viernes, 28 de octubre de 2016

The Odyssey - Jérôme Salle

Título original: L'odyssée

Año: 2016
Duración: 122 min.
País: Francia

Director: Jérôme Salle
Guión: Jérôme Salle, Laurent Turner (Libro: Jean-Michel Cousteau, Albert Falco)
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Matias Boucard

Reparto: Lambert Wilson, Pierre Niney, Audrey Tautou, Michael Bundred, Chloe Hirschman, Jenna Saras, Dylan Edy, Sabine Palfi, Richard Lothian, Kevin Otto, Irina Miccoli, Wilson Carpenter, Ryan Kruger, Adam Neill, Brett Williams, Alberto Nicolo'

Productora: Fidélité Films / Pan Européenne / TF1 Films Production

"L'odyssée" nos narra la vida del conocido Jacques Cousteau, el hombre que acercó la vida del océano a toda una generación, deslumbrada con sus viajes y descubrimientos. Le acompañaremos en su devenir desde sus orígenes, en la persecución de un sueño que poco a poco se iba haciendo realidad a medida que su fama y recursos aumentaban. Conoceremos a su entorno, su mujer, sus hijos, su tripulación, todos pasajeros del mismo navío rumbo a unos inalcanzables objetivos. Pero en toda historia, hay un lado oscuro, las relaciones no son tan felices, los logros y los medios, no siempre tan puros e idílicos...

Jérôme Salle dirige este biopic sobre la tan conocida y cercana en el tiempo figura de de Cousteau, recuperándolo para el gran público. El film, plagado de estrellas del cine francés obtuvo el honor de clausurar la 64 Edición del Festival de San Sebastián logrando un discreto recibimiento por una crítica y un público que esperaban gran cine y encontraron una película agradable pero intrascendente.

El punto más fuerte de la película y lo que hace más disfrutable su visionado en pantalla grande es su espectacularidad a la hora de plasmar la naturaleza, bien aprovechada y fotografiada, un deleite visual.

En cuanto a su estelar reparto, cumplen todos su papel con credibilidad (subrayada por una buena puesta en escena en cuanto a ambientación y caracterización) y buen hacer, pero sin gran brillo dramático, no implicando demasiado el ánimo de la audiencia en sus logros ni en sus fracasos, víctimas de un demasiado discreto guión.

Con todo ello, "La Odisea" se erige como una película de fácil y agradable consumo, una historia de la que disfrutar sin implicarse demasiado. Paradójico resulta, si Cousteau fue remarcable por adentrarse en las más recónditas profundidades, la película sobre él parece haberse quedado en la superficie narrativa, una pena. Aceptable a la par que olvidable.

Valoración:6/10
Trailer:

jueves, 27 de octubre de 2016

En la Vía Láctea - On The Milky Road - Emir Kusturica

Título original: On the Milky Road

Año: 2016
Duración: 125 min.
País: Serbia

Director: Emir Kusturica
Guión: Dunja Kusturica, Emir Kusturica
Música: Stribor Kusturica
Fotografía: Martin Sec

Reparto: Monica Bellucci, Emir Kusturica, Sergej Trifunovic, Miki Manojlovic, Bajram Severdzan, Maria Darkina

Productora: Coproducción Serbia-México-Estados Unidos-Reino Unido; BN Films / Pinball London

Corren tiempos de guerra, y en pleno núcleo del conflicto conoceremos a un hombre que, ajeno a balas y bombas, continúa su rutina y ocupación, repartir leche a los lugareños y soldados. La vida continúa pese a todo, pero la llegada de una extraña, una proscrita, creará el caos que ni la propia batalla bélica ha conseguido crear. Las pasiones, los celos, los encuentros y desencuentros se suceden, chocando la cruda realidad de la guerra con la fantasía de los reales sueños.

Emir Kusturica (Gato Negro Gato Blanco, Underground...) escribe, dirige y protagoniza esta cinta que representa su regreso al cine tras unos años de sequía de largometrajes. En él trata de plasmar todo su surreal lenguaje en un film de estrambóticas formas. Su renombre y originalidad le permitió concursar en el festival de Venecia y colarse en la sección de Perlas del 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

La mayor virtud de "On The Milky Road" reside en su poderío visual. Kusturica puebla su relato de situaciones estrambóticas, escenas que parecen sacadas de algún hilarante dibujo animado de otros tiempos, y sabe plasmarlas en pantalla de una forma brillante, entreteniendo con su imaginario y divirtiendo con sus alocadas ideas surreales. El trabajo de fotografía de Martin Sec viste a esta puesta en escena de elegancia, calidez y grandilocuencia para el deleite de la retina del espectador.

Monica Bellucci destila glamourosa madurez y buen hacer como hilo conductor de los acontecimientos, aunque su seductor hechizo no termina de funcionar en la vertiente más dramática de la historia donde queda un tanto en tierra de nadie.

Quizás su punto más flaco resida en el guión, que se siente demasiado barroco, recargado hasta el extremo de giros, gags, vueltas y revueltas en un crescendo de fantasía que penaliza el disfrute del film alargándolo más allá de lo correcto y ensombreciendo el calado de su discurso.

En conclusión, una película agradable pero por debajo de las expectativas creadas ante el regreso del carismático director. Entretenida pero excesiva.

Valoración:6/10


martes, 25 de octubre de 2016

Los Blogos de Oro entregarán el premio de la crítica en la 27 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián

-------


PREMIO BLOGOS DE ORO DE LA CRÍTICA EN LA SEMANA DEL TERROR

La Semana de Cine Fantástico y de Terror y los Premios de Cine Blogos deOro han llegado a un acuerdo de colaboración para la creación de un nuevo premio oficial de la crítica dentro del palmarés de dicho festival, el Premio Blogos de Oro a la Mejor Película de la Semana del Terror.




El jurado oficial de este nuevo premio estará formado por cinco medios integrantes de la asociación Premios de Cine Blogos de Oro: Arteuparte, ATxiflar, Cine de Patio, El Contraplano y RavenHeart.

Este año la Semana del Terror de San Sebastián celebra su 27a edición del 29 de octubre al 4 de noviembre. El Premio Blogos de Oro de la crítica a la Mejor Película se entregará el viernes 4 por la noche justo antes de la película que clausurará este terrorífico festival de cine.

Más info de la Semana del Terror en http://www.sansebastianhorrorfestival.eus/


La Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián comienza su andadura en 1990, organizada por Donostia Kultura. Desde sus inicios ha querido presentar una programación atractiva que pudiera interesar a cualquier espectador. Cine de terror, ciencia ficción, animación, cortometrajes, clásicos de todo el mundo... se han alternado a lo largo de su historia con espectáculos teatrales, exposiciones, conciertos y demás actividades, en un intento de crear un certamen multidisciplinar en el que cualquier ciudadana y ciudadano pueda encontrar algo que le interese.


La asociación Premios de Cine Blogos de Oro está integrada por más de 200 bloggers, podcasters y youtubers que eligen lo mejor del año en cine en una gala virtual que hasta el momento ha contado con la participación de cineastas como Santiago Segura, Alex de la Iglesia y Aura Garrido entre otros.
Además organizan preestrenos, sorteos y eventos relacionados con el cine y eligen las mejores películas de las secciones oficiales de diversos festivales. 

American Pastoral - Ewan McGregor

Título original: American Pastoral

Año: 2016
Duración: 109 min.
País: Estados Unidos

Director: Ewan McGregor
Guión: John Romano (Novela: Philip Roth)
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Martin Ruhe

Reparto: Dakota Fanning, Jennifer Connelly, Ewan McGregor, Uzo Aduba, Rupert Evans, Molly Parker, David Strathairn

Productora: Lakeshore Entertainment

Corre la década de los 60, un matrimonio modelo vive en una granja apartada. Él, un ídolo de los deportes. Ella, una reina de la belleza. Su unión florece con el nacimiento de una niña adorada por todos. Pero a la par que el tiempo pasa, la situación socio política del país avanza, tornándose turbia y violenta. Es en esta etapa convulsa cuando la que una vez fue dulce niña de papá, ahora es rebelde adolescente, hasta tal punto que se ve forzada a desaparecer tras ser acusada de un violento acto. Este acontecimiento pone a la modélica pareja en el ojo del huracán y es objetivo de la pública opinión mientras pugnan por recuperar a su hija perdida esperando encontrar con ella su inocencia.

Ewan McGregor salta a la dirección con esta ambiciosa película inspirada en la contundente novela de Philip Roth. Su trabajo le abrió las puertas de la sección competitiva del 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde el actor es querido y su trabajo ha sido reconocido en anteriores ocasiones, pero con "American Pastoral" el éxito no fue tal, logrando una muy fría acogida por parte de la crítica y desigual entre el público.

El film, pese a tener una gran historia que contar, se siente fría en su narrativa, no llegando nunca a penetrar las emociones narradas más allá de la pantalla. No consigue inquietar, asfixiar con la tensión que debía, ni despertar emociones ante la galería de sentimientos rotos y desgarrados de sus personajes.

A su favor he de apuntar que encuentro varios aspectos a salvar del desastre en este proyecto. Técnicamente la película se viste de agradables galas formales, con una elegante fotografía y una más que digna ambientación. A nivel interpretativo, destacan una vez más dos enormes Dakota Fanning y Jennifer Connelly, que roban cada escena en la que aparecen y saben transmitir la intensidad de dos controvertidos personajes. Lástima que el principal protagonista, el propio director, McGregor, no esté a su misma altura no logrando lo mismo y por ello lastrando al producto, siendo como es él el principal personaje y motor de la historia.

En conclusión, "American Pastoral" resulta un debut mucho más discreto de lo esperado, sin riesgo alguno, una película a la que la sombra de la obra literia en la que se inspira, le ha quedado grande. Agradable de ver, pero intrascendente en su calado por su incapacidad de meter al espectador bajo la piel de los protagonistas de tan dura historia. Correcta pero decepcionante.

Valoración:6/10
Trailer:

lunes, 24 de octubre de 2016

Nocturama - Bertrand Bonello

Título original: Nocturama

Año: 2016
Duración: 130 min.
País: Francia

Director: Bertrand Bonello
Guión: Bertrand Bonello
Música: Bertrand Bonello
Fotografía: Léo Hinstin

Reparto: Vincent Rottiers, Finnegan Oldfield, Jamil McCraven, Hamza Meziani, Manal Issa, Laure Valentinelli, Adèle Haenel, Luis Rego, Hermine Karagheuz

Productora: Coproducción Francia-Bélgica-Alemania; Pandora / Scope Pictures / Wild Bunch / Eurimages / CNC / Rectangle Productions / WDR / Canal+ / Arte France / FFA

Amanece en París. Un grupo de adolescentes, de diversas clases sociales, razas, orígenes... deambulan por le metro, por las calles, en aparente desorden pero subyacente sincronía. Al caer la noche se reunirán en un cerrado centro comercial tras su ajetreado día habiendo sembrado en la ciudad emponzoñadas semillas de caos y absoluto terror.

Bertrand Bonello escribe y dirige esta controvertida película que reflexiona sobre dos temas de máxima y triste actualidad. Por un lado, el terrorismo y su sinsentido, por otro, sobre una juventud de corruptos valores y abandonada ética. Su arriesgada propuesta, creadora de polémica, le abrió las puertas a la Sección Oficial a Concurso del 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde logró encontradas críticas, desatando enfrentadas pasiones en la opinión de crítica y espectadores.

Varios son los aciertos, a mi entender, de la película. Entre ellos encuentro el trabajo de casting, acertado en la elección de los jóvenes protagonistas extremando las diferencias entre ellos y universalizando así la idea que trata de transmitir. El desempeño técnico del film también tiene tramos brillantes, con una cámara caprichosa, inteligente y creativa que regala varios planos de impacto para el recuerdo.

En su contra juega quizás un cierto exceso de metraje que poco o nada aporta. Comienza y termina de una forma contundente y removedora de conciencias, pero tiene un área central, desarrollada en el interior del centro comercial en la que la narrativa se atasca y sólo redunda en ideas que ya el espectador tiene captadas, mermando así el disfrute de la película.

Pese a lo irregular de su realización, pienso que la mayor virtud de "Nocturama" y donde más fuerza consigue, es en el debate que suscita tras su visionado. Las cartas que pone sobre la mesa obligan a la audiencia a analizar el mensaje que trata de transmitirnos con todas ellas y llama de forma inevitable a la reflexión sobre un mundo y una juventud sin otro rumbo que la destrucción y el sinsentido.

Una propuesta interesante y arriesgada. Un puñetazo a la conciencia no tan perfecto como se podría desear pero de una valentía y creatividad a tener en cuenta.

Valoración:6/10
Trailer:

domingo, 23 de octubre de 2016

Que Dios Nos Perdone - Rodrigo Sorogoyen

Título original: Que Dios nos perdone

Año: 2016
Duración: 125 min.
País: España

Director: Rodrigo Sorogoyen
Guión: Isabel Peña, Rodrigo Sorogoyen
Música: Olivier Arson
Fotografía: Alejandro de Pablo

Reparto: Antonio de la Torre, Roberto Álamo, Mónica López, Luis Zahera, Rocío Muñoz-Cobo, José Luis García Pérez

Productora: Tornasol Films / Atresmedia Cine / Mistery Producciones AIE / Hernández y Fernández P.C.

El ambiente en la ciudad de Madrid no puede estar más caldeado. La visita del papa y las masas católicas que arrastra, la crisis incipiente y una ola de insoportable calor cargan la atmósfera y tensan las relaciones. En este entorno una serie de cruentos crímenes cometidos contra ancianas llama la atención policial, y no tardarán en descubrir que entre la marabunta se esconde un fiero y peculiar asesino en serie. Dos inspectores serán los responsables de resolver el caso con la mayor discreción posible, dos hombres de fuertes personalidades límite, dos bombas a punto de estallar. Una carrera contra el tiempo, la muerte, y la locura comienza.

Rodrigo Sorogoyen da la sorpresa con la calidad de una inesperada película de primera, un thriller oscuro y tenso que capta la atención desde su inicio y no suelta el ánimo hasta su último fotograma. Tal buen hacer le permitió participar en la sección competitiva del 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián donde logró alzarse con el premio al mejor guión para el propio director e Isabel Peña, así como fue elegida la mejor película a concurso por los Blogos de Oro.

Muy remarcable es, a mi entender, el trabajo de sus dos protagonistas. Antonio de la Torre y Roberto Álamo brillan en sus respectivas creaciones encarnando a dos policías lejos de dar un heróico perfil, sino con más sobras que luces, secretos y emociones turbias que en ocasiones compiten con el propio asesino en cuanto al malestar que saben llegar a generar en el espectador, estupendos ambos.

El otro factor que hace de "Que Dios Nos Perdone" una obra de primera es el tóxico a la par que cercano ambiente que sabe generar. La atmósfera de la película, sucia, asfixiante y sudorosa se mete bajo la piel de una audiencia emponzoñada por una creíble sordidez cargada de cuidadísimos y sutiles detalles.

En conclusión, estamos ante una obra de máximo interés y gran entretenimiento que reviste unas formas de primera, guarda unas interpretaciones de quitarse el sombrero y resulta un producto muy recomendable.

Valoración:7/10
Trailer:

sábado, 22 de octubre de 2016

Yo, Daniel Blake - Ken Loach

Título original: I, Daniel Blake

Año: 2016
Duración: 100 min.
País: Reino Unido

Director: Ken Loach
Guión: Paul Laverty
Música: George Fenton
Fotografía: Robbie Ryan

Reparto: Hayley Squires, Natalie Ann Jamieson, Dave Johns, Micky McGregor, Colin Coombs, Bryn Jones, Mick Laffey, Dylan McKiernan, John Sumner, Briana Shann, Rob Kirtley

Productora: BBC / BFI / Sixteen Films

Daniel Blake es un hombre de 59 años que toda su vida ha sido un afanado trabajador. Sin embargo, una dolencia en su corazón detiene su andadura y su doctor le prohibe continuar ejerciendo su oficio. Por vez primera deberá acercarse a los servicios sociales para solicitar una prestación económica. Allí le obligarán a buscar empleo para concedérsela, absoluta incoherencia con la prescripción médica. De esta forma comenzará su aventura, su batalla contra un sistema y una burocracia sumamente imperfecta. En el proceso conocerá a Rachel, una joven en unas diferentes pero igualmente injustas circunstancias que pelea para sacar adelante a sus dos hijos. Juntos, tratarán de caminar de la mano hacia la victoria.

Ken Loach vuelve a colocarse tras las cámaras para realizar un realista retrato social de un mundo cargado de injusticia pero habitado por personas más fuertes aún que el sistema que trata de asfixiarlas. Su sabio equilibrio de afilada denuncia pero sensible tratamiento del problema ha sabido conquistar, es notable, como demuestra habiéndose alzado con el máximo galardón en el Festival de Cannes y el premio del público en el 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Para que la propuesta conquiste y el realismo de los hechos narrados se subraye con el realismo que más empatía debe conseguir, el personal, el peso de lo humano recae sobre los actores Dave Johns y Hayley Squires, que bordan los dos roles protagonistas, brillantes en sus luces y en sus sombras, fieramente humanos.

El guión de Paul Laverty es igualmente hábil, sabiendo narrar los hechos de forma fluida y clara, así como dibujar emociones y personajes con los que el público automáticamente se identifica participando de sus vivencias. No guarda sorpresas y puede tacharse de predecible en su desarrollo, pero no pierde mérito alguno por ello.

"Yo, Daniel Blake", con todo ello es una película oportuna (que no oportunista) para los tiempos que corren, una llamada de atención a una triste realidad a la par que una película realizada con gran gusto que tiene un muy agradable visionado y ocupará un amable recuerdo en la memoria cinéfila.

Valoración:7/10
Trailer:

miércoles, 19 de octubre de 2016

#BlogosDeOro & Pelis y Tuits con el equipo de QUE DIOS NOS PERDONE

El próximo lunes 24 de octubre a las 20:00 en el Lola 09 de Madrid, los BlogosDeOroen colaboración con los amigos de @silencio_sala y otros blogs de cine, os invitan a un nuevo evento #PelisyTuits, donde podréis conocer a Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña, realizador y guionista respectivamente de la película "Que Dios nos perdone" que se estrena el próximo 28 de octubre, y que ganó el Premio Blogos de Oro en el reciente festival de San Sebastián.


Si les queréis conocer y charlar con ellos en persona, enviad un email a pelisytuits@gmail.com

Os animamos a partipar y conocer al equipo de esta gran película que desde Raven-Heart os recomendamos!


domingo, 16 de octubre de 2016

Ikari - Rage - Lee Sang-il

Título original: Ikari

Año: 2016
Duración: 142 min.
País: Japón

Director: Lee Sang-il
Guión: Lee Sang-il, Shûichi Yoshida (Novela: Shûichi Yoshida)
Música: Ryuichi Sakamoto

Reparto: Ken Watanabe, Ken'ichi Matsuyama, Satoshi Tsumabuki, Takahiro Miura, Aoi Miyazaki, Masaki Okada, Hikari Mitsushima, Eri Fukatsu, Pierre Taki, Kirin Kiki, Suzu Hirose, Gô Ayano, Chizuru Ikewaki, Akira Emoto, Mirai Moriyama

Productora: Toho Pictures

Un asesinato múltiple es el punto de partida de la película. Una palabra se halla escrita con sangre en el lugar de los hechos, el puerto al que parecen dirigirse todos los personajes, la "ira". Con el crimen sin esclarecer y la sospecha palpitando entre la población, conoceremos a un grupo de personajes que nada tienen que ver entre ellos, pero a los que la duda y el recelo unirá, varias parejas que verán su vida cambiada por diversos hechos cruciales para su existencia y caminan, paso a paso, hacia un destino más y más oscuro a medida que, paralelamente, avanza la investigación de un crimen que lo cambia... todo.

Lee Sang-il, está tras el guión (inspirado en la novela de Shūichi Yoshida) y la dirección de esta película que, a medio camino entre el thriller y el más intenso drama, le abrió las puertas a la participación en la Sección Oficial competitiva del 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde recibió contrapuestas críticas.

El film destaca sobre todo en su vertiente más técnica, con un gran aprovechamiento de los deslumbrantes exteriores y los sombríos interiores, engrandecidos ambos por un gran uso de la fotografía para la creación de ambientes y emociones. Otro de sus puntos fuertes son las desgarradas interpretaciones de todo su elenco, que saben dibujar el lado más oscuro de sus personajes y encarnar en su labor la ira a la que hace referencia el título de la película.

Brillantes son los dos primeros tercios del film, la presentación del crimen pone en alerta el espectador de una forma contundente, y la introducción de la galería de personajes, problemáticas y relaciones atrapa la atención, para ir acrecentando el interés cuando comienzan a tejerse los nudos de sospechas y desconfianzas entre ellos.

Sin embargo el tramo final de su (demasiado) dilatado metraje pierde fuelle, concatenando una serie de pseudo finales que ejercen sobre la audiencia un efecto inverso al deseado, confundiéndola con sus laberínticas explicaciones que más que atar todos los cabos sueltos generan una maraña de ideas muy mejorable en su planteamiento.

Una película intensa, interesante y entretenida, cuya valoración queda muy penalizada por  el modo en que se genera y cuenta el desenlace. Este factor resulta una lástima porque termina quedando la sensación de haber disfrutado de una película que pudiera haber sido enorme y que termina siendo solamente aceptable.

Valoración:6/10
Trailer:


Verano en Brooklyn - Ira Sachs

Título original: Little Men

Año: 2016
Duración: 85 min.
País: Estados Unidos

Director: Ira Sachs
Guión: Ira Sachs, Mauricio Zacharias
Música: Dickon Hinchliffe
Fotografía: Óscar Durán

Reparto: Theo Taplitz, Michael Barbieri, Greg Kinnear, Jennifer Ehle, Paulina García, Alfred Molina

Productora: Magnolia Pictures / WME Entertainment

Una familia, tras el fallecimiento del abuelo, se traslada a la casa que heredan de este, en Brooklyn. Allí, el joven hijo de la pareja se hará amigo inseparable de otro niño de su edad, hijo de la responsable de una tienda de moda bajo su hogar, cuyo alquiler de renta antigua dependía también del fallecido abuelo. Todo fluye entre las dos familias de forma idílica, pero las necesidades económicas de unos y otros se irán alzando como barreras infranqueables para el entendimiento y la buena convivencia de ambas familias. Los principales amenazados serán los niños y su amistad.

