Psycho Goreman - Steven Kostanski

Título original: Psycho Goreman

Año: 2020
Duración: 92 min.
País: Canadá

Dirección: Steven Kostanski
Guion: Steven Kostanski
Música: Blitz//Berlin
Fotografía: Andrew Appelle
Reparto: Nita-Josée Hanna, Owen Myre, Adam Brooks, Alexis Hancey, Matthew Ninaber, Steven Vlahos, Kristen MacCulloch, Anna Tierney, Kenneth Welsh, Reece Presley, Rick Amsbury, Matthew Kennedy, Conor Sweeney, Robert Homer, Timothy Paul McCarthy
Productora: Dystopia Films

Dos niños, hermanos, tan unidos como siempre enredados en rencillas entre ellos, despertarán con sus juegos, por accidente, a una poderosa criatura que desafía a la imaginación. Lejos de aterrorizarse, lograrán doblegar la voluntad del ser a sus infantiles deseos. Esto desatará un torrente de divertidas situaciones, pero, al mismo tiempo, pondrá en peligro tanto a los niños, como a aquellos que les rodean, al llamar la atención de otras criaturas que no dudarán en venir a por ellos...

Steven Kostanski apela a la nostalgia es esta película que trae a nuestra memoria el cine de fantasía de otros tiempos, donde la artesanía se imponía al mundo digital y donde la imaginación es el único límite para una historia que no tiene miedo a mirar al absurdo frente a frente. Locura y carcajadas que despertaron la simpatía del público en su paso por la 31 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián. 

A favor de la película juega la rápida conexión que consigue con el público de una cierta edad que extraña la fantástica gamberrada del cine fantástico de décadas atrás. Para ello no sólo brilla lo descabellado de su historia, sino también su labor de imaginativa y simpática caracterización de sus fantásticos personajes, así como diversas escenas hilarantes y desvergonzadas. 

Sin embargo, en esta nostálgica amalgama, llena de guiños y homenajes, echamos quizá de menos una mayor identidad propia. A su vez, un cierto abuso del chiste fácil y la excesiva reiteración de ciertas fórmulas cómicas, hacen que el disfrute no se extienda de principio a fin, sino que, a cierta altura de su metraje, la fórmula comience a agotarse no logrando, a su conclusión, un disfrute completo. 

Con sus luces y sus sombras, estamos ante una película ideal para nostálgicos del fantástico más clásico, estupenda para visionar en compañía de colegas y, por supuesto, risas. 

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Tailgate - Lodewijk Crijns

Título original: Bumperkleef (Tailgate) 

Año: 2019

Duración: 85 min.

País: Países Bajos

Dirección: Lodewijk Crijns

Guion: Lodewijk Crijns

Música: Steve Willaert

Fotografía: Bert Pot

Reparto: Jeroen Spitzenberger, Anniek Pheifer, Roosmarijn van der Hoek, Liz Vergeer, Willem de Wolf, Truus te Selle, Hubert Fermin, Tim Linde

Productora: Topkapi Films, Savage Film

Hans se dirige a visitar a sus padres en coche, junto a su mujer y sus hijas. Su actitud prepotente y segura con la vida, se aplicará a su conducta en la carretera. Su manera de tratar al conductor de otro vehículo y su gestión del conflicto, embarcará a toda la familia en una carrera por la supervivencia escapando del imprecado, dispuesto a aplicar un severo y letal correctivo a este padre de familia cuyo código ético no le resulta aceptable. 

Desde los Países Bajos nos llega esta trepidante película de Lodewijk Crijns, galardonada en Sitges y aplaudida en la 31 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, gracias a su despiadado retrato del ser humano y a la presentación de un carismático e inolvidable villano. 

El film, aunque nos muestra una historia pequeña y sencilla, resulta grande en su manera de llevarla visualmente a la pantalla, con un tenso y frenético tratamiento de sus imágenes que brillan por su buen hacer durante las persecuciones dentro y fuera del vehículo protagonista. Destacable hallamos también la labor de sus intérpretes, un inspirado elenco que da con eficacia vida a unos personajes que saben plasmar en pantalla las fuerzas y bajezas del ser humano con potencia y credibilidad. 

Si bien su mayor flaqueza reside en una estructura narrativa mil veces vista en pantalla en esta suerte de cotidiano "El Diablo Sobre Ruedas", su forma de aderezar la base argumental salva a la propuesta de la mediocridad. Esto sucede gracias a la crítica que subyace hacia el rol masculino principal, tan real como arquetípico, y lo brillante del papel que ejerce su perseguidor como un exaltado guardián de la moral que no permite la persistencia de este tipo de persona en la actualidad. 

Con todo ello estamos ante un producto que, maximizando el entretenimiento, reviste una propuesta muy fácilmente disfrutable con inteligentes extras que la hacen especial. Pequeña pero destacable. 

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Península (Train to Busan 2) - Yeon Sang-ho

Título original: Train to Busan 2

Año: 2020

Duración: 114 min.

País: Corea del Sur

Dirección: Yeon Sang-ho

Guion: Yeon Sang-ho, Ryu Yong-jae

Música: Young-gyu Jang

Fotografía: Lee Hyung-deok

Reparto: Gang Dong-won, Lee Jung-hyun, Lee Re, Kwon Hae-hyo, Kim Min-jae, Gyo-Hwan Koo, Kim Do-yoon, Lee Ye-won

Productora: Next Entertainment World, Blumhouse Productions, RedPeter Film

Han pasado cuatro años desde que la pandemia zombie asolara Corea sumiendo su territorio en el caos bajo el dominio de unos infectados sedientos de carne y sangre humana. Un soldado que logró escapar de allí se embarcará, junto a un grupo de desconocidos, en un viaje de retorno al infierno para recuperar un furgón lleno de dinero. A su regreso, todo se complicará cuando descubra que en el lugar aún quedan humanos no infectados, y no todos con buenas intenciones...

Yeon Sang-ho, tras el éxito de la primera entrega, vuelve a ocuparse de la dirección de esta secuela, de la que mucho se esperaba, que fue presentada en diversos festivales de género con una fría acogida. 

El film tiene a su favor una espectacular factura técnica. Su puesta en escena es lujosa y sus efectos visuales derrochan cantidad, y, en su mayor parte, calidad (aunque hay tramos en que el trabajo digital es tan profuso que termina perdiendo realismo). Encontraremos en su metraje diversas escenas dignas de aplauso por lo cuidado de su realización y fotografía, así como otras que nos dejan exhaustos por su frenetismo. 

Sin embargo, la película ha perdido el alma que supo ofrecernos en la primera entrega. En "Península" la conexión de la audiencia con unos personajes con los que la empatía no termina de despertar lastra una narrativa en la que termina no importándonos demasiado que sucede con ellos, así como no emocionan sus logros, miserias, o relaciones. El film no acaba de encontrar su ritmo, su tono ni personalidad, y eso se nota en el resultado. 

Con sus luces y sus sombras, estamos ante una película que, si bien no se puede decir que sea mala, sí que vemos que se encuentra a años luz de su predecesora, quizás no tanto en lo técnico, como en lo narrativo e interpretativo, entretiene (pero tampoco demasiado) pero pronto se lanza al olvido. 

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Los Que Vuelven - Laura Casabé

Título original: Los que vuelven

Año: 2019

Duración: 92 min.

País: Argentina

Dirección: Laura Casabé

Guion: Paulo Soria, Lisandro Bera, Laura Casabé

Música: Leonardo Martinelli

Fotografía: Leonardo Hermo

Reparto: Lali Gonzalez, María Soldi, Alberto Ajaka, Javier Drolas, Edgardo Castro, Cristian Salguero

Productora: Ajimolido Films, La que quedaba, Mostra Cine, Monte Cine

Una mujer que parece tenerlo todo en su vida acomodada verá cómo la desgracia se cierne sobre ella con el fallecimiento de su hijo. Desesperada, romperá todas las normas para pedir a Iguazú, una misteriosa deidad oculta en lo más profundo de la selva, escondida tras el atronador grito de las cataratas, que traiga de nuevo al pequeño a la vida. Su desgarrada plegaria tendrá su respuesta, pero además de la vida, traerá la oscuridad sobre la hacienda y todos aquellos que la habitan. 

Laura Casabé da forma a esta atípica propuesta, dentro del cine argentino, para traernos una película que a través de un sobrenatural relato pone la mirada en la crítica social y política desde los ojos de infinita negrura de aquellos que retornan. 

A favor de "Los que Vuelven" apuntaremos la riqueza de sus imágenes, lo hermoso y salvaje de los parajes donde se desarrolla, sabiamente fotografiados, se hacen catalizadores de las emociones y marcan el pulso de la historia. Interesante encontramos también el silencio del misterio, la ausencia de respuestas que subraya el vértigo al abismo de lo desconocido. 

En su contra, sin embargo, pesa un ritmo demasiado calmo y reiterativo en recursos, una estructura narrativa en tres actos que poco aporta, y una ausencia de sorpresas o impacto que hacen mermar la atención y disfrute. 

Un film agradable que deja un sabor agridulce, pues, pese a ser de amable visionado, sentimos que, con sus virtudes de base, podía haber dado para mucho más. 

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Come True - Anthony Scott Burns

Título original: Come True

Año: 2020

Duración: 105 min.

País: Canadá

Dirección: Anthony Scott Burns

Guion: Anthony Scott Burns, Daniel Weissenberger

Música: Anthony Scott Burns, Pilotpriest, Electric Youth

Fotografía: Anthony Scott Burns

Reparto: Julia Sarah Stone, Landon Liboiron, Skylar Radzion, Tiffany Helm, Tedra Rogers, Chantal Perron, Michelle Rios, Marla Renae, Carlee Ryski, Caroline Buzanko, Elena Porter, Kaya Coleman, Orin McCusker, Pamela Parker, Steve Tsang

Productora: Copperheart Entertainment

Sarah es una joven diferente, solitaria y desarraigada. Huye de su hogar, y es víctima de terribles pesadillas allá donde osa dormir. Su deriva le conducirá hasta un experimento universitario que realiza estudios sobre el sueño. Una vez sumida en su metodología hará nuevos amigos, pero, a la par, sus pesadillas, se tornarán cada vez más intensas y vívidas, amenazando consumir su vida y su cordura. Comenzará así para ella un viaje hacia el corazón del misterio. 

Anthony Scott Burns despliega en "Come True" toda su creatividad para dar forma a una propuesta extraña, tan inquietante y perturbadora como hermosa e hipnótica. El director no sólo se encuentra tras las cámaras y las páginas del guión, sino que da vida a su personalísima fotografía y pone ritmo a su partitura musical, creando un todo de un sello muy propio y personal. Su buen hacer, y el impacto de su resultado le hizo alzarse con el galardón de la crítica "Blogos de Oro" en la 31 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián por su artístico y valiente viaje al corazón de las tinieblas oníricas. 

Uno de sus puntos más fuertes reside en la atmósfera que logra crear en pantalla y transmitir al ánimo del espectador. Su puesta en escena del mundo sin límites que son los sueños, mediante una artística y visionaria iconografía que nos hace volar hacia el infinito de la desconocida oscuridad, es sobresaliente, así como inteligente es su modo de extenderla más allá del despertar, logrando que, poco a poco, vaya infectando la realidad de su protagonista hasta el punto de diluir las fronteras entre sueño y vigilia. 

A estas virtudes, logradas con un perfecto cocktail de imágenes y musicales sonidos, se suma el buen hacer de sus protagonistas, entregados por completo a la creación de unos papeles complejos. Igualmente, el desarrollo de su narrativa, que si bien no es en absoluto fácil, y obliga a más de un salto de fe y abandono del espectador de toda lógica para dejarse llevar por lo desconocido (como en los mismos sueños ocurre, a este lado de la pantalla), subyuga y despierta nuestros mecanismos de análisis y reflexión. Logra con ello que el disfrute del relato vaya más allá de los títulos de crédito finales, pues alimenta la interpretación y el deliciosamente interesante debate cinéfilo. 

Con todo ello estamos ante una propuesta cinematográfica extraña, atemporal y sensorial, no apta para todos los paladares, pero ideal para aquellos espectadores que gusten de ser retados y sorprendidos por algo diferente. 

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Patria - Aitor GAbilondo, Félix Viscarret y Óscar Pedraza

Título original: Patria

Año: 2020

Duración: 55 min.

País: España

Dirección: Aitor Gabilondo (Creador), Félix Viscarret, Óscar Pedraza

Guion: Aitor Gabilondo (Novela: Fernando Aramburu)

Música: Fernando Velázquez

Fotografía: Álvaro Gutiérrez, Diego Dussuel

Reparto: Elena Irureta, Ane Gabaraín, Loreto Mauleon, Susana Abaitua, Mikel Laskurain, José Ramón Soroiz, Jon Olivares, Eneko Sagardoy, Iñigo Arambarri, Javier Beltrán, Alvar Gordejuela, Nagore Aranburu, Manuel Morón, Alba Brunet, Jesús Gallo, Begoña Maestre, Bruno Martín, María Isabel Díaz, Marcel Borrás, Lander Otaola, Fernando Guallar, Mario Mayo, Patxi Santamaria, Johanna Wallmeier, Adolfo Fernández, Txema Blasco

Productora: Alea Media, HBO España

"Patria", la miniserie de ocho episodios creada por HBO, adapta la afamada novela de Fernando Aramburu, un viaje a través del conflicto vasco a lo largo de tres décadas. Dicho recorrido lo haremos de la mano de dos mujeres y sus seres queridos, así como las circunstancias que las rodean. La primera, sufrirá por la pérdida de su marido, asesinado por la banda terrorista ETA. La otra, sufrirá las consecuencias de que uno de sus hijos se adscriba a dicha banda. Dos caras de una misma moneda, amigas y enemigas atrapadas en un huracán de dolor, violencia y pérdida. 

La miniserie, presentada con éxito en el 68 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, se adentra un reciente y controvertido período histórico, con heridas aún sangrantes, con valentía, para retratar la sociedad vasca en su momento más convulso. Para ello, centrará su narrativa en el retrato más humano, en las personas anónimas que, desde uno u otro bando sufrieron en propias carnes las consecuencias del conflicto. 

Para ello, la serie se nutre de un grupo de intérpretes que bordan unas interpretaciones llenas de autenticidad, capitaneadas por unas Elena Irureta y Ane Gabarain que cortan el aliento y derrochan contagiosa emoción. La galería de secundarios no les va a la zaga, dando entre todos ellos (cuyos personajes despiertan un interés dispar y entre los que nos gustaría subrayar la labor de Loreto Mauleón, en un papel en absoluto fácil) forma a un mosaico de roles que encajan a la perfección. 

Atendiendo a su apartado técnico, la producción es impecable, con un atento cuidado a las atmósferas, la ambientación musical y recreación milimetrada de una época, su ambiente y la tensión que en su aire se respiraba. 

La narrativa, por su parte, bien dosificada y con un latir que atrapa al espectador del primer al último capítulo, sabe mirar a ambos lados del conflicto y dejar al espectador que de ambos se empape y sea él no tanto quien juzgue, sino quien sienta. 

Con todos estos elementos estamos ante una serie de primerísima calidad, un producto valiente e incómodo que, desde el buen hacer y el respeto, nos hace mirar a un pasado en absoluto olvidado. Muy recomendable. 

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El Olvido Que Seremos - Fernando Trueba

Título original: El olvido que seremos

Año: 2020

Duración: 136 min.

País: Colombia

Dirección: Fernando Trueba

Guion: David Trueba (Novela: Héctor Abad Faciolince)

Música: Zbigniew Preisner

Fotografía: Sergio Iván Castaño

Reparto: Javier Cámara, Aída Morales, Patricia Tamayo, Juan Pablo Urrego, Sebastián Giraldo, Whit Stillman

Productora: Caracol Televisión, Dago García Producciones

La película nos lleva al inquieto y violento Medellín de los años Setenta. Allí conoceremos al doctor Héctor Abad y a su familia. Él es un hombre preocupado no sólo por lo suyos, sino también por los más desfavorecidos, por los que luchará aún cuando ponga en riesgo todo. Sus triunfos y fracasos, la relación con su hijo y su familia y la batalla contra la tragedia que se cierne sobre ellos serán el motor argumental de "El Olvido Que Seremos". 

Fernando Trueba (Belle Époque, El Baile de la Victoria, La Niña de tus Ojos...etc) regresa a la dirección llevando a la gran pantalla la historia de un hombre icónico, tan familiar como luchador, en un trabajo que clausuró el 68 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, despertando dispares opiniones. 

A su favor encontramos una correcta labor de su elenco, con un Javier Cámara al frente que pone toda la carne en el asador para dar vida a un personaje tan potente (que funciona de forma desigual a lo largo de su metraje). Visualmente se encuentra notablemente tratada, con un trabajo de ambientación y fotografía que viste de elegancia sus imágenes (aunque, para nuestro gusto, sus tramos en blanco y negro no tienen la justificación necesaria ni el efecto deseado). 

En su contra juega una estructura narrativa que no termina de satisfacernos. Su recreación en tramos de menor potencia argumental que otros, sobre los que pasa de forma superficial y podían haber tenido más calado, así como su abuso de recursos melodramáticos en busca de la forzada emoción de la audiencia, rompen nuestra implicación con el film. 

En conclusión, una película estupenda en lo visual y en la mayor parte de sus interpretaciones, pero cuya narrativa genera un interés desigual (en muchos momentos resulta más atractiva la percepción del hijo de Abad sobre la figura paterna, que esta en si misma). Para pasar el rato, pero pronto olvidar. 

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Se acerca "Todas Las Lunas" (Ilargi Guztiak) de Igor Legarreta

En el marco de la 31 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián se ha presentado un adelanto del esperado nuevo largometraje del director Igor Legarreta (Cuando dejes de Quererme), que lleva por título "Todas Las Lunas" (Ilargi Guztiak), un drama de tintes fantásticos que, a través del vampirismo, nos enfrenta al peso de la inmortalidad como condena al alma atormentada. 

Con un atractivo reparto, capitaneado por Itziar Ituño (La Casa de Papel, Campanadas a Muerto, Loreak...), Josean Bengoetxea (Oreina, El Silencio de la Ciudad Blanca, Campanadas a Muerto...), Zorion Eguileor (El Hoyo) y los niños  Haizea Carneros y Lier Quesada, la película promete conquistar nuestra emoción con este viaje al corazón de la maldición eterna. 

SINOPSIS

Durante los estertores de la última guerra carlista, una niña es rescatada de un orfanato por una misteriosa mujer que habita en lo profundo del bosque. Mal herida, y sintiendo estar al borde de la muerte, la pequeña creerá ver en ella a un ángel que ha venido a buscarla para llevársela al Cielo… 

No tardará en descubrir que este extraño ser le ha dado la vida eterna, obligándola a vivir en la oscuridad de la noche, juntas, para ‘siempre’.
Bajo su nueva condición, tendrá que enfrentarse al doloroso paso del tiempo encerrada en su cuerpo de niña, hasta conocer a Cándido, un hombre humilde que le acogerá en su casa como si de su propia hija se tratase y que le acompañará en la lucha contra su propia naturaleza y en el sueño de recuperar su vida arrebatada.
‘Todas las lunas. Ilargi Guztiak’ es una fabula fantástica que reflexiona sobre el miedo a la muerte y la inmortalidad.

Filmada íntegramente en euskera y rodada en País Vasco y Navarra, esta película propone el relato fantástico de un viaje hacia la luz emprendido por una niña huérfana para recuperar su muerte arrebatada por una misteriosa mujer que le otorga el regalo más extraordinario: la inmortalidad a cambio de su compañía.

“Ilargi Guztiak. Todas las lunas” es una producción de Arcadia Motion Pictures, Kowalski Films, Pris&Batty Films e Ilargia Films en coproducción con Noodles Production (Francia). Cuenta con la participación de EiTB,  RTVE, Vodafone, y la financiación del ICAA, el Gobierno Vasco y la Diputación Foral de Gipuzkoa. 

Filmax se encargará de la distribución en España y de las ventas internacionales. 

Passion Simple - Danielle Arbid

Título original: Passion simple

Año: 2020

Duración: 96 min.

País: Francia

Dirección: Danielle Arbid

Guion: Danielle Arbid (Novela: Annie Ernaux)

Fotografía: Pascale Granel

Reparto: Sergei Polunin, Laetitia Dosch, Caroline Ducey, Grégoire Colin, Slimane Dazi, Tibo Vandenborre, Shahira Fahmy, Arnaud de Montlivaut, Lou-Teymour Thion

Productora: Coproducción Francia-Bélgica; Les Films Pelléas

Una mujer cae rendida ante los encantos de un diplomático ruso casado, más joven que ella. Sus pasionales encuentros irán alimentando en ella una malsana obsesión que amenaza con destruir todo cuanto tiene, incluso a ella misma. 

Daniella Arbid se inspira en la novela de Annie Ernaux para dar forma a este largometraje que obtuvo el sello de Cannes 2020 y compitió en la Sección Oficial de la 68 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, no consiguiendo conquistar con su propuesta. 

La película se viste de elegancia, tanto en las correctas interpretaciones de sus protagonistas, sobre todo una Laetitia Dosch que se sumerge en cuerpo y alma en el físico y emocional viaje de su papel, como en su apuesta visual en las que cuerpos encendidos de pasión y miradas silenciosas son el pilar de su lenguaje. 

Sin embargo, en su salto de las páginas de la novela, a los fotogramas cinematográficos, gran parte de su mensaje queda suspendido, silenciado, no logrando el guión transmitir ni la intensidad ni la complejidad de las emociones de sus personajes, dejando la fuerza de este relato de una obsesión, a medio gas. 

Con todo ello, estamos ante un film que, aunque cuenta con elementos potentes, estos no consiguen atrapar ni la atención, ni la emoción, ni el entretenimiento, quedando en el recuerdo como una película mucho más discreta y vulgar de lo esperado. Prescindible. 

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Volver a Empezar - Herself - Phyllida Lloyd

Título original: Herself

Año: 2020

Duración: 97 min.

País: Irlanda

Dirección: Phyllida Lloyd

Guion: Malcolm Campbell, Clare Dunne

Música: Natalie Holt

Fotografía: Tom Comerford

Reparto: Clare Dunne, Harriet Walter, Conleth Hill, Cathy Belton, Ericka Roe, Rebecca O'Mara, Sean Duggan, Charlene Gleeson, Chelsea Gill, Lucy Parker Byrne, Ally Ni Chiarain, Eimear Morrissey, Liz Fitzgibbon, Molly McCann, Ruby Rose O'Hara, Dmitry Vinokurov, Aaron Lockhart, Anita Petry

Productora: Coproducción Irlanda-Reino Unido; Element Pictures

Sandra es una joven madre de dos niñas que escapa de un abusivo matrimonio que amenaza no sólo su cordura, si no también su vida. Desesperanzada frente a un sistema del que no recibe la ayuda suficiente para sacar a su familia adelante, decidirá ser ella la que marque su nuevo camino, construyendo, desde cero, un nuevo hogar para ella y sus pequeñas. Comenzará entonces un viaje, una lucha, en la que habrá de lidiar con su pasado, su presente, hacer nuevos amigos y alianzas y descubrir en ella la suficiente fuerza para avanzar... 

Phyllida Lloyd (Mamma Mia, La Dama de Hierro) dirige esta historia de esperanza y superación con la que compitió en la sección de Perlas del 68 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, alzándose con el aplauso de una audiencia que, por un escaso margen, no la encumbró con el premio del público. 

A favor de "Volver a Empezar" tenemos, sobre todas las cosas, una labor de interpretación de su protagonista, Clare Dunne, muy destacable, encarnando a una mujer luchadora y llena de fuerza. Agradable y amable resulta también la narrativa del film, que aunque nos muestra un punto de partida de extrema dureza, lanza un mensaje de esperanza. 

Sim embargo, hallamos diversas debilidades en su propuesta. Su desarrollo, a excepción de alguna sorpresa su guión, resulta un tanto manipulador (sobre todo en sus flashbacks y momentos musicales) así como tremendamente previsible desde su inicio mismo, además de componer su narrativa de tal cantidad de lugares comunes (en su historia y personajes) y clichés, que resultan excesivos. 

Con sus pros y sus contras, es innegable que el visionado de "Herself" está lleno de entretenimiento y buenas intenciones, y pese a que no pensamos en ella como en una buena película, tiene sus virtudes, y resulta de muy fácil consumo para el gran público. 

Trailer: