompedor.

Enoch

Sauna

Valoración: 8/10

    El director finlandés Antti-Jussi Amila nos transporta en esta su segunda película al siglo XVI, para sumergirnos en un frío mundo de post-guerra, pleno de dolor…

    Su argumento se centra en la figura de dos hermanos, Knut y Erik, encargados, junto a otros soldados, del trazado de fronteras una vez finalizada la guerra entre Rusia y Suecia. Muchas son las atrocidades cometidas durante el período bélico, pero no serán las últimas a cargo de esta pareja de hermanos… tras ellos queda un rastro de crueldad. Su viaje les conducirá a un pueblo fronterizo, olvidado, que ni figura en los mapas. Allí encontrarán peculiares habitantes, peculiar ambiente y un oscuro pasado. Junto a él, hallarán una siniestra Sauna de piedra… de la que las leyendas locales dicen que puede lavar los pecados del cuerpo y del alma. La culpa, lo real y lo sobrenatural confluirán en este entorno, se masca la tragedia…

    Nos encontramos ante un film atípico, metafórico y complejo. Se aleja en sus formas y contenido del cine de terror al que actualmente estamos acostumbrados y se acerca más a un cine de autor, de arte y ensayo, donde prima más el contenido ideológico que el espanto visual infligido al espectador.

    Muchas son, a mi modo de ver, las virtudes de esta película. Entre ellas destacaría sobre todas las demás la labor interpretativa de sus dos protagonistas, que resulta a ratos verdaderamente escalofriante, así como la fotografía de Henri Blomberg, su modo de mostrarnos los desolados parajes y la más densa oscuridad cubierta de la más pálida nieve, tiene un gran mérito y consigue una ambientación que dota al film de una inusitada elegancia.

    Otros aspectos destacables de esta producción son el diseño de las criaturas y apariciones, su música a cargo de Panu Aaltio y su analítica, en clave sobrenatural de la culpa, de la crueldad… ¿qué es peor?¿ser atroz uno mismo?¿o permitir que quien está a nuestro lado lo sea y no intervenir?... muchas son las preguntas que formula esta película escondidas entre miradas, entre leyendas, bajo palabras entredichas…

    En conclusión, si una palabra define la película “Sauna” es ELEGANCIA, un film refinado, de impecables formas y poético fondo… Eso sí, en honor a la verdad diremos que estamos ante un producto complejo, bastante complejo, no apto para todos los paladares, pero más que recomendable para aquellos buscadores de novedades y proyectos arriesgados dentro del cine fantástico y de terror con contenidos.

Enoch

Rovdyr - El placer de la Caza (Manhunt - Backwoods)

Valoración: 6/10

    Desde Noruega nos llega esta película dirigida por Patrik Syversen, que junto a una de las protagonistas del film, Nini Bull Robsahm, la escribió pretendiendo homenajear a las películas de terror de los setenta, como “La matanza de Texas”.

    En ella se nos narra la aventura de cuatro jóvenes que a bordo de una típica furgoneta de la época se dirigen a pasar unos días campestres. Pronto se detienen en un bar de carretera donde discurre el primer encontronazo con los lugareños. Allí se une al grupo una extraña, una mujer asustada… y con razones para estarlo. Al poco de partir serán interceptados en la carretera y llevados inconscientes a lo más profundo del bosque… suena un cuerno de caza… y ellos son las presas, la carrera por la supervivencia comienza…

    Rodada con muy poco presupuesto y en muy poco tiempo, Rovdyr posee fortalezas y debilidades igualadas.

    En su favor podemos argumentar lo agobiante de las localizaciones, lo cuidado de la sencilla fotografía y, sobre todo ello, varias escenas gores que tras su visionado permanecerán en la memoria del espectador, no se queda en los ya manidos cepos ocultos en el bosque, sino que juega con el alambre de espino y el destrozo de partes de la anatomía de los perseguidos que sorprenden.

    En su contra juega el hecho de que, pese a su reducido metraje, pierde bastante tiempo al comienzo para una presentación de personajes que resulta lenta y poco aporta, la audiencia no empatiza con ellos, con sus caracteres ni sus problemas personales, lo que resta emoción a la trama. Igualmente posee alguna que otra escena de dudosa credibilidad, como resulta una en la que un arco y una flecha de primitiva construcción participan…

    En un punto medio y de controversia se ubica el uso de los tiempos, los asesinos se alargan en su relación con sus víctimas, y los momentos de tensión se extienden… este hecho ha dividido al publico, hay a quien le aburre (más de uno se preguntaba si en Noruega regalan el metraje…) y hay a quien, como a mi, le hace disfrutar más de la escena y subraya el dramatismo de la misma.

    En conjunto, Rovdyr (o Manhunt, o Backwoods… diversos y excesivos son los títulos que se le van colgando) no es una película sobresaliente, pero aprueba lo que sus intenciones prometen, homenajear a un género ya lejano en el tiempo, un género en el que los personajes daban igual, en el que la persecución era la protagonista y la muerte de cada uno de ellos un regalo a la morbosa retina del espectador. Supongo que este homenaje también lleva a una completa sensación de “ya visto” para los amantes del género… pero para un amante del cine nórdico como el que escribe, Patrick Syversen ha sabido darle un toque de interés.

    Entretenida, suficientemente corta para no cansar al espectador y digna para pasar un buen rato con palomitas salpicadas de sangre.

Enoch

The Cottage: Un oscuro Secreto

Valoración: 6/10

    Tras su largometraje debut, “London to Brighton”, Paul Andrew Williams cambia de tercio sumergiéndose en un delirante film entre el terror y la comedia.

    “The Cottage” nos narra la historia de un secuestro llevado a cabo por dos hermanos sin experiencia para conseguir dinero rápido. La malhumorada víctima les hará la vida imposible, y con la entrada en escena de su propio hermanastro como cómplice del delito su paciencia se agotará y a cabezazo limpio consigue escapar. Los criminales no pueden permitirlo y la persiguen por el bosque, desatendiendo las advertencias de carteles que avisan de que se adentran en propiedad privada… el granjero dueño de las tierras, es cualquier cosa menos apacible… la orgía de sangre y risas está servida.

    En una época donde parece estar todo dicho en el terror y en el que la carcajada de lo gore busca un chiste demasiado obvio plagiando en clave de humor escenas ajenas, llega esta película que sabe, a la vez que homenajear los films a los que hace referencia, tener su carácter propio, su humor propio nacido de lo absurdo y le creativo.

    Los recursos de la película son limitados, pero los explota a la perfección para conseguir la carcajada del espectador. Unos personajes caricaturizados (el careo del secuestrador torpe y la víctima de un carácter de mil demonios no tiene desperdicio) al extremo, un asesino demente que de puro bizarro se hace adorable mientras descuartiza al reparto, alguna sorpresa en la manga y un ritmo trepidante hacen de esta película un vehículo de entretenimiento fresco y divertido.

    “The Cottage” es sin duda bien recomendable para pasar un buen rato entre risas, entre amigos, sin buscar en ella una gran película ni nada excesivamente memorable, sino para garantizarse una salida de la sala de cine con la sonrisa puesta… aunque no excesivamente duradera. Interesante y sobre todo, divertida.

Enoch

Tokyo Gore Police

Valoración: 5/10

    Yoshihiro Nishimura dirige esta película venida de Japón donde el gore, el sexo y la acción son sus prioritarias bazas.

    En ella se nos cuenta la historia de Ruka (a la que conocemos por ser la “femme fatale” de “Addiction”), una agente de policía cuya misión es erradicar a los mutantes que se esconde entre la población. Estos seres son creación de un científico loco al que se conoce como Kay Man. Las batallas son encarnizadas, trepidantes y muy sangrientas pues Ruka no busca sólo hacer su trabajo, sino que está infectada por el deseo de venganza en busca de aquel que asesinó a su padre.

    La película arranca muy fuerte, con mucha acción, y pretende mantener el ritmo durante su (excesivo) metraje… pero pese a los ingentes baños de sangre, creativas criaturas y rocambolesca y tramposa historia… no lo consigue.

    Juega este film con el ánimo del espectador, posee tramos de extrema comicidad, como los anuncios que van apareciendo (inolvidable el de los cutters especialmente diseñados para cortarse las venas ¡Disponibles en cinco colores diferentes!), otros de extrema violencia, acción y sangre y por fin otros perturbadores (el tramo desarrollado en el burdel y las “criaturas” que muestran demuestran una gran y enferma imaginación del autor).

    Pero, pese a tener en su contenido tantos buenos elementos, el conjunto no llega a cuajar, por alguna inexplicable razón, el espectador que disfruta de la primera mitad del metraje, se divierte, se ríe… pero acaba inevitablemente hastiado y sin importarle apenas lo que ocurre en pantalla, sólo esperando el final… que se hace desear más de la cuenta.

    En conclusión, una película divertida para ver con amigos y en un ambiente de cachondeo, pero que estaría infinitamente mejor considerada si cualquiera de sus armas cortantes hubiera mermado el volumen de su metraje en gran medida… arranca la audiencia con carcajadas y asombro y termina con bostezos…

Enoch

Sleep Dealer

Valoración: 7/10

    Alex Rivera dirige esta fantasía coproducida por México y USA y que ha pasado por diversos festivales como el Internacional de Cine de San Sebastián, Sitges o la Semana de Cine Fantástico de Donostia.

    En ella se nos sitúa en un futuro en el que los países tienen sus fronteras cerradas y el tráfico humano está más que controlado. Lo mismo ocurre con las reservas de agua, un tesoro de incalculable valor. En este entorno nos presenta a Memo Cruz, que vive en un entorno rural y que por un problema nacido de su intrusión en asuntos de seguridad ha de emigrar a la ciudad. Allí comenzará a trabajar conectando su sistema nervioso a las modernas tecnologías que le permiten realizar tareas a distancia y conocerá a una mujer que le hará vivir diversas aventuras…

    Es esta película muy interesante por su intrincado argumento y las muy diversas lecturas que pueden hacerse de él sobre lo social, político, humano, tecnológico… Sin grandes medios nos sumerge en un entorno creíble y verosímil a la vez que fantástico, y eso es muy de agradecer y bien meritorio.

    En cuanto a sus protagonistas, Leonor Varela y Jacob Vargas podemos decir que desempeñan muy dignamente sus papeles y los hacen muy humanos en un mundo dominado por la fría tecnología y las más frías ambiciones y manipulaciones gubernamentales.

    En conclusión, una película sorprendente, que no deja al espectador indiferente y sabe jugar de una manera sabia con sus muchas bazas. Recomendable.

Enoch

Suspense (The Innocents)

Valoración: 9/10

    “Suspense”, el film de 1961, dirigido por Jack Clayton y todo un clásico del terror, resulta ser la más fiel e inspirada adaptación de las (múltiples) realizadas hasta la fecha de la inspirada novela de Henry James “Otra vuelta de Tuerca”, la pluma de Truman Capote en el guión y las arrebatadoras interpretaciones hacen de ella un clásico irrepetible.

    La historia mil veces contada (solo que en esta ocasión, bien contada) nos narra cómo una institutriz (Deborah Kerr) llega a una casa victoriana para hacerse cargo de unos niños aparentemente adorables. Pronto tendrá que hacer frente al oscuro pasado que rodea la vida de estos niños, descubre cómo sus anteriores compañeros de juegos, unos criados, murieron en trágicas circunstancias… averigua que los niños aún pueden verlos y deduce que la influencia del más allá no es nada positiva… ¿o acaso es todo un turbio juego de su puritana mente?

    Todo es loable en esta producción, desde su cuidada adaptación hasta su refinada estética que el blanco y negro de la época dota aún de más elegancia.

    Deborah Kerr está irrepetible encarnando a esta institutriz mil veces vista en el cine (y cuya encarnación desde entonces ha sido totalmente olvidable, salvando por mi parte quizás únicamente a Sadie Frost en “El Celo” otra adaptación de la misma novela bastante aceptable) al igual que los niños, sobre todo Miles, que borda un infante que no sólo consigue el escalofrío de su institutriz, sino también del espectador.

    Varias son las escenas de la película que quedan grabadas en la retina y mente de la audiencia, pero sobre todas ellas destaca el recitado de un poema (diabólico en sus labios) que realiza el niño, hipnotizando al reparto y arrastrándolo a las tinieblas, a su propia oscuridad.

    Otro punto muy a destacar de la producción es el respeto formal a la duda razonable que representa la médula espinal de la novela… ¿es real lo que ocurre?¿está acaso en la mente de su protagonista? Otras adaptaciones se han decantado de una un otra forma hacia una respuesta clara, esta película deja al espectador sacar sus conclusiones, y como muchas veces ocurre en este tipo de películas la duda es más aterradora que la obviedad.

    Un clásico a reivindicar y a no dejar ubicarse en el olvido. Altamente recomendable.

Enoch

The Alphabet Killer

Valoración: 4/10

    Rob Schmidt, aquel que en su día cosechara un nada desdeñable (y bastante inexplicable) éxito al dirigir “Kilómetro 666” cambia  de rumbo para embarcarse en un thriller paranormal.

    La película nos narra las pesquisas de una detective (Elisa Dushku, a la que conocemos por series como “Angel” o “Buffy”, entre otras) que persigue a un asesino de niñas. La peculiaridad de este asesino en serie viene dada porque el nombre y el apellido de la niña asesinada, así como la ciudad donde es hallado el cadáver, comienzan por la misma letra. La investigación comienza con normalidad, pero pronto a la protagonista comienzan a sucederle hechos misteriosos, empieza a recibir visitas del más allá. Este hecho la llevará al internamiento donde se cuestionan sus facultades para desempeñar el trabajo… pero ella no puede sacarse el caso de la cabeza.

    Este film, como tan de moda está en estos últimos tiempos, se autopublicita como “basado en hechos reales” y pienso que este factor le perjudica más que le beneficia, teniendo en cuenta que el “factor sobrenatural” a lo largo del metraje es muy explícito y abundante, con lo que, en lugar de la duda en el espectador, genera la incredulidad.

    En su contra esta película tiene demasiados factores que me llevan a tildarla de “poco recomendable”. La interpretación de su protagonista, Elisa Dushku, está totalmente sobreactuada (su colección de ticks me produjo más de una carcajada), el resto de personajes son bastante “vacíos”, con lo que la audiencia no sentirá nada (aburrimiento, quizás) ante sus aventuras y desventuras y, finalmente, el desarrollo de la trama es demasiado obvio, el espectador puede perfectamente anticiparse a cualquier factor que luego pretenderá ser “sorpresa”.

    A su favor poco me queda, quizás sea remarcable (aunque tampoco demasiado) el maquillaje de pesadilla de las apariciones fantasmales, tiene algún momento brillante.

    Pienso que el director no ha sabido crear la tensión en el espectador obligándole a buscar al asesino en un intrincado puzzle, ni ha sabido dibujarnos el drama de su personaje principal haciéndonos plantearnos si realmente ve fantasmas o está simplemente loca (ni por asomo se acerca a la perfección del típico planteamiento “Otra vuelta de tuerca” de este factor). Todo ello hace de esta película vulgar y más digna de una sobremesa televisiva que de una sala de cine. Prescindible.

Enoch

Vigilancia (Surveillance)

Valoración: 6/10

    Jennifer Chambers Lynch (hija del afamado director David Lynch) dirige, tras su polémica “Boxing Hellena” este thriller policíaco que se alzó con la victoria en el festival de Sitges y clausuró inmediatamente después la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián.

    En él se nos narra la investigación en torno a los crímenes cometidos por un asesino en serie. Se nos sitúa la mayor parte del metraje en una comisaría, donde dos agentes del FBI reúnen a varios personajes implicados en una de las últimas apariciones del asesino para interrogarlos, sus versiones difieren, hay incongruencias, alguien miente…

    El simplista argumento de esta producción busca jugar a los puzzles, a los enigmas, reta al espectador a su inteligencia… y lo que consigue es su aburrimiento. Busca incansablemente la continua sorpresa, la complicidad de la audiencia, su sonrisa (utilizando un humor del que apenas nada tiene gracia alguna) y halla solamente un mero y eventual entretenimiento sin mucha garra.

    Sus protagonistas, exceptuando la niña que sí que consigue ciertos momentos de interés, resultan vacíos, resulta difícil implicarse con ellos y sus circunstancias… aunque bien es cierto que ver a Julia Ormond y Bill Pullman en tamaño cambio de registro dentro de sus pálidas carreras no esta mal… pero pienso sobrevalorados los honores concedidos por su incursión en esta película.

    “Surveillance” no es globalmente una mala película, en absoluto, está bien construída y resulta un thriller más o menos efectivo y de mayor calidad de lo que habitualmente estamos acostumbrados a disfrutar (sufrir) en las salas en estos tiempos… pero está lejos de ser la gran película que pretende ser y sus reconocimientos de diversos festivales son, en mi humilde opinión, poco merecidos. Estamos ante una película de domingo por la tarde, donde es bien digna para pasar el rato si no tenemos nada interesante que hacer, pero finalmente… finalmente es un producto más, olvidable.

Enoch

Prime Time

Valoración: 6/10

    Luis Calvo Ramos dirige esta película donde se habla de la dudosa moralidad de la “telerealidad” que tanto impera en el mundo de la televisión actual y pretende realizar un claustrofóbico estudio de la mente humana.

    Para llevar esto a cabo nos cuenta la historia de un grupo de personas que han sido violentamente secuestradas. Todas ellas despiertan en una habitación hermética (dotada de elementos de última tecnología para cubrir sus necesidades), no se conocen nos a otros y enseguida les es rebelado cómo han sido seleccionados para ser los concursantes de un nuevo reality concurso, donde el premio más importante consiste en salir con vida. A lo largo del concurso, la organización irá destapando los secretos de cada uno de los participantes, y la audiencia decidir quien continúa, y quién muere. Lógicamente este hecho despertará los más primarios instintos en los participantes y las tensiones entre ellos.

    La temática de la película, si bien es entretenida y de rabiosa actualidad, no brilla por su originalidad, ni en su idea, ni en su planteamiento, ni en las batallas dialécticas de sus protagonistas… más de una de las situaciones es sumamente previsible, más de un personaje maniqueo… mezcla que divierte pero no sorprende ni termina de convencer.

    En cuanto al elenco protagonista cabe destacar la actuación de su protagonista femenina, Leticia Dolera y de él criticaría la elección de Pablo Puyol (“Un paso Adelante”), que pese a que no lo hace especialmente mal (ni especialmente bien) no resulta convincente en tan duro rol, pesan en la memoria del espectador sus anteriores papeles (televisivos y musicales) y le resta credibilidad, restándosela igualmente al conjunto de la película al estar basada únicamente en sus personajes.

    Un aspecto agradable del film reside en lo visual, en el diseño de la habitación donde se ven recluidos, así como en varias reflexiones críticas que realiza sobre el mundo de la televisión, pero no son suficientes como para conformar una buena película, sino que facilitan el mero entretenimiento, no más. Pasable.

Enoch

La Madre del Mal ( La Terza Madre - Mother of Tears)

Valoración: 6/10

    El afamado director italiano Dario Argento (“Phenomena”, “Tenebre”…etc) vuelve a ponerse tras las cámaras, en esta ocasión para cerrar la trilogía de “Las Tres Madres” que comenzara con “Suspiria”, continuara con “Inferno” y se vea ahora terminada con esta “Mother of Tears”.

    En ella se nos narra cómo es hallado un féretro con restos humanos y junto a él una urna cubierta de símbolos mágicos y con elementos de ocultismo en su interior. Esta urna es enviada a un museo, donde caerá en las manos de Sarah Mandy (Asia Argento) y una compañera, pero su apertura no traerá más que desgracia. Sarah sobrevive a duras penas al hallazgo y se ve forzada a investigar qué hay tras esa urna, qué se esconde tras la oleada de violencia que asola Roma y amenaza expandirse al resto del mundo… no tardará en descubrir cómo con su imprudencia ha despertado a una poderosísima bruja, conocida como Mater Lachrymarum y atrae a todas las hechiceras hacia ella dispuestas a que la maldad reine sobre la faz de la Tierra. Sarah es la única que puede impedirlo…

    Esta historia de brujas de curioso e interesante argumento está protagonizada por Asia Argento, hija del mítico director y sobre la que, en esta ocasión gira casi la integridad de la película para su lucimiento personal (menos del que hubieran querido su multitud de acérrimos films, al menos en lo que a lo físico se refiere). Junto a ella encontraremos una amplia galería de esperpénticos personajes, entre los que está el incombustible Udo Kier, una colección de brujas (aparentemente transportadas en el tiempo desde los 80, totalmente colocadas y maquilladas cual Kimeras…) que parecen recién salidas de un after hours y un mono chivato al servicio de la altísima del mal… un reparto inconmensurable, sin duda.

    Los efectos visuales de esta película rozan lo extremo, poseen un aspecto de descaradísima serie B con espíritu de casposa serie Z, nos regalan imágenes gore o plagadas de unos efectos que provocan la más descarada carcajada (tremenda escena la del lanzamiento de un bebe al río… es imposible que se note más que es de plástico)… pero no por ello se hace desagradable esta producción, más al contrario, pues, en mi humilde opinión, Argento en esta ocasión ha decidido reírse de sí mismo, de su cine, de los tópicos, y realizar una película que desde la primera escena (el hallazgo del ataúd y la urna) busca la carcajada del espectador y que subraya, con su escena final que no desvelaremos, ese cachondeo cómplice con la audiencia.

    En conclusión, una película notablemente mala, premeditadamente mala pero altamente divertida, perfecta para pasar un buen rato de cachondeo con amigos, con cervezas y sin pretender enfrentarse a ella con seriedad, sino con la única voluntad del divertimento personal… luego sólo apta para aquellos con capacidad de buscar el chiste en el humor más negro, en la escena más casposamente gore y similares…

Enoch

Entre los sueños y la Muerte 2 (Nightmare Detective 2)

Valoración: 6/10

    Shinya Tsukamoto vuelve a ponerse tras las cámaras para dirigir esta secuela de su anterior film del mismo título.

    En esta segunda entrega, regresa el protagonista de la anterior, regresa el detective de las pesadillas… a él acude una joven asustada por cómo una compañera de instituto la persigue en sus peores sueños, a ella y a cuantas la hicieron daño. Pero en esta ocasión, el detective no tendrá que lidiar únicamente con este espectro, si no también con el de su propio pasado, los miedos y culpas que arrastra desde su más tierna infancia.

    Toda la brutalidad que este director regaló a la audiencia en Tetsuo, entre otras, nada tiene que ver con el pretendido virtuosismo de esta película. En este “Nightmare Detective 2” hay muerte, hay fantasmas, apariciones… pero también hay un elemento dramático que eclipsa quizás al fantástico y que puede hacer de que esta sea una película incomprendida.

    Pero estos elementos discordantes con el cine de género hacen de esta producción no sólo una digna continuación, sino una mejora de la original. En esta segunda parte el cuidado a lo visual es mucho mayor y el juego con el espectador es constante, hasta hacerle perder de vista (como hace con su protagonista) qué es sueño y qué es realidad.

    En su contra juega esta misma carta… el dramatismo puede en ciertas ocasiones llegar a aburrir al espectador, muchas de las metáforas presentadas pueden resultar difíciles de digerir (como la hamburguesa del protagonista cerca del final de la proyección) y el giro sobre sí mismo del argumento borrando frontera de realidad con mundo onírico llegar a desesperar…

    De cualquiera de las maneras, estamos ante una interesante propuesta que no merece caer en el absoluto olvido. Pasable.

Enoch

Midnight Movie

Valoración: 3/10

    Jack Messitt, ha triunfado (inexplicablemente) con esta pequeña película en varios festivales de cine fantástico y de terror…. ¿y por qué? (afortunadamente en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián obtuvo una de las más bajas notas gracias al sabio público)

    “Midnight Movie” nos narra la historia de una película maldita, “Dark Beneath”, que provoca la muerte allá donde se proyecta. En el pasado se pasó en un sanatorio, donde inmediatamente se produjo una masacre y nada pareció quedar del demente que la estaba viendo. Ya en el presente un cine de barrio la repone en su pase nocturno. Allí se reúnen varias parejas, un policía y un doctor obsesionados aún por lo ocurrido en el sanatorio y por la desaparición del demente… Pronto los crímenes no ocurrirán sólo en la pantalla, sino en el cine, y los que restan en las butacas podrán disfrutar del asesinato de sus propios amigos en la pantalla entrelazados con la película original…

    Esta película pretende versionarnos “La Rosa Púrpura del Cairo”, en versión “teen” y gore... pero sus resultados son más que mediocres.

    Los personajes son puros estereotipos y de un nivel de estupidez que sólo una película americana puede bordar… los efectos especiales bien pobres y el nivel de tensión que genera la trama que roza el ridículo llevan al espectador al aburrimiento. Las incoherencias y trampas del guión genera el bostezo general y total aspecto de serie B de la cinta acaba de destrozar el conjunto, con esa pinta de lanzamiento directo a DVD y eterno olvido en las baldas de un casposo videoclub…

    Concluyendo, pues poco más se puede decir de este film del que apenas nada puede salvarse… al que incluso el “Demons” de Argento supera (aludo a esta película por su paralelismo argumental y porque a día de hoy divierte más que la que me ocupa escribiendo esta crítica). Abstenerse si no se quiere desperdiciar una hora y media de vida… o limitarla a una reunión con muchos amigos y más cervezas.

Enoch

La Raiz del Mal

Valoración: 1/10

    Adrián Cardona, bajo el seño de su propia productora “Eskoria Films” (cuyo nombre ya nos orienta mucho sobre la calidad de sus productos) se atreve a intentar entretener al público con su más que casposo cine en este largometraje.

    En él nos narra la historia de un pueblo de campesinos que viven una vida bien tranquila hasta que son atacados por una especie de demonios del bosque cercano a su lugar de residencia. Estos asesinan brutalmente a los hombres, pero a las mujeres del pueblo le tienen reservado un destino diferente y más sangriento si cabe en lo profundo del bosque…

    Clara está la intencionalidad del director y su equipo de divertirse a tope realizando la película, más dudoso es el resultado que obtiene entre el público…

    Su gamberro director, que lejos está de la buena mano que tuvo en su día Sam Raimi (“Evil Dead”) cuando se dispuso a hacer cine con cuatro duros, cuatro amigos y un bosque perdido, y su obra es mucho más pobre y menos creativa e innovadora.

    Sus recursos técnicos limitados, sus interpretaciones catastróficas y sus efectos visuales hacen de la película un pobrísimo producto que divierte a ratos y que sólo puede ser soportado por audiencias muy cañeras, con muchas ganas de divertirse (a consta de la película, que no con ella) y con mucho alcohol en el cuerpo… si no cuadras en este perfil, por tu seguridad mental… abstente.

Enoch

Il nascondiglio (The Hideout)

Valoración: 4/10

    El director italiano Pupi Avati regresa al género del terror e intenta vestirlo de formas clásicas en esta película sobre una casa encantada.

    “Il Nascondiglio” nos narra la historia de Lei, una mujer que ha pasado varios años en un sanatorio mental reponiéndose de un trauma de su pasado. A su salida alquila una antigua casa, “Snakes Hall” para poner en ella un restaurante. Ese lugar tiene, como ella, un oscuro pasado, en él conocieron la muerte por asesinato varias mujeres, y dos de las novicias que lo habitaban se dieron por desaparecidas. El lugar parece maldito, y los hechos extraños no tardarán en aparecer en la nueva vida de Lei.

    La historia pretende mostrase llena de misterio y sobresaltos… los resultados son irregulares, pues los misterios no son tales (el espectador ligeramente perspicaz no tendrá problema alguno en desentrañarlos mucho antes que los protagonistas de la película, y no hablemos del final...) y los sobresaltos… alguno hay, pero no para mantener una continuidad en la inquietud del espectador.

    Las formas de cine clásico de las que pretende vestirse el film resultan caducas, y las interpretaciones de sus protagonistas demasiado adustas para engatusar al espectador… además de ello, abusa de homenajes a grandes títulos del género, como el obvio a “El final de la escalera”… todo ello resta ritmo e interés a la película.

    Un detalle que si resultó de mi gusto fue la ambientación del film, “Snakes Hall” es un lugar inquietante por si mismo, a la par que hermoso, con sus innumerables serpientes decorando fachada, interiores, vidrieras… un hogar perfecto para el horror, lástima que el resto de la película no estuviera al nivel del lugar donde se desarrollaba.

    En conclusión, Pupi Avati decepciona en su retorno y parece firmar su retiro del género. Prescindible.

Enoch

Pánico (Hush)

Valoración: 7/10

    “Hush” es la película resultado de un largo trabajo entre su director, el polifacético Mark Tonderai (escritor, director, productor…) y su mujer, Zoe Stewart (productora). Entre ambos dieron forma a la historia y finalmente él firma la dirección y el guión de la obra mientras ella la produce.

    La película, una trepidante “road movie” nos cuenta la historia de una pareja que no vive su mejor momento. Vagan por la carretera de estación de servicio a estación de servicio para que él ejecute su trabajo, poner carteles publicitarios en baños y lugares públicos del área.

    En mitad de uno de estos viajes de trabajo, en plena noche, ven algo excepcional, la persiana trasera del camión tras el que viajan se abre un momento y vislumbran una mujer atrapada en su interior, pidiendo socorro. Inseguros de su visión y en absoluto de acuerdo sobre cómo actuar la pareja comienza a discutir, hasta su siguiente parada… allí sus peores sospechas se harán realidad, y será ella la próxima habitante del remolque de ese camión siniestro. Su novio no tendrá otra opción que perseguirlo y luchar por la vida de su amada…

    La película, pese a su aparentemente tópico argumento, hace disfrutar al espectador de innumerables sorpresas, lo conduce hasta mil situaciones en las que su guión gira ofreciendo lo opuesto a lo que la audiencia espera. Detalles como este hacen que una película de estilo, que bien podía haber resultado de los más vulgar, acabe haciéndose bien amena, entretenida y a ratos trepidante.

    La simpática e incansable actuación de su protagonista, los cuidados aspectos técnicos y el mantenimiento de un ritmo nunca moribundo consiguen que su metraje se haga efímero y que esta carrera contra el tiempo pase en un suspiro dejando una buena sensación en la platea.

    Bien es cierto que esta buena impresión es efímera, y que “Hush” no será un clásico eternamente recordado, pero no se le puede negar que su función de entretenimiento la consigue, y con nota, sin recaer en estupideces ni excesivos tópicos como ocurre en las películas “adolescentes” de terror que pueblan nuestras pantallas en los últimos años, sino jugando a lo contrario.

    En conclusión, un cuidado thriller de persecuciones, asesinos en serie sin rostro, amor y carretera, eterna noche y carretera… para pasar un buen rato sufriendo con su protagonista. Recomendable.

Enoch

Idiotas y ángeles

Valoración: 7/10

    Película de animación ganadora de varios e importantes premios, como el de Mejor Director, mejor largometraje de animación y una distinción especial en varios de los mas prestigiosos festivales de 2008, entre otros.

    La historia viene retratada en unos simples trazos artísticos que pese a ello no dejan indiferente a nadie, nos lleva a visualizar una oscura comedia sobre la batalla del hombre por su alma.

    Sin ningún dialogo aparente sino mediante interesante música en los momentos claves se aporta toda la fuerza necesaria para meterse en la historia.

    Dotada de muchas dosis de realidad y simbolismos podemos saborear la historia de Angel, el típico hombre egoísta y medio depresivo que pasa su rutinaria vida entre dormir y meter horas y horas en los bares malgastando su existencia sin ninguna ilusión aparente.

    La historia da un giro inesperado el día en que se despierta una mañana con alas de Angel en su espalda, las cuales intenta ocultar y eliminar por todos los medios sin conseguirlo. Se descubre su secreto y es victima de las burlas y el interés por conseguirlas de algunos de los que se suponía querían ayudarle, pero muy lejos está esa voluntad de ayuda de la verdad, intentan aprovecharse y lucrarse al máximo de sus nuevos apéndices.

    Angel intenta adaptarse a su nueva condición y piensa en sacar mayor oportunidad para disfrutar egoístamente de ellas. Pero nada más lejos de la realidad, ya que descubre que las alas tienen voluntad propia y le inducen a cometer buenos actos y no abusos como a él tanto le gustaba…

    Suceden intensos enfrentamientos por sus alas y por conseguir a la mujer de la que se ha enamorado. La lucha se vuelve violenta y Angel sale abatido pero vuelve a renacer con mas fuerza y mayores alas., esta batalla simboliza la eterna lucha del bien contra el mal..

    En mi humilde opinión es una interesante historia oscura, pero sobre todo surrealista.

Nurona

Encarnaçao do Demonio

Valoración: 1/10 

   Desde Brasil nos llega esta aberrante cinta donde su director, Jose Mojica Marins retoma una saga que empezó décadas atrás con “Esta noite encarnarei no teu cadáver” y “A meia noite levarei sua alma”…

    ..En ella retoma 40 años después el terrorífico personaje de Zé do Caixao, un barbudo enterrador de larguísimas uñas, un sádico. Lo reinventa y lo trae a las calles de Sao Paulo, donde intentará sembrar su reino de horror y, sobre todas las cosas, perpetuar su estirpe.

    La película se apoya sobre todo en lo visual, en una oscurísima fotografía, en unos bizarros efectos especiales, maquillaje y peluquería… y los utiliza para arrastrar al espectador en una espiral de sinsentidos y surrealismos que a más de uno ha llevado a comparar el cine de este autor con el de Alejandro Jodorowsky (aunque bastante menos inspirado y de lecturas más dudosas, diría yo).

    El aspecto de serie Z en muchos de sus aspectos técnicos, las pobres interpretaciones y lo caricaturesco de muchas situaciones y personajes nos mantiene en la duda de si nos encontramos ante una película seria, de pretensiones pseudo filosóficas, o ante un simple divertimento…

    Igualmente desconocemos si la voluntad del director es hacer un homenaje a sus lejanos en el tiempo éxitos o si pretende parodiarlos, parodiarse a sí mismo y buscar la risa cómplice del espectador…(cosa que en mi caso no consiguió, más bien me robó algún bostezo y mil miradas al reloj). Demasiadas dudas para buen resultado.

    Si Dario Argento con su “Mother of Tears” cerraba trilogía de sus lejanas películas, y Jose Mojica Marins con esta que nos ocupa, lo mismo… ambos a medio camino entre el homenaje, la parodia y el guiño al espectador… mil veces me quedo con el primero.

    En conclusión, una película bizarra, demasiado bizarra a la que no es fácil sacarle ni el chiste, que consigue aburrir y hace divagar la mente del espectador lejos de la pantalla. Sin duda, abstenerse.
Enoch

20th Century Boys - Capítulo I: El principio del Fin

Valoración: 5/10

Yukihiko Tsutsumi, quien dirigiera la adaptación del videojuego de terror “Forbidden Siren”, vuelve a ponerse tras las camaras para adaptar en esta ocasión un afamado manga de Naoki Urasawa.

    Esta película representa la primera de la trilogía de películas que completarán la adaptación del cómic. Siendo estrenada en Japón la presente en 2008 y sus dos siguientes entregas en 2009.

    La película nos narra a través de su personaje principal, Kenji, cómo la aparición de una secta liderada por un misterioso individuo que se hace llamar “amigo” está provocando desapariciones masivas y amenaza con una dominación mundial…
    Lo curioso es que el emblema, el logotipo de la secta, es exactamente igual que aquel que Kenji y sus amigos crearan en su infancia, en su mundo de fantasía infantil, como el sello de aquellos que detendrían el Apocalipsis…

    Pese a desconocer el manga original en que se basa la película, fuentes fidedignas y cercanas han alabado la calidad de la adaptación por su fidelidad y cuidado a los personajes, con lo que se augura que la trilogía cumplirá su función correctamente.

    En cuanto a lo cinematográfico, la producción adolece de un interminable metraje (casi dos horas y media) en las que se presentan mil y un incógnitas y apenas alguna solución, todo queda en el más absoluto misterio, con lo que, tras tan larga duración, es prácticamente inevitable la sensación de “estafa” que sufre el espectador… cierto que es una trilogía, que faltan aún otras dos partes… pero no deberían haber aportado alguna satisfacción a la audiencia?, alguna respuesta que satisfaga sus ansias tras horas de proyección?…

    Por otro lado, la película no esconde ese aspecto “televisivo”, esas formas de mini serie eterna de sobremesa con los oportunos cortes perfectos para la inclusión de publicidad, para dividirlo en capítulos o lo que las productoras consideren más oportuno…

    Por lo demás, y sin esconder su bajo presupuesto ni su vocación televisiva, la película es amena, los personajes simpáticos, ora cómicos, ora dramáticos… un producto de fácil consumo y fácil olvido.

    En conclusión, una película un tanto vulgar pero amena para pasar el rato… eso sí, mejor en la TV que en una sala de cine…