Ira Sachs (El amor es extraño, Keep the lights on)  es el responsable de la dirección y el guión de esta película pequeña e independiente, una sencilla delicia sin grandilocuencias, pero con mucho que contar, que le ha abierto las puertas de festivales como Sundance o la 64 Edición del Festival de Cine de San Sebastián, donde pudo verse en la sección Perlas.

Sachs vuelve a utilizar las problemáticas de los alquileres como excusa narrativa para acercarnos a los más cotidianos problemas de la vida moderna en la gran ciudad y lo que es más importante, a la humana radiografía de sus personajes, de los que analiza de forma más que inteligente sus relaciones a través de unas escenas y diálogos milimetradamente pensados.

Gran parte de la funcionalidad de la película recae a su vez sobre los hombros de su elenco de actores y actrices, que, de nuevo, vuelven a dar lo mejor de si para bordar unos personajes cercanos, creíbles, con los que la audiencia puede empatizar de forma automática y sumergirse así en su problemática e historia.

Con todo ello, Ira Sachs y su equipo crean una película modesta pero efectiva, de un muy agradable visionado, plena de interesantes ideas y ligero entretenimiento, y lo que es más de agradecer en un film de estas características, no tratando de transmitir mensajes morales ni aleccionar a la audiencia, sino de sólo mostrar el abanico de elecciones con las que se topan los personajes en su camino y las consecuencias de sus decisiones, sin valorar lo correcto o incorrecto de las mismas. Interesante.

Valoración:6/10
Trailer:

sábado, 15 de octubre de 2016

Jesús - Fernando Guzzoni

Título original: Jesús

Año: 2016
Duración: 85 min.
País: Chile

Director: Fernando Guzzoni
Guión: Fernando Guzzoni
Fotografía: Bárbara Álvarez

Reparto: Sebastián Ayala, Nicolás Durán, Alejandro Goic, Esteban González, Constanza Moreno, Gastón Salgado

Productora: Coproducción Chile-Francia-Alemania-Grecia-Colombia; Rampante Films / JBA Production / Unafilm / Graal Films / Burning Blue

Jesús es un joven chileno cuya vida va a la deriva, sin más ocupación que pasar el tiempo con sus amigos en concursos musicales y deambular ebrios por la ciudad. Su único pilar familiar es su padre, con el que cohabita pero con el que apenas habla. Su destino cambiará una noche, como otra cualquiera, en el que la violencia se irá de las manos de Jesús y sus amigos. Un acto que captará la atención pública y pondrá a los jóvenes en el punto de mira. Jesús habrá de abrir los ojos, mirar a su alrededor, dentro de sí mismo, y de frente a su padre.

Fernando Guzzoni, quien se hiciera con el galardón de Nuev@s Director@s en el Festival de San Sebastián con su anterior obra "Carne de Perro" regresa en 2016 al certamen para competir en la Sección Oficial con esta propuesta, no cosechando con ella el mismo éxito y pasando por el concurso sin pena ni gloria.

La película tiene su punto fuerte en el abismo generacional que presenta, cómo enfrenta a un mundo adulto que ha vivido la dictadura de Pinochet a una actual juventud despreocupada y de dudosos valores. Este antagonismo impacta con fuerza y es una idea que ha sabido llevar con acierto a la gran pantalla.

Las formas en que retrata a esta nueva juventud quizás las encuentro más cuestionables. Guzzoni no duda en utilizar el sexo explícito y la violencia más cruda en su película. Tras su visionado no termino de dilucidar lo necesario de la misma para la narrativa de la historia, o si acaso su inclusión es una llamada a la polémica, siempre atractiva para arrastrar al público a las salas.

Pese a ello, este tono agresivo, que trasciende a todo lo formal de la película, incluído su uso del sonido y sus efectos, que encuentro bien inteligente, dota de fuerza al conjunto y lo aleja del mortecino caminar de sus anteriores proyectos, cosa que agradezco.

Sin embargo, y valorando de forma global la película, encuentro en ella discretas buenas maneras, buenas intenciones y una buena idea subyacente, pero no creo que esté llevada a la pantalla con demasiada maestría, me da la sensación de quedarse en un buen intento, que no en un buen logro. Prescindible.

Valoración:4/10
Trailer:

Fuego en el Mar - Gianfranco Rosi

Título original: Fuocoammare - Fire at Sea

Año: 2016
Duración: 108 min.
País: Italia

Director: Gianfranco Rosi
Guión: Gianfranco Rosi
Fotografía: Gianfranco Rosi

Reparto: Pietro Bartolo, Samuele Caruana, Samuele Pucillo, Mattias Cucina, Maria Costa, Maria Signorello, Francesco Mannino, Giuseppe Fragapane, Francesco Paterna

Productora: Coproducción Italia-Francia; Stemal Entertainment / 21 Unofilm / Cinecittà Luce / Rai Cinema / Les Films d'Ici / Arte France Cinéma

Lampedusa  es una isla italiana eje y epicentro de paso de miles de inmigrantes ilegales, es el anhelado destino de tantos que escapan de la guerra, la pobreza y una muerte segura, un soñado lugar de libertad y vida. FuocoAmmare nos habla de este flujo humano y de la tragedia que representa, las condiciones en que aquellos que surcan el mar viajan, la omnipresente presencia de la muerte entre ellos que sesga sin piedad sueños y vidas a su paso. Viajaremos también con aquellos que interceptan estas naves, y su lucha por rescatar a sus ocupantes. Igualmente, nos sentaremos a la mesa con los residentes habituales de una isla en el punto de mira de Europa y África.

Gianfranco Rosi escribe y dirige este documental premiado en el Festival de Berlín y presentado en la sección de Perlas del 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián llamando la atención por su temática de plena actualidad.

La película creo que acierta al asumir una narativa desde varias perspectivas, al mostrarnos tanto el drama de una peligrosa inmigración a Lampedusa, como el devenir de los habitantes del lugar, tan ajenos como cercanos a la tragedia.

Sin embargo hay algo en "Fuego en el Mar" que, a mi entender, no funciona. La crueldad y muerte que rodea al viaje, llegada o rescate de las pateras, pese a mirar de frente a la parca, no sabe explotar al máximo todas las posibilidades que la gran pantalla del cine le podían dar para remover conciencias, no consiguiendo que se salga de la sala más concienciado o implicado de lo que ya se estaba con el tema.

Por otro lado, la otra cara de la moneda, la vida en la isla, no termina de narrarnos nada especialmente interesante, los personajes que conocemos y su rutina no aportan gran cosa (ni siquiera entretenimiento alguno). Lo que sucede en las aguas se aleja diametralmente de lo que acontece en la tierra, y un nexo de unión más potente entre ambas realidades hubiera sido muy de agradecer, pienso que hubiera potenciado ambas partes del tristemente real relato.

En conclusión, un documental de interesante temática de actualidad, que pese a sus grandes reconocimientos, no me ha agradado, pienso que muchos otros, menos reconmbrados y con menos recursos han realizado alegatos cinematográficos sobre la materia mucho más impactantes y de mayor calidad.

Valoración:3/10
Trailer:

jueves, 13 de octubre de 2016

Ma vie de Courgette - Claude Barras

Título original: Ma vie de courgette

Año: 2016
Duración: 70 min.
País: Suiza

Director: Claude Barras
Guión: Morgan Navarro, Céline Sciamma, Germano Zullo (Novela: Gilles Paris)
Música: Sophie Hunger

Productora: Rita Productions / Blue Spirit Animation / Gébéka Films

Courgette es un niño pleno de sueños e imaginación que cohabita con una madre rota por el dolor y ahogada en el alcohol. Pero su destino cambiará al fallecer esta y verse arrastrado a un nuevo mundo. Ahora, Courgette habrá de adaptarse a la vida en un orfanato en el que se verá forzado a convivir y establecer relaciones con un grupo de niños en el que cada cual tiene una triste historia a sus espaldas. Pese a los hostiles comienzos, no tardará en establecer lazos, aprender a confiar en los demás y a compartir, teniendo como recompensa el descubrimiento de la amistad, el amor y la esperanza de una nueva vida con opciones a la felicidad.

Claude Barras dirige esta colorista película de animación realizada con la agradable técnica de stop-motion logrando un relato de tal ternura que le ha conferido los galardones de mejor película y premio del público en el festival de Annecy, así como el galardón del público a la mejor película europea en el 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Ni la técnica empleada par ala realización del film, ni su estética, ni siquiera su temática tienen especial originalidad ni revisten innovación o sorpresa alguna. Sin embargo, el guión sobre el que se basa es sabio para la creación de una agradable (aunque quizás un poco estereotiada) galería de personajes, situaciones e interacciones que despiertan una innegable sensación de ternura y disfrute al espectador que hace de esta agridulce historia una agradable y ligera delicia.

Otro de sus grandes valores es la ambientación musical del film, acertado vehículo que moldea las emociones y sentimientos de la audiencia durante su visionado. Igualmente, la estética plena de color, y la iconografía utilizada para dar forma al mundo de Courgette, resulta agradable y confiere especial expresividad a todos sus habitantes, generando instantánea empatía con lo contado.

En conclusión, un film pequeño pero hábilmente cuidado, ideal para el disfrute de pequeños y mayores, una amable fábula que no escapa de las crueldades de la realidad pero guarda un mensaje de sonriente esperanza. Agradable.

Valoración:6/10
Trailer:

Después de la Tormenta - Hirokazu Koreeda

Título original: Umi yori mo mada fukakuaka - After The Storm

Año: 2016
Duración: 117 min.
País: Japón

Director: Hirokazu Koreeda
Guión: Hirokazu Koreeda
Música: Hanaregumi
Fotografía: Yutaka Yamazaki

Reparto: Hiroshi Abe, Lily Franky, Isao Hashizume, Sôsuke Ikematsu, Kirin Kiki, Satomi Kobayashi, Yôko Maki, Taiyô Yoshizawa

Productora: Aoi Promotion

Ryota es un hombre al que, pese a tener una prometedora carrera como escritor, el éxito le resulta esquivo. Su libro se vendió excelentemente, pero los beneficios desaparecen por su pasión por las apuestas. En lo personal, su matrimonio se rompe y la añoranza por su esposa e hijo es enorme. Nada parece tener arreglo, pero con la complicidad de su anciana madre y de un tifón que les fuerza a recluirse a todos juntos a refugio, intentará tomar los pedazos de su vida rota y rehacer una armonía perdida y regresar al buen camino.

Hirokazu Koreeda (Nuestra Hermana Pequeña, De Tal Padre Tal Hijo) crea con "Después de la Tormenta" un nuevo retrato familiar, con esta película que él mismo escribe y dirige además de reconocerla como un de sus más personales proyectos. Como es habitual en los últimos años, su trabajo le ha abierto las puertas a la sección de Perlas del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, con una aceptable acogida por parte de un público para el que el director es ya un imprescindible.

De nuevo nos encontramos ante un relato de una familia mal avenida, pero con unas raíces afectivas sólidas sobre las que todos sus integrantes pueden trabajar para enmendar errores y establecer nuevos y sólidos lazos.

Si bien en sus anteriores proyectos, muchas eran las ramificaciones y subtramas de la historia, en "After the Storm" nos hallamos ante una narrativa más sencilla y simple, menos personajes y emociones menos intensas, lo que le da un cierto regusto de "trabajo menor" comparada con otras de sus películas.

Si algo es llamativo en esta propuesta es el trabajo de la actriz Kirin Kiki, la anciana madre del protagonista, que roba carcajadas y corazones en igual medida en cada una de sus intervenciones, cada escena en la que aparece resulta agradable y enternecedora haciendo ganar grandes enteros al film con su mera presencia.

En conclusión, una película pequeña, agradable y sencilla sobre las familias rotas, la redención y segundas oportunidades, un film de fácil y amable consumo aunque lejos de lo inolvidable de sus pasados proyectos.

Valoración:6/10
Trailer:

miércoles, 12 de octubre de 2016

Después de Nosotros - Joachim Lafosse

Título original: L'économie du couple - After Love

Año: 2016
Duración: 100 min.
País: Bélgica

Director: Joachim Lafosse
Guión: Fanny Burdino, Joachim Lafosse, Mazarine Pingeot, Thomas van Zuylen
Fotografía: Jean-François Hensgens

Reparto: Bérénice Bejo, Marthe Keller, Catherine Salée, Cédric Kahn, Tibo Vandenborre, Philippe Jeusette, Annick Johnson, Jade Soentjens, Pascal Rogard, Margaux Soentjens, Ariane Rousseau, Francesco Italiano

Productora: Coproducción Bélgica-Francia; Les Films du Worso / Versus Production

Marie y Boris son un matrimonio con dos hijas que ya no se ama. Su relación ha tenido grandes logros y momentos, pero los sentimientos se han ido apagando tras más de una década de unión y el instante de la definitiva separación es inminente. En la división ligada a la ruptura llega el conflicto. Ella es propietaria del hogar donde habitan, pero él ha corrido con la inmensa reforma del mismo. Además de ello, están las pequeñas. La justicia sobre qué corresponde a quién se traduce en continua batalla entre una pareja forzada por la situación a cohabitar entre las mismas cuatro paredes.

Joachim Lafosse dirige y escribe esta película pequeña, carismática y centrada absolutamente en sus personajes y circunstancias, que le ha permitido su exhibición en grandes festivales como Cannes o San Sebastián.

El film tiene una perspectiva prácticamente teatral, focalizado en espacios mínimos y esforzado en el nítido retrato de personajes, subrayando las relaciones entre ellos mediante sus dialécticas batallas, gestos y cotidianos actos. Para ello tiene un hábil guión lleno de matices y un elenco de actores, que si bien no terminan de arañar la emoción del espectador, sí hacen creíbles sus papeles y sentimientos arrebatados.

Lafosse se reafirma con esta película como un director a tener muy en cuenta con buen hacer y buen pulso tras las cámaras y la atmósfera con la que dota a sus películas. No termina de ser espectacular en su radiografía de la pareja, pero sí muy agradable en su reivindicación de un cine donde palabras y miradas son más importantes que el mero espectáculo visual. Agradable.

Valoración:6/10
Trailer:

La Doctora de Brest - Emmanuelle Bercot

Título original: La fille de Brest

Año: 2016
Duración: 128 min.
País: Francia

Director: Emmanuelle Bercot
Guión: Emmanuelle Bercot, Séverine Bosschem, Romain Compingt, Irène Frachon
Música: Martin Wheeler, Bloum
Fotografía: Guillaume Schiffman

Reparto: Sidse Babett Knudsen, Benoît Magimel, Charlotte Laemmel, Isabelle De Hertogh, Lara Neumann, Philippe Uchan, Patrick Ligardes, Olivier Pasquier, Gustave Kervern, Myriam Azencot, Pablo Pauly, Eddie Chignara, Raphael Ferret, Christophe Meynet, Gilles Treton, Garance Mazureck

Productora: Haut et Court / France 2 Cinéma / Cofinova 12 / Soficinema 12 / SofiTVCine 3 / Palatine Etoile 13 / Cinemage 10 / Canal + / Cine + / France Televisions / Région Bretagne

Irène Frachon es una doctora que en 2010 comenzó una lucha sin cuartel con las farmacéuticas francesas. Sus sospechas sobre los nefastos efectos secundarios de ciertos medicamentos inspiraron investigaciones que confirmaron sus peores miedos. Armada de valor y tratando de reunir un equipo tan implicado como ella, se lanzó a una batalla utilizando todos los medios a su alcance, y tomando todo tipo de riesgos,  para hacerse escuchar, y retirar del mercado productos letales.

Emmanuelle Bercot se inspira en una reciente historia real para crear un thriller médico del que es director y guionista, adaptando el libro "Mediator 150mg". Su trabajo le abrió las puertas del 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián en el que, además de participar en la Sección Oficial a Concurso, fue el film inaugural (con una gélida acogida por parte de público y crítica).

La película, si bien interesa por su temática y es llevadera gracias a un ritmo narrativo agradable, se siente demasiado encorsetada en las tópicas formas que tanto suelen acompañar a los films "basados en hechos reales", demasiado ocupada en conmover con los logros de la voluntad humana por el bien común que por trabajar más sus personajes y escenas con una mayor grandeza cinematográfica.

Si algo brilla dentro de esta producción es la labor de su actriz protagonista, Sidse Babett Knudsen, tiene un suficiente abanico de registros para hacer creíble su papel y dotarlo del carisma y personalidad necesarios para hacer de ella real y creíble heroína.

En conclusión, una película a la que no le falta entretenimiento pero carece de intensidad, suplida esta por una sensiblería fácil y melodramática que poco contribuye a la calidad final de producto. Pasable pero discreta.

Valoración: 5/10
Trailer:

lunes, 10 de octubre de 2016

The Giant - Jätten - Johannes Nyholm

Título original: Jätten

Año: 2016
Duración: 90 min.
País: Suecia

Director: Johannes Nyholm
Guión: Johannes Nyholm
Música: Björn Olsson
Fotografía: Johan Lundborg

Reparto: Christian Andrén, Johan Kylén, Anna Bjelkerud, Linda Faith, Niclas Fransson, Moa Malan, Stina Elinderson, Martin Högdahl, Stig Rehncrona, Daniel Presuttis, Bengt Carlsson, Tobias Åkesson, Pia Edlund, Lasse Dithmar, Lars Refn, Archana Khanna

Productora: Film Väst / Sveriges Television (SVT) / Beofilm

Rikard sufre de una extraña enfermedad que le acompaña desde su nacimiento, por esta dolencia su aspecto físico sufre de severas deformidades, lo que inevitablemente le hace un monstruo a ojos de aquellos que se cruzan en su camino. Otro lastre hace su existencia aún más difícil, y es la separación de su madre, de la que se ve aislado por tener ella mentales dolencias.
Pero no todo es negativo en su vida, en su viaje ha encontrado un puerto seguro, un refugio, en el deporte de la petanca. Su consuelo se encuentra en el equipo, el grupo de compañeros que le aceptan como uno más, de cuya compañía disfruta y hace del deporte su meta. En este océano de complicaciones, atado por aspecto y las barreras físicas y sociales que le impone, Rikard encuentra la libertad en el infinito de su fantasía, en la que se ve a sí mismo como un gigante todopoderoso que puede habitar con su amante madre. Dulce ficción, cruenta realidad y deporte trenzarán su existencia.

A medio camino entre el documental y la ficción, “The Giant” nos acerca a diversos aspectos de la humanidad, a su rostro más amable, pero también al más duro, representados todos ellos en los individuos con los que el protagonista va tomando contacto a lo largo de la historia. También la película  reflexiona sobre el viaje interior de su protagonista, haciendo partícipe a la audiencia de sus momentos más álgidos y felices y de los más bajos, compartiendo tanto su esperanza y sueños como su rabia y desesperación.

Para todo ello el guión de “The Giant” es sabio para, de una forma nada maniquea, mostrarnos cada etapa del camino sin ocultar los claroscuros que la envuelven, brillando su narrativa, sobre todo, en su parte más documental. La labor de sus intérpretes, por su parte, sabe dotar de verdad y autenticidad a los hechos y emociones, resultando la empatía tarea sencilla para el espectador.
La guinda técnica la hallamos en la labor de fotografía,  gris en su parte más realista, plena de calidez en el viaje a la fantasía.

Sus virtudes  hicieron que fuera galardonada en su participación en la Sección Oficial a Concurso en el 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, con el "Premio Especial del Jurado".

Sin embargo, encuentro ciertas pegas al desarrollo y compartimentación de la historia. En primer lugar, pienso que no termina de sacar buen partido a su parte más ligada a la fantasía, es un gran recurso para combinar con la triste realidad que no está tan bien explotado como cabía esperar. Por otra parte, el tiempo y recursos dedicados a las sesiones del juego de petanca me parecen excesivas mermando el entretenimiento y saturando, cuando podía haber dedicado más minutos de metraje a profundizar en la psique de sus protagonistas.

En conclusión, una película interesante y con buenas ideas e intenciones que no termina de ser tan brillante, entretenida y trascendente como hubiera sido deseable dada su temática. Irregular.

Valoración: 5/10

domingo, 9 de octubre de 2016

La Tortuga Roja - Michael Dudok de Wit

Título original: La tortue rouge (The Red Turtle)

Año: 2016
Duración: 80 min.
País: Francia

Director: Michael Dudok de Wit
Guión: Michael Dudok de Wit, Pascale Ferran
Música: Laurent Perez del Mar

Productora: Coproducción Francia-Japón; Why Not Productions / Wild Bunch / Studio Ghibli

Un náufrago es arrastrado por las corrientes del destino y el océano a una isla olvidada, desierta. Allí deberá pelear por la propia supervivencia, enfrentar los elementos, la naturaleza, y a sí mismo. En su afán por regresar a la civilización, pondrá a prueba su inventiva para urdir planes de huída. Durante estos intentos entrará en contacto con un misterioso personaje, una tortuga roja con la que entablará una intensa relación.
La vida continúa en tan extrema situación, sigue su ciclo inexorablemente, sin intervención de agente externo alguno, sólo el silencio, el hombre y la naturaleza.

“La Tortuga Roja” es una película de animación fruto de la colaboración del Studio Ghibli y varias productoras francesas, sin diálogo alguno, y un tipo de dibujo que, en primera instancia, puede parecer demasiado básico para lo que el cine nos tiene acostumbrados en estos tiempos. Pero no debemos dejarnos engañar por las apariencias, el film cuenta desde el silencio una historia tan amplia y compleja como la vida misma, y, la parte visual y artística, por su parte, termina envolviendo la retina del espectador en la misma medida que las emociones que se destilan del relato.

Esta fábula, dulce en su cadencia, se nutre de bien diversos recursos argumentales, consiguiendo con sus partes, donde encontramos suspense, romance, acción y drama, un todo bastante redondo que captura desde su mismo inicio la atención del espectador que sufre, ama y teme, con y como el protagonista de esta hermosa historia.

Aderezando el producto, encontramos una delicia de banda sonora, obra de Laurent Perez del Mar, que dota de un aspecto aún más lírico a la película, acariciando las emociones de una audiencia inmersa en un cuento tan fantástico en sus formas como realista en su fondo, una historia que reflexiona sobre el ciclo vital y lo importante en la humana existencia.

En conclusión, una película ideal para todas las edades y públicos, cuidada en su fondo y forma. Agradable, amable y dulce en su tono, una caricia cinéfila deliciosa.

Valoración:7/10
Trailer:

sábado, 8 de octubre de 2016

The Oath - Baltasar Kormákur

Título original: Eiðurinn (The Oath)

Año: 2016
Duración: 110 min.
País: Islandia

Director: Baltasar Kormákur
Guión: Ólafur Egilsson, Baltasar Kormákur
Fotografía: Óttar Guðnason

Reparto: Baltasar Kormákur, Hera Hilmar, Gísli Örn Garðarsson, Margrét Bjarnadóttir, Auður Aradóttir, Guðrún Sesselja Arnardóttir, Þorsteinn Bachmann, Ingvar Eggert Sigurðsson

Productora: RVK Studios

Un médico, además de pelear con la vida y la muerte en el ámbito laboral, deberá lidiar otra batalla, en su hogar. Su muy amada hija está comenzando a aventurarse por un tortuoso camino, puesto que su nueva pareja la introduce en un mundo de desenfreno y drogas que amenaza con destruir no sólo su integridad física, sino también las relaciones de la joven con su familia.
La situación no hace sino empeorar a cada paso, a emponzoñarse a cada acción, la espiral de violencia se desata inexorablemente…

Baltasar Kormákur dirige, co-escribe y protagoniza esta película islandesa que mezcla el drama familiar con el thriller, una propuesta que le ha abierto las puertas a festivales como el de San Sebastián, en el que ha competido en la Sección Oficial, ganando el favor del público pero una fría acogida de la crítica.

El punto más fuerte de “The Oath” reside en el tratamiento visual de la historia. Notable es el trabajo de su fotografía, con un sabio uso de la paleta de colores e iluminaciones que refuerza las emociones que revisten los personajes del relato y crean una estupenda atmósfera. Magistrales resultan los planos de exteriores, en los que se apoya en la inmensidad de los páramos gélidos que tan bien reflejan la indefensión de los protagonistas y la amenaza de un entorno incontrolable.

Su mayor debilidad reside en el guión, que no asume apenas riesgos. El relato, lejos de adoptar el tono valiente al que el cine nórdico nos tiene acostumbrados, huye de toda sordidez e incomodidad para mantenerse en territorio seguro. En su contra juega igualmente un arranque del film mucho más cuidado que su desenlace, factor que no contribuye a terminar su visionado con buen sabor de boca y penalizando directamente la valoración global de la película.

En cuanto a la labor de su elenco, es correcta pero quizás un tanto fría para encarnar tan potentes acontecimientos y relaciones como guarda esta narración, se hubieran agradecido quizás unos trabajos más entregados, intensos y apasionados que lograran una mayor empatía entre la audiencia.

Pese a que sus defectos o factores mejorables, predominan sobre sus virtudes, “The Oath” es un thriller que sabe entretener y, pese a ser olvidable en conjunto, resulta agradable para un rato de evasión cinéfila. Pasable.

Valoración:5/10
Trailer:

viernes, 7 de octubre de 2016

The Dead Room - Jason Stutter

Título original: The Dead Room

Año: 2015
Duración: 80 min.
País: Nueva Zelanda

Director: Jason Stutter
Guión: Kevin Stevens, Jason Stutter
Música: David Donaldson, Steve Roche, Janet Roddick
Fotografía: Grant Atkinson

Reparto: Jed Brophy, Jeffrey Thomas, Laura Petersen

Productora: Centron Pictures

Una apartada granja es tildada de lugar maldito por sus propietarios, que aseguran está embrujada. Dos científicos y una médium se acercarán al lugar para investigar los posibles fenómenos parapsicológicos que dicen que allí acontecen. Una mente abierta a lo desconocido e inexplicable y dos voluntades de testar lo irracional con científicas medidas desplegarán todas sus técnicas para probar lo imposible. Nada podía prepararles para lo que encontrarían en esa casa, epicentro de lo paranormal, uno de los lugares más famosos de Nueva Zelanda en cuanto a fenómenos sobrenaturales se refiere.

Jason Stutter dirige esta sencilla y pequeña película de bajo presupuesto que trata de desmarcarse en su narrativa y puesta en escena de sus competidoras en el sobre saturado subgénero de terror ligado a las casas encantadas y sus misterios.

"The Dead Room" por una parte trata de subrayar el aspecto científico y empírico de la investigación, pese a la presencia de la médium en el equipo. Por otro lado, escapa de grandes efectismos, obviando visuales orgías fantasmagóricas y tratando de mantener el horror en lo tangible dejando que sea la audiencia quien rellene los espacios. Curiosamente, tampoco trata de colar subtramas ligadas a los trasfondos de sus personajes, escasamente esbozados, para capturar emociones de la audiencia. Tiene su objetivo claro, su nudo argumental claro, y logra su cometido desde la sencillez y una sabia dosificación de los sustos y horrores narrados.

Sin  embargo, no termina de brillar del todo al no arriesgar apenas, no utilizando recurso novedoso alguno y quedando todo en el terreno de lo conocido en cuanto lo formal y lo argumental. Tampoco se siente el trabajo de guión demasiado elaborado, sobre todo en su parte final que se trasluce un tanto atropellada.

No obstante, es un film digno y de agradable visionado interesante para pasar el rato en un discreto viaje al más allá y sus secretos. Pasable.

Valoración:5/10

jueves, 6 de octubre de 2016

Snowden - Oliver Stone

Título original: Snowden

Año: 2016
Duración: 134 min.
País: Estados Unidos

Director: Oliver Stone
Guión: Oliver Stone, Kieran Fitzgerald (Libro: Luke Harding)
Fotografía: Anthony Dod Mantle

Reparto: Joseph Gordon-Levitt, Shailene Woodley, Melissa Leo, Zachary Quinto, Tom Wilkinson, Rhys Ifans, Nicolas Cage, Timothy Olyphant, Scott Eastwood, Joely Richardson, Jaymes Butler, Ben Schnetzer

Productora: Open Road Films / Onda Entertainment

Edward Snowden, en 2013, tras ser perseguido por tener en su poder claves asuntos de estado, reveló a The Guardian numerosos documentos secretos que sacaron a la luz cómo la NSA (Agencia Nacional de Seguridad) ejecuta un programa de espionaje y vigilancia ramificado a nivel global que atraviesa todas las barreras de privacidad rompiendo cualquier tipo de intimidad individual de la ciudadanía. La película nos acerca al protagonista de esta impactante historia real, a su meteórica carrera, sus descubrimientos y las revelaciones que hizo al mundo y sus consecuencias.

Oliver Stone se pone tras las cámaras y el guión para mostrar al gran público uno de los más controvertidos acontecimientos de los últimos años. Valiente en su riesgo, decepciona en su resultado, quedando lo que podía haber sido una película que hiciera saltar chispas a la pública opinión, en algo blando que no va más allá del sencillo entretenimiento.

La factura técnica del film se queda en simple corrección, con una puesta en escena demasiado sencilla que no es capaz de transmitir el vértigo de la intensidad de lo narrado, adoptando las formas de un thriller sin fuerza alguna. Por su parte, los intérpretes que encarnan a los reales personajes, tampoco brillan demasiado, con un habitualmente carismático Joseph Gordon-Lewitt, aquí descafeinado, y una habitualmente capaz Shailene Woodley, aquí insulsa. Paradójicamente encuentro más fuego en la breve intervención de los periodistas al cargo de la historia, encarnados por Melissa Leo y Tom Wilkinson, que en toda la interpretación de los actores principales.

Por contra, no podemos decir que "Snowden" no funcione como vehículo de simple entretenimiento, su montaje y estructura narrativa mantienen la atención y hacen que su dilatado metraje no pese en la atención de la audiencia. Sin embargo, este logro no es suficiente, al contrario, hace chirriar aún más el hecho de que, con tan espectacular fondo, no consiga trascender más de lo que lo hace.

En conclusión, el que podía haber sido uno de los films del año queda relegado, tras la decepción, a un producto de fácil consumo e inmediato olvido a años luz de la calidad del laureado documental "Citizen Four", de Laura Poitras, trabajo que recomendamos, para acercarse al tema, mucho más que la película de Stone, una lástima.

Valoración:5/10
Trailer:



miércoles, 5 de octubre de 2016

#BlogosDeOro & Pelis y Tuits con el equipo de OZZY la película

El próximo lunes 10 de octubre a las 20:00 en el Lola 09 de Madrid, los BlogosDeOro, en colaboración con los amigos de @silencio_sala y otros blogs de cine, os invitamos a un nuevo evento #PelisyTuits, especial animación y producción, donde podréis conocer a Alberto Rodríguez y Nacho La Casa | @nacholacasa, realizador y productor respectivamente de la película "Ozzy" que se estrena el próximo 14 de octubre.


Si les queréis conocer y charlar con ellos en persona, o queréis asistir a un pase de la película el lunes 10 de octubre a las 12:00 en Madrid, enviad un email a pelisytuits@gmail.com.

Os animamos a asistir !!!  




martes, 4 de octubre de 2016

Lo Tuyo y Tú - Hong Sang-soo

Título original: Yourself and Yours

Año: 2016
Duración: 86 min.
País: Corea del Sur

Director: Hong Sang-soo
Guión: Hong Sang-soo
Música: Dalpalan
Fotografía: Park Hong-yeol

Reparto: Kim Joo-hyuck, Lee You-young, Kwon Hae-hyo, Yu Jun-sang, Kim Eui-sung

Productora: Jeonwonsa Film Company

Un pintor y su novia tienen una tremenda discusión. Ella es dada a salir demasiado, beber de más, y lo que es peor, hay rumores de que, en esa situación, se acerca más de lo correcto a otros hombres. El debate ofende a la joven que abandona la casa de su novio amenazando con no regresar. A partir de ese punto viviremos la experiencia de los dos personajes. Él, desesperado, la busca por doquier. Ella, o su gemela, o una mujer idéntica a ella, deambula en la noche conociendo hombres y bebiendo con ellos hasta perder la conciencia.

Hong Sang-soo escribe y dirige esta peculiar película, una historia pequeña y cercana narrada desde el humor y el absurdo para acercarnos a la relación de pareja y sus fantasmas. Su particular resultado le ha llevado a diversos festivales de primera categoría y a alzarse con el (discutido) galardón al mejor director en el 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

"Lo Tuyo y Tú" sorprende por cómo sabiamente sabe girar el drama hacia la sonrisa, por cómo traduce la confusión de sus protagonistas en situaciones de surreal enredo, metáfora que dinamiza la narrativa y hace del film algo vivo y ameno.

Su puesta en escena es parca y sencilla, reduciendo los elementos visuales al mínimo, lejos del preciosismo al que el cine coreano nos tiene acostumbrados, cerrando y centrando así la atención de la audiencia en sus personajes y conversaciones, nada más allá.

La labor de sus intérpretes es también discreta, siendo su protagonista femenina quien realiza el trabajo más remarcable con sus numerosos giros de actitud y desdoblamientos de personalidad que sabe dotar de simpático divertimento.

Con todo ello "Yourself & Yours" resulta una película agradable, simpática para pasar un rato de entretenimiento, pero en absoluto trascendente. Una propuesta original de fácil consumo y olvido. Pasable.

Valoración:5/10
Trailer:

lunes, 3 de octubre de 2016

Un Monstruo Viene a Verme - J. A. Bayona

Título original: Un monstruo viene a verme - A Monster Calls)

Año: 2016
Duración: 108 min.
País: España

Director: J.A. Bayona
Guión: Patrick Ness (Novela: Patrick Ness)
Música: Fernando Velázquez
Fotografía: Oscar Faura

Reparto: Sigourney Weaver, Felicity Jones, Lewis MacDougall, Liam Neeson, Toby Kebbell, Geraldine Chaplin, James Melville, Garry Marriott, Joe Curtis, Kai Arnthal, Max Gabbay

Productora: Coproducción España-Estados Unidos; Apaches Entertainment / Telecinco Cinema /
Participant Media / RiverRoad Entertainment / Lionsgate

Connor es un niño forzado a madurar antes de tiempo. Tras la separación de sus padres permanecerá viviendo con su madre, quien lucha día a día con un agresivo cáncer, lo que fuerza al pequeño a llevar las riendas del hogar con la sola ayuda de una autoritaria abuela que pugna por ser ella quien se encargue del niño. Sólo en la fantasía encontrará Connor refugio, y en esa frontera entre la realidad y lo onírico conocerá a un gigante, un monstruo amenazador que habita en un cementerio cerca de su casa. Este traerá a su puerta relatos, historias que harán al pequeño enfrentarse con su propia realidad y los verdaderos monstruos de su entorno e interior.

J.A. Bayona toma como base la afamada novela de Patrick Ness para con "Un monstruo viene a verme" cerrar la trilogía que comenzara con "El Orfanato" y "Lo Imposible", tres historias bien diferentes pero unidas por un común nexo, las relaciones materno - filiales, y pone con esta el broche con tremendo acierto y éxito.

Uno de los aspectos más cuidados y llamativos de esta producción es el visual. La galería de efectos especiales que reviste el mundo de fantasía e imaginación que nos es presentado y su interacción con la gris realidad es magnífica. Tanto el diseño del monstruo en sí mismo, como las escenas de masiva destrucción son de máxima calidad, pero no podemos olvidar ni dejar de reseñar lo potente de los recursos usados para ilustrar las historias que la criatura narra al joven Connor, puro arte delicia para la retina.

Otro factor indispensable para el buen funcionamiento de la cinta es la labor de sus intérpretes y esta es sobresaliente, las nominadas al Oscar Sigourney Weaver y Felicity Jones, encarnando a la abuela y la madre, respectivamente, están brillantes e intensas en sus creaciones, pero es el protagonista del film, el joven Lewis MacDougall, quien más sostiene sobre sus espaldas el peso de la película, y resulta su trabajo imponente sorpresa por su profundidad, impecable.

Fernando Velázquez vuelve a colaborar con Bayona para poner notas musicales a su película, partitura y guión se dan la mano para conseguir que el relato fluya con buen ritmo, capture el interés, maximice el entretenimiento y termine sosteniendo las emociones de la audiencia en un puño.

En su contra lo único que juega es quizás la escasa sutileza con la que, con tan buenos recursos, trata de manipular y guiar la sensibilidad del espectador, subrayar cuándo la lágrima debe precipitarse. Este factor es indiferente para quien adore dejarse llevar y perderse en la película y el océano de sensaciones que propone, pero un tanto molesto para la parte de la audiencia más crítica que no gusta de verse mediatizada.

Con todo ello, pensamos que J. A. Bayona ha realizado una película de primera, destinada a seducir al público y perdurar, un film que sabe conjugar a la perfección fantasía y realidad, un trágico cuento agridulce maravillosamente realizado en lo visual e intrepretativo, un cuidado producto inmersivo y emocionante. Recomendable.

Valoración:7/10
Trailer: