RavenHeart

Amén

2012-03-09T11:50:00.001+01:00

Valoración: 5/10

El afamado director de Corea del Sur, Kim Ki-duk, aquel que creara joyas cinematográficas como “Hierro 3” o “Primavera, verano, otoño, invierno… y primavera” añade a su filmografía este inclasificable producto, “Amén”, que fue presentada por vez primera en la Sección Oficial a concurso del 59 Festival Internacional de Cine de San Sebastián para el asombro de público y crítica, creando las más acaloradas discusiones, encendiendo el debate.

La película nos habla de una búsqueda, una joven (Kim Ye-na) viaja sin fin entre tres ciudades, París, Avignon y Venecia en busca de su amado. Grita su nombre en cada lugar una y otra vez, pero azar y el destino no parecen estar de su lado… Mas no está sola, una figura que oculta el rostro tras una máscara antigás sigue sus pasos y condiciona su suerte…

“Amén” es un film que nada tiene que ver con nada de lo anteriormente visto del trabajo de este director, pese a recorrer hermosas localizaciones no recurre al preciosismo visual al que nos tiene acostumbrados, sino busca el detalle, en ocasiones, sórdido, sombrío… No hay apenas concesión al espectador ni diálogo alguno, sólo retumbarán en nuestros tímpanos los gritos de la protagonista y el bullicio de las urbes que hacen aún más minúscula la presencia de Kim Ye-na y más profunda su soledad… todas las piezas del puzle argumental habrán de ser deducidas, creadas por el espectador que, en última instancia será quien de forma y significado a las pinceladas que el director ha ido dando a través de los poco más de setenta minutos de la película.

Arriesgada, experimental, surrealista… El cine reducido a la mínima expresión, el director, su cámara y la actriz viajando triangularmente entre las mencionadas ciudades con lo puesto, sin el lastre siquiera de un guión a modo de brújula. Un grito, una reivindicación de que el (séptimo) arte puede realizarse con el mínimo recurso y la máxima creatividad.

Sorprendente fue su elección para concursar en un Festival como el citado dadas las características de la película, criticado acaloradamente. Igualmente ha sido tachado su director de mofarse de su propio público y estar tan pagado de sí mismo tras sus continuados éxitos que se permite una salida de tono de este calibre. Por el contrario, otras voces defienden el contrapunto que la película aportó al Festival y cuántas mentes adormiladas despertó, otros acérrimos de Kim Ki-duk defendieron su capacidad de cambio y toma de riesgos…

Mi personal opinión, pasado el shock inicial, recae en la defensa del producto y el director. Arriesgado? Sin duda. Imperfecto y lleno de gazapos y descuidos? Sin duda. Insulto al público y mala elección del Festival? En absoluto, pues todos aquellos que se adentran en un evento de estas características han de estar abiertos a las sorpresas que el cine aún depara, y que estábamos ante un director extraño y peculiar, es un hecho sabido y raro resulta que no realizara antes una provocación cinematográfica. De cualquiera de las maneras, y ante la ausencia de verdades absolutas y teniendo únicamente opiniones, atenderemos al hecho fáctico de que “Amén” creo debate, hizo que el público discutiera de la película, del cine y el modo de hacerlo, de lo que es arte hecho fotogramas, de lo que no, y eso, siempre, es interesante y motor de cambio y mejora.

-Enoch-

Kaidan Horror Classics: Los días después (Nochi no hi – The Days After – Dead Son)

2012-03-08T18:00:00.000+01:00

Valoración: 7/10

El prolífico Hirokazu Koreeda, firma la dirección de este mediometraje, que, junto con otros tres de diversos directores, rinde homenaje a los cuentos de terror de la mitología popular japonesa. Esta producción, aprovechando la asistencia del director y su película “Kiseki” en la Sección Oficial a concurso del 59 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, se coló dentro de las proyecciones especiales y pudimos disfrutar así de esta interesante aportación del popular director al terreno fantástico y sobrenatural.

“Nochi no hi” (Los días después) nos ubica en el seno de una familia llena de dolor. Unos padres, estupendamente interpretados por Ryo Kase y Yuri Nakamura, que aún lloran la pérdida de su hijo años atrás. No hay olvido, sino una presencia que cada vez es más y más tangible…

Kore-eda llena este relato de contenido lirismo, hermosas imágenes de sencilla e íntima belleza, miradas y silencios que cuentan más que el mejor de los diálogos y que subrayan el buen hacer de sus protagonistas y aquel que les guía tras la dirección…

Todo ello para embarcarnos en este viaje donde el más allá y la realidad se dan la mano tras surcar océanos de dolor, soledad y pérdida… Un viaje donde la frontera entre lo real y lo sobrenatural o quizás ficticio se hace tan fina que apenas puede entreverse dónde comienza y termina cada una, donde la fuerza del deseo puede dar forma a sueños, anhelos y pesadillas… Una reflexión en menos de una hora de buen cine de fácil y hermoso visionado abierto a la interpretación y debate por parte de un público que habrá de poner parte de sí mismo para cubrir la pieza que falta en la historia. Interesante.

-Enoch-

Wild Bill

2012-03-08T17:14:00.001+01:00

Valoración: 6/10

Dexter fletcher (a quien conocemos en su faceta de actor en producciones como Lock & Stock) salta a la dirección con este largometraje escrito por él mismo en colaboración con Tim Cole y Danny King. Su opera prima compitió por varios galardones en el 59 Festival Internacional de Cine de San Sebastián alzándose finalmente con el Premio de la Juventud.

La película ostenta como título el sobrenombre del personaje protagonista, Bill Ward, que, debido a su vida delictiva, es forzado a pasar ocho años en la cárcel. Una vez fuera irá al encuentro de sus hijos, que, tantos años después, ya apenas conoce (ni ellos a él). Sin embargo, y contra todo pronóstico, intentará recuperar el tiempo perdido y erigirse como un gran padre para ellos tratando de inculcarles una educación que los conduzca por un camino bien distinto al que a tantas desgracias le ha llevado a él. Pero no será fácil ni un camino de rosas, pues sus hijos pronto tomarán contacto con antiguos conocidos de Bill, criminales…

Pese a lo quizás manido de la historia y a una cierta sobredosis de lección moral en su relato (y un cierto tufillo a telefilm) es esta película un producto de cine indie fácil de ver y fácil de disfrutar… ¿por qué? Pues pienso que en gran manera debido tanto al trabajo de guión que regala situaciones y diálogos interesantes sabiendo llevarnos por el camino del drama pero sin buscar la lágrima fácil y mezclarlo con humor negro y ácido, como a la interpretación del elenco protagonista (Charlie Creed-Miles, Will Poulter, Liz White, Sammy Williams, Leo Gregory, Neil Maskell, Iwan Rheon..) realizando, cada cual en su papel, un trabajo creíble y cercano al espectador que empatiza e implica con la historia con mucha facilidad.

Es una película pequeña, discreta y que no brilla por su originalidad, pero , aún y con todo ello, un film agradable, entretenido ,y pese a la alta dosis de “moraleja”, interesante.

-Enoch-

Life Without Principle (Dyut meng gam -Duo ming jin)

2012-03-08T12:32:00.000+01:00

Valoración: 6/10

Johnnie To, el que fuera director de “Election” o la más reciente “Vengeance”, filma su particular visión de la crisis económica en esta película de historias cruzadas que le dio el pasaporte a la sección a concurso del Festival de Venecia así como la incluyó entre las “perlas” proyectadas en el 59 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

El film se basa sobre las siguientes tres historias y tres personajes principales:

1 – Cheung Jin Fong, un policía acosado por su pareja para adquirir una casa de lujo para ambos, y por su padre para que se haga cargo de una hermanastra a la que nunca ha visto.

2 – Teresa, una consultora de variada clientela que trabaja en una empresa que le fuerza a convencer a aquellos que se aproximen a su escritorio a invertir sus capitales en fondos de alto riesgo aun sabiendo que pueda traer funestas consecuencias para los inocentes inversores.

3 – Buzzard, un delincuente relacionado con las tríadas, trata de ayudar a un amigo en serio peligro, para lo cual sólo el dinero tiene la solución…

Historias independientes y trepidantes que indudablemente tienen un hilo de unión que finalmente las teje y entreteje a ritmo de locura, y como no podía ser de otra forma, ese elemento, ese denominador común será el dinero, un botín de cinco millones de dólares testará su moral y sus límites.

Si bien, esta película se aleja de los últimos proyectos cinematográficos del director, donde las orgías de acción donde tormentas de tiroteos y explosiones se sucedían en barroca coreografía, no pierde ese ritmo frenético y agotador (a la par de entretenido) que le caracteriza. Rápidamente nos presentará las tres tramas y las incontables subtramas que de ellas penden, todo ello mediante un apabullante abanico de personajes y situaciones que no es difícil que pierdan totalmente al espectador y que se sienta confundido sobre el quién es quién en esta película o ciertos porqués… Su narrativa no es torpe y cada pieza encaja en su lugar, pero está contada a tal ritmo y con tal sobrecarga de información, que la perdición está garantizada. No obstante, caer de un hilo y asirse al siguiente divierte más que frustra en esta producción.

Como en todas sus películas, la factura técnica es impecable y en esta ocasión, la actoral está más que correcta, sus intérpretes (Denise Ho, Ching Wan Lau, Richie Ren, Myolie Wu, Philip Keung, Hoi-Pang Lo, Felix Wong, Siu-Fai Cheung, J.J. Jia, Siu-Kei Lee, Stephanie Che, Singh Hartihan Bitto) dotan de gran vida a sus papeles y sobreviven sus actuaciones a la montaña rusa argumental…

En conclusión, una película, que si bien no es una joya y puede marear y confundir, divierte y entretiene a partes iguales. Interesante.

-Enoch-

Americano

2012-03-08T10:37:00.000+01:00

Valoración:4/10

Mathieu Demy, hijo del afamado cineasta Jacques Demy se lanza, emulando los pasos de su padre, a la dirección cinematográfica, siendo este “Americano” , su ópera prima de la que firma dirección y guión a un tiempo. Curiosamente, fue esta película seleccionada para competir en la Sección Oficial a Concurso del 59 Festival Internacional de Cine de San Sebastián (donde no conquistó favor alguno de un público indiferente a la obra y menos aún de los críticos) sin alzarse con ningún galardón,en en el mismo año en que el Festival dedicaba una muy bien montada retrosprectiva sobre la carrera de Demy padre, Jaques. Casualidades…

La película “Americano” nos narra cómo Martin, tras la muerte de su madre, de la que su padre le separó prácticamente de niño, regresa al hogar materno. Allí tratará de recomponer las piezas de la memoria perdida, y averiguará la importancia de la figura de Lola, una mujer mexicana que él mismo conoció de pequeño y que pareció crucial en la vida de su fallecida madre. Dispuesto a seguir uniendo piezas parte en busca de esta misteriosa mujer a Tijuana, donde para su sorpresa la encontrará en un sórdido local donde ejerce de stripper cada noche…

La película, si bien no aburre en demasía, tampoco implica ni termina de interesar del todo. Su vertiente dramática se mantiene demasiado fría y sus bis cómicos no terminan de encajar ni arrancan sonrisas… Gran culpa de ello se desprende de un guión demasiado superficial y que no araña las emociones en sus protagonistas, cosa que, el elenco de actores tampoco ha sabido dibujar para su público haciendo de sus personajes algo lejano, en cuyas historias, por muy dramáticas que sean, no enganchan a la audiencia, sobre todo un plano Mathieu Demy en el papel principal y una Salma Hayek como prostituta venida a menos demasiado caricaturesca. Quizás el único papel que salvaría es el de Géraldine Chaplin, que le da un toque de clase y profesionalidad a la cinta pese a su breve aparición.

Todo lo mencionado y dada la historia que nos narra, le da un cierto aire de telefilm y deja el resultado de conjunto con una dudosa calidad… el cine quizás corra por las venas de este autor hijo de un grande, pero aún tiene mucho camino por recorrer. Prescindible.

-Enoch-

The River Used to Be a Man (Der fluss war einst ein mensch)

2012-03-07T12:26:00.000+01:00

Valoración: 4/10

“The River Used to Be a Man”es un arriesgado film alemán dirigido por Jan Zabeil que fue presentada en la sección a concurso “Nuevos Directores” del 59 festival Internacional de Cine de San Sebastián. Contra todo pronóstico, fue esta película la que se alzó con el galardón (una vez más el jurado de este certamen dejó boquiabiertos al público y la prensa con su decisión) pese a tener competidoras (operas primas y segundas producciones) que la superaban enormemente en todos los aspectos, al menos bajo mi opinión.

La historia (un guión realizado por el director junto al actor protagonista, Alexander Fehling) nos narra la historia de un joven alemán que queda perdido en tierras de África. Sus aventuras y desventuras, su lucha por la supervivencia, sus encuentros con los habitantes de los lugares por donde pasa, pero, sobre todas las cosas, su relación con la omnipresente naturaleza salvaje que le rodea por doquier…

La película transcurre a trompicones, tan perdida como su protagonista, sin un hilo argumental que atrape, se conforma con constituirse como una sucesión de hermosas postales valiéndose de los espectaculares paisajes por los que vaga el personaje principal. Transmite la inmensidad de las localizaciones, pero no así la soledad del joven perdido, ni la angustia del mismo, tanto el guión como la interpretación de Alexander Fehling se quedan cortos y no despiertan emoción alguna en el espectador que sólo vive, indiferente, el fluir de las imágenes de este viaje, en absoluto vital, ante sus ojos…

Una idea de partida que podía haber sido trepidante y hermosa de ver a un tiempo, pero que se queda lejos, muy lejos de conseguir su objetivo. El jurado pareció ver en ella unas virtudes que yo no atisbo, en mi opinión resultó una película bellamente hecha en lo visual, pero vacía, sin alma ni una verdadera historia que contar y una proyección que, pese a su corta duración lo que consigue es aburrir. Prescindible y Olvidable.

-Enoch-

Á annan veg - Either way

2012-03-06T18:17:00.000+01:00

Valoración: 5/10

“Á Annan veg” es una coproducción de Gran Bretaña e Islandia y que transcurre en este último país. Compitió en la 59 edición del Festival de Cine de San Sebastián en la sección “nuevos directores” donde su realizador Hafsteinn Gunnar Sigurðsson (también autor del guión junto a uno de los protagonistas del film) no obtuvo el galardón y su película pasó sin pena ni gloria

“Either Way” nos ubica en los más desolados a la par que hermosos paisajes islandeses. Allí compartiremos la única compañía de dos trabajadores, amigos a la fuerza, que se ocupan de a pintar las líneas que delimitan las carreteras que surcan las infinitas tierras de nadie. Unos caminos que no parecen terminar nunca, unas sendas por las que nunca parece pasar nadie. Viviremos sus confidencias, sus risas, sus lágrimas y momentos más álgidos y más deprimentes, realizaremos con ellos un viaje a ninguna parte con su compañía como único sostén frente a desaparecer en la inmensidad del vacío, del frío.

Hilmar Guðjónsson, Sveinn Ólafur Gunnarsson (co-autor del guión este segundo) son los dos protagonistas de esta curiosa película y son sus personajes pilares de la historia. Sus interpretaciones son correctas y, a ratos, verdaderamente entrañables destilando verdad… aunque se echa realmente en falta una mayor profundidad en los mismos que generaría una mayor empatía e implicación del público en su aventura en soledad. Pienso que quizás este factor que debilita bastante el conjunto no es tanto culpa de su trabajo interpretativo como de la pobreza del guión por el que navegan y al que se ciñen, pienso que apenas araña la superficie de lo que podía haber sido, no arriesga, no se moja en el drama, no brilla en la comedia… y este hecho banaliza demasiado la película.

A favor de esta producción he de subrayar el “tercer personaje”, que no es otro que los tremendos paisajes islandeses, sus inhóspitos páramos donde la cámara se pierde más allá de donde alcanza la vista, sus gélidas llanuras y montañas cuyo frío mismo parece desprenderse de la pantalla gracias a un estupendo trabajo de fotografía de Arni Filippusson y un material de base que ya es deslumbrante en sí mismo.

Por todo ello, esta película resulta agradable de ver, entretiene, pero no trasciende y se diluye en la memoria como sus personajes entre las brumas de los páramos. Pasable.

-Enoch-

Panic Button

2012-03-06T17:29:00.000+01:00

Valoración: 6/10

“Panic Button” es una producción del Reino Unido firmada por el director Chris Crow y escrita por los guionistas Frazer Lee y John Shackleton que se presentó en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, entreteniendo sin mayor éxito ni trascendencia a su público con su propuesta, una nueva vuelta de tuerca a lo que ya parece un subgénero en sí mismo, los juegos macabros para los que “Saw” pareció abrir la veda, aunque en esta ocasión lo psicológico se alce sobre lo truculento.

En “Panic Button”, el grupo de personas participantes, o víctimas de la retorcida mente de turno, han sido elegidos, premiados, por los responsables de la red social de la que son adictos, All2gthr.com, para realizar un viaje de ensueño a Nueva York. El desplazamiento lo realizarán en un jet privado, y, una vez en el aire, comenzarán los “entretenimientos de abordo” un juego online en el que sus propias vidas y las de sus seres queridos serán la apuesta cuando todos su secretos se vean al descubierto… No pueden salir del avión, no pueden confiar en quien se sienta a su lado, desconocen el por qué de su tortura, de su particular elección, pero su misión está clara, sobrevivir.

La película es un vehículo de entretenimiento sencillo y efectivo, su cuarteto protagonista, (Scarlett Alice Johnson, Jack Gordon, Elen Rhys y Michael Jibson) cumple su cometido pese a que sus personajes resulten quizás en exceso arquetípicos, y nada destacables. La estructura y desarrollo del film tienen también un aire a “ya visto” y es quizás su (único) y efectivo acierto circunscribir la acción al claustrofóbico entorno del jet y, sobre todo, que la excusa para su selección y la herramienta de su tortura nazca de aquello compartido en las redes sociales, subrayando con ello el peligro de las mismas y la íntima exposición personal de las que sus participantes son autores y víctimas a un tiempo.

En conclusión, una propuesta de fácil consumo, sin mucho genio, mas tampoco tonta, una película de relajado entretenimiento para pasar un buen rato disfrutando de un thriller bien hilado, pero sin muchas pretensiones… sencilla y efectiva a la par que olvidable.

-Enoch-

11 Flowers (11 Fleurs)

2012-03-06T16:37:00.000+01:00

Valoración: 5/10

Wang Xiaoshuai (“La bicicleta de Pekín”, “In Love we trust”…etc) dirige y rubrica el guión sobre el que se asienta este preciosista drama histórico que compitió en la sección oficial a concurso del 59 Festival Internacional de Cine de San Sebastián sin conseguir seducir ni a sus espectadores ni a los profesionales de prensa.

La película nos ubica temporalmente en China en la época previa al fallecimiento de Mao Zedong y geográficamente en una zona rural (en la provincia de Ghizhou) de hermosos y bucólicos paisajes… En ese momento y lugar encontraremos a Wang Hang, un niño de 11 años que, en sus correrías y por puro accidente entra en contacto con un asesino fugado y perseguido por las autoridades. Entre el criminal y el niño y sus amigos se establece la complicidad y el secreto…

Si bien el argumento del film puede sonar mínimamente trepidante, su puesta en práctica sobre la pantalla sufre de un ritmo en extremo pausado, que se regodea en lo contemplativo y rellena espacios interminables de tiempo con miradas melancólicas a un pueblo, una cultura, al borde del cambio, a la inocencia moribunda de unos niños destinados a crecer demasiado deprisa… pero los ojos que observan, si bien se visten de imágenes de extrema belleza, no tienen lirismo alguno en el alma, con lo que, lo que podía haber sido un poema visual construido sobre una historia sencilla como hilo conductor, termina siendo un suceder de imágenes e historia a trompicones durante unas estiradísimas dos horas que terminan haciéndose, para la audiencia, interminables.

Eso sí, en su favor he de romper la lanza de lo hermoso de su fotografía, cuidadísima, y que regala a la retina imágenes inolvidables, pese a que el tedio al que invita la arrítmica narración intente ahogarlas en el olvido de un bostezo.

Visualmente atractiva, formalmente fallida.

-Enoch-

Happy End

2012-03-06T12:06:00.000+01:00

Valoración: 5/10

Desde Suecia y dirigida por Björn Runge (quien ya firmara películas como “Mouth To Mouth” o “Al final del día”) llega esta producción sobre el maltrato, según un guión de Kim Fupz Aakeson. Participó en la Sección Oficial a concurso del 59 Festival Internacional de Cine de San Sebastián donde, pese a su temática, dejó bastante frías opiniones entre público y crítica, aunque finalmente recibió el reconocimiento técnico a su fotografía, realizada por el afamado Ulf Brantas. En su país de origen corrió mejor suerte recibiendo varias nominaciones a los Premios Guldbagge y el reconocimiento a la actriz Ann Petrén.

“Happy End” es una historia coral, de historias cruzadas… con el maltrato físico o psicológico a la mujer como factor común en todas ellas. Madres, novias, hijas o desconocidas… todas ellas, víctimas de una sociedad que las intenta relegar, dominar. La galería de personajes que nos presenta Björn tienen diversos vínculos entre sí, pero levantan, mentira a mentira, muros que igualmente los separan, y siembran insondables sombras en sus relaciones…

Conmovedora a tramos, demasiado aséptica en otros, la película no arriesga en su denuncia, no profundiza ni llega a escandalizar, no hay catarsis con el espectador, y, siendo su origen nórdico y siendo este tipo de celuloide ajeno al miedo a sordidez en pantalla sorprende el cuidado tanto visual como argumental, con el que están tratados los temas para no herir a la audiencia… pero es un riesgo que, parcialmente, ha arrastrado al film a ser un tanto superficial, y ese hecho lo lastra demasiado.

Igualmente sorprendente es el uso de la premiada fotografía en esta película, acostumbrados como estamos a los fríos tonos (y más en films de sórdida temática como se presuponía este) en los largometrajes venidos de las tierras del norte, en esta ocasión se apuesta por unos tonos mucho más cálidos, más cercanos a la filmografía europea con la aparente voluntad de acercarnos a las emociones de los personajes que nos muestran.

En conjunto un film correcto, bien interpretado pero que no termina de calar ni en la emoción ni en el recuerdo del espectador.Pasable.

-Enoch-

Rampart

2012-03-06T12:03:00.000+01:00

Valoración: 4/10

Oren Moverman, tras ya trabajar con Woody Harrelson en su bien considerada “The Messenger”, retoma esta colaboración en la discutida película “Rampart”, que compitió en la sección oficial a concurso del 59 Festival Internacional de Cine de San Sebastián pasando totalmente desapercibida y con más pena que gloria.

“Rampart” es el nombre de una división policial de Los Ángeles, y la película toma los hechos reales en ella acontecidos como referencia para narrarnos una historia firmada por el propio director y el afamado James Ellroy (que ya escribiera L.A. Confidential –con batante más acierto, todo sea dicho-). Falsificación de pruebas, violencia injustificada con los detenidos, incautación de droga y robo de la misma… todos los tipos de corrupción se dan la mano en el agujero negro de Rampart.

Llena de caras conocidas, como Robin Wright Penn, Anne Heche, Ice Cube, Steve Buscemi, Ben Foster, Sigourney Weaver... la labor de este coral reparto se pierde en el océano de confusión que es esta película lastrada por un guión y un montaje que generan un barullo de situaciones gratuitas e incomprensibles que confunden al espectador, le implican de una manera nula con la historia y sus personajes generando nula empatía y absoluto desinterés. Quizás sea el trabajo de Woody Harrelson el único a salvar de la quema (de hecho fue nominado como mejor actor por este trabajo en los Independent Spirit Awards) que no su personaje, que de puro sórdido y retorcido deja de ser creíble, como el resto del cuadro que pinta el director.

Pese a todo se entrevé un director con fuerte personalidad propia y sin miedo a temáticas, denuncias o políticas correcciones, lo que es de agradecer, pero aún bastante verde en formas. Pudo ser y no fue. Prescindible.

-Enoch-

Texas Killing Fields

2012-03-05T15:42:00.000+01:00

Valoración: 5/10

Ami Canaan Mann, tras la estela de su famoso padre Michael Mann, quien firmara obras como El Último Mohicano, Heat, El Dilema o Collateral y que ejerce de productor en la película de su hija, se lanza a los grandes mercados con un thriller que fue seleccionado para concursar en el Festival de Venecia e inauguró inmediatamente después, en el marco del 59 Festival Internacional de cine de San Sebastián, el ciclo que fue dedicado al Cine Negro.

La película, a través del guión de Don Ferranore (ex agente de la DEA) nos ubica en los pantanos de Texas, una “tierra de nadie” donde están acaeciendo un alto número de asesinatos sin resolución, un lugar, una extensa llanura pantanosa de cuyas entrañas parecen brotar los cadáveres. Enfrentados a estos misterios tendremos a dos policías tratando de arrojar luz sobre el asunto, cada cual a su forma, pues son radicalmente opuestos…

La principal virtud de esta película reside en la atmósfera creada, la fotografía, las localizaciones y caracterizaciones, introduce al espectador en este mundo de peligro y muerte con cierta habilidad. Entre sus debilidades, la interpretación de la galería de actores que dan vida a los personajes de la película, pese a ser de renombre, regalan unas creaciones por debajo de lo esperado (a excepción de Jessica Chastain cuya labor fue reconocida por la asociación de críticos de Los Ángeles) , pero quizás lo peor sea el montaje de la cinta, que incluso a los intérpretes mismos perjudica con su ritmo desorientado y confuso, que retuerce aún más una historia (ya compleja por sí misma) y pierde al espectador…

Por todo ello, y aunque no es un mal thriller, y el trabajo de su directora apunta grandes maneras, es aún esta película un producto pequeño (que parece incluso más apto para la pequeña que para la gran pantalla) y discreto, que si bien entretiene y no molesta, tampoco destaca. Pasable.

-Enoch-

The Deep Blue Sea

2012-03-05T15:41:00.000+01:00

Valoración: 5/10

El conocido director Terence Davies firma esta personalísima película adaptada de la obra de Terece Rattigan que el propio Davies ha hecho guión y adaptado a la gran pantalla. El film compitió en la 59 edición del Festival Internancional de Cine de San Sebastián, levantando extremadamente dispares reacciones entre su público, así como de la crítica.

La historia de “The Deep Blue Sea” se asienta sobre un problemático triángulo amoroso y sus pasiones, encuentros y desencuentros en el Londres de los años 50. La dama y absoluto eje del film es Hester Collyer (Rachel Weisz), la mujer de un juez del Tribunal Supremo (Russell Beale) pero que ve rendidas sus emociones ante un expiloto de la RAF (Tom Hiddleston)… amores rotos, amores imposibles, tragedia servida en elegante bandeja de plata.

Absolutamente teatral en su puesta en escena, la película se vale de dos factores de peso para la narración, por un lado una estupendísima fotografía de Florian Hoffmeister, que con unas iluminaciones que rozan lo onírico y resultan altamente creativas, pinta emociones en este retrato de pasiones encontradas. Por otro lado, tenemos las interpretaciones del trío protagonista, majestuosa para algunos, extremadamente fría para otros, entre los que me incluyo. Si bien las formas son elegantes, la contención en la puesta en escena de los actores dota a sus personajes de un aspecto gélido que encuentro antagónico con lo arrebatado de la historia que pretende contarnos, con lo que, para aquellos que no disfrutamos de estas interpretaciones, la pérdida de verosimilitud es devastadora y mella la valoración final de la película.

En conclusión, estamos ante un producto indiscutiblemente elegante, y de muy cuidadas formas, aunque frío, demasiado frío. Prescindible.

-Enoch-

Wake Wood

2012-03-02T18:37:00.000+01:00

Valoración: 7/10

Desde Irlanda y dirigida por David Keating , que también es co-autor del guión (junto a Brandan McCarthy, basándose en la historia de este último) llega esta película de corte clásico (no en vano está producida por la mítica y experta en terror “Hammer” tras varias décadas sin haber tomado partido por este tipo de cine) que compitió en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián y satisfizo bastante a su público.

“Wake Wood” nos remite a una perdida zona rural, donde se instala un joven matrimonio tras haber sufrido la tragedia de perder a su hija tras el ataque de un perro furioso. Allí encuentran una nueva vida y nuevos trabajos en los que establecerse, él, veterinario, y ella, enfermera, intentan rehacer sus rotas existencias y superar lo acontecido, pero el recuerdo de su pequeña les persigue como una sombra. Todo se complicará cuando descubran que este recóndito lugar les ofrece la oportunidad de traer a su pequeña de entre los muertos y poder pasar tres únicos días con ella… pues nada es lo que parece, y todo tiene su precio.

Una historia sencilla contada con sencillos recursos, sin efectismos ni grandilocuencias, pero de una forma elegante que recuerda a las antiguas películas británicas de género. Todo el elenco de actores participantes pone toda la carne en el asador y ejecutan unas más que verosímiles interpretaciones que brillan por su calidad, el dolor de los padres, el misterio dibujado en cada gesto y expresión de los habitantes del pueblo, el lado oscuro brillando en los ojos de una niña venida del más allá… todo ello, junto a un efectivo guión, que sin grandes sorpresas ni brutales giros, acompaña al espectador a lo largo de esta historia inquietante, humana y plena de oscuro misterio. No resultará un film perfecto, ni nos narra nada nuevo, pero sí recuerda al espectador y a la industria que aún, y con poco presupuesto y poco artificio visual, se pueden contar buenas y atemporales historias (lo que a priori garantiza un buen envejecer de la cinta) de buenas maneras y, además, crear el mito de nuevos lugares malditos.

Interesante y recomendable perderse en este pueblo donde muertos y vivos se dan la mano, el sello Hammer, aunque parecía dormido, aún garantiza calidad.

-Enoch-

Sangre de mi Sangre (Sangue do Meu Sangue)

2012-03-02T18:33:00.000+01:00

Valoración: 5/10

João Canijo escribe y dirige esta película portuguesa que habla de grandes formas de sencillas historias, un extendido melodrama que conquistó el premio Fipresci en el 59 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

La película es un retrato de la vida de una familia, a cuya cabeza está Márcia, una mujer soltera con dos hijos ya crecidos que se gana la vida trabajando de cocinera y que convive con su hermana Ivete en las afueras de Lisboa y entre ambas tratan de llevar adelante la unidad familiar. Las cosas se complican ante la mala vida de su hijo, y con su hija enamorándose de un hombre casado, mayor que ella… el drama está servido.

Pese a lo culebronesco y rocambolesco de la historia, narrada como un telefilm familiar televisivo, la película tiene varios aspectos que la salvan de la quema. Por un lado, la correcta interpretación del elenco protagonista (Rafael Morais, Nuno Lopes, Fernando Luís, Rita Blanco, Cleia Almeida, Anabela Moreira, Marcello Urgeghe, Francisco Tavares, Vera Barreto, Beatriz Batarda, Teresa Tavares) y por otro un uso muy vivo de la cámara y la inclusión de diversos recursos que por su originalidad implican más al espectador en las intimidades de esta familia, como planos desde el exterior, que, a modo de pantalla dividida, hacen que la audiencia pueda asomarse a las ventanas de la casa y vivir dos escenas paralelas y simultáneas, la sensación de realismo y voyeurismo está muy lograda y es uno de los aspectos más interesantes de este film.

Por el contrario, la larga, larguísima duración de la película y ciertas escenas extendidas al extremo, coartan el buen ritmo narrativo y pueden conducir al aburrimiento, factores, estos últimos que lastran y dificultan su visionado más de lo debido. Aceptable mas prescindible.

-Enoch-

Troll Hunter (Trolljegeren)

2012-03-01T18:36:00.000+01:00

Valoración: 6/10

André Øvredal, un conocido director de publicidad noruego se sube al carro de las películas de cine fantástico y terror en formato “falso documental” con su película “Troll Hunter”(de la que también es guionista), que por su originalidad temática, más que por su formato ha conseguido colarse con más o menos éxito de público y crítica en el festival de Sitges y la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián.

Una vez más un grupo de estudiantes filmando un documental es la excusa argumental para el supuestamente “real” filmado del metraje que compone el film. En esta ocasión siguen a un cazador, supuestamente de osos, del que no tardarán en descubrir que su presa es algo mucho más sustancioso, Trolls. Se destapará el hecho de que el gobierno, mediante funcionarios como el cazador protagonista, oculta y mantiene apartados de la visión pública a una ingente y diversa población de Trolls, y los estudiantes están dispuestos a cualquier riesgo para documentar este hecho y sacarlo a la opinión pública.

Diversas son las bazas a favor de esta producción, entre ellas, la ya comentada originalidad del planteamiento. El ya manido recurso del “cámara en mano” para dar realismo al supuesto documental está, en esta ocasión, bien equilibrada sin llegar a agotar la retina del espectador con locos movimientos que en otras producciones han terminado siendo agotadores y reiterativos. Por otra parte, el reparto está correcto en sus papeles (Otto Jespersen, Hans Morten Hansen, Tomas Alf Larsen), requisito imprescindible para un producto de estas características. Para terminar, otro aspecto que llama positivamente la atención es el cuidado diseño de las criaturas de la película, sorprende la creatividad con la que se presentan, la variedad, el nivel de detalle y la calidad del mismo.

En su contra y una de las mayores debilidades del producto es, a mi entender, la estructura de la película. Comienza planteando el misterio de una forma atractiva, termina de una forma trepidante, pero el área central es altamente reiterativa, los encuentros con los trolls, pese a diferenciarse cada situación, sigue el mismo esquema una y otra vez, y eso borra toda tensión, y, dependiendo del espectador, un interés que luego es costoso recuperar.

En conjunto, evaluando pros y contras, resulta una película interesante y fresca (un nuevo ejemplo de que el cine nórdico tiene mucho que decir y aportar) además de original, pero que podría haber sido, sin excesivo cambio, mucho mejor y más memorable de lo que finalmente resulta.

-Enoch-

Le Skylab

2012-03-01T17:54:00.000+01:00

Valoración: 7/10

Julie Delpy, la actriz que ganara renombre internacional con films como “Antes del Amanecer” , “Antes del Atardecer” o “Tres colores:Blanco”, entre otras muchas, y demostrara su valía como directora con películas como “La Condesa”, “2 días en París”…etc presenta en la 59 edición del Festival de Cine de San Sebastián su obra “Le Skylab”, de la que también se erige como guionista. Un muy personal trabajo que le valió la mención especial del Jurado endicho certamen.

La película nos narra los recuerdos que surcan la mente de Albertine, una mujer a bordo de un tren acompañada de su marido y sus hijos. Viaja su mente a la infancia, cuando, a los diez años, realizó el mismo recorrido con destino Bretaña para asistir al cumpleaños de su tía Suzette donde se reúne toda la familia. En aquel momento de su niñez todos fantaseaban con el Skylab, la primer estación espacial americana, aunque, para algunos, representaba más una pesadilla temiendo que se estrellara sobre ellos…

“Le Skylab” es una película amable, que asienta sus pilares en la nostalgia del pasado recreando en esta familia, que pudiera ser cualquier familia de cualquier lugar, un ayer con el que resulta sencillo empatizar y recordar con una sonrisa en los labios. Un aspecto a destacar de la producción, y uno de los más fundamentales, además del guión que hila toda relación y situación es la interpretación de todos los integrantes de esta alocada y a la vez normal familia: Lou Álvarez, Eric Elmosnino, Aure Atika, Noémie Lvovsky, Bernardette Lafont, Emmanuelle Riva, Vincent Lacoste, Marc Ruchmann, Sophie Quinton, Valérie Bonneton, Denis Menochet, Jean-Louis Coullo'ch, Michelle Goddet, Luc Bernard, Candide Sánchez, Karin Viard, Noah Huntley, y entre todos ellos, también la directora, Julie Delpy reviviendo, en cierta forma su propia historia personal a través de su actuación. El reparto coral destaca, tanto los adultos como los niños realizan un trabajo digno de elogio, sin duda.

El vestuario, los pequeños detalles de la ambientación , y sobre todo, la música, nos atrapan en este viaje en el tiempo y nos ubican perfectamente en la época. Quizás lastre al proyecto la falta de un hilo argumental más definido, un hilo conductor, y pueda quedar suspendida en el ambiente de la sala la sensación de no haber sido testigos de una historia con un principio y un final, sino de, al apagarse las luces, ver abrirse una ventana desde la que observar un tierno momento de un pasado no tan lejano y del que muchos, aún pueden recordar y añorar. Una comedia amena, bien interpretada y agradable de ver. Interesante.

-Enoch-

Milagro - Kiseki (I Wish)

2012-03-01T12:36:00.000+01:00

Valoración: 7/10

El director Hirokazu Koreeda, conocido por sus numerosas obras como “Still Walking”, “Hana”, “Nadie Sabe”…etc. Firma esta obra entrañable protagonizada por el dúo cómico infantil Maeda Maeda. Presentó su buen hacer en la 59 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, en cuya sección oficial a concurso fue esta película una de las favoritas, sobre todo para el premio a su director, pero finalmente tuvo que conformarse con el premio a su guión.

La mágica historia de la película gira en torno a los dos niños protagonistas, dos hermanos que sufren la separación debido al divorcio de sus hacedores y ven cómo la distancia se abre entre ellos al ir uno a vivir a Fukuoka con la madre y el otro a Kagoshima con el padre. La comunicación entre ellos es continua y la voluntad de reunirse y conseguir que su familia vuelva a ser una única unidad es enorme. La solución a sus anhelos parece materializarse con la inminente apertura de la línea férrea que unirá las ciudades donde ambos habitan, pues una leyenda versa que, cuando los trenes en ambas direcciones se crucen un milagro puede ocurrir y los deseos verse cumplidos. Pronto comenzarán a urdir planes para hacer de este mito, una realidad.

“Kiseki” es una dulce fábula sobre la familia y los lazos que la unen, sobre la amistad, sobre los sueños. Una película cargada de sensibilidad pero alejada del melodrama y la lágrima fácil, libre de sentimentalismos inútiles y de moralejas ni valoraciones morales, pero más que capaz de conmover y emocionar, mas sin perder la sonrisa.

Un valor destacable de la película es su íntegro reparto (Ohshirô Maeda, Koki Maeda, Hiroshi Abe, Jô Odagiri, Yoshio Harada, Masami Nagasawa, Yui Natsukawa, Kirin Kiki, Isao Hashizume, Nene Ohtsuka) que realiza unas actuaciones dotadas de una naturalidad que traspasa la pantalla, que añade un plus de “verdad” a esta historia. Por supuesto, sobre todos ellos, los dos niños protagonistas y motor de la historia, consiguen una galería de matices en sus actuaciones que despiertan la empatía y complicidad del público desde la primera escena.

Si algo se puede decir en su contra es que el desarrollo, así como el desenlace, del film está alargado en exceso, y no siendo una historia demasiado compleja implica un ritmo tan pausado que puede llevar al espectador al tedio. Bajo mi opinión personal, y pese a valorarla, en su conjunto, como una buena película, opino que debiera ser más ágil y que contar lo mismo en un espacio de tiempo más reducido hubiera generado una mayor sensación de satisfacción a un espectro mucho más amplio de público. De cualquiera de las maneras, Koreeda vuelve a firmar un producto de calidad y demostrar su buen hacer para el cine. Interesante.

-Enoch-

Saint (Sint)

2012-02-29T18:52:00.000+01:00

Valoración: 6/10

Desde Holanda, Dick Maas (responsable de las clàsicas “El Ascensor”, “Asterdamned: Misterio en los canales”o las más recientes “The Shaft”, “Presa del Pánico”…etc) nos trae esta película de la que es director, guionista y compositor de la banda sonora. Un macabro guiño a las entrañables tradiciones que le abrió las puertas de la sección competitiva del festival de Sitges y su proyección en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, entre otros festivales.

“Saint” nos habla de una tradición infantil de similar corte a “Santa Claus”, pero que, en el caso que nos ocupa, su encarnación es San Nicolás. Según versa la leyenda, el 6 de Diciembre llega, a lomos de su corcel para dejar dulces y regalos a aquellos que se hayan portado bien… Pero toda tradición, todo mito leyenda o profecía tienen su lado oscuro… y llega el día en que este personaje regrese, pero no en tan entrañable formato, sino sediento de sangre y destrucción…

Sin grandes complicaciones, y sin ánimo de querer aparentar lo que no es, Dick Maas sube al público en la montaña rusa de entrenamiento y divertimento que es “Saint” dispuesto a hacerlo reír y salpicarlo de sangre en el trayecto. La propuesta es sencilla, pero no por ello menos divertida o efectiva como vehículo de puro entretenimiento desechable, con la virtud de haber sabido crear rocambolescas situaciones para no resultar del todo predecible y mantener el interés del espectador al que la proyección le parecerá aún más breve de lo que realmente es.

Unos efectos especiales y un trabajo de maquillaje que resulta bien correcto, una interpretación de la galería de actores que, si bien no es memorable, sí que es aceptable y libre de los clichés que una película de estas características suele sufrir. Una fotografía, firmada por Guido Van Gennep, que regala escenas (por ejemplo, el caballo y su fantasmal jinete trotando por los tejados de la ciudad) memorables… elementos todos ellos que tejen un producto, que sin ser una joya del celuloide a recordar, sí que resulta muy ameno, trepidante y entretenido para pasar un rato bien agradable disfrutando de las correrías y maldades de este San Nicolás y los torpes intentos de los protagonistas por detenerlo. Divertida.

-Enoch-

Martha Marcy May Marlene

2012-02-29T18:14:00.000+01:00

Valoración: 7/10

Sean Durkin es el responsable de la dirección y el guión una de las producciones más comentadas de la temporada, “Martha, Macy, May, Marlene”, una mirada fresca al thriller/drama psicológico que ha recibido numerosos reconocimientos como el premio al mejor director en el festival de Sundance, así como diversas nominaciones en el Festival de Cannes, los premios Gotham, Critics choice, Independent Spirit…etc que avalan no sólo su labor, sino la del reparto del film.

La película se centra en el personaje de Martha (Elisabeth Olsen), una joven desorientada que tras una temporada inmersa en una secta, escapa de la misma y se refugia con su hermana Lucy y su marido (Hugh Dancy). El nuevo entorno tiene todo a su favor, pero la atormentada protagonista no consigue acostumbrarse a su nueva vida, a las usos y protocolos de la clase media-alta. Poco a poco la paranoia, las pesadillas, los recuerdos, van minando su ánimo y cordura… o acaso no todo lo que la perturba son imaginaciones o traumas del ayer?

Diversos son los aspectos destacables en esta película, pero si algo resulta brillante es la interpretación de todo el elenco de actores que puebla las escenas presentes, y los flashbacks de la protagonista durante su tiempo con la secta. Y, de entre todos ellos, el siempre inquietante John Hawkes como el cabecilla del grupo que abdujo a la Martha, y ella misma, Elisabeth Olsen, que borda una interpretación que ha lanzado al estrellato su carrera como actriz. A su alrededor una galería de secundarios (Brady Corbet, Sarah Paulson, Christopher Abbott, Hugh Dancy) que terminan de redondear el conjunto y de dar veracidad con sus actuaciones a la perturbadora historia.

A medio camino entre el thriller y el drama, surcada de pinceladas de terror psicológico, esta película envuelve al espectador en un halo malsano, viciado y enfermizo, el mismo del que parecen estar formados los pensamientos de Martha, la protagonista… todo resulta oscuro en esta película pese a lo vivo de su fotografía, nada y nadie es o puede ser lo que parece. Estamos, con todo ello ante un film con una historia y una forma de contarla, un guión, que no es en absoluto fácil, al que puede acusarse de tener demasiados vacíos, pero que, por otro lado, reta al espectador a erigirse juez de lo correcto, incorrecto, real o imaginario, le hace cómplice y voyeur de una historia inquietante y deja en sus manos las piezas de un siniestro puzle…

En conjunto, una película peculiar, extraña e hipnótica que atrapa en su historia y asfixia el ánimo desde la mirada perdida de su atormentada protagonista, un film que deja poso en la audiencia y genera discusión. Por todo ello… Recomendable.

-Enoch-

Miss Bala

2012-02-29T16:50:00.000+01:00

Valoración: 6/10

“Miss Bala”, es una arriesgada película mexicana dirigida por Gerardo Naranjo, también responsable de su guión centrada en el mundo del narcotráfico y los certámenes de belleza. Esta producción inauguró la sección “Horizontes Latinos” en la 59 Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián y ve la luz en salas comerciales en España en Mayo de 2012. El trabajo de Naranjo se ha visto reconocido siendo su película nominada a diversos premios, como los Goya y los Satellite Awards, entre otros, además de haber sido seleccionada para la sección “Un certain regard” de Cannes.

La película nos cuenta la historia de Laura, una joven mexicana que no suena con otra cosa que ser coronada reina de la belleza en los certámenes a tal efecto. Pero un fatídico giro del destino, y el estar en el momento equivocado en el instante erróneo la lleva a verse atrapada en las redes del narcotráfico, enredarse con una banda que tiene atemorizado al norte del país. Aún y atrapada en este mundo, su carrera hacia el trono de la belleza no se detiene. Glamour y crimen se hacen su nueva vida…

A medio camino entre el cine social (a mi entender, factor mejor llevado del film) y el thriller de acción más trepidante se ubica esta obra que si bien se hace amena e interesante, resulta, en algún tramo, un tanto irregular en su planteamiento y formas, factor que, unido a su extendida duración, puede llevar a algún que otro bostezo y desviación de atención por parte del espectador. En su favor subrayaremos sobre todo lo demás, la interpretación de su protagonista Stephanie Sigman, impecable en su papel.

Aceptable, correcta, entretenida… pero no inolvidable ni tan impactante como prometía.

-Enoch-